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«Dirigir una orquesta es comunicar, es la posibilidad de emocionar a través de la música»

Lara Diloy es Directora de Orquesta. La música siempre ha estado presente en su vida y cuando tuvo que elegir dedicarse a una carrera profesional, se dio cuenta de que era la materia a la que quería dedicar todo su tiempo. Encaminó sus pasos como intérprete profesional de trompa. Posteriormente la curiosidad le llevo a estudiar la rama de dirección de orquesta como un medio para completar sus estudios, pero finalmente ese interés se convirtió en su verdadera pasión.

Y esa pasión es la que la ha llevado ya a los principales escenarios nacionales como el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional o el Teatro Monumental de Madrid entre otros para dirigir diferentes orquestas. Ahora prepara su próximo reto, dirigir la Oviedo Filarmonía el próximo mes de febrero.

Lara Diloy es una profesional inteligente con las ideas claras que viene pisando fuerte, con una seguridad que no le resta una enorme cercanía en el trato personal.

El pasado mes de septiembre fue elegida I Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YanMag y le dedicamos esta entrevista, donde nos descubre su pasión por su profesión y por la música.

– ¿Cuándo y por qué tuviste claro que querías dedicarte a la música?

Desde que empecé a estudiar música en la escuela de mi ciudad se convirtió en una parte muy importante de mi vida. Participaba en todas las agrupaciones: banda juvenil, banda grande, grupo de metales, coro, orquesta… y era muy feliz en ellas. Comencé pronto los estudios superiores, a los 16 años, y los compaginé con Bachillerato de Ciencias con la idea de estudiar Arquitectura en un futuro. Pero a los 18, momento en el que tuve opción de ir a la universidad, supe que quería dedicarme profesionalmente a la música y para ello necesitaba todo mi tiempo.

«Supe que quería dedicarme profesionalmente a la música y para ello necesitaba todo mi tiempo»

– Eres intérprete profesional de trompa, pero al terminar la carrera, te decantaste por los estudios de Dirección de Orquesta ¿qué te llevó a tomar esta decisión?

Al principio fue una forma de seguir aprendiendo. Quería ampliar mis conocimientos musicales y me pareció la especialidad más acertada para ello, pues la orquesta es un lugar en el que siempre me he sentido muy cómoda y conocerla desde otra perspectiva me podía ayudar a ser mejor músico. Esa curiosidad se convirtió en mi pasión y, unos años después de terminar la carrera de dirección de orquesta, decidí que era mi camino.

«La orquesta es un lugar en el que siempre me he sentido muy cómoda»

«La curiosidad por la dirección de orquesta se convirtió en mi pasión»

– ¿Qué es para ti la dirección de orquesta? ¿tienes una visión diferente de la profesión al haber sido también intérprete?

Dirigir es comunicar, es la posibilidad de emocionar a través de la música, es dar con las claves de la partitura que tienes delante, transmitirlo y sacar lo mejor del grupo. Esto genera un reto constante que me motiva a mejorar y aprender continuamente. Le doy un gran valor a poder dedicarme a algo que me apasiona.

Ser instrumentista y haber tocado en orquesta es una ayuda cuando estás al otro lado, porque puedes ponerte rápidamente en el lugar de los músicos y entender qué necesitan de ti. Te permite conectar y empatizar con ellos.

«Le doy un gran valor a poder dedicarme a algo que me apasiona»

– Has sido directora asistente de los maestros Óliver Díaz y Ramón Tebar en grandes producciones que se han presentado en el Palau de les Arts de Valencia, el Teatro de la Zarzuela en Madrid o el Teatro Principal de Palma de Mallorca entre otros. También has sido asistente del maestro Andrés Zarzo con la orquesta del Real Conservatorio Superior de Madrid. ¿cómo es trabajar con estos profesionales y qué particularidades tiene esta labor?

