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«La belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad»

Pamela Aguayo es fotógrafa mejicana afincada en Madrid. Su vida ha transcurrido en Méjico, Estados Unidos y España, y cada país le ha dado vivencias y estéticas diferentes para su trabajo.

Formada en las prestigiosas escuelas de fotografía Blankpaper y Too Many Flash, desarrolla su carrera como fotógrafa de moda. Trabaja con diseñadores independientes, un sector dentro de la industria de la moda en el que existe más libertad para la creatividad.

Con un estilo muy personal e interesante, muestra la belleza sin artificios, algo que va más allá de una simple estética, una conciencia sobre la naturalidad del cuerpo y una crítica al consumo que lo transforma.

– Eres fotógrafa de moda y directora creativa ¿cómo comenzó tu interés por la fotografía?

Desde pequeña me gustaba la fotografía, fue un amor heredado por mi padre, cuando cumplí 8 años él me regalo mi primera cámara. Recuerdo que le hacía fotografías a mis compañeros en la escuela con una pequeña cámara instantánea. También fotografiaba a mi familia, tengo algunas imágenes que me gustaría utilizar alguna vez en algún proyecto fotográfico. Me parece muy interesante la visión de un niño.

– ¿Qué tiene la fotografía que te ha seguido atrayendo y se ha convertido en tu medio de vida?

Siempre me gustó la fotografía porque lo considero una forma de preservar recuerdos y emociones, cuando veo una fotografía vuelven a mí esos momentos.
Después lo exploré más como una forma mostrar, expresar mi punto de vista sobre el mundo o las cosas que se viven en la actualidad.

«la fotografía es una forma de preservar recuerdos y emociones»

– Fuiste asistente del fotógrafo José Luis Cuevas ¿cómo fue la experiencia de trabajar con él?

Trabajé con él durante una año. Fue una experiencia muy buena, José Luis es una persona muy agradable, tiene una forma de trabajar muy especial. Cuida todos los detalles y se involucra en todo el proceso. Desarrolla proyectos bastante largos, pueden llevarle años e investiga a fondo en cadatema, por eso tiene un equipo de trabajo grande ya que necesita muchos contactos profesionales para conseguir producir.

Recuerdo una ocasión en la que tuvimos que contactar con médicos para conseguir archivos de pacientes muy antiguos. Los casting que realizaba nunca los entendí del todo, no sabía en qué se basaba para elegir a las personas que fotografiaba finalmente. Pero resultaban muy interesantes.

Con él aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo, lo principal es hacer cada día algo, mantenerte activo porque si lo dejas pierdes el ritmo y el proyecto no avanza. También con él tuve la oportunidad de conocer a mucha gente del medio, aprendí mucho de cada uno de ellos, y me dieron motivación para seguir con mi sueño.

«aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo»

– Tu formación y carrera se desarrolla entre México, Estados Unidos y España ¿qué te ha aportado vivir en cada país?

Me ha cambiado la forma de ver la vida totalmente. Conocer otras formas de pensar, de actuar…es muy diferente a lo que yo estaba acostumbrada. El salir de mi zona de confort me ha hecho madurar en muchos aspectos. A veces es duro, porque no es fácil alejarse de lo cómodo o lo seguro. Pero cuando veo todo el crecimiento que he tenido desde entonces no me arrepiento por nada. Y de forma profesional es igual, aprendo de mis compañeros y me nutro de cada persona que cruza por mi vida.
Incluso visualmente al cambiar de entorno, cambio mi visión. Al no estar en un lugar que era común para mí, me hace ser más observadora. Mi forma de componer al hacer fotografías ha cambiado en cada entorno, y más cuando llegué a España, porque estaba acostumbrada visualmente a la Ciudad de México, que es un paisaje lleno de elementos, y para mi percepción Madrid es mucho más neutro hasta cierto punto.

 «al cambiar de entorno, cambio mi visión»

 – ¿Por qué has decidido permanecer en España y qué te aporta creativamente?

Me quedé en España principalmente por mi pareja, pero creativamente me aporta mucho por las personas que he conocido desde que estoy aquí. Especialmente diferentes fotógrafos en la escuela o en el trabajo que me han inspirado mucho, tanto su visión como forma de ver la vida.

– Aunque tu formación ha abarcado la publicidad y el fotoperiodismo, te has especializado en la fotografía de moda  ¿por qué elegiste este camino?

Porque creo que la fotografía de moda se abre más a la creatividad. Me encanta el surrealismo y en la fotografía de moda es un estilo que puedo adaptar perfectamente.

«la fotografía de moda se abre más a la creatividad»

– ¿Cómo ves el mundo de la moda y del editorial de moda en este momento?

Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria. Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas, creo que su trabajo esta muy desvalorado. La gente prefiere ahora comprar una camiseta por 7€ que les va a durar un par de meses a una camiseta de 20 o 30€ que es de buena calidad, tiene un diseño único y además hay mucho esfuerzo detrás.

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

Mi impresión es que el mundo editorial está muriendo. Algunas revistas online ya no pagan las editoriales, y las que lo pagan son pocas, y el medio está muy cerrado, no dan oportunidad a jóvenes fotógrafos.  Por otro lado la gente ya casi no compra revistas exclusivamente de moda, tienen que estar relacionadas con otros temas, como por ejemplo la relación de la moda con temas de arte, para intentar salir un poco del tema superficial al que estábamos acostumbrados.

También hay un problema de percepción sobre la fotografía, porque estamos constantemente bombardeados de estímulos y ahora las imágenes son más desechables. Tienen que tener mucho más fuerza y estar más trabajadas para que la gente se interese por ellas.

«Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria»

– ¿Cómo planteas las sesiones de fotos con los estilistas? 

Primero trabajamos en el concepto creativo, después hacemos lo que se llama el moodboard o muro de inspiración, que sirve para definir el estilo de la fotografía y para explicar estas ideas al resto del equipo. En base a los estilismo y maquillaje, elijo el orden en el que se harán las tomas y finalmente preparo todo el material de arte. Procuro cuidar los tiempos de cada estilismo para que la jornada no sea muy larga y no cansar a la modelo.

– ¿Cómo es tu trabajo en el día a día con los modelos? ¿qué buscas cuando fotografías?

