«El arte tiene un efecto liberador y de desarrollo personal»

Óscar García García es comisario de arte, cofundador de la revista Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) y director de las ferias JUSTMAD y JUSTLX. Con una amplia experiencia en el mundo del arte trabajando en museos, galerías de arte, ferias, festivales y revistas especializadas en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia o Alicante, y como comisario independiente desde 2008, cofundó la revista PAC, una de las más conocidas en el sector. Sus textos sobre arte se pueden leer frecuentemente en numerosas publicaciones de ámbito nacional e internacional.

En la actualidad dirige dos de las ferias más importantes de arte contemporáneo en la península Ibérica, JUSTMAD en Madrid y JUSTLX en Lisboa, encuentros que se han convertido en referencia fundamental para descubrir a las galerías y artistas que liderarán el sector.

Conversamos con este gran profesional que nos muestra su pasión sin límites por el arte contemporáneo.

– ¿Cómo comenzó tu interés por el arte y de qué manera acabaste trabajando en este sector?

Desde muy pequeño he sido bastante creativo. Estaba dibujando, pintando y escribiendo a todas horas. Siempre supe que quería ser parte del mundo del arte, aunque no tenía muy claro cómo. Poco a poco la vida me llevó a disfrutar creando proyectos en los que estaba cerca de los artistas y sus obras. Proyectos en los que servía como nexo o conexión entre los artistas y el espacio expositivo, o entre las obras de arte y la compresión del espectador.

«Siempre supe que quería ser parte del mundo del arte»

«Poco a poco la vida me llevó a disfrutar creando proyectos en los que estaba cerca de los artistas»

– Eres autor de numerosos artículos publicados en revistas como ArtNotes, Tentaciones del Mercado del Arte, Vanidad o Element Magazine Panamá entre otros ¿qué es lo que más te gusta de escribir sobre arte y cuál es la mejor manera de acercarlo a las personas que no tienen relación con él?

Siempre me gustó acercar el arte a los demás y escribir me parece una forma apasionante de hacerlo. Para ello mi forma de escribir no es nada encriptada, al contrario, busca que la lectura llegue a todo el mundo; dejando de lado ese concepto de que el arte es sólo para entendidos. Me gusta escribir sobre arte para poder transmitir mi pasión y que los lectores puedan disfrutar tanto como lo hago yo con el arte.

Para mí es esencial esa forma de trasmitir de tú a tú, de acercar el arte de una forma natural sin prejuicios, donde el espectador no piense «esto no es para mí». Las obras de arte, a modo de espejo, siempre nos devuelven una mirada propia. Ya que dependiendo de nuestra forma de ser o vivencias, una misma obra nos habla de diferente forma a cada espectador. Hagamos que cada persona disfrute y consuma arte a su manera, de forma libre. Para ello el acercamiento debe de ser accesible, legible y cercano.

«Las obras de arte, a modo de espejo, siempre nos devuelven una mirada propia»

«una misma obra nos habla de diferente forma a cada espectador»

– Eres co-fundador de la revista Plataforma de Arte Contemporáneo junto a James Marr (conocido como el artista KAUFMAN). PAC es una publicación muy conocida con más de diez años de trayectoria ¿cómo se originó y cuál fue la motivación para fundarla?

Cuando mi socio, James Marr, y yo fundamos PAC, simplemente queríamos hablar, escribir y crear proyectos sobre nuestra pasión: el arte contemporáneo. Así es como surge una plataforma dedicada exclusivamente al arte más actual. Compuesta por dos partes: una de difusión, en la que trabajamos como una revista digital publicando tres noticias diarias sobre arte contemporáneo; y otra de promoción, en la que creamos proyectos comisariados y de gestión cultural, tanto propios como para diferentes galerías, ferias, festivales o marcas.
Debido a estas dos partes de difusión y promoción decidimos crear una plataforma (un término que ahora está muy de moda). No éramos sólo una revista digital o una empresa de gestión cultural, éramos mucho más, de ahí nace PAC Plataforma de Arte Contemporáneo. Y creo que esa necesidad de una plataforma muy activa y al día del presente del arte, existía entonces y aún existe, la prueba es que vamos a cumplir 13 años.

«Cuando fundamos PAC, simplemente queríamos hablar, escribir y crear proyectos sobre nuestra pasión: el arte contemporáneo»

«No éramos solo una revista digital o una empresa de gestión cultural, éramos mucho más»

– Uno de tus mayores proyectos ha sido escribir Dios salve el arte contemporáneo para la editorial Paidós, un libro enfocado en los pecados capitales cometidos por los artistas de nuestro tiempo ¿cómo fue el proceso de la escritura del libro y qué artistas quisiste incluir en él?