Trabajar con ellos ha sido una gran oportunidad para continuar aprendiendo y entender cómo funciona el mundo profesional. Es verdad que el periodo de formación en el conservatorio supone la adquisición de conocimiento, pero la parte práctica está en cierta medida alejada de la realidad, y ser asistente ayuda a suplir esta carencia. Son grandes maestros y trato de absorber todo lo que admiro en ellos en cada ensayo y en cada momento de trabajo.

La labor de asistente, aunque desconocida, es importante, especialmente en producciones líricas. El director musical tiene una gran responsabilidad y muchas cosas de las que estar pendiente. Los asistentes somos su mano derecha, así como sus oídos fuera, y nos hacemos cargo de los ensayos cuando, por alguna causa, han de ausentarse.

– ¿Cómo fue el tránsito laboral al decidirte a trabajar profesionalmente como directora de orquesta y qué ha cambiado en tu vida?

Hace tres años que cambié de rumbo y fue una revelación. Las circunstancias me ayudaron a tomar una decisión difícil, pues el cambio de vida fue total. Dejé mi trabajo como docente para dedicarme de lleno a la dirección de orquesta con todo lo que conlleva: pasar de un horario y unos ingresos fijos a ser tu propio jefe, ponerte tus horarios y afrontar tus propios retos. Aunque a veces da vértigo, tengo que reconocer que estoy muy contenta de estar viviendo esta aventura.

«El cambio de vida fue total: pasar de un horario y unos ingresos fijos a ser tu propio jefe, ponerte tus horarios y afrontar tus propios retos.»

«Aunque a veces da vértigo, tengo que reconocer que estoy muy contenta de estar viviendo esta aventura»

– ¿Qué aspectos suelen ser decisivos para ser elegida como directora de una formación?

Supone una suma de factores, pero hay uno que considero esencial: que seas lo que el grupo necesita. Cada orquesta tiene su proyecto artístico, su idiosincrasia y su propia esencia. Somos muchos directores y cada uno tenemos nuestra personalidad, nuestra forma de hacer las cosas, una manera de liderar y unos valores. Que director y agrupación se encuentren en sintonía es clave.

– Has sido directora titular de la Orquesta Madrid Sinfónica, y también has dirigido la Bilbao Sinfonikoa Orkestra, la Joven Orquesta Nacional de España, la Varna Philarmonic Orchestra o la Barbieri Symphony Orchestra ¿cómo afrontaste estos retos?

Cada nueva meta me hace acumular experiencia y eso es algo extremadamente valioso en nuestra profesión, ya que no disponemos de una orquesta con la que practicar en casa. En cada proyecto me implico al máximo, estudio la partitura, hago una planificación de los ensayos y durante los mismos intento extraer lo mejor de los músicos. Cuando termina el periodo de trabajo hago un análisis de mi rendimiento, una autoevaluación que me ayuda a afrontar la siguiente parada con más herramientas, conociéndome mejor y conociendo mejor la música.

«Cada nueva meta me hace acumular experiencia y eso es algo extremadamente valioso en nuestra profesión, ya que no disponemos de una orquesta con la que practicar en casa»

– Has dirigido en lugares tan emblemáticos como el Teatro Real, el Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional, el Teatro Monumental de Madrid, el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián o el Teatro Calderón de Valladolid ¿cuál ha sido más especial para ti?

En todos ellos se respira música, y se siente gran responsabilidad al salir a dirigir. La primera vez que lo hice en el Teatro Monumental fue muy emotiva, pues en mi adolescencia acudía regularmente a los conciertos de la Orquesta de Radio Televisión Española, disfrutaba descubriendo repertorio sinfónico y me imaginaba subiendo a ese escenario. La Zarzuela también es un teatro con el que tengo un vínculo especial y dirigir allí es maravilloso.

– La dirección de orquesta es una profesión que ha sido tradicionalmente ocupada por hombres ¿qué transformación se está produciendo y de qué manera se adaptan las orquestas a los cambios?