En moda me encantan la poses extrañas del cuerpo. Busco que el modelo salga de lo típico, intento buscar naturalidad y rareza a la vez. También la belleza del cuerpo natural y las formas. Realmente edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo.

«edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo»

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

– Has sido la Coordinadora del Art Showroom en Lanau Espacio Creativo, realizando el comisariado de las exposiciones ¿qué artistas has elegido para este espacio?

Elegí a Lucía e Inés La Mata.

Lucía es fotógrafa, se especializa en retratos e Inés es pintora. 

Las elegí porque me gusta mucho su trabajo, creo que es muy original y las fotografías de Lucía tienen mucha fuerza.

Otra muestra que me gustó mucho fue la de exposición de Sara Batuecas, ella hace retratos de mujeres siendo agredidas por unas manos, en los retratos solo se ve el rostro de las mujeres llorando, angustiadas o tristes, con manos que las rodean de forma violenta. 

Sara es una fotógrafa feminista y casi todos sus proyectos están relacionados con el tema de la violencia hacía las mujeres.

– ¿Qué proyectos estás desarrollando en este momento? 

Estoy trabajando en un proyecto más enfocado a la imagen documental. Es un libro de fotografía y el tema es «la separatidad», un concepto que desarrolló Erich Fromm en su libro El arte de amar. Trata sobre las sensaciones que busca el ser humano desde el momento en que es separado de la madre.

– ¿Cómo influye tu vida en tu fotografía?

En algunos proyectos que tengo planteados para el futuro cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos. Mostrar la cercanía es una manera de impactar de forma positiva en los demás: el afecto y las relaciones personales frente al consumo.

Si nos sensibilizamos más y empezamos con pasos pequeños, como cuidar nuestro entorno más cercano, esto poco a poco cambiará la sociedad a gran escala.

«cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos»

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Me gustaría que mi trabajo genere algo positivo en la gente. Que de alguna forma sea un mensaje y provoque un cambio, como el familiarizarnos más con la belleza de lo natural, ir más a lo real, dejar la tendencia al perfeccionismo vacío.

Ya no estamos acostumbrados ver el cuerpo como es, porque todas las imágenes que vemos en los medios están siempre muy retocadas. Pero la belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad y el consumo.

Debemos consumir con responsabilidad, valorar a las empresas que en verdad les importa el planeta y no solo llenarse los bolsillos.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

Me encantaría poder exponer mi trabajo en Arlés (Francia) en un festival de fotografía y también en algún festival de fotografía en México.
Pero sobre todo me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear.

«Me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear»

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Pamela Aguayo

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«El acto de fotografiar es algo eminentemente solitario»

Valentín Sama es especialista en materiales fotográficos, docente de fotografía y fotógrafo profesional. Desde hace mucho tiempo es una referencia en la profesión en nuestro país y fuera de nuestras fronteras, razón por la cual ha recibido recientemente un homenaje y una muestra de su trabajo fotográfico en la Facultad de Bellas Artes de la UCM.

Fundador de la revista impresa FV y la digital Albedo Media, crítico experto sobre los materiales fotográficos, cámaras y lentes, ha viajado por todo el mundo asistiendo a ferias y conociendo los avances de cada marca.

Los alumnos que han tenido la suerte de asistir a sus clases en la Facultad de Bellas Artes y la Escuela EFTI han podido descubrir la historia de la fotografía, sus herramientas, sus materiales y la profesión bajo un punto de vista diferente. Cada detalle técnico, incluso el más complejos y árido se convierten, gracias a él, en motivo de interés al ser acompañados de una anécdota, muchas de ellas relacionadas con su propia vida o su trabajo fuera de las clases.

Un guía fundamental y generoso para sus estudiantes para adentrarse en el complejo mundo de la fotografía.

Conversar con Valentín Sama es un placer: un profesional cercano, con gran sentido del humor y siempre elegante en sus gestos y palabras.

– Eres experto en historia de los materiales fotográficos, docente, editor, óptico y también fotógrafo ¿en qué faceta profesional te has sentido más cómodo?

Prácticamente todas esas actividades las he simultaneado en el tiempo, y más concretamente la de fotógrafo profesional, óptico, docente y editor…¡era una época trepidante en la que todo nos parecía posible y lo era, si de verdad sentías pasión por lo que hacías!

En mi caso, además, todas esas actividades se interconectaban en torno a mi formación como óptico.
Actualmente, añoro en ocasiones mi labor como tal: trabajaba en un centro altamente especializado, en el que –en equipo– resolvíamos casos muy difíciles y el aspecto humano de ese trabajo era muy gratificante.

Pero creo que es las facetas de docente y editor en las que más cómodo me he sentido y todavía me siento.

La actividad como fotógrafo profesional –que hace mucho que no realizo– me proporcionó algunos buenos ingresos, pero sobre todo me permitió crear los cimientos para realizar una docencia basada en la experiencia real, en todas sus facetas. Por eso, aunque el trato con los clientes constituía la parte más oscura, valoro también mucho esa parte de mi experiencia profesional.

Otro tanto puede decirse del mundo de la historia de los materiales fotográficos: siempre se estudia la Historia de la Fotografía a través de los autores, y sin embargo la obra de estos dependía enteramente de la tecnología disponible.

«Las facetas de docente y editor en las que más cómodo me he sentido y todavía me siento»

– En tu familia había un gusto especial por la fotografía ¿cómo se vivía ese interés? ¿cuándo tuviste tu primera cámara?

Mi abuelo paterno, Valentín Sama López –al que no conocí– era, además de médico, un aficionado extremadamente avanzado. Coetáneo de Ramón y Cajal, al igual que éste exponía y revelaba sus propias imágenes en color –¡en 3D! desde el año 1910. Se trataba de las placas Autocromas de los hermanos Lumière.

En palabras de mi padre -que también hacía fotografía familiar con cierta regularidad- refiriéndose a mí, …«eres tan caprichoso como tu abuelo, y siempre andas tras adquirir la última novedad fotográfica».