Cuando me llamó el Grupo Planeta para escribir un libro, no me lo podía creer. No sólo Planeta conocía mi trabajo dentro del mundo del arte, sino que además querían que escribiera para ellos. Por supuesto, rápidamente acepté la propuesta, era un gran reto que no iba a ser nada fácil pero al que sólo podía decir sí. Escribir sobre mi pasión, el arte contemporáneo, y además para la editorial Paidós, era un sueño.

Tras aceptar escribir un libro sobre arte contemporáneo dentro de la colección PARA CURIOSOS –una colección que habla de forma coloquial y cercana de todo tipo de temas- el editor me preguntó qué libro me gustaría escribir y me pidió que le hiciera una propuesta de como iba a tratar el tema. Y una vez fue aceptada, tuve seis meses para escribir el libro.

«era un gran reto que no iba a ser nada fácil pero al que sólo podía decir sí»

«Escribir sobre mi pasión, el arte contemporáneo, y además para la editorial Paidós, era un sueño»

La idea en la que se basa el libro -que por cierto se me ocurrió un día mientras corría- presenta al ser humano como un animal que, sin embargo, quiere alejarse lo más posible de estas raíces y dominar sus pasiones e impulsos más primitivos. Estos deseos reprimidos muchas veces se trasforman en lo que llamamos vicios o pecados desde el punto de vista religioso, moral o ético. Si tenemos en cuenta que nos valemos del arte para trasmitir nuestras emociones y sentimientos, este se convierte en una vía perfecta para canalizar nuestra pasiones más elementales. La estructura del libro cuenta con un prólogo y una introducción que nos hablan del paso de lo moderno a lo contemporáneo para ponernos en situación, seguidos de siete capítulos, que muestran los siete pecados capitales. A su vez, en cada capítulo, hablo de tres artistas que se relacionan con el pecado en cuestión ya sea por su obra, su forma de trabajar, lo que quieren expresar o porque son lo que consideramos unos verdaderos pecadores.

Algo que tenía claro cuando me embarqué en este proyecto era que quería escribir sobre lo contemporáneo. No quería escribir, como tantas veces se ha escrito sobre Picasso, Dalí o Duchamp, quería hacerlo sobre artistas actuales. Así es como estos veintiún artistas se convierten en los protagonistas de Dios salve el arte contemporáneo: Damien Hirst, Jeff Koons, Anish Kapoor, Fernando Botero, Mu Boyan, Erwin Wurm, Ángela de la Cruz, Marina Abramović, Regina José Galindo, Robert Rauschenberg, Tracey Emin, Wilfredo Prieto, Robert Mapplethorpe, Takashi Murakami, Deborah de Robertis, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Muelle, Shepard Fairey «OBEY» y Banksy.

– Desarrollas proyectos de comisariado para museos o instituciones públicas y también privadas, además de marcas ¿cómo planteas cada proyecto y de cuáles te sientes más orgulloso?

Cada comisariado es totalmente diferente. En ocasiones soy yo el que presento un proyecto artístico a un espacio expositivo, pero en otras circunstancias es el espacio el que contacta conmigo para que cree un comisariado para el mismo. Es en ese momento es cuando comienza un trabajo apasionante donde artistas, obras de arte, espacio y público son fundamentales. Empiezas a crear un relato a tres o cuatro bandas. He tenido la suerte de realizar comisariados para galerías de arte, museos, fundaciones, centros de arte, ferias y festivales, pero también para marcas y firmas privadas. Es muy difícil elegir, me siento muy orgulloso de todos y cada uno de los comisariados que he realizado, me han servido de aprendizaje y disfrute.

«Es en ese momento es cuando comienza un trabajo apasionante donde artistas, obras de arte, espacio y público son fundamentales»

«me siento muy orgulloso de todos y cada uno de los comisariados que he realizado, me han servido de aprendizaje y disfrute»

– Actualmente eres director de JUSTMAD una de las ferias más importantes de la Semana del Arte en Madrid, con su versión en el extranjero JUSTLX Lisboa. Son ferias con una enorme producción detrás ¿qué ha supuesto para ti el reto de la dirección y cuál es el enfoque que has dado a la feria?

La verdad es que es un gran desafío y una gran responsabilidad. JUSTMAD lleva quince años marcando el pulso del arte más actual y se ha convertido en un referente dentro del arte contemporáneo. Grandes galerías, artistas y comisarios han formado parte de este proyecto y estoy muy feliz de poder ser parte de su historia.

Nuestro reto principal es continuar sorprendiendo a los amantes del arte con las tendencias artísticas más actuales. Nos hemos consolidado como una feria indispensable para conocer nuevas galerías, artistas y proyectos que liderarán el panorama artístico del futuro inmediato; nos hemos afianzado como una feria de descubrimiento.

