«El arte tiene un efecto liberador y de desarrollo personal»

Óscar García García es comisario de arte, cofundador de la revista Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) y director de las ferias JUSTMAD y JUSTLX. Con una amplia experiencia en el mundo del arte trabajando en museos, galerías de arte, ferias, festivales y revistas especializadas en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia o Alicante, y como comisario independiente desde 2008, cofundó la revista PAC, una de las más conocidas en el sector. Sus textos sobre arte se pueden leer frecuentemente en numerosas publicaciones de ámbito nacional e internacional.

En la actualidad dirige dos de las ferias más importantes de arte contemporáneo en la península Ibérica, JUSTMAD en Madrid y JUSTLX en Lisboa, encuentros que se han convertido en referencia fundamental para descubrir a las galerías y artistas que liderarán el sector.

Conversamos con este gran profesional que nos muestra su pasión sin límites por el arte contemporáneo.

– ¿Cómo comenzó tu interés por el arte y de qué manera acabaste trabajando en este sector?

Desde muy pequeño he sido bastante creativo. Estaba dibujando, pintando y escribiendo a todas horas. Siempre supe que quería ser parte del mundo del arte, aunque no tenía muy claro cómo. Poco a poco la vida me llevó a disfrutar creando proyectos en los que estaba cerca de los artistas y sus obras. Proyectos en los que servía como nexo o conexión entre los artistas y el espacio expositivo, o entre las obras de arte y la compresión del espectador.

«Siempre supe que quería ser parte del mundo del arte»

«Poco a poco la vida me llevó a disfrutar creando proyectos en los que estaba cerca de los artistas»

– Eres autor de numerosos artículos publicados en revistas como ArtNotes, Tentaciones del Mercado del Arte, Vanidad o Element Magazine Panamá entre otros ¿qué es lo que más te gusta de escribir sobre arte y cuál es la mejor manera de acercarlo a las personas que no tienen relación con él?

Siempre me gustó acercar el arte a los demás y escribir me parece una forma apasionante de hacerlo. Para ello mi forma de escribir no es nada encriptada, al contrario, busca que la lectura llegue a todo el mundo; dejando de lado ese concepto de que el arte es sólo para entendidos. Me gusta escribir sobre arte para poder transmitir mi pasión y que los lectores puedan disfrutar tanto como lo hago yo con el arte.

Para mí es esencial esa forma de trasmitir de tú a tú, de acercar el arte de una forma natural sin prejuicios, donde el espectador no piense «esto no es para mí». Las obras de arte, a modo de espejo, siempre nos devuelven una mirada propia. Ya que dependiendo de nuestra forma de ser o vivencias, una misma obra nos habla de diferente forma a cada espectador. Hagamos que cada persona disfrute y consuma arte a su manera, de forma libre. Para ello el acercamiento debe de ser accesible, legible y cercano.

«Las obras de arte, a modo de espejo, siempre nos devuelven una mirada propia»

«una misma obra nos habla de diferente forma a cada espectador»

– Eres co-fundador de la revista Plataforma de Arte Contemporáneo junto a James Marr (conocido como el artista KAUFMAN). PAC es una publicación muy conocida con más de diez años de trayectoria ¿cómo se originó y cuál fue la motivación para fundarla?

Cuando mi socio, James Marr, y yo fundamos PAC, simplemente queríamos hablar, escribir y crear proyectos sobre nuestra pasión: el arte contemporáneo. Así es como surge una plataforma dedicada exclusivamente al arte más actual. Compuesta por dos partes: una de difusión, en la que trabajamos como una revista digital publicando tres noticias diarias sobre arte contemporáneo; y otra de promoción, en la que creamos proyectos comisariados y de gestión cultural, tanto propios como para diferentes galerías, ferias, festivales o marcas.
Debido a estas dos partes de difusión y promoción decidimos crear una plataforma (un término que ahora está muy de moda). No éramos sólo una revista digital o una empresa de gestión cultural, éramos mucho más, de ahí nace PAC Plataforma de Arte Contemporáneo. Y creo que esa necesidad de una plataforma muy activa y al día del presente del arte, existía entonces y aún existe, la prueba es que vamos a cumplir 13 años.

«Cuando fundamos PAC, simplemente queríamos hablar, escribir y crear proyectos sobre nuestra pasión: el arte contemporáneo»

«No éramos solo una revista digital o una empresa de gestión cultural, éramos mucho más»

– Uno de tus mayores proyectos ha sido escribir Dios salve el arte contemporáneo para la editorial Paidós, un libro enfocado en los pecados capitales cometidos por los artistas de nuestro tiempo ¿cómo fue el proceso de la escritura del libro y qué artistas quisiste incluir en él?

Cuando me llamó el Grupo Planeta para escribir un libro, no me lo podía creer. No sólo Planeta conocía mi trabajo dentro del mundo del arte, sino que además querían que escribiera para ellos. Por supuesto, rápidamente acepté la propuesta, era un gran reto que no iba a ser nada fácil pero al que sólo podía decir sí. Escribir sobre mi pasión, el arte contemporáneo, y además para la editorial Paidós, era un sueño.

Tras aceptar escribir un libro sobre arte contemporáneo dentro de la colección PARA CURIOSOS –una colección que habla de forma coloquial y cercana de todo tipo de temas- el editor me preguntó qué libro me gustaría escribir y me pidió que le hiciera una propuesta de como iba a tratar el tema. Y una vez fue aceptada, tuve seis meses para escribir el libro.

«era un gran reto que no iba a ser nada fácil pero al que sólo podía decir sí»

«Escribir sobre mi pasión, el arte contemporáneo, y además para la editorial Paidós, era un sueño»

La idea en la que se basa el libro -que por cierto se me ocurrió un día mientras corría- presenta al ser humano como un animal que, sin embargo, quiere alejarse lo más posible de estas raíces y dominar sus pasiones e impulsos más primitivos. Estos deseos reprimidos muchas veces se trasforman en lo que llamamos vicios o pecados desde el punto de vista religioso, moral o ético. Si tenemos en cuenta que nos valemos del arte para trasmitir nuestras emociones y sentimientos, este se convierte en una vía perfecta para canalizar nuestra pasiones más elementales. La estructura del libro cuenta con un prólogo y una introducción que nos hablan del paso de lo moderno a lo contemporáneo para ponernos en situación, seguidos de siete capítulos, que muestran los siete pecados capitales. A su vez, en cada capítulo, hablo de tres artistas que se relacionan con el pecado en cuestión ya sea por su obra, su forma de trabajar, lo que quieren expresar o porque son lo que consideramos unos verdaderos pecadores.

Algo que tenía claro cuando me embarqué en este proyecto era que quería escribir sobre lo contemporáneo. No quería escribir, como tantas veces se ha escrito sobre Picasso, Dalí o Duchamp, quería hacerlo sobre artistas actuales. Así es como estos veintiún artistas se convierten en los protagonistas de Dios salve el arte contemporáneo: Damien Hirst, Jeff Koons, Anish Kapoor, Fernando Botero, Mu Boyan, Erwin Wurm, Ángela de la Cruz, Marina Abramović, Regina José Galindo, Robert Rauschenberg, Tracey Emin, Wilfredo Prieto, Robert Mapplethorpe, Takashi Murakami, Deborah de Robertis, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Muelle, Shepard Fairey «OBEY» y Banksy.

– Desarrollas proyectos de comisariado para museos o instituciones públicas y también privadas, además de marcas ¿cómo planteas cada proyecto y de cuáles te sientes más orgulloso?

Cada comisariado es totalmente diferente. En ocasiones soy yo el que presento un proyecto artístico a un espacio expositivo, pero en otras circunstancias es el espacio el que contacta conmigo para que cree un comisariado para el mismo. Es en ese momento es cuando comienza un trabajo apasionante donde artistas, obras de arte, espacio y público son fundamentales. Empiezas a crear un relato a tres o cuatro bandas. He tenido la suerte de realizar comisariados para galerías de arte, museos, fundaciones, centros de arte, ferias y festivales, pero también para marcas y firmas privadas. Es muy difícil elegir, me siento muy orgulloso de todos y cada uno de los comisariados que he realizado, me han servido de aprendizaje y disfrute.

«Es en ese momento es cuando comienza un trabajo apasionante donde artistas, obras de arte, espacio y público son fundamentales»

«me siento muy orgulloso de todos y cada uno de los comisariados que he realizado, me han servido de aprendizaje y disfrute»

– Actualmente eres director de JUSTMAD una de las ferias más importantes de la Semana del Arte en Madrid, con su versión en el extranjero JUSTLX Lisboa. Son ferias con una enorme producción detrás ¿qué ha supuesto para ti el reto de la dirección y cuál es el enfoque que has dado a la feria?

La verdad es que es un gran desafío y una gran responsabilidad. JUSTMAD lleva quince años marcando el pulso del arte más actual y se ha convertido en un referente dentro del arte contemporáneo. Grandes galerías, artistas y comisarios han formado parte de este proyecto y estoy muy feliz de poder ser parte de su historia.

Nuestro reto principal es continuar sorprendiendo a los amantes del arte con las tendencias artísticas más actuales. Nos hemos consolidado como una feria indispensable para conocer nuevas galerías, artistas y proyectos que liderarán el panorama artístico del futuro inmediato; nos hemos afianzado como una feria de descubrimiento.

La nueva edición de la feria tendrá lugar del 7 al 10 de marzo 2024 en el Palacio Neptuno de Madrid. En ella vamos a reunir 40 galerías y más de 120 artistas. Además presentaremos intervenciones, esculturas, performances, charlas, mesas redondas e instalaciones específicas que completarán el espacio expositivo para extender la creatividad más allá de las galerías, en una muestra que rompe las fronteras del arte emergente.

«Dirigir JUSTMAD es un gran desafío y una gran responsabilidad»

«Grandes galerías, artistas y comisarios han formado parte de este proyecto y estoy muy feliz de poder ser parte de su historia»

– También eres coleccionista de arte ¿cuáles son tus preferencias a la hora de adquirir obra?

Tengo una pequeña colección que va creciendo poco a poco. Es muy plural ya que muchas de las obras que compro pertenecen a artistas con los que he trabajado. Me gusta coleccionar un «pedazo» de esos comisariados y proyectos en los que he participado de alguna manera.

– ¿Cómo es tu relación con los artistas y qué sensaciones te provocan el intercambio de ideas con ellos?

Disfruto estando cerca de los artistas y muchos de ellos son grandes amigos. Creo que su sensibilidad y conocimiento es un regalo para cualquiera que pueda compartir una charla o un rato con ellos.

– Habitualmente das charlas y conferencias sobre tu trabajo a estudiantes de arte ¿qué consejos sueles darles?

Me gusta motivarles para que luchen por lo que les gusta. Aunque les suelo hablar de lo complicado que es vivir del Mercado del Arte, también les animo y doy consejos prácticos para lograrlo.

«Me gusta motivarles para que luchen por lo que les gusta»

«les animo y doy consejos prácticos para lograrlo»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me gustaría seguir creando proyectos a la misma velocidad que disfruto del arte. Proyectos propios ligados al arte y la cultura, que me sorprendan y se conviertan en un reto.

– ¿A qué te gusta dedicar tu tiempo cuando no trabajas?

Algo que ya hago trabajando, disfrutar el arte en su más amplio significado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que el arte ayude a mucha más gente a ser mejores personas. El arte tiene un efecto liberador y de desarrollo personal. El arte nos une y nos hace más sensibles, más críticos y más libres. De ahí la importancia del arte en la sociedad, más aún en los tiempos en los que estamos viviendo.

«Que el arte ayude a mucha más gente a ser mejores personas»

«El arte nos une y nos hace más sensibles, más críticos y más libres»

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Dios salve al arte contemporáneo – Paidós – Grupo Planeta

Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC)

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«Del arte nos apasiona la capacidad que tiene de unir a tantísimas personas»

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Carla Lariot, art advisor e historiadora del arte y Luca Sandigliano, arquitecto, son los fundadores de Lariot Collective, galería de arte con base en Londres y de recorrido internacional. Nacida en plena pandemia, se enfrentó con creatividad e inteligencia a todos los inconvenientes de ese momento. Después de tres años ha conseguido hacerse un hueco en la escena internacional del arte contemporáneo con un modelo de galería ecológicamente sostenible y en constante transformación, siempre buscando adaptarse a las necesidades del mercado y las tendencias.

Una galería que crea comunidad en torno a sus artistas y que tiene la capacidad de atraer nuevos coleccionistas y también a aquellos más experimentados, acogiendo a todos con un trato personal y cercano.

Conversamos con sus fundadores para conocer en profundidad el alma de su empresa.

– Sois una española y un italiano residiendo en Londres desde hace más de siete años ¿cómo os conocisteis y en qué momento decidisteis crear la galería Lariot Collective?

Nos conocimos en Londres en Febrero del 2020, en ese momento Luca trabajaba en Foster & Partners como Bim & Design System Coordinator y Carla como art advisor y especialista en arte emergente para la Cingilli Collection. Entre nosotros siempre hablamos de que nuestros sueños eran tener una galería (Carla) y montar una empresa (Luca). Al llegar la pandemia, en octubre de 2020 Carla perdió su trabajo, y allí vimos claro que era el mejor momento para arriesgar y crear Lariot Collective. Fue una apuesta de ambos en un momento muy complejo para todos, todo un reto en pleno confinamiento. Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad y donde surgen los mejores proyectos. Es fundamental recordar que una recesión es también un catalizador de innovación y oportunidades.

«Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad»

– ¿Qué relación tenéis con el arte y la cultura? ¿qué es lo que más os apasiona?

– Carla: He tenido la inmensa suerte de crecer en una familia que desde muy pequeñita me han inculcado el amor por el arte y la cultura. Mi abuela era pintora, mi padre (semiólogo) fue durante 6 años el director de la Academia de Bellas Artes en Roma y crecí jugando en los estudios de los artistas. Mi madre (socióloga) siempre ha estado muy relacionada con el mundo de la cultura. Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello, es el campo en el que más cómoda me siento y en el que más he disfrutado. Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas.

«Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello»

«Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas»

– Luca: Mi proceso ha sido muy gradual y orgánico. Al haber nacido en un pueblo pequeño, enseguida tuve la curiosidad y las ganas de liberarme de una realidad relativamente restringida, lo que me permitió estar expuesto a diferentes lugares, personas, ambientes e inputs distintos a lo largo de los años y poco a poco fui construyendo mi bagaje cultural.

Sin duda, haber estudiado arquitectura jugó un papel fundamental, ya que es una disciplina muy flexible que te abre la mente a 360 grados, gracias a lo cual he cultivado todo tipo de contactos y amistades. Un arquitecto puede convertirse fácilmente en escritor, cineasta, diseñador de moda, fotógrafo o artista. Siempre me ha fascinado la conexión entre arte y arquitectura. Contenido y contenedor, técnica e imaginación, luz y sombra.

Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo, la descripción parcial y la libertad mental que necesariamente se desata, esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso.

«Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo»

«esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso»

– ¿Qué os aporta Londres y por qué la galería nació en esta ciudad?

Es la ciudad que a ambos nos ha lanzado profesionalmente, los dos vivíamos ya aquí desde hacía varios años y Londres siempre ha sido un grandísimo epicentro de arte y centro de negocios. El panorama artístico aquí sigue siendo inigualable, una eclosión de artistas y galerías que son una gran inspiración. Siempre hemos pensado que si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad, aquí la competencia es altísima.

 «si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad»

– ¿Qué tareas realiza cada uno en la galería y de qué manera os complementáis?