Socialmente hay una gran evolución y mucha mayor conciencia, está más claro que nunca que una niña puede ser lo que quiera ser: piloto de avión, deportista de élite, directora de orquesta… Las orquestas profesionales son un reflejo de ello y empiezan a incluirnos en sus programaciones y, aunque el camino es lento, a ofrecernos titularidades. Un mundo musical con mayor diversidad, más enfoques y distintas formas de interpretar, enriquece la profesión y ayuda en su progreso. Desde ese punto de vista, nosotras tenemos mucho que ofrecer y muchas ganas de mostrarlo. Hemos venido para quedarnos.

«Las directoras de orquesta tenemos mucho que ofrecer y muchas ganas de mostrarlo. Hemos venido para quedarnos»

– ¿Qué impresión buscas crear con tu trabajo con la orquesta en el público?

Captar la esencia de la obra y transmitirla es una de nuestras razones de ser. Si conseguimos conectar con el público y tenerlo atrapado en la música, experimentando emociones con la misma intensidad que nosotros las vivimos en el escenario, habremos logrado nuestro propósito.

– ¿Cuánto tiempo dispones para preparar cada concierto?

Un concierto sinfónico se trabaja durante una semana con la orquesta, una producción lírica habitualmente alrededor de tres semanas o un mes… Pero detrás de esos días intensos de ensayos, hay meses de preparación.

«Detrás de esos días intensos de ensayos, hay meses de preparación»

– ¿Cómo te sientes en el momento de dirigir?

Me siento conectada a la música, concentrada. Es un momento de entrega en el que se mueven emociones y muchísima energía. Al terminar tengo una sensación de plenitud difícil de describir. Son momentos que compensan toda la parte dura que tiene esta profesión.

– También eres directora y fundadora del Coro Sinan Kay, un proyecto en el que te has involucrado de manera muy personal ¿cuáles son tus funciones y que supone para ti este proyecto?

Trabajar con niños y jóvenes es algo que me fascina, y Sinan Kay, un proyecto coral que nace para dar cabida en el escenario a los más pequeños, es un lugar de crecimiento para mí y para los chicos. Mi labor al frente es artística y didáctica. Aparte de hacer música juntos, trabajamos capacidades y valores que son un aprendizaje fundamental en cualquier campo de la vida. Los niños son el futuro, y a través de la música podemos conseguir cosas increíbles. El vínculo que tenemos es muy grande.

«A través de la música podemos conseguir cosas increíbles»

– ¿De qué manera te gustaría ver tu trabajo en el futuro y qué formaciones te gustaría dirigir?

Me gustaría ver que trasciende, que va siendo más certero y profundo con el paso del tiempo. ¿Formaciones para dirigir? Ahora estoy centrada en mi próximo reto, dirigir la Oviedo Filarmonía en el mes de febrero, y me gustaría seguir desarrollando mi carrera artística en España e impulsarla en otros países. Quiero disfrutar de cada paso en mi carrera.

«Quiero disfrutar de cada paso en mi carrera»

– ¿Cómo ves el mundo de la Música Clásica?

La cultura en general y la música clásica en particular son fuentes de inspiración para el ser humano, desarrollan nuestra creatividad y el sentido crítico, y mueven emociones.

En nuestro caso, estamos encontrando nuevos caminos para hacernos más presentes en la sociedad, aunque aún creo que debemos dar pasos de gigante para llevar la música clásica al alcance de todos.

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

¿Tiempo libre? No hay mucho… (risas) Me gusta pasarlo con mi familia, pareja y amigos, entre cultura: teatro, cine… Sin olvidar la lectura, a la que me gustaría dedicar más tiempo. La naturaleza y la gastronomía son otro pilar fundamental. Y algo que llevo dos años haciendo, clases de danza.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que levantemos más la vista de las pantallas. Que disfrutemos de la compañía de los demás, de aquello valioso que nos ofrece la vida. Y, por supuesto, que pongamos cultura y música en ella.