Mi primera cámara –hacia 1955– fue una Kodak Vest Pocket Autographic, una pequeña «folding» para rollos 127, del año 1914 aproximadamente; había sido utilizada profusamente por mi madre en su juventud para fotografiar su entorno: personas, animales, barcos y escenas de viajes.
Se trataba de un aparato muy sencillo –que aún conservo funcionalmente– con tiempos de exposición de 1/50s, 1/25s, «B» y «T».
Luego, ya más adelante, me dejaron usar «la cámara buena de la familia», una Kodak Retina Ib, una cámara para película de 35 mm, con óptica y obturador ya avanzados; un aparato de enfoque manual y sin exposímetro.

Esas dos últimas características – o más precisamente, la falta de ellas– son las que me permitieron llegar a entender temas tales como la profundidad de campo, el enfoque por estimación y el ajuste «a ojo» de la exposición…que no es sino saber «ver la luz».

– ¿Cuál fue tu primer proyecto fotográfico?

No deja de tener su ironía el hecho de que mi primer proyecto fotográfico…no llegase nunca a término (risas).

Hacia 1958, un grupo de tres amigos decidimos «hacer» un libro sobre trenes, nuestra pasión de entonces, con unos doce años de edad. Para ello, teníamos que hacer fotografías de locomotoras, vagones… Y ese fue el arranque de la necesidad de aprender a hacer fotografías; para poder ilustrar un libro que, como puedes imaginar, nunca llegó a existir.

Pero creo que ese primer proyecto fue la base de mi cariño por la «fotografía aplicada», una forma de fotografiar con un fin técnico y descriptivo muy concreto. Una fotografía «de encargo». En este caso, «de autoencargo». Y por cierto: llegamos a realizar bastantes fotografías…

«Fue la base de mi cariño por la «fotografía aplicada», una forma de fotografiar con un fin técnico y descriptivo muy concreto»

«La actividad como fotógrafo profesional me permitió crear los cimientos para realizar una docencia basada en la experiencia real»

– ¿Qué significó para ti conocer los materiales Kodachrome y Cibachrome?

Mi primer rollo de película en color fue un Kodachrome, un material para diapositivas que tenía una sensibilidad de… ¡11 ISO! (entonces 11 ASA). Recuerdo todavía que mi primera toma la realicé a 1/60 de segundo a f/4 a pleno sol.
Después, guiado por mi curiosidad, flirteé con todo lo habido y por haber, para volver definitivamente al Kodachrome, ya en versiones de 25, 64 y 200 ISO, y ello hasta que se dejó de comercializar y revelar.

De hecho puedo comentar que, tal como yo lo veo, el famoso «último rollo de Kodachrome de Steve McCurry» es –en sentido estricto– una suerte de «cuento chino»: la razón no es otra que los rollos individuales se empalmaban para procesar en largos rollos de al menos 100 metros por tanda.
Personalmente sí que tuve un rollo de Kodachrome en una de esas últimas tandas…

Pero el Kodachrome ofrecía no sólo la máxima acutancia para una sensibilidad ISO dada, sino además, una permanencia en el tiempo del color insuperable.

Los que no han tenido ocasión de emplear el Kodachrome suelen equivocarse al hablar de su paleta de color: no era muy saturada como suele afirmarse.
Se conformaba en torno a una mezcla de colores muy limpios –salvo el verde– acompañados de los negros más profundos que puedas encontrar en una diapositiva en color, sumados a un contraste elevado con una mínima latitud de exposición. Era un color… Kodachrome.

Una paleta de color tan carismática que algún que otro fabricante de cámaras digitales japonesas trata de emular –como opción de ajuste– bajo nombres tales como «Classic Chrome»…

Lo del Cibachrome, es una historia en sí misma. Cuando, por medios extranjeros, descubrí hacia 1977 que existía un material que permitía obtener ampliaciones positivas en color a partir de diapositivas ofreciendo la única «calidad de archivo» museística de la época, decidí que debía aprender a utilizar ese material.

Puesto que en España era totalmente desconocido y no se importaba, cogí mi fiel Seat 1430 y en unión de Eduardo Bueso como copiloto me planté en Ginebra para comprar mis primeros «packs» de papel (poliéster, en realidad) y productos químicos para su procesado.

Aunque ya antes había copiado negativos en color –sobre papel en color nada menos que baritado– lo del Cibachrome era un reto nuevo.
Pronto descubrí que su contraste era muy elevado y a ello se sumaba que por mi parte empleaba una magnífica ampliadora Besseler 23 CII, con una dura luz de condensadores; esos factores, unidos al contraste del propio Kodachrome hizo que entrásemos en rumbo de colisión.

Ello no dejó de ser afortunado, pues la dificultad de alcanzar un buen positivo me hizo dominar el copiado sobre Cibachrome. Baste decir que una copia estándar mía llevaba hasta 17 zonas distintas de exposición, aplicadas con máscaras recortadas en cartulinas negras y cosidas con grapas. Todo el proceso se hacía en oscuridad absoluta, hasta insertar la hoja a procesar en un tanque.

El resto –en tres pasos químicos– se hacía en un tambor rotativo ya a la luz del día. Con esa técnica hice mi primer exposición en color para la galería Spectrum de Zaragoza, junto con fotos también de Luisa Rojo –mi esposa entonces– cuyas copias en Cibachrome positivé y procesé yo exclusivamente.

No se vendían muchas fotos en aquella época, y debo confesar que cuando vendía alguna, casi me daba pena desprenderme de ella…¡tal era el trabajo de llevaban!

De hecho, mi experiencia con el Cibachrome tiene bastante relación con mis principios como docente: me comenzaron a llamar de agrupaciones fotográficas y escuelas para dar talleres de copiado sobre ese material tan especial.

«Mi experiencia con el Cibachrome tiene bastante relación con mis principios como docente: me comenzaron a llamar de agrupaciones fotográficas y escuelas para dar talleres de copiado sobre ese material tan especial»

A no mucho tardar, comenzaron a aparecer laboratorios industriales dedicados al Cibachrome, y así, los artistas y fotógrafos profesionales pudieron encargar sus propios trabajos allí.

Personalmente, seguí haciendo mis propios trabajos en mi laboratorio personal: conocía demasiado el material como para tragarme las diversas «milongas» que te contaban en ocasiones en algunos de esos laboratorios para justificar defectos tales como dominantes o blancos sucios.