La nueva edición de la feria tendrá lugar del 7 al 10 de marzo 2024 en el Palacio Neptuno de Madrid. En ella vamos a reunir 40 galerías y más de 120 artistas. Además presentaremos intervenciones, esculturas, performances, charlas, mesas redondas e instalaciones específicas que completarán el espacio expositivo para extender la creatividad más allá de las galerías, en una muestra que rompe las fronteras del arte emergente.

«Dirigir JUSTMAD es un gran desafío y una gran responsabilidad»

«Grandes galerías, artistas y comisarios han formado parte de este proyecto y estoy muy feliz de poder ser parte de su historia»

– También eres coleccionista de arte ¿cuáles son tus preferencias a la hora de adquirir obra?

Tengo una pequeña colección que va creciendo poco a poco. Es muy plural ya que muchas de las obras que compro pertenecen a artistas con los que he trabajado. Me gusta coleccionar un «pedazo» de esos comisariados y proyectos en los que he participado de alguna manera.

– ¿Cómo es tu relación con los artistas y qué sensaciones te provocan el intercambio de ideas con ellos?

Disfruto estando cerca de los artistas y muchos de ellos son grandes amigos. Creo que su sensibilidad y conocimiento es un regalo para cualquiera que pueda compartir una charla o un rato con ellos.

– Habitualmente das charlas y conferencias sobre tu trabajo a estudiantes de arte ¿qué consejos sueles darles?

Me gusta motivarles para que luchen por lo que les gusta. Aunque les suelo hablar de lo complicado que es vivir del Mercado del Arte, también les animo y doy consejos prácticos para lograrlo.

«Me gusta motivarles para que luchen por lo que les gusta»

«les animo y doy consejos prácticos para lograrlo»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me gustaría seguir creando proyectos a la misma velocidad que disfruto del arte. Proyectos propios ligados al arte y la cultura, que me sorprendan y se conviertan en un reto.

– ¿A qué te gusta dedicar tu tiempo cuando no trabajas?

Algo que ya hago trabajando, disfrutar el arte en su más amplio significado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que el arte ayude a mucha más gente a ser mejores personas. El arte tiene un efecto liberador y de desarrollo personal. El arte nos une y nos hace más sensibles, más críticos y más libres. De ahí la importancia del arte en la sociedad, más aún en los tiempos en los que estamos viviendo.

«Que el arte ayude a mucha más gente a ser mejores personas»

«El arte nos une y nos hace más sensibles, más críticos y más libres»

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Dios salve al arte contemporáneo – Paidós – Grupo Planeta

Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC)

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«Del arte nos apasiona la capacidad que tiene de unir a tantísimas personas»

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Carla Lariot, art advisor e historiadora del arte y Luca Sandigliano, arquitecto, son los fundadores de Lariot Collective, galería de arte con base en Londres y de recorrido internacional. Nacida en plena pandemia, se enfrentó con creatividad e inteligencia a todos los inconvenientes de ese momento. Después de tres años ha conseguido hacerse un hueco en la escena internacional del arte contemporáneo con un modelo de galería ecológicamente sostenible y en constante transformación, siempre buscando adaptarse a las necesidades del mercado y las tendencias.

Una galería que crea comunidad en torno a sus artistas y que tiene la capacidad de atraer nuevos coleccionistas y también a aquellos más experimentados, acogiendo a todos con un trato personal y cercano.

Conversamos con sus fundadores para conocer en profundidad el alma de su empresa.

– Sois una española y un italiano residiendo en Londres desde hace más de siete años ¿cómo os conocisteis y en qué momento decidisteis crear la galería Lariot Collective?

Nos conocimos en Londres en Febrero del 2020, en ese momento Luca trabajaba en Foster & Partners como Bim & Design System Coordinator y Carla como art advisor y especialista en arte emergente para la Cingilli Collection. Entre nosotros siempre hablamos de que nuestros sueños eran tener una galería (Carla) y montar una empresa (Luca). Al llegar la pandemia, en octubre de 2020 Carla perdió su trabajo, y allí vimos claro que era el mejor momento para arriesgar y crear Lariot Collective. Fue una apuesta de ambos en un momento muy complejo para todos, todo un reto en pleno confinamiento. Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad y donde surgen los mejores proyectos. Es fundamental recordar que una recesión es también un catalizador de innovación y oportunidades.

«Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad»

– ¿Qué relación tenéis con el arte y la cultura? ¿qué es lo que más os apasiona?