«Que levantemos más la vista de las pantallas. Que disfrutemos de la compañía de los demás, de aquello valioso que nos ofrece la vida. Y, por supuesto, que pongamos cultura y música en ella»

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Lara Diloy

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«Sentirse aprendiz es el estado más hermoso en el que un artista puede encontrarse a sí mismo»

Pedro Ruy-Blas es cantante, compositor y actor. Su trayectoria de más de 50 años en el mundo de la música lo hace uno de los principales referentes en España. Ha compartido escenarios con los músicos más importantes de jazz obteniendo reconocimiento y éxito nacional e internacional, siendo parte fundamental de la historia de la música. Gracias a la calidad de su voz, sus dotes interpretativas y su tesón, ha sido elegido para participar en exigentes producciones de Teatro Musical como Jesucristo Superstar, Los Miserables o Cats entre muchas otras, dejado siempre una huella imborrable en el público.

Su secreto para continuar en este complejo mundo es seguir aprendiendo y no dar nada por supuesto. En esta entrevista nos desgrana sus impresiones sobre la profesión y su especial relación con el jazz. Conversar con él para YanMag es un placer y un privilegio.

– Llevas 50 años como profesional en el mundo de la música ¿cómo consideras que has evolucionado? ¿qué ha cambiado en tu manera de trabajar y en el entorno desde que comenzaste?

Realmente ya he sobrepasado esos cincuenta añadiendo tres más. A veces me sorprendo al caer en la cuenta, porque han pasado como una exhalación. Afortunadamente, he vivido experiencias maravillosas y muy diferentes entre sí. Me ha dado tiempo de hacer muchas cosas.

Hace pocas semanas estuve viendo Kowloon un espectáculo audiovisual de LRM Performance magnífico en lo que actualmente se conoce como la Casa de Vacas del Parque del Retiro. Una vez allí, no pude evitar recordar que las primeras veces en que canté como profesional, incluso cobrando dinero, fueron en aquel lugar cuando aún era una sala de fiestas muy señorial que se llamaba Pavillón, en una orquesta dirigida por un par de músicos cubanos en bodas y alguna que otra comunión cuando yo tan solo tenía dieciséis años y me contrataron como cantante “ye-ye” para interpretar algunos temas mas juveniles, entre el típico repertorio de pasodobles, cha.cha-cha, tangos y como no La conga de Jalisco.

Las diferencias entre el ayer, el hoy y el mañana, son casi infinitas, lógicamente, no solo en el ámbito de mi profesión, y como decía Roy Batty, el replicante en la película Blade Runner: “He visto cosas que ustedes nunca hubieran podido imaginar” (risas)

Yo mismo, en aquellos comienzos, después de lo ocurrido socialmente en los sesenta y setentas, y los logros conseguidos en innumerables aspectos, nunca hubiese podido creer el grado de involución y mediocridad en la que se encuentra actualmente gran parte de nuestra sociedad.

– ¿Qué es el jazz para ti y por qué lo elegiste frente a otros estilos? 

En mi caso, el jazz es la consecuencia de haber cantado Rhythm and Blues durante algunos años de mi juventud. Una especie de quid pro quo. La extensión de aquellos años en que fui cantante de Los Canarios, un grupo de soul muy potente, con quienes me curtí en ese maravilloso estilo musical que acabó imprimiendo en mi cierto carácter que me condujo a encontrarme con el jazz a medida que fui madurando .

Por otro lado, el jazz es una idealización. Una especie de entelequia que presupone para algunos la cota mas alta a alcanzar como vocalista o como instrumentista. No en vano, se trata del movimiento musical más importante del siglo XX.

En la actualidad, escucho y leo a menudo entrevistas de jóvenes muchachas y en menor medida muchachos, expresando que su meta más alta sería cantar jazz algún día. Entonces me pregunto a mí mismo ¿de dónde sacaran estos jóvenes esa pretensión, esa expectativa? Cantar jazz y hacerlo con fundamento es muy costoso, supone un camino arduo de veras; en él hay un componente lírico muy necesario e importante y por otro lado ha de estar unido a otra raíz, el blues, dos formas de arte que en principio pueden parecer contrapuestas entre sí. Cantar jazz no es solamente hacer scat como muchos creen, exige mucha entrega y hay que renunciar a muchas cosas y poseer un corazón fuerte. Más aún si has nacido aquí. Y pienso…no saben en que lío se meten. Sin embargo, puedo escuchar la respuesta en mi propio corazón, y entonces comprendo sus anhelos.