– Has trabajado como docente de fotografía en la escuela EFTI y en la Facultad de Bellas Artes de la UCM ¿cómo ha sido para ti la relación con los alumnos?

Se trata de algo muy difícil de definir, pero podría comenzar matizando que había muchas diferencias entre el alumnado de EFTI, la escuela privada donde había comenzado a dar clases antes, y la Facultad de Bellas Artes de la UCM (BBAA), y en parte en eso radicaba la riqueza de las relaciones.

En EFTI, salvo los primeros años, en los que daba talleres (Polaroid, por ejemplo), el resto impartía clases en los Master en las modalidades de Creativo y Documental, al tiempo que en BBAA impartí clases de Foto Básica, Foto 2, Proyectos (los nombres variaban) e «Iluminación», una maravillosa troncal que se extendía a lo largo de todo un curso.

En EFTI los grupos eran de unas 12 personas, mientras que en BBAA llegaban a ser «entre pitos y Erasmus», hasta de 60 alumnos.
Pero en la Facultad, la experiencia era más…inmersiva, digamos. En mi caso, pasaba más tiempo con los alumnos a lo largo del curso, entrando y saliendo del laboratorio o del plató… y por otro lado, al estar el área de fotografía en el Anexo, junto con Escultura, Audiovisuales y Escenografía, te cruzabas con alumnos de otras disciplinas… muy enriquecedor. Pienso que BBAA goza de un «genius loci» muy especial…

Por otro lado en EFTI, a nivel organizativo y de medios, todo rodaba sin atascos y dado lo pequeño de los grupos resultaba más fácil establecer una relación o atención más directa.

Visto en retrospectiva, pienso que –sin ninguna duda– mi experiencia docente ha sido la actividad más enriquecedora de todas las que he realizado hasta ahora, y espero que algo de lo que yo haya aportado lo sea también.

«Mi experiencia docente ha sido la actividad más enriquecedora de todas las que he realizado hasta ahora, y espero que algo de lo que yo haya aportado lo sea también»

Todavía cuando voy de visita a BBAA o a EFTI más de una vez siento la emoción de oír por detrás a alguien que grita… ¡Valentín!
Es un alumno o alumna que ahora es ya «profe» y doctor.
Lo mismo ocurre cuando en RRSS ves –por ejemplo– personas a las que diste clase y que son profesionales que hacen fotografías mucho mejores de las que hacías tú mismo… ¿se puede pedir más?

– Comenzaste a escribir sobre fotografía en la revista Foto Profesional ¿qué tipo de artículos escribías y qué enfoque tenían?

Una noche, Eduardo Momeñe con quien por entonces tenía una cierta relación, me pidió que le acompañase a una fiesta nocturna que se celebraba en los jardines de Cecilio Rodríguez. No estoy seguro, pero es posible que se presentase un libro de Luis Carandell…

Pero el objetivo de la bienintencionada «encerrona» era presentarme a un tal Manuel López, y le recuerdo nítidamente, con un traje de chaqueta blanco o de tono muy claro. Era el director de la revista Foto –un hombre de gran carisma– y necesitaba alguien que se encargase de escribir artículos técnicos y sobre pruebas de producto.

El acuerdo se cerró allí mismo y colaboré con la revista durante aproximadamente cinco años como Editor Técnico, esto es, responsable de todos los contenidos relacionados con aparatos, películas, pruebas, etc.

Yo era un freelance y no disponía de despacho en la sede física de la revista. Aunque lógicamente coordinaba con el equipo de redacción, gozaba de una cierta libertad acerca de qué productos probar, y empleaba mis propios recursos –cámaras, ópticas, laboratorio, microscopios, etc.– para las pruebas.

– Fundaste la revista FV de fotografía en los años 80 ¿cómo era el funcionamiento de las revistas entonces y qué funciones tenías allí?

La revista FV la fundamos entre tres socios: Juan Manuel Varela, Alfonso del Bario y yo mismo. A ese efecto, entre los tres constituimos una Sociedad Anónima (S.A.). Ello significaba un grado de profesionalidad importante frente a otras revistas más amateur.

Es, igualmente, destacar, que se trataba de una revista mensual, y que ello implicaba –»sí o sí», como se dice ahora– estar en los quioscos en los tres primeros días de cada mes.
Se trata de un desafío que no tiene nada que ver con «revistas» impresas que se publican cuando se ha reunido tranquilamente material para cada numero, cada dos o tres meses, o incluso…¡una vez al año!
Publicar una revista impresa de periodicidad mensual era, en la época, una aventura cada mes de varios millones de pesetas de los de hace 40 años.

«Publicar una revista impresa de periodicidad mensual era, en la época, una aventura cada mes de varios millones de pesetas de los de hace 40 años»

La semana anterior al llamado «cierre» del numero, era y sigue siendo épica para las revistas impresas con periodicidad fija, con el director/editor reclamando artículos a los redactores, fotolitos a los anunciantes, calculando pliegos de color y/o blanco y negro y presionando por encima del hombro a «maquetación».

De hecho, esos último días, a falta de Napalm para «oler a victoria», lo que había era «sonido a victoria» cuando las impresoras de agujas emitían su aullido característico mientras imprimían los artículos que los redactores íbamos a depositar triunfalmente –a tiempo– sobre la mesa del Director/ Editor.

Una vez revisados y firmados los «ferros» (una suerte de borrador impreso en B/N en un papel de baja calidad), «la cosa» iba a la imprenta y ya no había posibilidad alguna de corrección de erratas o de otro tipo en las decenas de miles de ejemplares tirados. ¡Igualito que en un medio web actual! (risas)

El compromiso por parte de todos los implicados era grande y yo he vivido el hecho de que –en caso de un retraso por parte nuestra– en la imprenta se trabajaba todo el fin se semana a fin de poder entregar la revista al distribuidor en el plazo fatídico.
Para los que han crecido directamente con los medios digitales, el mundo de las revistas impresas de los años 80 les tiene que resultar difícil de abarcar.