Lo cierto es que nos complementamos muy bien, el hecho de que vengamos de campos distintos es clave: Carla lleva más de 10 años de experiencia en el sector y con experiencias profesionales tanto en galerías, instituciones y bienales como en el mercado del arte y por tanto es quien tiene el know-how; sin embargo, Luca que viene del mundo de la arquitectura y con experiencia en gestión de grupos y management, es quien aporta las ideas más rompedoras, ve más allá de cualquier modelo clásico y eso es clave.

Los dos estamos en todos los procesos de toma de decisiones, pero quizás Carla es quien lleva más la parte de relaciones (tanto con los artistas como con los clientes), ventas y la parte más especializada y Luca es quien lleva toda la parte de diseño y organización. Lariot Collective es la combinación de los dos.

– Carla, has trabajado para numerosas instituciones públicas y privadas del mundo del arte tanto en Reino Unido, como Italia y España, entre las que destacan la Bienal de Venecia, Sabrina Amrani Galería de Arte, Peggy Guggenheim Collection, Frieze, Victoria & Albert Museum o Red Valentino entre otras, además de trabajar como art advisor para coleccionistas ¿cuáles son las experiencias que más te han aportado personal y profesionalmente?

A lo largo de mi carrera profesional y académica he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte y no centrarme únicamente en un sector sino tener una experiencia amplia para conocer esta industria desde distintos puntos de vista.

Creo que de todas las experiencias profesionales que he tenido, las que más me han enseñado han sido mi paso por la Peggy Guggenheim Collection, es allí donde entendí que el mundo del arte era mi pasión; mi paso por Sabrina Amrani durante sus primeros años de galería y con la que aprendí muchísimo además de ser un gran ejemplo para mí como galerista; el honor de haber asistido a Okwi Enwezor en la Bienal de Venecia y haber podido trabajar mano a mano con todo el equipo que está detrás del coloso de la bienal; y por último ha sido clave haber trabajado con Kemal Has Cingillioglu en la Cingilli Collection como asesora de arte, gracias a él he aprendido todo lo que sé sobre mercado de arte.

En todas estas experiencias he crecido mucho no sólo profesionalmente sino personalmente.

«he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte»

«En todas estas experiencias he crecido mucho no solo profesionalmente sino personalmente»

– Luca, eres arquitecto de profesión para una gran firma en Londres, pero has llegado al mundo del arte contemporáneo ¿relacionas de algún modo ambos mundos a través de la galería?

Toda mi vida profesional ha orbitado siempre en torno al proyecto: ya sea el diseño de un masterplan con Foster + Partners o la dirección de la construcción de un edificio con el grupo MACE.

El proyecto define un deseo, una idea que toma forma, un objetivo preciso, un calendario, un nivel de desarrollo en función de la disponibilidad de recursos que se tiene, es un equilibrio delicado.

El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo.

Creo que el diseño, no necesariamente el diseño arquitectónico, identifica muy claramente el punto de conexión entre arte y arquitectura.

En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida una y otra vez, donde nos equivocamos, aprendemos y mejoramos.

«El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo»

«En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida»

– ¿Cómo es el funcionamiento habitual de la galería y qué estrategia estáis desarrollando?

Lariot Collective organiza 4 exposiciones al año y participa en ferias, trabajamos muy directamente con nuestros artistas y nuestros clientes y estamos buscando siempre nuevas estrategias, nuevos espacios y nuevos proyectos expositivos. En estos años hemos entendido que el modelo clásico de galería no siempre es sostenible y estamos trabajando para seguir nuevos modelos de galerías que llevan una estrategia más tentacular, con proyectos que van más allá de las exposiciones y que creemos que son modelos alternativos al clásico, con un concepto que une el modelo clásico de galería con un modelo más cercano al de las agencias y consultorías.

En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado, a trabajar mano a mano con una red de art advisors que nos apoyan en las ventas internacionales y buscar partnerships con otras industrias. Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio.

«En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado»

«Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio»

– En estos años habéis ido definiendo el estilo de arte que os interesa ¿cómo lo describiríais y qué os diferencia de otras galerías?

Hemos necesitado un tiempo para descubrir cuál es nuestro estilo como galería, al principio pensamos que teníamos que tener varios y ponerlos a prueba en el mercado, pero de un modo muy orgánico hemos entendido cuál es nuestro estilo: trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual. Nos gusta que haya un storytelling, pero lo que más nos gusta es presentar obras que tengan mucha técnica, que estéticamente nos gusten mucho, pero que te confronten con una realidad compleja. Como espectadores nos gusta que una obra deje huella: no solo técnica y estéticamente sino porque el mensaje que hay detrás es claro y enérgico.

Como galería empezamos focalizándonos en artistas emergentes y jóvenes, pero ahora estamos trabajando también con artistas ya establecidos.

«trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual»

– ¿Qué os diferencia de otras galerías?

Lariot Collective tiene un filosofía detrás sobre quienes somos, cómo queremos que sea el negocio y qué queremos hacer, y esto cambia nuestra forma de ver a los artistas porque la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas, que compartan la misma pasión que nosotros, ya sean coleccionistas, instituciones, marcas, revistas, editores, museos; todos compartimos la misma motivación por contar historias sobre aquellos que nos inspiran. La narrativa que eliges contar es muy importante, tiene que ser una narrativa que quieres que se escuche. Si no creemos en la historia, no la impulsaremos. Somos auténticos y eso es lo que hace que nuestro negocio sea eficaz a largo plazo.

Nos hemos dado cuenta de que hay ideas y modelos de galería muy tradicionales en el sector del arte. Nosotros intentamos deconstruir y reformular el modo en que funcionan muchas cosas en este momento en este sector y entender mejor el funcionamiento del mercado del arte para poder adaptar nuevos modelos. Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar. Al mundo del arte le cuesta adaptarse, cambiémoslo con reflexión y proactividad.

«la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas»

«Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar»

– Lariot Collective ha nacido con una vocación internacional ¿en qué aspectos se refleja?

Londres es un gran centro de negocios, de startups, de think tankers muy inspiradores. En el mundo del arte somos miles y miles de galerías y para tener éxito en una industria es crucial saber qué está ocurriendo, qué se está haciendo. Hay tanto movimiento que uno siente que está siempre estudiando y analizando.

Nosotros ahora mismo estamos siendo un puente entre España, Italia y UK, estamos exponiendo artistas españoles en Reino Unido, artistas internacionales con base en Londres en España por primera vez y trayendo artistas italianos aquí.

Buscamos residencias en otros países para que nuestros artistas puedan abrirse paso internacionalmente en otros mercados.

– Vuestros clientes son coleccionistas habituales pero también tenéis nuevos compradores que acaban convirtiéndose en coleccionistas ¿cómo conseguís crear este interés en el mundo del arte y qué particularidades tiene la experiencia de compra en la galería?

Creemos que el arte debería ser accesible a todos y trabajamos para que la experiencia de aquellos que quieren conocer de cerca Lariot Collective sea lo más cercana posible y que puedan sentir que ellos también son parte de nuestro colectivo.

Nuestra casa es un espacio de trabajo y funciona también muchas veces como showroom y espacio en el que organizamos copas y cenas con nuestros coleccionistas y gente interesada en nuestros artistas.

Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana. Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista, hay un cierto appealing en conocer el pequeño caos de obras que hay en ellas, y abrir una casa es un acto también de enseñar una parte muy personal que no todo el mundo está dispuesto a enseñar.

«Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana»

«Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista»

Nos hemos dado cuenta de que hay mucho desconocimiento aún sobre el mundo del mercado del arte y hay un porcentaje muy alto de personas que son amantes del arte pero no dan el paso a comprar simplemente porque piensan que no pueden acceder a ello, o porque no saben exactamente cuál es su estilo o piensan que no tienen el budget; suelen ser personas que están muy familiarizados con la inversión de fondos pero no con la inversión en arte.

Nosotros intentamos romper todas esas barreras, asesoramos en mercado de arte, ayudamos a establecer budgets, no queremos que la compra sea sólo una transacción sino que sea la experiencia más cercana posible y para ello entregamos siempre que podemos las obras en persona y abrimos nuestras puertas. Creemos en las sinergias que se van creando, es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto.

Hoy en día nos hemos acostumbrado a tener todo a través de un click, nosotros apostamos por las relaciones interpersonales, en las experiencias y Lariot Collective no somos sólo los que trabajamos detrás de la galería y nuestros artistas, sino todos aquellos que están interesados en nuestro proyecto y nos van siguiendo. En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo.

«Es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto»

«En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo»

– Tenéis muy en cuenta el impacto ecológico y la huella de carbono al ser una galería itinerante ¿cómo gestionáis este aspecto en el día a día?

Sí, para nosotros es crucial y está en nuestro ADN, nuestro modelo de galería pop-up implica flexibilidad, innovación y reducción de emisiones, la clave para un modelo sostenible.

Este modelo nos permite expandirnos nacional e internacionalmente, probar ciudades y barrios cambiando así el modelo estático de galería. Es una forma fácil de atraer nuevos visitantes, evitando un alquiler a largo plazo. Este modelo ofrece flexibilidad, reducción de gastos e ingresos adicionales.

Por otro lado nosotros desde el principio formamos parte de The Gallery Climate Coalition para combatir la huella de carbono junto con otras galerías internacionales.

En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado: salvo que sea imprescindible (por ejemplo envíos a USA, Asia etc), evitamos enviar obra por aire y el envío de cajas a medida de madera: esas cajas no van a tener una segunda vida, no son sostenibles, y por tanto, buscamos alternativas al envío tradicional del arte. Si tenemos que mandar obras, por ejemplo Madrid-Londres o Londres-París trabajamos con empresas de mudanzas que cuando tienen una mudanza programada nos dan el ok y nosotros solo usamos un pequeño espacio para transportar las obras y aprovechamos su ruta manteniendo en todo momento un alto grado de seguridad para la pieza y su seguimiento. Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono.

«En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado»

«Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono»

– ¿Qué balance hacéis de estos tres años de trayectoria?

Tres años muy felices, de mucho trabajo y crecimiento personal y profesional. Tres años llenos de retos, de conexiones y sobre todo de crecer de la mano de nuestros artistas. Estamos muy orgullosos de haber sacado una galería adelante en un momento tan complicado.

Ahora en este tercer año estamos pasando a una fase de consolidación, madurez de negocio, de aprender lo que funciona y lo que no y de activar el modelo tentacular del que hablábamos antes. Creo que es muy importante como empresa saber parar para analizar con distancia aquello que tiene que cambiar y saber tener una guía de ruta, estar preparado para enfrentarse a nuevos retos y a ir adecuando la empresa a las necesidades del momento. Diría que en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios y esto es algo que nunca te enseñan en historia del arte ni en arquitectura!

«en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios»

– ¿Cómo os sentís cuando vendéis obras que os gustan especialmente?

Por un lado sientes una enorme ilusión de ver que la pieza ha encontrado al coleccionista o colección / museo adecuado, pero al mismo tiempo te da mucha pena alejarte de ella. Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena. Es parte de nuestro trabajo. Es muy bonito cuando vuelves a verlas en las casas de los coleccionistas o incluso en colecciones privadas y museos.

Hay una parte romántica de no saber si volverás a verlas o no.

«Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena»

– ¿Cuáles son los próximos eventos de Lariot Collective?

Ahora en junio acabamos de presentar en Londres un dúo show con obras de Ernesto Crespo y Filippo Fanciotti y en el que por primera vez hemos tenido una colaboración con Bag, un proyecto de arte sonoro, ellos tocaron durante el opening.

En septiembre haremos un dúo show con dos artistas españoles en Londres: Santiago Talavera y José Luis Serzo.

Y en otoño/invierno haremos una exposición con Diana Zrnic en Londres y un solo Show en Madrid con Ernesto Crespo.

– ¿A qué dedicáis vuestro tiempo cuando no estáis trabajando?

Carla: Tenemos la suerte los dos de que la galería es nuestra pasión, y esto implica que la mayor parte de nuestro tiempo se lo dedicamos a Lariot Collective, a preparar proyectos, a eventos, etc pero, cuando no estamos trabajando visitamos exposiciones (defecto de profesión!), nos encanta pasear por los parques de Londres: Luca siempre busca espacios verdes en los que hacer detox de la ciudad, nos gusta hacer yoga y leer y a mí me gusta de vez en cuando descubrir chollos en tiendas de ropa de segunda mano.

– Un deseo que os gustaría se hiciera realidad

Si lo decimos no se cumple! Pero…quizás diríamos no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )

«no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )»

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La entrada Carla Lariot y Luca Sandigliano – Lariot Collective – Galería de Arte se publicó primero en YANMAG.

«El arte es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros»

Charo Crego es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, ensayista y crítica de arte. Ha impartido conferencias en instituciones como Museo Thyssen-Bornemisza, Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes entre muchas otras. Ha publicado cinco ensayos sobre estética en Abada Editores: Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura (2004), Perversa y utópica. La muñeca, el maniquí y el robot en el arte (2007), Lo que no te conté de Francis Bacon (2015), De Stijl. El espejo del orden (2020) y recientemente Dentro. La intimidad en el arte (2023) que presentará estas semanas en Madrid.

Conversamos con la autora que nos descubre a través de sus investigaciones una manera profunda y diferente de mirar el arte.

– Eres licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma ¿por qué dentro de la filosofía te decantaste por los estudios de estética y por qué el arte es importante para ti? 

Cuando empecé a estudiar en la Universidad me interesaba tanto el arte como la filosofía, por eso, fue algo natural que me inclinara hacia la estética, pues en esa disciplina se conciliaban perfectamente ambos intereses. Además, gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda.
El arte no es solo un cuadro o una escultura, una instalación o una performance, un vídeo o una sinfonía. El arte es algo más que esos objetos físicos. Es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros. Sea cual sea su forma concreta, el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes.

«gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda»

«el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes»

– Has vivido en diferentes ciudades como París, Ámsterdam y Bruselas, y actualmente alternas estancias entre Bruselas y Madrid ¿qué representa cada ciudad en cada momento de tu vida y cómo han influido en tu obra y en tus investigaciones? 

Llegué a París en 1978, una vez acabada la Universidad en Madrid. El Gobierno francés me había concedido una beca para hacer el doctorado. París fue para mí una iluminación. Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra. Viví un París resplandeciente. No notaba ni la lluvia ni los días grises ni el frío, para mí todo brillaba. Después, en todas mis visitas posteriores a París, nunca he vuelto a tener esa sensación. Descubrí un mundo en el que se me abrían las puertas y todo parecía posible. Aunque es muy probable que todo eso fuera una ilusión, aprendí mucho en París, viví experiencias muy ricas, divertidas, novedosas. No hice el doctorado, pero me hice, sin saber cómo, mucho más sabia, más madura, diríamos.

«París fue para mí una iluminación»

«Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra»

A Ámsterdam llegué tres años después de París. Primero recalé dos años en Madrid y un año en Jerez de la Frontera donde di clases de filosofía en un instituto. Mi marido es holandés, así que después de tres años en España decidimos probar suerte en Holanda. La experiencia de Ámsterdam fue mucho más dura que la de París. Yo ya no era una estudiante, sino una profesional que tenía que ganarme la vida y buscar trabajo. Y antes de nada, tenía que aprender neerlandés, un aprendizaje que en algunos momentos se me hizo cuesta arriba. La ventaja fue que tenía mucho tiempo, así que me dediqué a hacer, lo que no había hecho en París, la tesis doctoral. Como estaba en Ámsterdam, elegí centrarla en el grupo holandés De Stijl.
Después, en 1986, fui a vivir a Bruselas, pues había sacado unas oposiciones de traductora en las instituciones de la Unión Europea. Mi situación profesional cambió radicalmente. Tenía un trabajo fijo y bien remunerado. Todo fue mucho más fácil. Pero, lo importante fue que el trabajo profesional no me impidió seguir con mis estudios. En 1991, presenté la tesis y después continúe investigando y publicando.