«El jazz es una idealización. Una especie de entelequia que presupone para algunos la cota mas alta a alcanzar como vocalista o como instrumentista»

«No saben en que lío se meten. Sin embargo, puedo escuchar la respuesta en mi propio corazón, y entonces comprendo sus anhelos»

– ¿Qué supuso para ti tu estancia en Nueva York durante un año a principios de los ochenta y qué te cambió como artista y como persona? 

Los norteamericanos pueden ser los mejores o los peores. Cuando hacen bien las cosas no hay nadie que les supere, como es lógico, ésa es una de las caras de la misma moneda, la otra es que pueden llegar a ser muy ignorantes y mezquinos. Yo siempre he simpatizado con Norteamérica. New York es excitante, si tienes dinero para poder vivir y mantenerte en un buen status es una ciudad maravillosa, todo son sonrisas y miles de cosas estupendas que ver, hacer, experimentar, conocer. En caso contrario, siendo como es la central mundial del consumismo y la mezcla de etnias y culturas, si no tienes algunos dólares en el bolsillo para costearte una mínima zona de confort, puedes echarte a temblar. Allí, todo tiene una mayor dimensión. El bienestar y la miseria pueden ser gigantescos.

Al decir esto, alguien podría contestarme que es igual en cualquier parte, a lo que yo a mi vez respondería: ve a comprobarlo por ti mismo y después hablamos.

Aun así he de decir que yo amo a New York y que allí pasé muchos de los momentos mas hermosos de mi vida.

«En Nueva York todo tiene una mayor dimensión. El bienestar y la miseria pueden ser gigantescos»

«Amo a New York, allí pasé muchos de los momentos mas hermosos de mi vida»

– Has trabajado siempre acompañado de los mejores músicos, como Paco de Lucía, Jorge Pardo, Peer Wyboris, Dave Thomas, Jean-Luc Vallet, Tomás San Miguel, Bob Sands, Horacio Icasto, Antonio Serrano, Rubén Dantas, Teddy Bautista, Noah Shaye, Reinier Elizarde “Negrón”, Carles Benavent, Joan Albert Amargós, Pedro Sarmiento, Frances Capella, David Simó, Manel Santisteban, Pepe Torres, Nono García, Larry Martin o Israel Sandoval, entre muchos otros, asistiendo a los principales festivales de jazz ¿qué recuerdos tienes de estos conciertos?

Son muy numerosos, no podría destacar alguno en concreto y hacerlo sería alargarme excesivamente. Muchos de esos recuerdos están llenos de entusiasmo, de coraje, de entrega y a veces, ¿porqué no decirlo?, de inconsciencia.

Me siento honrado por que mi nombre figure en el historial de innumerables festivales de jazz, e incluso de haber estado en ellos en su primera edición como por ejemplo Guetxo, Vitoria, San Javier, o de haber participado dos veces en el de Donosti, tres ediciones en el de Madrid, Terrassa, y un largo etc.

He tenido el privilegio de trabajar con los mejores músicos del país, y de haberme ganado su respeto y afecto. Ése ha sido uno de los mejores regalos que me ha dado la vida.

«He tenido el privilegio de trabajar con los mejores músicos del país, y de haberme ganado su respeto y afecto»

«Ése ha sido uno de los mejores regalos que me ha dado la vida»

– Una parte importante de tu carrera se ha desarrollado como intérprete en los musicales Jesucristo Superstar, Los Miserables, La Bella Helena, La Maja de Goya o Cats además de otros ¿cuál fue el musical en el que más te emocionó participar? ¿resultó muy agotador subir al escenario varias veces al día durante meses en producciones tan complejas?

Cualquiera de esas participaciones en el Teatro Musical crearon en mí una gran emoción. Todos fueron una experiencia inolvidable que me llevaron a sentir un gran amor por el teatro.