«Para los que han crecido directamente con los medios digitales, el mundo de las revistas impresas de los años 80 les tiene que resultar difícil de abarcar»

Mis funciones allí eran las de «Editor Técnico», similares teóricamente a las de la etapa de Foto Profesional, pero con una implicación total y con unos medios técnicos envidiables, incluyendo un enorme plató totalmente equipado de cámaras técnicas y equipos de iluminación profesionales. También hacía todas las traducciones de los artículos alemanes que publicábamos con autorización de la revista «Color Foto», una de las mejores germanas de la época.

Al tiempo, a Juan Manuel Varela –inspirador del proyecto– se le habían asignado las tareas de Dirección, y a Alfonso del Barrio. –un crack de la informática y de otros temas– todo lo relacionado con materializar los contenidos en un producto capaz de ir a imprenta sin fallo alguno.

– ¿Qué aprendiste en esta etapa? ¿cómo ha sido tu ética del trabajo?

Aprendía un sinfín de cosas nuevas. Pero el aprendizaje ya había comenzado en la época de Foto Profesional. Para entregar mis primeros artículos allí, tuve que aprender –aunque mal– a escribir a máquina.
Primero con una tradicional de cinta textil entintada y luego –lujo de los lujos– con una Brother eléctrica que avanzaba en una pequeña pantalla LCD unos pocos caracteres antes de imprimirlos: ello suponía una astuta capacidad de «corrección» por anticipación.

En esa misma época de Foto Profesional, en 1986, cubrí para la revista mi primera Photokina, junto con Manuel López y Juan Manuel Varela, eso sí ¡pagando de mi propio bolsillo parte del viaje!

Ya en la etapa de FV aprendí, de la mano de Alfonso del Barrio a manejar ordenadores, procesadores de texto e incluso gestión de bases de datos entre otras habilidades. Para el resto del trabajo venía bien formado, pues para entonces ya gozaba de una gran experiencia como fotógrafo profesional.

Para la ética del trabajo, lo tuve muy fácil, pues en FV, desde un principio, el Director, Juan Manuel Varela me dio una gran libertad de trabajo, dejando muy claro que en ningún caso había que edulcorar resultados de prueba de producto alguna, fuesen o no de anunciantes.

«Para la ética del trabajo, lo tuve muy fácil (…) en ningún caso había que edulcorar resultados de prueba de producto alguna, fuesen o no de anunciantes»

Creo que en eso, en los mejores años de la revista, éramos un medio muy distinto. Recuerdo que en los varios lustros que trabajé en nuestra revista FV sólo recibí una llamada de felicitación de una firma y sí en cambio varias «molestas» por los resultados reflejados: todo un honor.

– Posteriormente fundaste la revista digital DSLR Magazine que acabó convirtiéndose en Albedo Media ¿qué quisiste cambiar en ellas con respecto a tu etapa en FV?

Entre los tres socios, y con la muy importante ayuda de colaboradores y personal auxiliar llevamos a la revista a un reconocimiento y éxito comercial notable en unos pocos años.

Bastante más tarde aparecieron organizaciones tales como la EISA y la TIPA, cuyo esquema fundamental es otorgar premios a Los mejores productos fotográficos del año. Las firmas recipientarias de esos galardones adquieren el derecho a usar los logos correspondientes –previo pago de un sustancioso canon económico– en sus campañas de comunicación y packaging. La revista FV se integró en la segunda organización, la TIPA, que este año pasado ha otorgado premios en… ¡40 categorías!

«Llevamos a la revista FV a un reconocimiento y éxito comercial notable en unos pocos años»

Siempre a mi modo de ver personal, tras esa incorporación a la TIPA, con el paso del tiempo el paradigma de la revista cambió de forma sustancial e irreversible. Como consecuencia, ello me hizo sentir cada vez más incómodo y decidí vender mi participación del 40% en la S.A. y abandonar la revista.

Para entonces, ya hacía unos años que tenía mi blog personal «Acerca de la Fotografía» (que sigue activo), y decidí crear «DSLR Magazine», un medio mucho más completo que el blog.

Tenía razonablemente claro que el futuro era de los medios digitales, y aprovechando que tocaba acudir a la feria Photokina (era entonces cada dos años), la cubrí en solitario ya para DSLR Magazine…y casi perezco en el esfuerzo por una pancreatitis, tras celebrar –conmigo mismo– un cierto éxito en una gestión de la mañana, por la noche, en una taberna germana.

Como puede imaginarse, el cambio fue radical: no había un mes (tres semanas) para planificar los contenidos; el «cierre» era cada hora, festivos incluidos.
Más adelante, creé una Sociedad Limitada –Albedo Media– para gestionar correctamente todo los relativo al medio online homónimo: el nombre de DSLR Magazine había quedado una tanto obsoleto.

«Tenía razonablemente claro que el futuro era de los medios digitales»

«El cambio fue radical: el «cierre» era cada hora, festivos incluidos»

– Has recibido un homenaje de la ANEF por tu trayectoria como profesional como profesor en la materia ¿cómo te sentiste ese día?

¡Me sentí mucho más inquieto y nervioso que ante cualquier otra charla, clase o intervención personal realizada en años anteriores! Una cosa es hablar acerca de algo con lo que estoy muy familiarizado, esto es, aspectos técnicos, y otra muy diferente hacerlo acerca de uno mismo. Me daba miedo emocionarme, y conseguí evitarlo… ¡hasta la última imagen, en la que ya fallé!

A ello se sumó que disponía de un tiempo que para mí resultaba muy limitado y ciertos problemas del equipo de sonido. Todo el mundo me comentó que les había gustado mi presentación –¡qué me iban a decir!– pero se me quedaron muchas cosas «en el tintero», entre ellas algunos agradecimientos debidos…

Pero la realidad es que me sentí muy sinceramente arropado por el cariño de antiguos alumnos –algunos se desplazaron desde el extranjero–, profesores, Instituciones, directores de escuelas, personal laboral, firmas comerciales, etc.

«Me sentí muy sinceramente arropado por el cariño de antiguos alumnos –algunos se desplazaron desde el extranjero–, profesores, Instituciones, directores de escuelas, personal laboral, firmas comerciales, etc»

– También has inaugurado una exposición en la Facultad de Bellas Artes de la UCM con tu trabajo fotográfico ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?