– En tu libro De Stijl. El espejo del orden haces un estudio detallado del grupo de artistas holandeses que formaron la revista De Stijl, entre los que se encontraba Mondrian ¿qué te interesaba de ese movimiento?

Este libro recoge mi tesis, aunque la adapté para que fuera accesible a un público general. Desde un punto de vista estético, el grupo neoplástico era muy interesante. Yo estaba convencida de que Mondrian no había pintado esos cuadros de líneas y colores porque le gustaran las línea y colores, sino porque de esa forma quería decir algo. Las lecturas formalistas no sirven para entender a Mondrian. Desde el primer momento yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios. Contaba para ello con los escritos de Mondrian y de los demás miembros del Grupo. Los estudié e intenté dilucidar a través de ellos lo que había detrás de esas producciones artísticas. Y concluí que ahí había mucha filosofía, mucho idealismo y mucha utopía, que con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo.

«yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios»

«con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo»

– En tu obra Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura ahondas en una línea que pasa por El Bosco, Goya, Munch, Picasso, Bacon, De Kooning o Nebreda ¿por qué consideras en este libro que estos artistas son los heterodoxos de la historia de la representación del rostro?

En la historia de la representación del rostro hay dos líneas y eso es lo que trato de sostener en este texto. En él intento hacer una geografía del rostro, con su topografía, orografía, etc. Al estudiar el rostro me di cuenta de que hay dos «accidentes geográficos» fundamentales: la boca y los ojos. Si nos centramos en la primera o en los segundos, la representación cambia radicalmente. Esas son las dos líneas. La representación que se centra en la boca, como la que vemos en algunas tablas medievales o en El Bosco apela a una concepción del hombre instintiva e irracional, mientras que la que se centra en los ojos, como los retratos de Van Eyck o de Velázquez, incide en una imagen del hombre racional. La línea que va por el Bosco, Goya, Munch, Bacon o Nebreda es la línea que se centra en la boca y que ha sido relegada en la historia. A partir del siglo XX la boca vuelve a adquirir importancia, aunque ahora ya no es el órgano deglutidor medieval, sino la fuente del grito, del malestar y de la locura. Es cierto que en la historia del arte ha dominado la representación centrada en los ojos y en la confianza del hombre en su dominio el mundo, pero la otra línea siempre ha estado ahí, aunque cueste más descubrirla.

«La representación que se centra en la boca (…) apela a una concepción del hombre instintiva e irracional»

«la que se centra en los ojos (…) incide en una imagen del hombre racional»

– Perversa y utópica es una obra en la que investigas sobre la muñeca, el maniquí y el robot ¿por qué se te ocurrió abordar este tema?

Al estudiar la pintura y la escultura de principios del siglo XX en Europa, me di cuenta de que en ellas aparecía un nuevo personaje, una figura que se situaba entre los hombres y los objetos, tomando a veces la forma de un maniquí o de una muñeca y otras la de un robot o un autómata. Me pareció un tema muy intrigante, por eso se me ocurrió que valía la pena dedicarle un libro. La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta. Son sus dobles: representan, por una parte, el lado monstruoso, la cara oscura, sombría y perversa del hombre; pero, por otra, señalan la vía de la utopía, clara, limpia y perfecta. Artistas como Hans Bellmer, Kokoschka o Cindy Sherman recogen ese lado oscuro, mientras que Schlemmer, Léger o Robert Graham se situarían con sus autómatas en la representación del hombre rígido, mecánico, ajeno a las pasiones.

«La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta»

– Uno de tus libros más conocidos es Lo que no te conté de Francis Bacon, una recopilación de cartas que escribiste a tu hija Clara en torno al arte ¿cuándo surgió la idea y qué acogida tuvo entre tus lectores?

Este es mi libro más personal. La idea surgió de una forma muy espontánea. Con dieciocho años, Clara se fue a estudiar fuera de casa, a Lovaina. Para mantener una relación que no fuera la típica de madre-hija, pensé «le voy a mandar correos sobre temas de arte», sobre las cosas que a mí siempre me habían interesado, pero que durante su infancia y primera juventud no le había contado para no atosigarla. Así empecé a escribirle correos sobre temas relacionados con arte: sobre una exposición que había visitado o un libro que había leído o una excursión a algún lugar interesante. No tenía en mente escribir un libro. En un primer momento era estrictamente personal. El título: Lo que no te conté de Francis Bacon remite a una anécdota divertida. Cuando en 2009 fuimos a ver juntas la exposición de Francis Bacon en el Prado, Clara se mostró totalmente escandalizada. Durante la visita, me preguntaba insistentemente qué hacíamos allí, cómo me podían gustar esos cuadros que a ella le parecían horrorosos. Entonces no le expliqué nada. Pensé que darle una clase de estética sobre lo sublime y la belleza no le iba a interesar. Ahora, sin embargo, podía, por fin, explicarle por qué mirábamos con interés esas pinturas, por qué Francis Bacon era un pintor que merecía la pena.

Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena. El hecho de que fueran capítulos cortos —no olvidemos que son correos—, me permitió tratar temas muy variados, como, por ejemplo, la arquitectura de Nueva York, la falsificación o la destrucción del arte, el color azul o el mercado del arte, y un largo etcétera. El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor. Mucha gente se sintió muy cerca de este planteamiento y, según me dijeron, disfrutaron mucho leyéndolo.

«Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena»

«El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor»

Clara, hija de Charo Crego, habla en este vídeo sobre las cartas que le envió su madre, las obras y lugares de los que trata en el libro y su creación

– Después de todos estos años de investigación ¿qué te gustaría que los lectores descubrieran sobre el arte a través de tus libros y publicaciones?

Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte. Cuando miras un cuadro en un museo es fundamental saber de qué trata, quién lo pintó, en qué contexto fue pintado, por qué vicisitudes pasó, qué materiales ha utilizado el pintor y de qué forma, etc. Pero todo eso, no significa nada, si al mismo tiempo ese cuadro no te emociona, no te hace vibrar y ver el mundo de otra manera. Es muy difícil describir esta sensación, pero yo creo que es básica en nuestra relación con el arte. Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos.

«Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte»

«Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos»

– Acabas de publicar Dentro. La intimidad en el arte, un libro sobre la representación de los interiores en el arte ¿cómo has profundizado en este aspecto y en qué autores te has centrado?

Los cuadros de interiores me interesan desde hace mucho, quizá se deba a mi relación con Holanda y el arte holandés. Pero no solo me atrae la belleza de esos interiores de Vermeer o De Hooch, sino también el ambiente de calidez que saben crear. Son interiores íntimos. Así surgió mi interés por la noción de intimidad y por estudiar cómo se había desarrollado este sentimiento a través de la historia. Tras los holandeses, el artista danés Hammershøi creó unos interiores perfectos, elegantes, bellísimos, paro ya no eran los espacios cálidos de los holandeses, sino fríos y sin color. Los interiores del suizo Vallotton, sin embargo, son muy calientes. Él no cierra las puertas de sus habitaciones para proteger a sus habitantes, sino para que no se vea lo que ocurre dentro. Son interiores secretos. El americano Edward Hopper ha creado los nuevos interiores del siglo XX. Los interiores de los no lugares: habitaciones de hotel, cafeterías o compartimentos de tren, muy lejanos del interior doméstico. Más tarde los surrealistas recrearon el interior onírico, en el que todo, las paredes, los suelos o los muebles, se disloca.

En la casa hay dos lugares en donde se condensa la intimidad: el cuarto de baño y el dormitorio. A estos dos lugares he dedicado sendos capítulos. He estudiado el cuarto de baño de la mano de Degas y Bonnard en el momento en que se pasó de la palangana a la bañera y se cerraron las puertas de esta estancia. Al dormitorio y, en particular, a la cama le he dedicado el último capítulo con artistas como Sophie Calle, González-Torres, Carsten Höller o Tracey Emin. La cama que era el lugar más escondido e íntimo de la casa se ha convertido en un asunto público, iluminado por los focos del espectáculo. Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo.

«Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

¡A quién no le gustaría vivir en el paraíso! Yo me conformaría con que nuestra relación con el planeta fuera más respetuosa, que consiguiéramos atenuar y combatir el cambio climático. Desearía que las relaciones con nuestros congéneres fueran también más respetuosas, que mantuviéramos relaciones pacíficas y humanitarias entre nosotros y que lográramos construir un mundo más igualitario. Hay que combatir la desigualdad. Es un escándalo que en este siglo XXI haya trabajadores pobres.

Pero, bajando a la tierra, me gustaría algo mucho más modesto, por ejemplo, que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte.

«me gustaría que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte»

Más información

Presentación de Dentro. La intimidad en el arte

Jueves 25 de mayo, 19.00 h

Librería La Mistral

C/ Travesía del Arenal nº2, Madrid

con la participación de

Javier Maderuelo, Beatriz Blasco, Lucía Jalón y Fernando Guerrero

Firma de ejemplares en la Feria del Libro

Parque del Retiro (Paseo de Coches) Madrid

Domingo 28 de 10.30 a 15.00, caseta 278

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«Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades»

Águeda Esteban es Gestora Cultural y Fundadora de Cariátide. Ella es una profesional con más de 12 años de experiencia en la gestión y organización de exposiciones en las instituciones más importantes de la cultura en España como Museo Thyssen-Bornemisza o Fundación Telefónica.

Ha fundado Cariáride, una empresa que ofrece diferentes servicios entre los que se encuentran la gestión, coordinación y producción de proyectos culturales, comunicación y marketing cultural, asesoramiento técnico, desarrollo de negocio y coordinación de servicios entre otros.

Con una sólida formación y experiencia profesional, tiene muy presente en todos sus proyectos la creatividad, la adaptación al cambio y la toma de decisiones bajo presión, siempre prestando especial atención a la gestión emocional del equipo humano que lidera.

En esta entrevista conocemos a esta profesional experta en su área, inteligente y sensible, que transmite en cada palabra una energía y optimismo contagiosos.

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por las artes y en concreto por la museología y organización de exposiciones?

Desde muy pequeña, ya con doce años, tuve claro que quería hacer algo relacionado con las humanidades. Mi primera idea fue arqueología, de ahí a restauración y poco a poco fui enfocándome a Historia del Arte. Desde el principio me fascinaba el poder viajar con las obras para comprobar que llegaban bien. Años después descubrí que eso se llamaba “viajar de correo”.

«ya con doce años, tuve claro que quería hacer algo relacionado con las humanidades»

«me fascinaba el poder viajar con las obras para comprobar que llegaban bien»

– Tienes una formación muy amplia que abarca desde una Licenciatura de Historia del Arte por la Universidad de Sevilla y Universidad Complutense, un Máster en Museología y Museos por la Universidad de Alcalá a un EMBA por la EAE Business School con Especialidad en Gestión de Proyectos y Design Thinking, además de formación en finanzas ¿cómo vas decidiendo en cada momento qué pasos debes dar para tener esta formación tan completa en tantos ámbitos?

Es algo muy natural. Quizás el paso menos obvio fue el saltar a temas más empresariales, pero fui consciente de que si quería seguir ganando responsabilidad en mi trabajo debía conocer cómo funcionaban las instituciones y, sobre todo, formarme en gestión de equipos. Me parece algo prioritario en cualquier tipo de trabajo.

«si quería seguir ganando responsabilidad en mi trabajo debía conocer cómo funcionaban las instituciones»

– Has sido Ayudante de conservación y Coordinación de proyectos expositivos en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza durante 4 años ¿qué supuso la experiencia para ti y qué aprendiste?

Empecé en el Museo Thyssen como becaria cuando estudiaba la carrera. Tenía muy claro que las prácticas iban a ser la clave para poder trabajar de lo que me gustaba en una carrera donde por desgracia es tan difícil conseguirlo. Aprendí muchísimo, ha sido la base de mi experiencia posterior, me dejaron mucha libertad para poder aprender trabajando, no sólo mirando.
Después de las prácticas tuve la oportunidad de seguir en el equipo cubriendo distintos puestos y me dio una visión muy amplia del funcionamiento de una institución cultural. Este trabajo me ha abierto muchas puertas.

«Tenía muy claro que las prácticas iban a ser la clave para poder trabajar de lo que me gustaba»

«Este trabajo me ha abierto muchas puertas»

– Durante tres años trabajaste en la gestión y coordinación de proyectos expositivos e itinerancias, además de en la gestión de la Colección de la Fundación Telefónica ¿qué retos asumiste en ese momento?

Viniendo de trabajar en el Thyssen, donde el equipo es mucho más amplio, tuve que ampliar mis funciones a labores que antes se repartía con el departamento de registro o conservación, por ejemplo. Además, el mundo de la itinerancia es tremendamente divertido (aunque no por ello menos demandante). Hay que adaptar los proyectos a la sede, hablar mucho con otras instituciones y conocer sus formas de trabajar, lo que buscan con cada proyecto, viajar, descubrir, negociar… Sin olvidarme de que conté con un ambiente de trabajo y unos compañeros que hacía disfrutar aún más si cabe cada día de trabajo. Para mí es uno de los pilares fundamentales en cualquier carrera profesional.

«conté con un ambiente de trabajo y unos compañeros que hacía disfrutar aún más si cabe cada día de trabajo»

«Para mí es uno de los pilares fundamentales en cualquier carrera profesional»

– Te trasladaste a Los Ángeles durante un año para formarte en la California State University como Project Manager ¿de qué manera completó tus conocimientos sobre la producción de exposiciones?

Formarte en un país diferente te permite no sólo ampliar esos conocimientos específicos si no descubrir otras formas de aprendizaje. Además, mis compañeros eran médicos, abogados y, sobre todo, ingenieros. Desarrollamos diferentes formas de mirar y entender las cosas y se convierte en algo muy enriquecedor. Pasa algo parecido con el EMBA donde cada uno traíamos experiencias muy dispares que hacían que cada punto de vista aportara nuevas
impresiones.

«Formarte en un país diferente te permite no sólo ampliar esos conocimientos específicos si no descubrir otras formas de aprendizaje»

– Dentro de la comunicación cultural, has trabajado para instituciones como MediaLab-Prado / Medialab-Matadero, Patrimonio y Archivos de la Comunidad de Madrid o empresas como Smart & Green Design ¿cómo ha cambiado la comunicación en cultura y cómo hay que adaptarse a cada red social?

Como casi en cualquier ámbito. No puedes relajarte porque cada día salen nuevos formatos para contar el contenido, adaptarte al algoritmo, sorprender entre tantos mares de información. Es complejo, pero es la mejor forma de que la cultura llegue al público en un primer momento. Necesitas que sepan que esa exposición o ese trabajo al que se le ha dedicado tantas horas está ahí y pueden acercarse a verlo.

– ¿Cómo defines tu manera de trabajar y cuáles son los aspectos que más te importan a la hora de desarrollar cada proyecto expositivo?

Trato de ser muy organizada -algo que me cuesta muchísimo en mi vida privada- para poder abarcarlo todo. Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades. Es un trabajo en el que tienes que coordinarte con mucha gente y una prioridad es que se esté a gusto y ser consciente del trabajo que cada uno está llevando a cabo.

«Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades»

«una prioridad es que se esté a gusto y ser consciente del trabajo que cada uno está llevando a cabo»

– Has fundado Cariátide, una empresa de gestión cultural y comunicación ¿cuáles fueron los motivos que te llevaron a crear esta empresa y cómo está siendo la experiencia?