Cada uno de los musicales en los que intervine, los obtuve por oposición, presentándome como uno mas a castings casi siempre de gran exigencia y mucha competitividad. Nunca conseguí papel alguno en esas obras por decreto y francamente, me siento orgulloso por ello.

El papel de Jean Valjean en la primera versión en España de Los Miserables (en el año 1992), al que accedí tras superar durante dos años innumerables y difíciles pruebas, tiene un lugar especial en mi corazón, no solamente por las agotadoras 645 funciones en las que intervine. Sobre todo por haber formado parte de una de las historias más hermosas escritas por el gran humanista Victor Hugo y haber podido participar en uno de los musicales más importantes de la historia, en el que no hubo ni una sola de aquellas funciones en las que intervine, en que no sintiera una enorme emoción haciendo mi trabajo.

Sí, sin duda alguna, el Teatro Musical, con el rigor de un mecanismo de precisión con que las producciones británicas y norteamericanas son llevadas a cabo, su día a día te deja exhausto, aunque a cambio, te otorga formar parte de un espectáculo de gran calidad, lo que como contrapartida significan, enormes estímulos y satisfacciones, junto al cariño imborrable por aquellos que fueron compañeros de fatigas.

«El papel de Jean Valjean en la primera versión en España de Los Miserables tiene un lugar especial en mi corazón»

«No hubo ni una sola de aquellas funciones en las que intervine, en que no sintiera una enorme emoción haciendo mi trabajo»

– Has grabado y producido numerosos discos junto a diferentes músicos, con éxito y reconocimiento nacional e internacional ¿es fácil la comunicación con artistas tan diferentes?

Sí lo es, porque el lenguaje de la música nos hace a todos ser mejores personas y entre los músicos suele crearse un vínculo muy fuerte que a menudo, ni la distancia ni el tiempo logran deshacer.

Este año has publicado Homo Ludens, tu primera experiencia en grabar en tu estudio un disco completamente en solitario ¿de qué manera te has sentido trabajando sin la colaboración de otros músicos?

Me inicié en el manejo de los instrumentos MIDI y los secuenciadores en 1987. Primero con un ordenador Atari, después me pasé a Mac y ya no he dejado de trabajar en alguno de los modelos que han aparecido secularmente. Cuando llegó el momento de elegir si subirme al tren de la tecnología y de Internet o no hacerlo, afortunadamente, después de pensarlo bien elegí emprender el viaje.

Esas herramientas desde entonces han evolucionado intensamente y a veces fue difícil aprender a manejarlas -y continúa siéndolo-, sin embargo, ha merecido la pena. Realmente para un músico, un secuenciador, por ejemplo Cubase que es después del Atari el que siempre he utilizado, es un excelente cuaderno de notas en el que dar forma a composiciones, grabar diferentes instrumentos y acercarte al sonido y al arreglo que te gustaría, para después ser interpretado por músicos de carne y hueso.

Ésa siempre ha sido y de algún modo será mi filosofía, apuntes para mostrar después a los músicos. Sin embargo, en el proceso, al menos yo, he llegado a trabajar intensamente en muchas composiciones que por distintas razones están destinadas a permanecer en el fondo de un cajón para los restos. Un día me pregunté: ¿porque no dejarlas salir a la luz? ¿qué tendría de malo hacerlo? tal vez con sus virtudes y defectos podría ser que tuviesen un valor añadido al estar íntegramente interpretados por mi todos los instrumentos, ideas, sonidos, percusiones, arreglos, mezclas, etc. Y además, a mí me gustan, les tengo cariño, entonces…¿Porqué no? ¿Porqué dejar que se pudran en la oscuridad del fondo de un cajón?

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro? ¿con qué profesionales te gustaría colaborar de nuevo y qué otros te gustaría trabajar?

Francamente, no tengo ni la menor idea. En mi caso siempre unos proyectos se se han superpuesto a otros. Hay proyectos que por diversas circunstancias y aún siendo importantes, se quedan en una especie de limbo, y y otros se anteponen y toman la delantera. Depende en gran parte de circunstancias a veces inesperadas.