La exposición fue un empeño de Manuel San Frutos, colaborador de DSLR Magazine en sus principios y Editor de Albedo Media en la actualidad.
El agradecimiento al esfuerzo de haber materializado esa exposición fue uno de los que se me «escurrió del micrófono» tal como he comentado más arriba.

En un tiempo récord de pocas semanas consiguió el apoyo de la Facultad de Bellas Artes (Vicedecanato de Cultura, Jefatura de Departamento, etc.) para conseguir algo «imposible»: un excelente espacio en un contexto en el que las salas están reservadas –todas– con uno o dos años de anticipación.

Además consiguió financiación para la producción de la obra, y personal para el montaje. Todo ello, con el apoyo de la ANEF, naturalmente, además de la colaboración gentil de laboratorios, productoras de vídeo, etc.

Creo que resultó ameno para el público, el hecho de exponer –además de las obras– aparatos fotográficos y de laboratorio con los que había creado algunas de las imágenes expuestas.

Personalmente, aunque abandoné hace años voluntariamente participar en exposiciones, salvo colectivas benéficas, puedo asegurar que la montada en BBAA ha sido la de maquetación más bella y mejor ejecución de la que he gozado jamás.
La acogida fue excelente, a pesar de que, debido a las dificultades de disponibilidad de espacios, estuvo colgada relativamente poco tiempo.

«Aunque abandoné hace años voluntariamente participar en exposiciones, salvo colectivas benéficas, puedo asegurar que la montada en BBAA ha sido la de maquetación más bella y mejor ejecución de la que he gozado jamás»

– ¿Qué consejo le darías a una persona que comienza en el mundo de la fotografía?

Siempre en términos humorísticos les diría: «exponer a f/16 al sol y a f/5,6 a la sombra» (para un tiempo de obturación de la inversa de la sensibilidad ISO de la película). Eso es clave. (Risas)

Ya más en serio, es preciso tomar decisiones no menos importantes: ¿quieres disfrutar de la fotografía o pretendes que sea la fuente de tus ingresos?

Sinceramente, es muy probable, aunque no imposible, que ambas cosas no sean al 100% compatibles…

En todo caso, formación, formación y formación. Y no sólo sobre fotografía: hay que ver mucho cine, leer muchos libros (no sólo de fotografía); recomendaría consultar la obra de fotógrafos clásicos y contemporáneos y sus biografías, algo que hoy en día, gracias a Internet es fácil y poco oneroso.

«Hay que ver mucho cine, leer muchos libros (no sólo de fotografía); recomendaría consultar la obra de fotógrafos clásicos y contemporáneos y sus biografías»

Ver muchas exposiciones y aprender a separar el valor de la obra del correspondiente al montaje de la misma siempre evaluando las sinergias posibles; aprender a separar el grano de la paja.
También le recomendaría que, además de entrar inevitablemente en lo digital, –si le resulta posible– aprenda a fotografiar con material fotoquímico (analógico o fílmico), con una cámara clásica mecánica, sin exposímetro.

– ¿Cuáles han sido tus referentes en el mundo profesional? ¿y tus compañeros de viaje?

Me he inspirado en multitud de autores a lo largo de mi vida fotográfica, en la que no está tan separada la faceta personal y la profesional.

En lo relativo a paisajes en color Stephen Shore, y siempre admiré a Ansel Adams, pero no como pueda pensarse por sus clásicos paisajes en blanco y negro (que también…) sino por su mucho menos conocido trabajo comercial y la cobertura del campo de concentración para japoneses de Manzanar: ahí deslumbra la honradez y empatía de ese gran fotógrafo.

Pero de entre todas las profesionales, mi favorita fue siempre Margaret Bourke-White: primera fotógrafa occidental autorizada a fotografiar dentro de la Unión Soviética, primera en trabajar para la revista Life, primera corresponsal de guerra autorizada a fotografiar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial…

La calidad y composición de sus fotografías «pincha» tanto como el alambre de espinos en su fotografía sobre los prisioneros en un campo de exterminio nazi, cuando la fotógrafa marchaba junto con las primeras avanzadillas aliadas.

Soy de la opinión –y creo no ser el único– de que el acto de fotografiar es algo eminentemente solitario.
Sin embargo, desde nuestro primer encuentro en una Jornadas Fotográficas Universitarias hace ya medio siglo, he compartido muchas vivencias fotográficas y humanas con el fotógrafo Rafael Roa.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar?

En este momento, mi gran proyecto es hacer las paces conmigo mismo y con aquellos que me han acompañado hasta aquí. Estoy planteándome escribir algo…podría ser un libro. Quizá, a través de esta entrevista, me hayas regalado generosamente un guión para el mismo…

«En este momento, mi gran proyecto es hacer las paces conmigo mismo y con aquellos que me han acompañado hasta aquí»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que se crease un auténtico gran Centro Nacional de Fotografía. Soy consciente de que existen algunos centros, muy respetables, a nivel provincial, pero creo que se me entiende que hablo de…»otra cosa».

Un gran Centro, con diversas salas de exposiciones y bibliotecas con un museo que incluyese cámaras y otros artefactos fotográficos del «arte y oficio» de la fotografía, así como una colección de obra de autores clásicos y actuales.

Para ello, para su creación y sostenimiento, harían falta fondos culturales y generosidad política. No lo veré yo, ni probablemente nadie, en muchas generaciones, ya que esos dos ingredientes principales no se dan en este momento en nuestro país, convertido –en mi opinión– en un reino de taifas.

«Me gustaría que se crease un auténtico gran Centro Nacional de Fotografía»

«Un gran Centro, con diversas salas de exposiciones y bibliotecas con un museo que incluyese cámaras y otros artefactos fotográficos del «arte y oficio» de la fotografía, así como una colección de obra de autores clásicos y actuales»

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Valentín Sama

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«Mi amor por los animales no es accesorio, es un pilar en mi vida»

Elena Castro es fotógrafa especializada en retratos de animales. Llegó a esta profesión por una necesidad personal y la prestigiosa escuela de fotografía Too Many Flash confió en ella en sus inicios otorgándole una beca. Su posterior formación se ha orientado a partes iguales al conocimiento de los animales y al control de la técnica fotográfica.

Su especial habilidad y cuidado para tratar a los animales crea imágenes delicadas, tiernas, con poses naturales y relajadas, fotografías que cualquiera querría atesorar como recuerdo de sus amigos peludos.