Casi por casualidad hace más de 3 años empecé a coordinar proyectos culturales como autónoma. Por suerte, cada vez surgían más proyectos y más diversos y creí que era el momento de hacer algo con más peso. Daba un poco de vértigo, pero los números cuadraban.
El Máster en Desarrollo de Negocios también me daba una seguridad de conocer cómo funcionaba el mundo de la empresa y me vi capaz. ¡Y me genera tanta satisfacción pensar que estoy generando empleo y que puedo seguir haciéndolo…!

– ¿Cómo es el cliente de Cariátide y qué servicios va a encontrar?

La gran mayoría son instituciones culturales de mayor o menor tamaño, pero también empresas privadas que quieren contar su historia o empresas como la mía que se dedican a la gestión cultural y buscan asesoría.

«La gran mayoría son instituciones culturales de mayor o menor tamaño»

«también empresas privadas que quieren contar su historia o empresas como la mía que se dedican a la gestión cultural»

– ¿Cuáles son los proyectos que estáis llevando a cabo en este momento con Cariátide y qué empresas e instituciones confían en vosotras?

Ahora mismo trabajamos con la Fundación Canal en la Sala Castellana 214 donde hemos coordinado la exposición Somos agua y estamos ya trabajando en la de este otoño.
Con La Fábrica acabamos de desmontar las tres exposiciones del Madrid Design Festival en el Teatro Fernán Gómez y hemos arrancado con dos proyectos de fotografía Picasso en foto.
Archivos del Museu Picasso de Barcelona también en el Teatro Fernán Gómez y Madrid, crónica creativa de los años 80 en la Fundación Canal.

Con el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid inauguramos en marzo 40. La Comunidad de Madrid en el Archivo Regional.
¡Y otros proyectos que tenemos en proceso y estamos deseando cerrar!
Con todos ellos trabajamos en proyectos expositivos, pero también hacemos comunicación para el estudio de arquitectura y museografía Smart & Green Design.

– El mundo de la gestión cultural es complejo en la continuidad para trabajar en instituciones públicas y privadas ¿qué recomendarías a una persona que quiere dedicarse a la organización y comunicación de exposiciones?

Como te decía al principio, para mí empezar en prácticas durante la carrera fue clave. Es muy difícil que te den una primera oportunidad -algo que todos necesitamos alguna vez- y era la manera más fácil de meter cabeza. Luego es cuestión de trabajo, pero no solamente esto. A veces es duro porque las circunstancias no acompañan al esfuerzo y es fácil desmotivarse, pero dicen que quien la sigue la consigue y hay que ser persistente, moverse, preguntar, formarse e insistir.
Como para casi todo, no hay una fórmula mágica…

«Es muy difícil que te den una primera oportunidad -algo que todos necesitamos alguna vez- y era la manera más fácil de meter cabeza»

«quien la sigue la consigue y hay que ser persistente, moverse, preguntar, formarse e insistir»

– Personalmente ¿qué es lo que más te aporta tu trabajo y qué es lo que más te apasiona de él?

Es un trabajo muy dinámico. Es agotador porque siempre hay algo que hacer, pero cada proyecto es un tema nuevo. De pronto te ves haciéndote especialista en Picasso, en diseño sevillano o en el tratamiento de aguas residuales. No sabes qué va a ser lo próximo y la de cosas interesantes que están por llegar. Por desgracia no todo se retiene, pero va quedando un poso de conocimientos diversos que enriquecen muchísimo.

– ¿A qué dedicas tu tiempo cuando no trabajas?

En los últimos años mi ocio se ha centrado mucho en mis dos hijas pequeñas. Me encanta conocer nuevos restaurantes y terminar con un buen teatro musical. Para planes más de diario, unos juegos de mesa en familia o amigos siempre es buenísimo plan.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Pues, si hablamos de trabajo, que el empleo en cultura sea reconocido y pagado como merece.
¡Y que Cariátide crezca y contemos con un equipo mayor!

«que Cariátide crezca y contemos con un equipo mayor»

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Conversamos con la Asociación YesEuropa de la mano de Jose Imbert, Subdirector y Rachel Hurtado, Coordinadora de Proyectos. En estas entrevistas en vídeo conocemos a fondo el trabajo de esta asociación europea que trabaja en tres líneas: la enseñanza en digitalización, las habilidades blandas o soft skills y el fomento de la integración europea a todos los niveles.

Jose Imbert nos amplía información sobre los programas Erasmus+ y el Cuerpo Europeo de Solidaridad que promocionan desde la asociación, explicándonos qué personas pueden acceder, cuáles son los objetivos de estos programas y qué imparto tienen en la empleabilidad de las personas que participan en ellos.

Rachel Hurtado también nos habla de uno de los últimos proyectos de YesEuropa, el programa Recreate para empresas culturales, enfocado a la profesionalización de todas las áreas creativas y el cual se puede realizar de manera gratuita desde su web.

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Recreate Project

Jose Imbert – LinkedIn

Rachel Hurtado – LinkedIn

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«Trabajar en la Biblioteca Nacional es un regalo»

Ana Santos es Directora de la Biblioteca Nacional desde el año 2013. Licenciada en Geografía e Historia y Diplomada en Biblioteconomía y Documentación, ha sido directora y vicedirectora de importantes bibliotecas en España como la Biblioteca de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales de la UCM, Biblioteca de la Universidad Complutense de Madrid, Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla y la Biblioteca y Archivo del Ayuntamiento de Madrid.

Su entrada en la Biblioteca Nacional de España, primero como directora de Acción Cultural y posteriormente como directora general supuso un reto y un orgullo que cada día desempeña con mayor ilusión. En esta entrevista descubrimos su especial relación con los libros, su interesante trayectoria y su día a día en la institución.

– ¿En qué momento de tu vida comenzó tu interés por la Historia y la Documentación y cuál es tu relación con los libros?

Siempre he sido una persona más de “letras” que de “ciencias” y desde niña me aficioné a la lectura, mis padres siempre nos regalaban libros y fui a un colegio donde se estudiaba mucha literatura. Me gustaba escribir y de hecho quería estudiar periodismo, pero finalmente hice geografía e historia y acabé presentándome a oposiciones para ser bibliotecaria, aunque realmente son dos mundos que no están tan alejados. Mi relación con los libros es tanto profesional como personal, es un mundo que me apasiona porque creo que es el instrumento perfecto que ha permitido la permanencia de la palabra a través de la escritura y por lo tanto la existencia y trasmisión de un mundo de creación y conocimiento.

«Mi relación con los libros es tanto profesional como personal, es un mundo que me apasiona»

«es el instrumento perfecto que ha permitido la permanencia de la palabra a través de la escritura y por lo tanto la existencia y trasmisión de un mundo de creación y conocimiento»


- Has desarrollado tu carrera en importantes instituciones bibliotecarias como la Biblioteca de la Facultad de Ciencias Económicas y Empresariales, Biblioteca de la Universidad Complutense de Madrid, Biblioteca Histórica Marqués de Valdecilla y la Biblioteca y Archivo del Ayuntamiento de Madrid ¿qué nuevas exigencias ha requerido cada puesto y cómo te has adaptado a cada reto?

La profesión bibliotecaria ha sufrido una enorme transformación que se inició hace años con la irrupción de las tecnologías de la información. Esto, al igual que ha ocurrido en otros sectores, ha obligado a una continua adaptación y a un permanente aprendizaje adaptado a las tareas que había que desarrollar en cada momento. Pero también me gusta la gestión y tengo conciencia del servicio público que las bibliotecas prestan a la sociedad y esto lo facilita todo.

«Tengo conciencia del servicio público que las bibliotecas prestan a la sociedad»

 
– Fuiste Directora de Acción Cultural de la Biblioteca Nacional durante cuatro años ¿cómo fue este primer contacto con la institución y qué funciones tenías?

Yo venía de la Universidad Complutense, por lo tanto de un mundo muy distinto. El primer contacto fue impactante, pero pronto descubrí una institución de inmenso valor que había que dar a conocer mejor. De ahí la importancia de que la programación cultural fuese atractiva y adaptada a todo tipo de públicos. Fueron años de descubrimiento y aprendizaje.

– ¿Qué supuso para ti asumir posteriormente la dirección general de la Biblioteca Nacional de España y cuál fue la orientación de tu mandato?

Supuso un reto y un privilegio, durante estos años he intentando dar lo mejor de mí y me gustaría haberlo conseguido. Uno de los primeros objetivos fue la aprobación de la ley de la BNE, lo que ha dado estabilidad y regulación en algunos aspectos necesarios. Pero el camino a seguir lo han marcado los sucesivos planes estratégicos donde se exponen objetivos y actuaciones cada año. La orientación ha ido en el sentido de impulsar tanto la estrategia digital como la apertura de la BNE a toda la ciudadanía. Esto ha generado un incremento importante de personas que acuden a la Biblioteca, además de un uso de las colecciones como nunca se había logrado.

«durante estos años he intentando dar lo mejor de mí y me gustaría haberlo conseguido»

«La orientación ha ido en el sentido de impulsar tanto la estrategia digital como la apertura de la BNE a toda la ciudadanía»

– ¿Cómo es tu día a día de trabajo y qué es lo que más te gusta de trabajar allí?

Mi día a día es muy variado y depende de las diversas visitas, reuniones o cuestiones urgentes a solucionar. Para una bibliotecaria trabajar en la Biblioteca Nacional es un regalo, es un lugar que te permite aprender permanentemente, descubrir cosas nuevas y conocer a personas maravillosas. También es muy satisfactorio ver los resultados, los trabajos de los investigadores, las consultas de los lectores, la asistencia de miles de personas que asisten a las actividades culturales y a las exposiciones y descubren un lugar al que volver porque pueden disfrutar y aprender.


- Uno de los objetivos de la institución es acercarla más a la ciudadanía ¿qué aspectos habitualmente sorprenden más a los nuevos visitantes?

Desde que hemos abierto la BNE a las visitas casi lo que más les sorprende es el hecho de poder accede libremente a un edificio que parece inexpugnable. Cuando las visitas son guiadas les sorprende descubrir lo que la BNE significa para la cultura española y el valor patrimonial de las colecciones que se conservan. Las exposiciones permiten ver ejemplares que no se ven habitualmente y esto genera una emoción, especialmente con aquellos más emblemáticos.

«Desde que hemos abierto la BNE a las visitas casi lo que más les sorprende es el hecho de poder accede libremente a un edificio que parece inexpugnable»

«Cuando las visitas son guiadas les sorprende descubrir lo que la BNE significa para la cultura española y el valor patrimonial de las colecciones que se conservan»


- ¿Quien puede acceder a la Biblioteca Nacional y qué servicios ofrece?

Puede accede cualquier persona aunque según lo que quiera hacer se le van a exigir una serie de requisitos. La entrada a las exposiciones y a las actividades culturales es libre y gratuita. Para usar los servicios bibliotecarios es necesario disponer de un carnet, que es diferente según el tipo de fondo que se quiera consultar. Los servicios son los propios de una biblioteca: consulta y préstamo en sala, información bibliográfica, préstamo interbibliotecario, reprografía… Pero hay que destacar los servicios digitales que permiten acceder a plataformas de consulta a cientos de miles de documentos.

– Recientemente la Biblioteca Nacional ha firmado un protocolo de colaboración con el Instituto Cervantes para la promoción y difusión cultural ¿en qué consiste y cómo va a llevarse a cabo?

La Biblioteca Nacional conserva la colección más importante del mundo en lengua española y se han puesto en marcha importantes proyectos digitales que permiten no solo consultar, sino también reutilizar las colecciones para otros fines. Pensamos que aportar todo esto a la red de Institutos Cervantes podría servir de apoyo tanto para la enseñanza del español como para la difusión de nuestra cultura.


- ¿Qué vínculos tiene la institución con otras bibliotecas y entidades culturales europeas?

La BNE pertenece a la Conferencia de Directores de Bibliotecas Nacionales Europeas, con quienes compartimos conocimiento y proyectos y mantenemos una estrecha relación.

– También el Real Patronato de la Biblioteca acaba de presentar un plan estratégico de las actuaciones de futuro de la institución, atendiendo a la evaluación de los sistemas de seguridad ¿cómo ha sido el grupo de trabajo que lo ha desarrollado y qué novedades presenta?

El Plan estratégico no se refiere solo a las cuestiones de seguridad sino a todos los objetivos que se aspiran a alcanzar en los próximos años relacionados con todos los aspectos de la BNE. Este Plan se presentó en la última reunión del Patronato, donde también se presentó un informe de evaluación de las medidas de seguridad para explicar todos los aspectos relacionados con este tema en relación con el control de las colecciones, catalogación, digitalización, control de accesos y de salas, etc… La BNE es extraordinariamente segura y esto lo puede corroborar cualquier persona que sea usuaria de los servicios bibliotecarios presenciales.

«La BNE es extraordinariamente segura y esto lo puede corroborar cualquier persona que sea usuaria de los servicios bibliotecarios presenciales»

– Este mes de junio se inaugura una exposición sobre la figura de la escritora Emilia Pardo Bazán ¿todavía conocemos poco la trayectoria de las escritoras españolas?

Sí, las conocemos poco y por eso trabajamos para que se conozcan más y mejor. La obra de las autoras que entran en dominio público se digitaliza y puede descargarse desde el Portal de Escritoras.
Y también hacemos continuas exposiciones y actividades para dar a conocer su obra.

– Uno de los proyectos de documentación de la Biblioteca quizás más llamativos es la recopilación de antiguos videojuegos con la ayuda de distintas asociaciones que han cedido sus bases de datos ¿cómo está siendo esta investigación?

Pensamos que los videojuegos tienen un valor cultural y que expresan el sentir de la sociedad en este tiempo y por lo tanto hay que conservarlos, al igual que lo hacemos con los discos o las películas. Se han recuperado cientos de videojuegos históricos gracias a donativos de particulares y de las asociaciones y estamos muy agradecidos porque sabemos que, de otra manera, quizá se hubieran perdido.

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Escaso, pero necesario. Me gusta ver a la gente a la que quiero y disfrutar con ellos, también el ejercicio físico y el contacto con la naturaleza y por supuesto leer, acudir al teatro o al cine y últimamente ver series…

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que el poder de la inteligencia superase al de la estupidez.

«Que el poder de la inteligencia superase al de la estupidez»

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Ana Santos – En la BNE –  Twitter

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El Portal de las Escritoras

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«Una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya»

Marta Salvador Tato es especialista en distribución cinematográfica y fundadora de Distribution with Glasses, marca con la que lleva más de un año dando a conocer cortos, largos y documentales nacionales e internacionales en distintos festivales de todo el mundo.

Posee una sólida formación y experiencia que abarcan diferentes ámbitos de la gestión cultural que le han permitido adaptarse a cada sector. En su día a día realiza un minucioso trabajo de comisariado, analizando las posibilidades de cada obra cinematográfica y estableciendo rutas para darlo a conocer en los festivales a los que mejor se adaptan.

Sus principales objetivos son buscar un trato cercano con directores/as y productores y presentar un catálogo que se ajuste a los valores de la marca: la defensa del medio ambiente, los derechos humanos y el feminismo. Y con esta apuesta personal por difundir trabajos éticos, está consiguiendo que varias de las obras de su catálogo estén en la carrera a los premios Goya y a los Óscar.

Por este sorprendente recorrido, ella es el  III Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG  y lo celebramos con esta entrevista en profundidad para conocer su trabajo.

– Eres Licenciada en Historia del Arte y en Historia y Ciencias de la Música, además de Máster de Enseñanza de Español. ¿Cómo te decidiste por estos estudios?