En la actualidad, la música en España es una incógnita. Ahora, esta profesión está llena de incertidumbre, por lo tanto, procuro no crearme expectativas, y voy sobre la marcha. Por otro lado, llevo algo mas de un año escribiendo mis memorias compaginándolas con el trabajo de composición en mi homestudio aunque no con la intensidad habitual, pues como decía, ahora ha tomado la delantera escribir, que me ocupa mucho tiempo. También suelo tener ensayos con los músicos que actualmente me acompañan en algún que otro concierto.

La próxima primavera, un productor discográfico en Dinamarca quiere editar un vinilo con una serie de temas instrumentales realizados íntegramente por mi con mi ordenador y mis instrumentos virtuales, en el que la mayoría de los temas fueron hechos durante los años ochenta. Creo que el disco se titulará: Pedro Ruy-Blas – CyborgDolores. Este productor, a través de su sello discográfico, edita sus vinilos en U.S.A, Inglaterra, Japón, Francia, Alemania, etc. La idea de volver a ver un disco mío en vinilo me complace, pues nunca pensé que algo así volviera a ocurrirme.
Son muchos los músicos con quienes trabajé a lo largo de mi carrera, de todos he aprendido musical y humanamente. Con cualquiera de ellos trabajaría de nuevo sin pensarlo.
Además en la actualidad hay muchos jóvenes con gran talento con los que también me gustaría hacer música. Lo verdaderamente importante es que haya lugares, producciones y oportunidades para todos, que nos permitan trabajar y conocernos.

«Lo verdaderamente importante es que haya lugares, producciones y oportunidades para todos, que nos permitan trabajar y conocernos»

-¿Qué consejo le darías a un músico que comienza en este momento? ¿Es más complicado el mundo de la música ahora que cuando empezaste?

No estoy muy seguro de como responder a esto. A veces pienso que sí. Lo que ocurre es que para poder valorarlo es necesario tener una visión holística de la situación actual, y a mí no me es posible. Ahora sí que puedo mirar y entender la fotografía entera de lo sucedido durante varias décadas anteriores al presente, pues es el tiempo el que te permite contemplar las cosas con mas perspectiva, a más distancia, y de ese modo poder ver la interrelación de unos hechos con otros y formar una opinión mas objetiva. El presente esta demasiado cerca de mis narices, de mis ojos y me obliga a verlo todo pixelado. El presente siempre es incierto y por otro lado, yo apenas tengo ya certeza alguna. A cualquier persona que comienza en su profesión, sea la música o cualquier otra cosa, tan solo le diría que intente dejarse la piel en el empeño. La suya y no la de otros.

«A cualquier persona que comienza en su profesión, sea la música o cualquier otra cosa, tan solo le diría que intente dejarse la piel en el empeño. La suya y no la de otros»

– Después de tantos años en la profesión ¿cuál consideras que es tu ética en el trabajo?

Respeto por mi profesión. Respeto por cualquier músico, por cualquier intérprete sea del estilo que sea.

No dejar nunca de ser un aprendiz, pues este es el estado más hermoso en el que un artista puede encontrarse a sí mismo.

Pobre de aquel que piensa que ya lo sabe todo y se contenta con imitarse a sí mismo. Sin humildad, sin inocencia, solo hay soberbia y megalomanía. Demasiada, por desgracia.

– ¿De qué manera te gusta disfrutar de tu tiempo cuando no estás trabajando?

Leer, escuchar música, conversar con los amigos, el teatro, el cine, aunque este últimamente, salvo honrosas excepciones, ha sido desplazado a mi modo de ver, principalmente por HBO y algunas otras cadenas de TV por cable con series de gran calidad. Desde el inicio de The Sopranos, soy adicto a muchas series.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Después de toda época de decadencia, surge un renacimiento. La historia así nos lo revela. Me gustaría llegar a presenciarlo pronto, a poder vivirlo aunque fuese por poco tiempo.

«Me gustaría llegar a presenciarlo pronto, a poder vivirlo aunque fuese por poco tiempo»

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Pedro Ruy Blas

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