Animal Care Photo es la marca bajo la que presenta su trabajo fotográfico con éxito desde hace un año. En esta entrevista conversamos con Elena Castro sobre su interesante trayectoria y coherente ética de trabajo.

– Eres fotógrafa y te has especializado en fotografía de animales, ¿qué ha supuesto para ti la fotografía y por qué son los animales tu preferencia?

‏Siempre he amado a los animales, desde niña. Pero al crecer, me fui orientando profesionalmente por otros derroteros, en concreto, la formación de personas y empresas. Durante 10 años me dediqué a ello sin encontrar satisfacción, siempre sintiendo un vacío en mi interior. Un revés profesional me llevó a pasar un tiempo parada y comencé un viaje de autoconocimiento, muy difícil, pero creo que muy necesario. Aprendí de mí que necesitaba expresarme artísticamente, y de ahí nació la fotografía. Y aprendí también algo que es muy importante, que mi amor por los animales no era «accesorio», sino que era un pilar en mi vida. Hace ya 6 años que soy vegana por ellos, por evitarles un sufrimiento innecesario, o al menos no contribuir a ello. Para mí fue orgánico, una necesidad interna que me impulsó a aunar en mi trabajo las dos cosas que más amo.

«Aprendí de mí que necesitaba expresarme artísticamente, y de ahí nació la fotografía»

«Mi amor por los animales no era accesorio, sino que era un pilar en mi vida»

‏ – Obtuviste una beca en la prestigiosa escuela de fotografía Too Many Flash, ¿qué supuso para ti este impulso y la formación allí?

‏La obtención de la beca fue el momento en el que, lo que parecía solo un sueño o una ilusión, se convirtió en una realidad que yo empezaba apenas a acariciar. Que una escuela como Too Many Flash creyese en mi trabajo y quisiera darme una oportunidad para formarme y llegar a ser una profesional fue una inyección de motivación y euforia. Fueron dos años muy intensos en los que conocí gente fantástica y me enseñaron las bases para ser hoy quien soy a nivel técnico y artístico. Fue maravilloso experimentar mi sueño convirtiéndose en realidad.

«Fue maravilloso experimentar mi sueño convirtiéndose en realidad»

‏ – Realizaste un curso especializado de Fotografía Publicitaria de Animales, ¿cómo fue la experiencia y qué conclusiones sacaste?

‏Fue un curso intensivo muy interesante donde aprendí a valorar la incidencia de las luces en los distintos pelajes y a crear escenarios con pocos elementos para transmitir mucho. Y, además, aprendí la importancia del manejo de los animales. Ellos no deciden libremente estar en un plató, bajo los flashes y las cámaras. La prioridad siempre deben ser ellos, tienen que disfrutar y pasarlo bien, es la única manera de que puedan ser captados con naturalidad.

«Los animales no deciden libremente estar en un plató, bajo los flashes y las cámaras»

«La prioridad siempre deben ser ellos, tienen que disfrutar y pasarlo bien, es la única manera de que puedan ser captados con naturalidad»

‏ – ¿Cómo preparas habitualmente una sesión de fotos con animales?

‏La parte técnica la preparo dejándome llevar un poco por lo que las musas me inspiran ese día, tras haber conocido al animal y a su familia.

‏Dedico un tiempo variable a establecer lazos con el modelo. A veces con 10 minutos de juego y caricias es suficiente. Otras veces, como ha ocurrido en mi última sesión de fotos a domicilio, se necesita un poco más de tiempo. En este caso las modelos eran dos gatitas a las que les dio un ataque de timidez y tuve que trabajar con ellas durante 1 hora la confianza. Por suerte, mi experiencia como catsitter gatuna me ayuda en estas situaciones.

«Dedico un tiempo a establecer lazos con el modelo»

‏ – ¿Hay diferencias en el trabajo con distintas especies?

‏Sí, definitivamente. Hay diferencias incluso de un animal a otro. Aunque pertenezcan a una especie o raza determinada, cada individuo es distinto al anterior. Cada uno tiene un carácter, una personalidad, un paquete de experiencias diferente a sus espaldas. Lo más importante es observar al individuo que tienes delante, interpretar su lenguaje corporal, y actuar en consecuencia.

– ¿Y tú? ¿convives con animales?

‏¡Por supuesto! Creo que hoy por hoy no podría concebir mi vida sin animales. Ojalá todos los animales pudiesen vivir libres y felices en sus propios hábitats. Pero la realidad es que hemos creado un planeta hostil para ellos, se quedan sin espacios para vivir, y los que existen están llenos de peligros. Demasiada gente busca hacerles daño, por maldad o desconocimiento. Mientras sigan apareciendo camadas en los contenedores, en las calles, en las puertas de los refugios, los seres humanos con amor hacia ellos tendremos que seguir adoptando y rescatando.

‏Ahora mismo comparten mi vida varios gatos, más una gatita acogida de la protectora Rivanimal. Recientemente hemos perdido, en el espacio de cinco días, a nuestra galga Niebla y a Domi, un gatito blanco y negro que falleció prematuramente a causa del PIF. Es muy duro perder a un ser querido, pero nos quedan los recuerdos: : en nuestra memoria, en sus juguetes y en nuestras fotos.

«Es muy duro perder a un ser querido, pero nos quedan los recuerdos»

‏ – Estás cursando un Máster en Etología Felina para conocer más a los gatos y sus señales ¿qué supone esta formación para ti?

‏Aunque amo a todos los animales sin distinción, confieso que los gatos despiertan en mí mayores emociones, sintonizo mejor con ellos a muchos niveles. No solo los fotografío, sino que también convivo con ellos, por lo que para mí es vital conocerlos y comprenderlos. Esta formación la realicé con la intención de estar preparada para interactuar con ellos, tanto en sesiones fotográficas como en mi vida diaria con mis gatos. De esta manera puedo conocer y anticipar señales de felinos con los que no tengo trato habitualmente y realizar mejor mi trabajo. Para mí los animales merecen el mayor de los respetos, por eso invierto todo el tiempo que puedo en formaciones que me enseñen cómo se comportan.