Desde siempre me apasiona la Historia del Arte y tuve la suerte de que (casi) nadie me dijo eso de «no lo estudies, no tiene salidas», así que la decisión fue sencilla y disfruté muchísimo la carrera. La doble licenciatura de Hª y Ciencias de la Música vino después, porque he estudiado música desde pequeña y tenía ganas de profundizar por ahí. Pude compaginar esta segunda carrera con un trabajo de profesora de arte y español para un programa de intercambio de la Universidad de Salamanca con la universidad de Wake Forest, de Carolina del Norte. Precisamente este trabajo fue lo que me motivó a estudiar el Máster de Enseñanza de Español como Lengua Extranjera, también en la USAL, que me vino genial para el trabajo que estaba desempeñando en ese momento. La formación en sí es un poco ecléctica y en ese momento no estaba pensando en ninguna trayectoria concreta, sino más bien en estudiar cosas que me gustaban, pero no me arrepiento de ninguna de las decisiones.

– Te trasladaste de Salamanca a Madrid ¿cómo fue para ti este cambio?

Estuve unos años trabajando para la Wake Forest University (a la que estoy tremendamente agradecida por haber confiado en mí nada más licenciarme y gracias a la que aprendí muchísimo), pero me di cuenta de que aquel trabajo no era exactamente lo que quería hacer. Supe que necesitaba más formación específica en gestión cultural, así que me mudé a Madrid para estudiar el Máster en Gestión Cultural de la UC3M. Dejar un trabajo que ya era estable siempre es una decisión difícil, pero la tomé convencida y el cambio estuvo lleno de ilusión: tenía muchas ganas de hacer el máster y de vivir en Madrid, que es uno de los centros culturales más potentes de España. Pensé que sería más fácil encontrar un espacio que me apasionara aquí y además me encanta la ciudad.

«Dejar un trabajo que ya era estable siempre es una decisión difícil, pero la tomé convencida y el cambio estuvo lleno de ilusión»

– Has trabajado en diferentes áreas de la organización, comunicación y gestión cultural, desde artes escénicas, arte contemporáneo a festivales de literatura y cine ¿qué te han enseñado estas experiencias y cómo aplicas lo aprendido en tu día a día?

Yo diría que lo mejor de todas esas experiencias ha sido el trabajo en equipo del día a día, ese salto de la teoría a la práctica que hace que las cosas realmente funcionen. La experiencia más allá del papel es lo que te prepara para afrontar imprevistos y ser resolutiva cuando es necesario. Y, por supuesto, el haber estado con gente que lleva años trabajando por y para la cultura es un aprendizaje constante. Hay tanta gente incansable que lleva años en esto que me ha enseñado mucho… la lista de agradecimientos se me haría interminable.

«La experiencia más allá del papel es lo que te prepara para afrontar imprevistos y ser resolutiva cuando es necesario»

– ¿Cuándo comenzó tu interés en la distribución de cine y cómo empezaste a trabajar en el sector?

Esta es una pregunta graciosa, porque hasta hace unos años yo ni siquiera sabía qué era la distribución cinematográfica y, claro, no entraba en mis planes dedicarme a ella. Es divertido, porque la mitad de mis familiares y amistades no saben explicar exactamente a qué me dedico (risas), es algo muy desconocido. Mientras hacía al Máster de Gestión Cultural en Madrid, estuve haciendo prácticas en la Academia de Cine. Las solicité sin mucha esperanza en que me las dieran, dando por sentado que les interesaría más alguien licenciado en Comunicación Audiovisual. Resulta que me equivoqué y, como fue en el Departamento de Actividades Culturales, mi formación les cuadró para el perfil que buscaban. Ahí aprendí muchísimo no solo sobre cine, sino sobre gestión de copias, comunicación, procesos oficiales relacionados con diferentes campos de la cinematografía, festivales… Para mí, el paso por la Academia de Cine fue una apertura de mente y entender que en el cine no solo trabajan cineastas, productoras, intérpretes, etc., sino que existe todo un tejido de profesionales necesarios para que las cosas funcionen y que quizá yo podía encajar ahí. A los pocos meses de terminar mis prácticas y después de haber colaborado con un par de festivales de cine para entender mejor cómo funcionaban desde dentro, se publicó una vacante en una distribuidora de cine en festivales y, de nuevo sin mucha esperanza, presenté mi candidatura. En aquel momento, yo tampoco entendía muy bien a qué estaba postulando y tuve que aprender sobre la marcha (que al final es como mejor se aprenden las cosas). De nuevo, tuve suerte y me aceptaron, y ahí fue cuando aprendí que existían compañías dedicadas únicamente a la distribución de cine en festivales y lo importante que era este circuito para el sector.

«Para mí, el paso por la Academia de Cine fue una apertura de mente»

– ¿Por qué decidiste fundar Distribution with Glasses y que está suponiendo para ti?

Hay varias distribuidoras de cine en festivales en España y la decisión de crear una nueva, yo sola y en un mundo con nombres muy consolidados, daba un poco de vértigo. Sin embargo, llevaba años hablando con directoras y directores de sus inquietudes y me di cuenta de que muchas personas demandaban un trato más cercano por parte de la figura de la distribuidora. Yo soy intermediaria entre las películas y los festivales, pero detrás de las películas hay personas que quieren entender qué estás haciendo con sus obras y por qué. Algunas agencias similares trabajan con catálogos muy difíciles de asumir (por la cantidad de obras y lo reducido de los equipos) y de forma automática, y al final la desconexión con el creador es inevitable, porque el tiempo no te da para todo. Yo tenía ganas de trabajar a pequeña escala y de conocer realmente a las personas con las que trabajo, de poder guiarlas si lo necesitan y explicarles mis decisiones como distribuidora. Es algo así como unirme al equipo de cada película, más que ser una profesional externa y alejada de él. Esto a veces funciona mejor y a veces peor, claro (hay gente que prefiere dejarte el trabajo y desentenderse, y ahí hay menos trato), pero en general mi experiencia está siendo fantástica.

Además de la cercanía con los equipos, se me hacía necesario tener control sobre las películas que distribuyo, porque no todas las producciones me resultan interesantes. Creo firmemente que una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya y ayuda a difundir, así que en el catálogo hay trabajo de curaduría para crear algo coherente que se identifique con ciertos valores.

«tenía ganas de trabajar a pequeña escala y de conocer realmente a las personas con las que trabajo, de poder guiarlas si lo necesitan y explicarles mis decisiones como distribuidora»

«Creo firmemente que una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya y ayuda a difundir»

– ¿Quiénes son tus clientes y cómo trabajas con ellos?

Mis clientes son los/as directores/as o productores/as de las películas, que me contratan para valorar qué recorrido puede tener su obra y encargarme de los envíos y su representación en festivales. Como te comentaba antes, lo que más valoro es la cercanía con ellos, así que intento que hablemos bastante (suele ser por correo electrónico, por estos ritmos locos que llevamos todos) y que, cada cierto tiempo, podamos evaluar juntos cómo va el trabajo. Siempre comparto mi trabajo con ellos en tiempo real para que vayan viendo los progresos, así que les insisto mucho en que me pregunten si tienen dudas, para que el contacto no se pierda. Con algunas personas el trato y la relación son más constantes que con otras, pero no hay director/a en el catálogo al que no conozca de forma más o menos cercana y eso es realmente lo que buscaba con la distribuidora. No me interesa ser una máquina ni trabajar con gente a la que no puedo poner cara.

«Siempre comparto mi trabajo con ellos en tiempo real para que vayan viendo los progresos»

«no hay director/a en el catálogo al que no conozca de forma más o menos cercana»

Por definir un poco mejor lo que hago, mi trabajo es evaluar qué tipo de recorrido puede tener una película en festivales y, escuchando también las expectativas e intenciones de directores y productores, diseñar la estrategia en festivales. No todas las películas son iguales ni tampoco todas persiguen lo mismo: hay producciones que nacen con el objetivo de ganar un gran premio (un Goya, por ejemplo) y otras que solo quieren conocer el circuito de festivales y servir como carta de presentación para futuros proyectos de un/a cineasta. Primero veo la obra, luego escucho a los equipos y, a partir de ahí, toca ponerse a trabajar y diseñar el mejor camino en festivales. Una vez este camino está creado, hay que evaluarlo periódicamente y reconducirlo si no funciona, siempre de la mano de su director/a.

– ¿Cuál es tu criterio a la hora de elegir trabajos cinematográficos para distribuir?

Como decía, para mí es importante qué mensajes se apoyan desde una distribuidora. A veces llegan cosas que técnicamente son fantásticas y de pronto tienen tono homófobo, racista, machista… Es increíble cuántos trabajos se producen todavía en los que «se cuelan» cosas así. En esos casos, sabes que probablemente la película (sea corta o larga) tendrá cierto éxito en festivales, pero tomas la decisión de que no sea contigo. Establecer estos filtros permite construir un catálogo del que me siento realmente orgullosa y que puedo defender sin «peros», y para mí es crucial a la hora de trabajar. Si tu distribuidora no confía en ti honestamente, ¿quién va a hacerlo?

Además de estos filtros, también hay que recordar que este proyecto es joven y que tiene una filosofía «más pequeña», así que muchas veces hay que dejar fuera trabajos por otras razones. En ocasiones llegan algunos que me encantan, pero a los que no veo mucho futuro en festivales (no porque sean malos, sino porque este circuito tiene sus propias normas), y en ese caso prefiero ser honesta y no cobrar dinero por un trabajo que no creo que vaya a rentabilizar su inversión la distribuidora.

«Establecer estos filtros permite construir un catálogo del que me siento realmente orgullosa y que puedo defender sin «peros», y para mí es crucial a la hora de trabajar»

– ¿Cómo es tu relación con los festivales de cine nacionales e internacionales?

Intento que sea buena y cercana, aunque hay que recordar que hay miles y miles de festivales en el mundo y que no hay una respuesta única para todos ellos. Cuando llevas años en contacto con las competiciones, al final se establecen relaciones de complicidad y a veces escribes a los programadores como a viejos conocidos; en otros casos, los equipos son más cambiantes y les suena el nombre de Distribution with Glasses porque ya ha estado presente en su festival en el pasado, pero conoces a gente nueva de un año para otro. Siempre que se puede está bien viajar para conocer los festivales de primera mano: los equipos, el ambiente, los eventos… No siempre es posible, claro, y en el caso internacional es aún más difícil por lejanía geográfica (¡y que no da el tiempo para todo!). A nivel internacional tengo buena relación con muchos de ellos y a nivel nacional tengo la suerte de poder decir que muchos organizadores de festivales se han convertido en compañeros cercanos. Algunos de ellos han apoyado y ayudado a mi marca desde sus inicios y eso es algo que les agradeceré siempre.

– ¿Cuál ha sido tu mayor caso de éxito hasta el momento?

¡Esa sí que es una pregunta difícil! Este proyecto solo lleva año y medio en activo, pero tengo la suerte de poder dar muchos casos de éxito. Por no tener que elegir e ir a la raíz, te podría hablar de Un día en el parque, el primer cortometraje que me puse a distribuir de forma independiente, un corto de estudiante y sin presupuesto. Yo quería apostar por él desde mi anterior puesto de trabajo y en la empresa en la que estaba no me lo permitieron, así que decidí distribuirlo por mi cuenta con su director, Diego Porral, que es un verdadero genio de la animación. Ahí es cuando comenzó este proyecto, en realidad. Meses después, el corto estaba nominado al Goya y a día de hoy, más de tres años después de su estreno, sigue dándonos alegrías y recibiendo premios y selecciones en festivales de todo el mundo, es una pasada. Ha pasado por más de 300 festivales y viajado por todas partes, e incluso forma parte de programas educativos y materiales de enseñanza de español para extranjeros.

Además, ahora mismo tenemos cortos en la carrera de los Goya, uno en la carrera de los Óscar, películas (cortas y largas) seleccionadas y premiadas en los principales festivales del mundo, largometrajes con estreno en sala próximo… Son logros increíbles, y más aún para una distribuidora de reciente fundación. ¡Es un catálogo estupendo, de verdad! Estoy muy orgullosa.

Siempre hay que señalar que todo esto lo consiguen las películas por su calidad, y el mérito viene de los creadores y creadoras, porque hay muchas mentes increíbles trabajando en cine. Lo que hacemos desde las distribuidoras es acompañar y facilitar ese recorrido que se ganan por derecho propio, y personalmente estoy muy agradecida a Diego y a todas las personas que han confiado sus obras a esta distribuidora. Es un proyecto joven y podrían haberse decantado por otros nombres con más trayectoria, pero decidieron apostar por esto y con su generosidad me han ayudado a crecer.

«el mérito viene de los creadores y creadoras, porque hay muchas mentes increíbles trabajando en cine»

«Lo que hacemos desde las distribuidoras es acompañar y facilitar ese recorrido que se ganan por derecho propio»

– ¿Cómo ves el sector cinematográfico en España? ¿es más fácil distribuir cortos, largos o documentales nacional e internacionalmente?

Es importante señalar que, cuando hablamos de este tipo de cosas, nos referimos sobre todo a la distribución comercial relativa a las ventas: salas de cine, plataformas VOD, etc. Yo no toco ese tema, así que desconozco cómo es exactamente ese mercado. En el circuito de los festivales no hay mucha diferencia entre trabajar nacional o internacionalmente, ya que la mayoría de certámenes funcionan de un modo similar (cada uno con sus particularidades) y no tenemos problemas añadidos como la venta de derechos con los que sí tiene que lidiar esa otra rama de la distribución.

– Recientemente has sido jurado en el Festival ESNE Feelmotion ¿qué tienes en cuenta a la hora de valorar cada película?

En Feelmotion llevo unos años siendo jurado y este ha sido el primer año en el que, además, Distribution with Glasses ha sido patrocinadora oficial, para dar apoyo en distribución a cortometrajes realizados por estudiantes. Es un festival al que tengo muchísimo cariño y, además, el certamen en el que conocí a mi primer corto distribuido, Un día en el parque, así que para mí es un placer que cuenten conmigo. En este caso se premia el talento joven, es una cantera estupenda para ver qué hacen las nuevas generaciones de creadores/as, así que se valora mucho el ingenio y las nuevas miradas. Es un festival que conecta mucho con la filosofía que tiene este proyecto de búsqueda y apoyo a los nuevos talentos. Quien desprecia la etiqueta de «trabajo de estudiante» en cine no sabe lo que se está perdiendo, hay obras que no tienen nada que envidiar a las de profesionales con más trayectoria.

«Quien desprecia la etiqueta de «trabajo de estudiante» en cine no sabe lo que se está perdiendo, hay obras que no tienen nada que envidiar a las de profesionales con más trayectoria»

Unas semanas antes fui jurado del Festival Internacional de Cine Luz del Desierto, en Argentina, y también fue una experiencia estupenda. En esta ocasión, el jurado era más reducido y tuvimos una tarde entera de videollamada internacional hablando sobre las obras que teníamos que valorar y otorgar los premios. Como es habitual, además de la calidad técnica y artística de las películas se suele hacer mucho hincapié en qué cosas nuevas aporta cada una y el impacto que provoca.

– Has sido profesora invitada en el curso de Gestión de proyectos culturales en la Universidad Complutense de Madrid ¿cómo fue tu relación con los alumnos y qué trataste de inculcarles?

La verdad es que mi principal labor en ese tipo de sesiones es explicar qué es la distribución en festivales, cuáles son las dinámicas de trabajo y por qué es importante. Como te decía antes, ¡nuestro trabajo es muy desconocido! Parece que en el ámbito del cine conocemos mucho algunos puestos de trabajo (dirección, guion, producción, interpretación, etc.), pero cuando las películas están terminadas hay mucha gente trabajando para que se vean: distribuidoras en festivales, distribuidoras en salas, agencias de ventas, prensa,… son menos visibles, pero están ahí y hacen mucha falta. La mayoría del alumnado se acerca a mí después de las sesiones y me dice «no tenía ni idea de que esto existía», que es exactamente lo que habría dicho yo hace unos años. Con que sepan que estamos ahí, me doy por satisfecha, para empezar.

Como las sesiones a las que me invitan suelen ser jornadas informativas, siempre intento que sean informales y que puedan preguntar lo que quieran en todo momento. Aquí a veces pasan cosas muy locas; una vez me preguntaron cuántas pelis de Nolan había distribuido y me dio la risa…

– ¿Qué consejo darías a los recién llegados al mundo profesional de la gestión cultural?

Qué difícil es dar consejos en un sector tan complicado como es el de la cultura… Creo que les diría que investiguen a fondo los campos que les gustan y encuentren su hueco y dónde poner un granito de arena. Hay muchos trabajos que no conocemos por ser menos mediáticos, como es el mío, pero eso no hace que sean menos necesarios. Y también que se animen a sacar proyectos adelante por su cuenta y a enfrentarse a la posibilidad del fracaso. Suena a consejo motivacional barato, pero es lo que me ha pasado a mí: yo no soy emprendedora por vocación, en su momento estuve buscando huecos en otros sitios ya existentes para trabajar como yo quería. Como no existían (o existían, pero no tenían espacio para mí), me creé el mío propio y trabajo desde él. Da miedo y es cansado, y por supuesto que hay mucho que depende de la suerte y de la situación (nunca diré eso de «si puedes soñarlo, puedes hacerlo», porque por desgracia no siempre funciona así), pero hay que partir del «al menos, lo intenté». Yo estoy en ello y no siempre es fácil, pero no me arrepiento.

– ¿Cómo te gustaría ver Distribution with Glasses en el futuro y qué proyectos te gustaría llevar a cabo?

A medio plazo, me encantaría ampliar el equipo de la distribuidora. Siempre se trabaja mejor en equipo y, una vez que el proyecto esté más consolidado (parece que va por buen camino), lo ideal sería poder contar con más gente de forma estable. Ahora hay mucha gente que me ayuda en múltiples tareas, pero será genial dar el paso de poder crecer un poquito, en cuanto sea posible.

Aparte de esto y de acceder a ayudas que nos ayuden a mejorar tecnológicamente de modo interno, la verdad es que mi mayor aspiración es que todo se mantenga como está: contando con la confianza de personas a las que valoro mucho a nivel profesional, creativo y humano, y trabajando en lo que nos apasiona.

«mi mayor aspiración es que todo se mantenga como está: contando con la confianza de personas a las que valoro mucho a nivel profesional, creativo y humano»

– Eres III Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG ¿cómo te sientes con este reconocimiento?

No sabría por dónde empezar, porque se me hace raro haber ganado este premio, ¡hay tanta gente trabajando de un modo increíble en tantas cosas! Solo puedo dar las gracias a YANMAG por haberse fijado en lo que estoy haciendo y decidir que era digno de este reconocimiento. Me hace muchísima ilusión, podría dedicarme a decir solo GRACIAS diez minutos seguidos. El último año y medio ha tenido momentos difíciles (sé que todos los hemos tenido, y más en este 2020 de locos que llevamos), así que para qué vamos a mentir: que te den un premio por eso a lo que tanto tiempo y esfuerzo estás dedicando da mucho gustito. ¿He dicho ya gracias? ¡Gracias!

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Desde que soy autónoma tengo menos del que me gustaría, pero tengo la suerte de trabajar en algo que me permite asomarme a una de mis principales aficiones y decir que estoy trabajando, como es el cine. Además, tengo en el cajón proyectos de festivales, de divulgación sobre distribución, de cortometrajes en colaboración con otra gente… Poco a poco me marco ratos en mi tiempo libre para desempolvar esas ideas y ver cómo y cuándo podrían hacerse realidad. También tengo algo abandonada la música, así que entra dentro de mis planes retomar el violín y el piano, que hace años tocaba de forma más intensa. Obviamente, por esta maldita pandemia tampoco puede haber ratos con amigos, que es lo que más estoy echando de menos estos meses.

Aparte de esto, de lo que más disfruto es de la lectura y de los viajes, cuando se puede. ¡Ah! Y de dos gatos preciosos con los que vivo y con los que me encanta hacer la croqueta por el suelo.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

En 2020 parece inevitable desear, antes que ninguna otra cosa, que esta situación pase y que podamos volver a la normalidad cuanto antes. Conectado con esto, me encantaría que se diera a la cultura (en todas sus formas) el reconocimiento y la protección que merece. Sé que es tirar de tópico, pero si algo nos ha demostrado este año es que todos necesitamos la cultura y que esta nos acompaña siempre, así que ojalá hubiera un reflejo real de esto en el apoyo y reconocimiento que recibe. ¡Y que Distribution with Glasses siga formando parte de ese universo, desde el pequeño rinconcito que le hemos creado!

«si algo nos ha demostrado este año es que todos necesitamos la cultura y que esta nos acompaña siempre»

«me encantaría que se diera a la cultura (en todas sus formas) el reconocimiento y la protección que merece»

Más información

Distribution with Glasses – Facebook – Instagram

Marta Salvador Tato – Twitter – LinkedIn

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La entrada Marta Salvador Tato – Distribution with Glasses – Distribución Cinematográfica en Festivales se publicó primero en YANMAG.

Fotografías y entrevista por Berta Delgado

«La filosofía es mi linterna en la oscuridad»

Carlos Javier González Serrano es director editorial, filósofo, profesor y asesor de comunicación. Con una amplia y sólida formación que abarca desde la Filosofía y la Literatura pasando por la Psicología, el Derecho, los Recursos Humanos y las Ciencias Políticas, es conocido como divulgador cultural en redes sociales, donde miles de seguidores descubren cada día a través de él autores/as como Arthur Schopenhauer, Rosalía de Castro, Miguel de Unamuno, María Zambrano, Sylvia Plath o Hannah Arendt entre muchos otros. Su agenda siempre está repleta con conferencias en España y en el extranjero, clases, investigaciones y ponencias, además de constantes colaboraciones en medios de comunicación de televisión y radio.

Su secreto: la pasión y generosidad con la que comunica que van más allá de la divulgación, son su compromiso con el conocimiento.

– ¿Cómo era tu vida antes de que comenzaras a interesarte por la filosofía?

Lo cierto es que me cuesta mucho imaginar, en mi vida, un “antes” de la filosofía. De alguna manera, y sin yo saberlo, siempre me acompañó. Aunque extrovertido en el trato social más cotidiano y superficial, siempre fui un chaval muy introspectivo y, desde jovencito, comencé a preguntarme algunas cosas para las que, sin más, no tenía respuesta. Cosas que tenían que ver, sobre todo, con la finalidad de lo que hacía: para qué jugaba al fútbol, para qué me enamoraba de esta o aquella chica, para qué escribía este poema (que a su vez me había inspirado esta o aquella chica o este o aquel sentimiento), para qué tenía mis amigos, para qué obedecía a mis padres o para qué hacía tal o cual gamberrada. Y, tras todos esos para qué, la falta de un porqué. De un porqué absoluto, unificador.
Esa incapacidad para responder a tales cuestiones me descorazonaba e incluso me ponía de mal humor (siempre he tenido bastante carácter y, sobre todo, he sido, y soy, muy autoexigente), pero también, por otro lado, me empujaba a tener un conocimiento de “algo” que se me escapaba: no sabía a qué respondía ese “algo” que buscaba, y esto, aunque punzaba, también me fascinaba. Un hecho que, por cierto, no ha cambiado hasta hoy. Sigo declarándome –y asumiendo que soy– un buscador de lo imposible, de lo inabordable. Y esto hay que entrenarlo, hacer callo para saber vivir en (y convivir con) esa brecha, en la grieta de sentido que abren las constantes y persistentes preguntas. Me parece que tampoco sabría ni podría vivir de otra manera. Eso intento transmitir a las personas con las que trabajo, a mis alumnos y personas más cercanas, aunque también en redes sociales. El constante asombro que, siempre, abre nuevas perspectivas de sentido.

«Sigo declarándome –y asumiendo que soy– un buscador de lo imposible, de lo inabordable»

«hay que entrenarlo, hacer callo para saber vivir en (y convivir con) esa brecha, en la grieta de sentido que abren las constantes y persistentes preguntas»

– Entonces, ¿en qué momento y cómo cambió tu vida la filosofía?

“Formalmente” descubrí la filosofía con catorce o quince años, en el colegio San Gabriel de Madrid (donde me crié desde los cuatro hasta los diecisiete años), cuando mi profesor de Ética, el inolvidable Antonio, nos invitó a ojear la Historia de la filosofía de Julián Marías, aventajado discípulo de Ortega y Gasset. Y así, entonces, descubrí que ese “algo” al que no sabía poner nombre había sido la meta, también inacabable y a veces frustrante, pero llena de sentido, de muy numerosos individuos a lo largo de la historia. Un “algo” que no tenía tanto que ver con un conocimiento como con un camino. También la literatura me dispuso para recorrer ese camino.
Y ese fue tal vez mi gran descubrimiento: saber que la filosofía no es ciencia, al contrario de lo que muchos piensan o pretenden, sino método. Un método de encantar la realidad que hace que el asombro ante lo existente (y lo no existente, o lo que no sabemos si existe) nunca desfallezca.

– Además de tu Licenciatura en Filosofía, tu formación es interdisciplinar y muy amplia (Máster en Psicología del Trabajo y de las Organizaciones y Gestión de Recursos Humanos, estudios de Derecho y Ciencias Políticas y de Psicología, Máster en Estudios Avanzados en Filosofía, psicopedagogía, idiomas… ¿Qué te han aportado estos estudios y cómo los relacionas habitualmente en tu trabajo?

La filosofía abre camino, como decía antes. Y un camino tiene ante sí, siempre, diferentes y múltiples bifurcaciones. Pero no creo que haya que decantarse por una o por otra vía en exclusiva (ciencias o humanidades, números o letras, ciencias sociales o ciencias exactas, etc.). Eso resulta reduccionista y hasta diría que poco inteligente, sino que, a veces, resulta necesario hacer un alto en ese sendero que seguimos (¡en ocasiones por pura inercia!), mirar alrededor y darse cuenta de lo multifacético que resulta el mundo, que no puede ser visto desde una sola perspectiva. Quien estudia filosofía desemboca necesariamente en preguntas para las que necesita el auxilio de otras disciplinas; sólo hay que echar un ojo a la historia para darse cuenta de que las grandes figuras del pensamiento también destacaron en matemáticas, física, medicina, química, cosmología, literatura, etc.
La filosofía es mi linterna en la oscuridad, la que me permite orientarme hacia un lado u otro en una habitación, que es la vida, en la que todo o casi todo está a oscuras; cuando encuentro un problema particular, es entonces cuando echo mano de esas otras disciplinas que he estudiado (y que sigo estudiando, y otras que tengo por estudiar): los problemas legales necesitan un conocimiento de la ley, los problemas personales precisan de dotes interpersonales y de experiencia (que no otorga precisamente los estudios), los retos educativos requieren destrezas pedagógicas, los desafíos cosmológicos exigen conocimientos físicos, matemáticos y bioquímicos, etc. Digamos que sin filosofía es difícil orientarse, pero sin el resto de saberes resulta muy complicado vivir una vez que hemos conseguido orientarnos.
Creo, más que nunca, en la necesidad de una educación multidisciplinar desde la más temprana infancia, que abogue por integrar saberes de todo tipo, presididos por una clara meta: ayudar a cada individuo a desarrollarse plena y libremente hacia su objetivo vital. Sin (una buena) educación, sin esa pluralidad de saberes a su disposición, es imposible crear no ya seres libres, sino libertad. La libertad para saber quién se quiere ser y para desear al otro esa misma libertad.

«sin filosofía es difícil orientarse, pero sin el resto de saberes resulta muy complicado vivir una vez que hemos conseguido orientarnos»

«sin esa pluralidad de saberes a su disposición, es imposible crear no ya seres libres, sino libertad. La libertad para saber quién se quiere ser y para desear al otro esa misma libertad.»

– Ahora diriges desde Madrid la editorial Taugenit, en el Grupo Herder. ¿Con qué propósito nació y qué obras seleccionáis?

Empecé muy joven en el mundo de la edición de libros, cuando aún cursaba estudios universitarios. Tras algunos años erráticos en empresa privada mientras seguía estudiando, con contratos cortos –y muchos de ellos precarios–, y después de mi paso por varias editoriales como corrector, editor de mesa, lector, coordinador de colecciones o asesor, acabé trabajando en la prestigiosa Alianza Editorial (Grupo Anaya), donde estuve cerca de tres años como editor de no ficción. Fue un sueño cumplido. Ha sido una de las experiencias más gratificantes de mi vida laboral; una etapa de la que conservo grandes amistades y en la que aprendí muchísimo gracias a mis compañeros y, sobre todo, gracias a la muy atinada mano de su directora (siempre elegante y cercana en el trato y mesuradamente arriesgada en la elección de criterios), Valeria Ciompi, una referencia en lo laboral y en lo personal. Nunca se deja de ser parte de Alianza, por su tradición, por su bagaje y su puesto en el panorama editorial mundial, y de hecho sigo colaborando con ellos con prólogos, traducciones, etc. ¡Quién sabe, la vida da muchas vueltas!
Fue a mediados de 2019 cuando comencé a hablar con el responsable del Grupo Herder, Raimund Herder; nos reencontramos después de verano y, de aquellas conversaciones estivales acompañadas de cerveza fresca, nació un incipiente proyecto editorial, respaldado por la dilatada experiencia de nuestras trayectorias editoriales, que correría en paralelo a Herder Editorial pero que sería absolutamente independiente en su funcionamiento y gestión. Aquella ilusionante idea que ahora dirijo ya tiene nombre (y un corto pero del todo prometedor recorrido), Taugenit Editorial. El nombre hace alusión a la novela del romántico Eichendorff Das Leben eines Taugenichst, Andanzas de un inútil, que hemos publicado con un estupendo prólogo de Espido Freire. Publicamos, sobre todo, no ficción: ensayos y discursos relevantes para comprender estos tiempos tan turbulentos; también traducimos autores olvidados por la tradición (un ejemplo es la filósofa Helene von Druskowitz, quien no dudó en vituperar al mismísimo Nietzsche sin tapujos); pero también publicamos ficción de clásicos y la editorial se abrirá a nuevas y prometedoras colecciones en 2021, año para el que tenemos pensado un exigente plan editorial.

– También eres asesor cultural y de comunicación y colaboras con diferentes medios de prensa escrita, radio y televisión (Radio Nacional, Televisión Española, Radio Caracol en Colombia, Onda Cero, Mediaset…). ¿De qué manera te gusta hacer llegar la cultura a la audiencia?