«No solo los fotografío, sino que también convivo con ellos, por lo que para mí es vital conocerlos y comprenderlos»

‏– ¿Por qué es una buena idea hacer fotos profesionales a nuestros animales? 

‏Quienes convivimos con animales, quienes los amamos, sabemos que son lo más inocente y preciado de nuestras vidas. Su mera presencia, su compañía, a veces simplemente ver sus caras serenas y felices, puede dar la vuelta a un mal día y traernos paz. Tener un retrato del vínculo entre animal y humana, una foto que llevar en la cartera, o con la que decorar nuestro salón, puede ser muy satisfactorio para un papá o mamá perruno o gatuno. Son recuerdos que permanecerán con nosotros incluso después de que no estén.

«Tener un retrato del vínculo entre animal y humana, una foto que llevar en la cartera, o con la que decorar nuestro salón, puede ser muy satisfactorio»

‏- ¿Cómo son tus clientes y cuál es la relación con ellos?

‏Mi cliente es una persona compasiva, que ama no solo al animal que convive con ella, sino también a los demás animales, a los otros perros del parque, a los gatos con cuenta propia en Instagram. Es posible que su compañero también tenga su propia cuenta en redes sociales. Mi cliente considera a su compañero animal un miembro más de la familia, no una mascota. Y quiere hacer cosas con él, pasar ratos de calidad con él. Es posible que mi cliente sea una persona vegana o vegetariana, o lleve un tiempo pensando en serlo gracias a todo lo que su animal le ha enseñado.

«Mi cliente considera a su compañero animal un miembro más de la familia, no una mascota»

‏- ¿Qué servicios ofreces en Animal Care Photo?

‏La gente suele tener una imagen mental de lo que querría obtener, a veces quiere fotos artísticas en estudio, otras veces ir al parque favorito de su compi perruno, y otras quiere recuerdos familiares y hogareños. Cualquier opción es posible.

‏Ofrezco también la posibilidad de crear un álbum personalizado con las fotos resultantes, o un cuadro para decorar el hogar. Mi recomendación siempre es materializar las fotos, de otro modo, los archivos digitales acaban quedando olvidados en algún disco duro…

‏- ¿Cómo es tu ética de trabajo?

‏Para mí lo primordial es el buen trato y manejo del animal. Si el animal sufre, no importa el contexto, no trabajo. Hasta ahora no he tenido que suspender ninguna sesión por este motivo, porque con paciencia y cariño se logra en la mayoría de los casos captar momentos únicos, cómplices, naturales… Pero jamás se daña al animal, ni se le fuerza ni se le hace seguir trabajando si está estresado.

«Si el animal sufre, no importa el contexto, no trabajo»

– ¿Quién te gustaría que conociera tu trabajo?

‏Toda persona que ame a los animales, que considere a sus compañeros familia y quiera pasar un rato divertido del que obtener un precioso recuerdo para siempre.

‏– ¿Qué ha supuesto para ti la creación de Animal Care Photo como emprendedora y cómo consigues avanzar en cada fase?

‏Emprender es lo más difícil que he hecho en toda mi vida, y el emprendedor que diga lo contrario miente (risas). Casi nada de lo que leas, de lo que te digan, te prepara para enfrentarte a lo que realmente es emprender. Los errores, los palos de ciego, las frustraciones… En esto no hay brújula, trabajas sola y nadie guía el camino. El primer año es una constante cuesta arriba, pero de repente, cuando te quieres dar cuenta, comienzas a caminar sobre llano. Comienzas a recoger frutos, a obtener feedback de clientes, a rectificar tus errores, a repetir las fórmulas que funcionan, etcétera. Éste es el momento en el que me encuentro, y la verdad es que estoy muy feliz y a gusto.

«Casi nada de lo que leas, de lo que te digan, te prepara para enfrentarte a lo que realmente es emprender»

«Éste es el momento en el que me encuentro, y la verdad es que estoy muy feliz y a gusto»

‏- ¿Qué temas tratas en tu blog y por qué es bueno leerlo?

‏Como mamá felina y perruna, comparto aquellas experiencias que yo he vivido y que pueden servir a otras personas, como por ejemplo lidiar con alergias conviviendo con animales, o cómo despedirse de ellos cuando nos dejan. Una o dos veces al mes lanzo una Newsletter en la que destaco los temas más interesantes y cuento novedades.

– Colaboras de manera desinteresada con diferentes protectoras de animales, ¿qué tipo de trabajo has realizado con ellos?

‏Normalmente, aporto lo que ellos necesitan y yo puedo darles en cada momento. A veces es mano de obra, otras donativos, y últimamente lo que más regalo son sesiones de fotos para que los animales que más difícil tienen ser adoptados tengan mayor relevancia. Hoy día la gente a menudo elige a sus animales por una foto en redes sociales: si esa foto transmite, más posibilidades tendrá ese animal. De esta idea surgió mi proyecto Black is Black: a menudo las protectoras me comentan que los animales a los que más cuesta dar en adopción son los negros, sin saber el motivo. ¿Estética? ¿Superstición? Con las fotografías de Black is Black denuncio este hecho y trato de concienciar a la gente para que adopte animales negros.

«Si esa foto transmite, más posibilidades tendrá ese animal de ser adoptado»

– ¿Qué planes tiene Animal Care Photo?

‏Siempre me ha costado pensar a largo plazo, no sé dónde estaré dentro de un año, ni de cinco. Disfruto mucho el ahora, y lo que estoy haciendo ahora es preparar la feria internacional vegana VeggieWorld que se celebrará los días 13 y 14 de abril en el Palacio de Cristal de la Casa de Campo. Allí estaré con mi estand, y a la vez con la exposición Black is Black que te mencionaba antes. La entrada anticipada se puede adquirir en la web de VeggieWorld por 7 euros.

‏- ¿Cómo es tu tiempo libre?

‏Soy una persona muy casera, disfruto de estar en casa con mis gathijos, cuidarles, mimarles y jugar con ellos. Y hacerles fotos, ¡claro! (risas)

‏-  Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.

‏Un deseo muy ingenuo: que llegue el día en que los animales no tengan que morir por causa del ser humano.

«Me gustaría que llegue el día en que los animales no tengan que morir por causa del ser humano»

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