No considero en absoluto que esta faceta mía esté en segundo plano. Mi trabajo principal es el de editor, por supuesto, pero lo compagino con la asesoría a distintas empresas e instituciones que buscan lograr un mayor alcance en sus fines culturales, educacionales, pedagógicos o, sin más y en genérico, empresariales o institucionales. Una buena comunicación es el inicio de un buen modo de trabajar: ayuda internamente, a colocar bien los objetivos, y externamente, a mostrar qué, para qué y por qué se hace lo que se está haciendo.
Por otro lado, difundir el estudio e interés por la filosofía, la literatura y, en general, las humanidades es otro de mis objetivos vitales principales. Cuando hablo con mis amigos pedagogos (con los que, reconozco, discuto mucho y enriquecedoramente), les explico que sólo hay una herramienta fundamental para comunicar el conocimiento: la pasión. Por supuesto, tiene que estar apoyada en un bagaje teórico hondo y bien fundado de la materia de que se trate y, si además se cuenta con destrezas organizativas y pedagógicas, mejor: la comunicación será más eficaz. Pero existe un elemento en la pasión que no puede ser sustituido por ninguna capacidad, competencia o destreza: la pasión por mostrar lo que sabes es fundamental en educación, sobre todo en la enseñanza media y superior. Y es eso lo que intento hacer y transmitir tanto en mis clases en universidad como en las conferencias que imparto e incluso en los artículos de prensa que escribo o cuando hago radio o televisión.
Últimamente, por ejemplo, colaboro como asesor externo con la prestigiosa revista National Geographic. Mientras, imparto numerosas conferencias como invitado en universidades nacionales e internacionales sobre filosofía, literatura, dirección de equipos de trabajo, gestión cultural y todas aquellas disciplinas que recorren el espectro que aglutina mi trayectoria laboral y teórica.
La solidaridad, acompañada de generosidad, es fundamental para contribuir a la cultura. Y nuestra cultura, hoy por hoy, es (y debe ser) global, multiforme y plurilingüística.

«sólo hay una herramienta fundamental para comunicar el conocimiento: la pasión»

«La solidaridad, acompañada de generosidad, es fundamental para contribuir a la cultura»

– ¿Qué buscas fomentar en los alumnos y qué respuesta recibes de ellos en las conferencias que impartes en diferentes universidades del mundo? 

Este 2020 tenía que haber estado en Brasil, en un congreso internacional sobre Schopenhauer al que fui invitado, así como en México, EE.UU. y Canadá. Todo se ha pospuesto para 2021, esperando que la situación sanitaria comience a solucionarse. Así lo esperamos todos. En 2019 estuve dos veces en Colombia: primero como invitado para impartir un curso monográfico sobre Schopenhauer en la Universidad del Atlántico y la Universidad del Norte (ambas en la bella Barranquilla), y después, en Navidad, como embajador de la Internationale-Philipp Mainländer Gesellschaft alemana, para fundar la Sección Colombiana de tal sociedad, que dirige mi amigo y filósofo costeño José Cruzado de la Vega.
Tengo más viajes programados (Europa, América y Asia), pero todo dependerá de la situación sanitaria. Por ahora, no paro de dar conferencias por todo el mundo… pero a través de internet. Aunque el contacto cercano, cara a cara, cálido, es insustituible, mi objetivo no es tanto ser yo el protagonista como que lo sean mis palabras: aquello que cuento sobre lo que lo cuento. Me considero un vehículo de lo que sé y considero que el conocimiento queda muerto, y de alguna manera resulta inútil, si no acaba siendo compartido. Eso busco: compartir mi pasión y hacerla extensiva a alumnos y colegas. Por parte de los alumnos, la respuesta es siempre emocionante, comprometida, vivaz. Cuando termino los cursos o las conferencias quieren más: eso es filosofía. Querer siempre más. Querer saber, sin descanso. Más. Y mejor.

«Me considero un vehículo de lo que sé y considero que el conocimiento queda muerto, y de alguna manera resulta inútil, si no acaba siendo compartido»

– ¿Por qué te defines como un “alma del XIX perdida en un tiempo extraño”?

Condición para encontrar(se) es la de estar perdido, diría yo. Es una sensación que muchos compartimos por nuestro modo de vida, por nuestros gustos y aficiones. Me identifico mucho con las reflexiones de Baudelaire, cuando se sentía invadido y acosado por el monstruo en el que París se estaba convirtiendo: coches, ruido, gentío… Pasa un poco lo mismo con la actual Madrid; y con Barcelona, aunque afortunadamente se salva por su salida marítima. Los lugares donde vivimos también confeccionan nuestras estructuras mentales: cómo nos movemos, cómo sentimos, qué hacemos y qué podemos (o no podemos) hacer, etc. En este sentido, soy madrileño de corazón, pero, al igual que otras grandes capitales del mundo, se está convirtiendo en un lugar inhabitable al servicio de intereses ajenos al individuo, que, a fin de cuentas, es quien tiene que vivir y poblar las ciudades.
Perdón por el exabrupto… Vuelvo al asunto de la pregunta. Y seré breve: en el XIX se dan cita mis autores favoritos. ¿Visitar el Padrón de Rosalía de Castro, peregrinar a Yásnaia Poliana a ver a Tolstói, charlar con Poe… Jane Austen, Pushkin, Elizabeth Gaskell, Schopenhauer, Nietzsche, Wagner, Charles Darwin, Leopardi, Mary Shelley, Brahms, ¡las hermanas Brontë!…! En fin, no pararía. Pero siempre vuelvo a ellos, a ellas: son mi refugio cuando todo parece ir mal.

«Condición para encontrar(se) es la de estar perdido»

«Los lugares donde vivimos también confeccionan nuestras estructuras mentales: cómo nos movemos, cómo sentimos, qué hacemos y qué podemos (o no podemos) hacer»

– ¿Cuándo y por qué comenzaste a interesarte por el movimiento romántico?

Desde muy jovencito, en la más temprana adolescencia, y más por pose que por convicción. La lectura de La dama de las camelias, con doce o trece años, hizo estragos en el chaval que un día fui… Después supe que el Romanticismo, como movimiento literario y artístico, era otra cosa. Y bueno, aún hoy sigo perdido en las obras de Novalis o Hölderlin, buscando esa (imposible) flor azul…

– Eres especialista en Schopenhauer, presides la Sociedad de Estudios en Español sobre Schopenhauer y diriges Schopenhaueriana. Revista española de estudios sobre Schopenhauer. ¿Cuál es la actualidad de este pensador?

Aunque he de reconocer que, en lo teórico (y sobre todo en lo social), cada vez estoy más alejado de las tesis schopenhauerianas, sí es verdad que vivimos tiempos que pueden ser analizados muy bien por su doctrina pesimista. Esa voluntad de la que él habló como motor insaciable del mundo, que nos devora al tiempo que se devora a sí misma, está más viva que nunca: superproducción, desigualdades crecientes, narcisismo enfermizo, etc. Pero Schopenhauer no plantea vías sociales de redención, sino sólo individuales, para escapar de ese atolladero. En esto me encuentro más cercano a las tesis “socialistas” de Philipp Mainländer, que, a pesar de su descarnado pesimismo (terminó suicidándose), fue un gran baluarte de la defensa de los derechos de los trabajadores y en la creación de uniones humanas y sociales para hacer frente al “despiadado y frío poder del capital”, como él mismo lo llamó. He traducido y trabajado mucho su pensamiento junto a uno de mis maestros, el profesor Manuel Pérez Cornejo, referencia internacional en los estudios sobre pesimismo filosófico y estética, además de amigo y excelente persona.

– También has escrito, hablado y desarrollado estudios sobre Rosalía de Castro, Miguel de Unamuno, María Zambrano, Hermann Hesse… y otros muchos autores, y en concreto sobre el suicidio desde una perspectiva pluridisciplinar. ¿Cómo abordas este tema que casi siempre es un tabú?

Estamos acostumbrados a acercarnos al suicidio desde un punto de vista meramente sociológico o psicológico, y olvidamos muchas veces la panorámica filosófica. Existen problemas, más allá de la estructura económico-geográfico-social en la que habitemos, que resultan irresolubles. Problemas que, sobre todo, tienen que ver con el sentido, y que encierran una gran carga emocional: por qué y para qué vivir, cómo afrontar la soledad a la que todos estamos sujetos, etc. Existe una corriente, que cada vez tolero menos (por el enorme daño que causa), de psicología positiva, difundida y apoyada por la industria de la autoayuda, el coaching más dulzón y embaucador y el optimismo más ingenuo. En ocasiones, la única vía para salvarnos es la de reconocer (sí, con dolor, pero también con lucidez) que estamos perdidos.
Y en esto debemos ser claros: la vida es un problema insoluble y, por tanto, inagotable, tanto en lo teórico como en lo práctico. Cada día debemos tomar decisiones que nos comprometen como individuos y como componentes de una sociedad o miembros de un grupo. Esas decisiones necesitan de un aparataje y de un horizonte crítico que sólo nos puede proporcionar la filosofía. La filosofía (ya lo he comentado antes) como método, y no como solución o respuesta. Detrás de cada pregunta hay más preguntas que esperan no tanto ser resueltas como ser vividas, experimentadas. Y en ese vivir cada una de nuestras problemáticas, literalmente, nos va la vida. La existencia se convierte en una dolorosa y a veces impracticable imposición, en un angustioso callejón sin salida, cuando no la dotamos de herramientas con la que poder pensarla.
También existe una franca y terrible insolidaridad que debemos denunciar. En esta sociedad del narcisismo y las poses, se condena la tristeza como algo despreciable que debe ser repudiado y relegado al ostracismo. Tremendo. La tristeza no se cura: la tristeza se acompaña. Y debemos acompañarnos los unos a los otros en un tránsito nada sencillo, el de la propia vida.

«debemos ser claros: la vida es un problema insoluble y, por tanto, inagotable, tanto en lo teórico como en lo práctico»

«La tristeza no se cura: la tristeza se acompaña. Y debemos acompañarnos los unos a los otros en un tránsito nada sencillo, el de la propia vida.»

– Actualmente diriges El vuelo de la lechuza, una revista cultural con decenas de miles de seguidores en redes. Además de participar en radios nacionales (RNE, Onda Cero, Cadena Ser…), también diriges un programa de radio en el Círculo de Bellas Artes de Madrid que cada semana escuchan miles de personas. ¿Cómo conviven y se relacionan estas colaboraciones?

El vuelo de la lechuza comenzó hace ya muchos años y fue una idea que surgió para dar visibilidad a lo aprendido en mis estudios de Filosofía. Al principio escribía sólo yo, cuando tenía más tiempo, pero a lo largo de los años se ha convertido en una web de referencia y tiene autores de una talla intelectual brutal: profesores universitarios de todo el mundo, especialistas de numerosas disciplinas… Esa es su vocación: la de ser una revista dedicada a las humanidades con vocación de divulgación sin perder, nunca, el rigor al que me debo como estudioso e investigador.
Mi colaboración con el Círculo de Bellas Artes se la debo a la mano amiga de Valerio Rocco Lozano, actual director de la institución, que está apostando mucho por la filosofía, la juventud, la internacionalización y, también y sobre todo, por la importancia de la interdisciplinariedad. Los saberes, aún en su divergencia de perspectivas, pueden converger en objetivos comunes. De estas convicciones, que ambos compartimos, surgió la idea (y la necesidad) de hacer un programa de radio en el Círculo dedicado en exclusiva a las humanidades, entendidas en sentido amplio: cada semana entrevisto a artistas consagrados, científicos de renombre, humanistas de largo recorrido… Pero también doy cabida a nuevas voces que están empezando, desde la medicina o la química hasta la literatura y la traducción. El objetivo es difundir no tanto el saber como el gusto y la pasión por saber.

– ¿Cuáles son los autores que más te han marcado personalmente?

Aunque la nómina sería muy larga, seré breve. Por supuesto, mi gran descubrimiento de la adolescencia, en o filosófico, fue Arthur Schopenhauer. Pero mis grandes maestras son mujeres: María Zambrano, Sylvia Plath, Hannah Arendt, Alfonsina Storni, Emily Dickinson, Virginia Woolf, Simone Weil, Alejandra Pizarnik, Idea Vilariño, Lou Andreas-Salomé, Teresa Wilms Montt y, sobre todo, mi querida y admirada Rosalía de Castro. Y ¡me dejo muchas!

«mis grandes maestras son mujeres»

– ¿Son iguales todos los días de trabajo para ti?

En absoluto. Mi trabajo, afortunadamente, me permite tener reuniones con gente de muy distintas procedencias y diferente formación a distintas horas de la jornada, dirigir varios proyectos a la vez que precisan de cadencias y tiempos distintos, etc. Tengo la suerte de tener una gran diversidad laboral que me permite desarrollar muchos planos de mi personalidad: intelectual, interpersonal, cultural, de gestión humana, investigadora… La gestión directiva requiere de una gran capacidad para economizar y administrar el tiempo, atendiendo además a las necesidades de cada uno de esos proyectos y de la gente implicada en ellos; pero no se trata sólo de eso. No cuento los días por lo que hago, sino por lo que soy capaz de hacer bien. En este sentido, intento que no haya días “perdidos”. Nuestras únicas y más reales posesiones son conquistas personales.

«Nuestras únicas y más reales posesiones son conquistas personales»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

En términos profesionales, soy muy meticuloso y me gusta que las cosas salgan bien, que los procesos lleguen a las metas que me he propuesto. Trabajo por objetivos, no creo en las sillas llenas –o en el tiempo vacío por llenar de cualquier forma–, pero sí creo a pies juntillas en la realización de (sanos y comedidos) propósitos. Además de mi labor como responsable editorial, que es absolutamente vocacional y es a lo que más tiempo dedico en mi día a día, me gustaría ampliar mi participación (¡aún más!) en la difusión de la filosofía, la literatura y las humanidades en general como ingredientes necesarios, imprescindibles, de una educación integral. Ya lo hago, e intento estirar el tiempo, pero éste siempre pasa, ya lo decía Sylvia Plath en sus diarios, cortándonos a cada paso con su imperturbable “tic-tac-tic-tac”…

– Hablando de tiempo: ¿cómo es tu tiempo libre?

La verdad es que tengo poquísimo tiempo libre. Pero, cuando me obligo a tenerlo (obligarse a tener tiempo libre parece una broma), lo dedico, sobre todo, a pasear con música bien alta (siempre que haga sol, soy de sangre mediterránea), lectura, deporte (aunque hago todos los días, sin excepción) y, cada vez más, a pensar en (y estar con) la gente a la que quiero, y recordar con cariño a la que ya se ha marchado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

¿Puedo alguno más? Un deseo coyuntural: el fin de esta pandemia y la vuelta al acercamiento, a la calidez. Un deseo utópico: que la maldad humana ablande su mano, siempre rígida y al acecho, y acabe por despertar la solidaridad mutua. Un deseo plausible: fundar una institución de enseñanza en la que poder becar y ayudar a quienes quieren estudiar e investigar y no pueden por falta de medios o de financiación.

«Un deseo coyuntural: el fin de esta pandemia y la vuelta al acercamiento, a la calidez»

«Un deseo utópico: que la maldad humana ablande su mano, siempre rígida y al acecho, y acabe por despertar la solidaridad mutua»

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«Soy capaz de sentir nostalgia por cada lugar en el que he vivido»

Margaryta Yakovenko es periodista especializada en política internacional, escritora y experta en Redes Sociales.

Española de origen ucraniano, se trasladó con su familia a Murcia cuando tenía siete años. Lectora insaciable y escritora desde muy joven, acaba de publicar su primera novela Desencajada, en la que describe con un lenguaje directo y contundente las dificultades de una familia durante su emigración a España.

Conversar con Margaryta Yakovenko es descubrir a una escritora inteligente y sensible que habita entre dos culturas.

– Naciste en Ucrania y te trasladaste a vivir a España con tu familia ¿cómo fue este cambio para ti?

Creo que es el acontecimiento más importante de toda mi biografía, un suceso que ha condicionado mi vida personal, profesional y mi forma de ser. Al haber emigrado con apenas siete años, no fue un proceso demasiado traumático. Eso sí, recuerdo prácticamente todo de aquel viaje y los años que vinieron después. Es curioso porque en realidad me acuerdo muy poco de mi infancia en Ucrania, como si mi vida en realidad comenzase con siete años en un pequeño pueblo de Murcia.

– ¿Cómo es para ti vivir entre dos culturas?

Encajé muy pronto en la sociedad española y jamás abandoné mis raíces ucranianas. Tuve que aprender una cultura diferente, un idioma distinto y creo que todo eso me ha dado la posibilidad de acceder a una riqueza cultural muy importante. Me siento profundamente europea porque tanto Ucrania como España son Europa y a pesar de que tenemos una historia diferente, también hay muchos hilos que se entretejen para formar un pasado común.

«Me siento profundamente europea porque tanto Ucrania como España son Europa»

– ¿Qué sientes cuando vuelves a Ucrania?

Siento que vuelvo con mi familia. Es un sentimiento extraño, no siento que vuelva al lugar al que pertenezco, solo que recupero una parte de mí que durante el resto del año está agazapada dentro de mi cuerpo y anulada por mi identidad española. Cuando paso unas semanas en Ucrania, empiezo a echar de menos España. Cuando regreso a España, me ocurre lo mismo con Ucrania. Vivo constantemente entre dos países. Me siento parte de ambos, en mis mejores días. En los peores, siento que no pertenezco realmente a ninguno, que simplemente estoy de paso.

«Me siento parte de ambos, en mis mejores días. En los peores, siento que no pertenezco realmente a ninguno, que simplemente estoy de paso»

– Eres bilingüe español-ruso y hablas también ucraniano ¿cómo están ligados los idiomas a tu experiencia vital?

Creo que ser bilingüe es una auténtica maravilla. Que tu mente funcione a la perfección con dos idiomas dentro, que puedas en milésimas de segundos cambiar de uno a otro y que aún así todo parezca perfectamente natural y normal… es un auténtico privilegio. Me siento profundamente europea porque tanto Ucrania como España son Europa. Estar en España y oír el español y no sentirte fuera de lugar o estar en Ucrania o Rusia y oír el ucraniano y ruso y entenderlo perfectamente sin sentirte una intrusa, es lo mejor que me ha dado la migración. En muchas ocasiones para mí el ruso es un idioma familiar, el que hablo con mis familiares más cercanos, el de andar por casa, y el español la lengua en la que escribo, en la que trabajo o en la que amo.

«para mí el ruso es un idioma familiar, el que hablo con mis familiares más cercanos, el de andar por casa, y el español la lengua en la que escribo, en la que trabajo o en la que amo»

– Has vivido en Murcia, Zaragoza, Barcelona y ahora en Madrid ¿de qué manera ha ido cambiando tu percepción sobre España?

Haber vivido en tantos lugares me ha permitido descubrir que tenemos un país riquísimo, único, con sus peculiaridades en cada lugar. La parte mala es que ahora soy capaz de sentir nostalgia por cada lugar en el que he vivido y siento que quiero volver a ellos una y otra vez. Todavía me queda mucha España por conocer. Por ejemplo, solo ahora, tras 21 años viviendo aquí, me he adentrado en el interior de la Península: Castilla y León, Castilla-La Mancha, Extremadura… y no dejo de fascinarme que todo esto forme parte de un mismo país. Me maravilla.

«siento que quiero volver a ellos una y otra vez»

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por el periodismo y por qué decidiste dedicarte a esta profesión?

La verdad es que no puedo decir que fuese algo completamente vocacional. Me encantaría haber tenido ese sentimiento de “tengo que convertirme en esto” desde muy pequeña, como sé que le sucede a algunas personas. Yo soy mucho más fluctuante. Desde pequeña he querido ser bailarina de ballet, abogada, traductora, cantante, historiadora del arte o ilustradora. Cuando estaba acabando el bachillerato me encontraba completamente perdida. Había estudiado letras puras con Latín, Griego e Historia del Arte no porque pensase que me fuera a ser útil en el futuro sino porque eran asignaturas que me encantaban. Por suerte, lo hice bastante bien esos años y en selectividad conseguí una nota que me permitía acceder a cualquier carrera. Tomar la decisión de estudiar periodismo fue muy difícil, no sabía ni en lo que me estaba metiendo pero tenía curiosidad. Al final, la curiosidad y el instinto de tener claro lo que me gusta (o más bien, tener clarísimo lo que odio) me han traído hasta aquí.

– Te has especializado en periodismo político internacional ¿cómo ves desde tu perspectiva la situación actual de los países del Este y la relación con la Unión Europea? ¿Y el conflicto entre Ucrania y Rusia?

Los países del Este que forman parte de la UE fueron casi los últimos incluidos en la lista de los 27, por 2004, cuando Putin ya estaba en el poder en Rusia y era, claramente, una amenaza para las fronteras orientales de la Unión. Algunos se integraron muy bien como Lituania, Estonia o Letonia, que siempre compartieron más elementos culturales con los nórdicos, al ser pueblos bálticos, que con los eslavos. Sin embargo otros, y pienso en países como Hungría o Polonia que siguen teniendo esos tintes autoritarios más propios del siglo XX que de la Europa del siglo XXI, me despiertan dudas.

El conflicto entre Rusia y Ucrania es una guerra muy dolorosa, prácticamente una guerra civil, algo que no debería haber ocurrido jamás. A la vez es una clara prueba de que tras el derrumbe de la URSS en 1991, muchos conflictos nacionalistas se quedaron sin resolver y ahora explotan como minas terrestres abandonadas.

«El conflicto entre Rusia y Ucrania es una guerra muy dolorosa, prácticamente una guerra civil, algo que no debería haber ocurrido jamás»

«tras el derrumbe de la URSS en 1991, muchos conflictos nacionalistas se quedaron sin resolver y ahora explotan como minas terrestres abandonadas»

– Dentro de la sobreabundancia informativa, ¿cómo crees que se debe comunicar para que llegue el mensaje a los lectores?

Con la mayor intención de veracidad que se pueda. Vivimos un momento tenso, no diría que un momento único por esa tensión porque a lo largo de la Historia hemos vivido circunstancias mucho peores, pero sí es un periodo difícil. A la vez, hay muchos agentes informativos o no, emitiendo información, opiniones y mensajes que no siempre son veraces, no siempre tienen la mejor intención. Es una responsabilidad enorme la que tenemos los periodistas y los medios en este momento para con la población en general. Debemos explicar lo que ocurre, hacerlo accesible, en un lenguaje llano y comprensible. El no posicionamiento es muy difícil de conseguir, somos humanos al fin y al cabo, pero aún así, debemos intentar, como mínimo, no ocultar todas las perspectivas.

«debemos intentar, como mínimo, no ocultar todas las perspectivas»

– Escribes desde la perspectiva de género y de clase ¿es cada vez más fácil encontrar medios que publiquen con este enfoque?

Quiero creer que hay más medios que hace unos años que publican desde ese enfoque pero no sé, realmente, hasta dónde pueden llegar. Está claro que el panorama informativo sigue estando dominado por empresas mediáticas cada vez más grandes a las que no les cuesta nada imponerse y prevalecer sobre esos pequeños medios que hacen las cosas de manera diferente. Ocurre lo mismo en el mundo editorial donde prácticamente todo el pastel está repartido entre dos grandes grupos. Aunque hay iniciativas muy interesantes a tener en cuenta y que publican historias que no encuentran su lugar en los catálogos tradicionales.

– Has sido Jefa de sección y Actualidad en la revista PlayGround ¿cómo fue está experiencia profesional para ti?

Aunque PlayGround no fue el primer lugar en el que trabajé, sí ha sido uno vital. Estuve más de tres años en la revista, en un momento único en el que los medios jóvenes de internet (pienso en Buzzfeed y Vice también) hacían cosas verdaderamente interesantes. Coincidimos todos en un momento histórico único que nunca más se volverá a repetir. Éramos hijos de nuestro tiempo. Medios de internet que se movían en Redes Sociales como nadie y cuyas plantillas tenían una edad media de 26 años. Había muchísimas ideas, muchísima ilusión en hacer que las cosas salieran bien, era una inyección constante de energía, un lugar en el que daba igual el cargo que tenías, la edad que tenías, el lugar en el que habías estudiado, podías ir y presentar tu idea a tu jefe o pedir una reunión con el CEO y tenías altas probabilidades de que saliera adelante. No me he vuelto a encontrar en un sitio con tanta libertad creativa, con una estructura tan cambiante. Haber estado en PlayGround desde los 23 hasta los 26 fue muchísimo mejor que ir a la universidad. Lo mejor de ello es que en esa época coincidimos varios escritores, guionistas, montadores, periodistas que seguimos moviéndonos por el mundo, creando un contenido interesantísimo. Y salimos todos de la escuela PlayGround.

«No me he vuelto a encontrar en un sitio con tanta libertad creativa, con una estructura tan cambiante»

– En este momento trabajas llevando las Redes Sociales para el diario El País ¿cómo es trabajar para un gran medio y qué particularidades tiene?

Venir de un medio como PlayGround a uno como El País es equivalente a un curso aceleradísimo de periodismo y trabajo mediático. Obviamente se trata de dos maneras de trabajar, crear, informar, muy diferentes. El País es una institución. No tiene que luchar por su lugar en el panorama informativo, lo tiene más que merecido. Creo que casi todos los periodistas soñamos durante la carrera acabar en una redacción como la de El País. Es un sueño cumplido, sin duda.

– ¿En qué momento comenzaste a interesarte por la literatura y a escribir?

Esta pregunta es difícil de responder porque podría decirte que desde siempre, literalmente. Aprendí a leer muy pronto y en segundo de primaria me hice el carné de la biblioteca municipal del pequeño pueblo murciano en el que vivía. Devoré todos los libros de los estantes infantiles y me pasé demasiado pronto a la literatura adulta. Era insaciable. Los libros me parecían el mejor invento de la historia. Siempre tuve libretitas en las que dibujaba y de vez en cuando escribía algo pero mi primer relato como tal lo escribí a los 10 años. Es una pena que se haya perdido en una mudanza, me encantaría leerlo ahora, casi 20 años después. Lo llamativo es que aunque no paraba de leer libros y escribía mis ideas, jamás pensé que escribir y publicar fuese un trabajo y que fuese un trabajo a mi alcance. Para mí era un mundo absolutamente inaccesible, el mundo de los grandes escritores. Ni siquiera sabía lo que era una editorial, mucho menos podía imaginarme publicando en una.

«Devoré todos los libros de los estantes infantiles y me pasé demasiado pronto a la literatura adulta. Era insaciable»

«jamás pensé que escribir y publicar fuese un trabajo y que fuese un trabajo a mi alcance»

– Acabas de publicar tu primera novela Desencajada sobre la situación de las personas migrantes en España en la editorial Caballo de Troya ¿cómo fue el proceso para escribirla?

Desde que hablé con mis editores de la idea del libro por primera vez hasta que se ha publicado, han pasado dos años. De escritura como tal le dediqué un año pero la idea llevaba gestándose en mi cabeza desde mucho antes. El libro fue variando a lo largo de los meses. Hubo tres versiones, dos inconclusas y una prácticamente finalizada, hasta que a pocas semanas de la entrega del manuscrito, le di una vuelta completa y escribí la cuarta versión que es la que se ha publicado. La reescritura me pilló ya en el confinamiento. Fue un momento duro: trabajaba por las tardes y escribía por las noches y por la mañana. Solo me dedicaba a trabajar y escribir, ambos trabajos mentales muy exigentes, con un horario agotador. Pero tenía la historia, tenía la voz, el tono, lo que quería decir, no podía dejarlo, era como una droga. Ahora cuando leo ciertos fragmentos del libro me sorprende que fuesen escritos por mí. Ni siquiera recuerdo haberlos pensado. Imagino que lo escribí prácticamente todo en un estado de trance.

«Imagino que lo escribí prácticamente todo en un estado de trance»

– ¿Hay menos oportunidades para las personas migrantes?

Creo que hay menos oportunidades para todos los que no sean un hombre blanco heterosexual de clase media alta. Todo lo que se salga de esa norma, ese molde para el que fue hecho el mundo y con cuyas manos fue construido, lo tiene más difícil. Si pensamos en el triunfo, o lo que se define como triunfo profesional, claramente hay caminos que son cuesta arriba, escarpados, pedregosos, sin salida a veces, rodeos, para poder llegar al lugar en el que el hombre blanco de clase alta llega con apenas un par de pasos. Y no solo para los migrantes: para las lesbianas, los transexuales, las mujeres, las personas racializadas, las minorías étnicas… los migrantes además juegan con una gran desventaja: no tienen apoyo familiar, son desheredados, algunos no saben ni el idioma, son la clase más baja del proletariado. Evidentemente, si empiezas a correr la carrera con una mochila de 40 kilos a la espalda y al lado tienes a alguien que va en bici, vas a perder. O vas a llegar a la meta tarde y tras malgastar mucha energía en algo que para otra persona era fácil desde el principio.

«los migrantes además juegan con una gran desventaja: no tienen apoyo familiar, son desheredados, algunos no saben ni el idioma, son la clase más baja del proletariado»

– ¿Qué autores eslavos sueles recomendar?

Me gusta mucho el enorme trabajo que ha hecho Svetlana Alexievich en documentar la caída de la URSS y los años posteriores. También Serguei Dovlatov, creo que tiene una forma de narrar muy oral, muy rusa, no sé si la acaba perdiendo cuando es traducido. Mijail Bulgakov es uno de mis autores favoritos también. Esa ironía lacerante, criticar la absurdidad de algunas partes del sistema soviético, me parece magnífico. Me gusta la poesía de Sergei Esenin y Aleksandr Blok. Y si nos vamos a los clásicos, me quedo con Dostoyevsky antes que con Tolstoi.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me encantaría dedicarme a algo que pudiera combinar la actividad cultural con la social. Creo que hay muchos ámbitos a los que la cultura no llega o tiene un acceso más difícil por la situación socioeconómica. Hay que facilitar el acceso a la cultura, hay que quitarle esa pátina lujosa de la que se ha recubierto. El capital cultural ha sido desde siempre una razón más de discriminación, es hora de que la hagamos accesible, comprensible, para todos los públicos.

Y, por supuesto, me encantaría seguir escribiendo y publicando. No quiero que las ideas que tengo en la cabeza no puedan volar con libertad.

«El capital cultural ha sido desde siempre una razón más de discriminación, es hora de que la hagamos accesible»

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Soy una persona que nunca se aburre. A veces puede ser un problema porque me lleno el día con cosas que hacer, lugares que visitar, personas con las que quedar (si no estamos confinados), libros que leer, ideas que escribir… mi tiempo libre es una cosa que siempre se me queda corta. Me encantaría tener el superpoder de no tener que dormir y seguir estando descansada. Muchas veces siento que quedan tantas cosas por hacer y el día es tan corto que incluso me enfado con el tiempo. Ahora estoy pensado en irme de nuevo de Redes Sociales porque consumen mucho tiempo libre que podría dedicar a otros proyectos.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Me encantaría que el mundo redujera considerablemente sus fronteras. Hablo de las geográficas pero también de las de pensamiento. Soy una idealista pero creo que como humanidad, en conjunto, seríamos mucho más felices si tuviéramos una mentalidad más abierta, si superásemos traumas del pasado y trabajásemos por un bienestar conjunto y no cada uno mirando por el suyo propio. Casi nada.

«Me encantaría que el mundo redujera considerablemente sus fronteras»

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Desencajada – Editorial Caballo de Troya

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