– Carla: He tenido la inmensa suerte de crecer en una familia que desde muy pequeñita me han inculcado el amor por el arte y la cultura. Mi abuela era pintora, mi padre (semiólogo) fue durante 6 años el director de la Academia de Bellas Artes en Roma y crecí jugando en los estudios de los artistas. Mi madre (socióloga) siempre ha estado muy relacionada con el mundo de la cultura. Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello, es el campo en el que más cómoda me siento y en el que más he disfrutado. Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas.

«Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello»

«Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas»

– Luca: Mi proceso ha sido muy gradual y orgánico. Al haber nacido en un pueblo pequeño, enseguida tuve la curiosidad y las ganas de liberarme de una realidad relativamente restringida, lo que me permitió estar expuesto a diferentes lugares, personas, ambientes e inputs distintos a lo largo de los años y poco a poco fui construyendo mi bagaje cultural.

Sin duda, haber estudiado arquitectura jugó un papel fundamental, ya que es una disciplina muy flexible que te abre la mente a 360 grados, gracias a lo cual he cultivado todo tipo de contactos y amistades. Un arquitecto puede convertirse fácilmente en escritor, cineasta, diseñador de moda, fotógrafo o artista. Siempre me ha fascinado la conexión entre arte y arquitectura. Contenido y contenedor, técnica e imaginación, luz y sombra.

Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo, la descripción parcial y la libertad mental que necesariamente se desata, esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso.

«Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo»

«esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso»

– ¿Qué os aporta Londres y por qué la galería nació en esta ciudad?

Es la ciudad que a ambos nos ha lanzado profesionalmente, los dos vivíamos ya aquí desde hacía varios años y Londres siempre ha sido un grandísimo epicentro de arte y centro de negocios. El panorama artístico aquí sigue siendo inigualable, una eclosión de artistas y galerías que son una gran inspiración. Siempre hemos pensado que si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad, aquí la competencia es altísima.

 «si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad»

– ¿Qué tareas realiza cada uno en la galería y de qué manera os complementáis?

Lo cierto es que nos complementamos muy bien, el hecho de que vengamos de campos distintos es clave: Carla lleva más de 10 años de experiencia en el sector y con experiencias profesionales tanto en galerías, instituciones y bienales como en el mercado del arte y por tanto es quien tiene el know-how; sin embargo, Luca que viene del mundo de la arquitectura y con experiencia en gestión de grupos y management, es quien aporta las ideas más rompedoras, ve más allá de cualquier modelo clásico y eso es clave.

Los dos estamos en todos los procesos de toma de decisiones, pero quizás Carla es quien lleva más la parte de relaciones (tanto con los artistas como con los clientes), ventas y la parte más especializada y Luca es quien lleva toda la parte de diseño y organización. Lariot Collective es la combinación de los dos.

– Carla, has trabajado para numerosas instituciones públicas y privadas del mundo del arte tanto en Reino Unido, como Italia y España, entre las que destacan la Bienal de Venecia, Sabrina Amrani Galería de Arte, Peggy Guggenheim Collection, Frieze, Victoria & Albert Museum o Red Valentino entre otras, además de trabajar como art advisor para coleccionistas ¿cuáles son las experiencias que más te han aportado personal y profesionalmente?

A lo largo de mi carrera profesional y académica he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte y no centrarme únicamente en un sector sino tener una experiencia amplia para conocer esta industria desde distintos puntos de vista.

Creo que de todas las experiencias profesionales que he tenido, las que más me han enseñado han sido mi paso por la Peggy Guggenheim Collection, es allí donde entendí que el mundo del arte era mi pasión; mi paso por Sabrina Amrani durante sus primeros años de galería y con la que aprendí muchísimo además de ser un gran ejemplo para mí como galerista; el honor de haber asistido a Okwi Enwezor en la Bienal de Venecia y haber podido trabajar mano a mano con todo el equipo que está detrás del coloso de la bienal; y por último ha sido clave haber trabajado con Kemal Has Cingillioglu en la Cingilli Collection como asesora de arte, gracias a él he aprendido todo lo que sé sobre mercado de arte.

En todas estas experiencias he crecido mucho no sólo profesionalmente sino personalmente.

«he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte»

«En todas estas experiencias he crecido mucho no solo profesionalmente sino personalmente»

– Luca, eres arquitecto de profesión para una gran firma en Londres, pero has llegado al mundo del arte contemporáneo ¿relacionas de algún modo ambos mundos a través de la galería?

Toda mi vida profesional ha orbitado siempre en torno al proyecto: ya sea el diseño de un masterplan con Foster + Partners o la dirección de la construcción de un edificio con el grupo MACE.

El proyecto define un deseo, una idea que toma forma, un objetivo preciso, un calendario, un nivel de desarrollo en función de la disponibilidad de recursos que se tiene, es un equilibrio delicado.

El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo.

Creo que el diseño, no necesariamente el diseño arquitectónico, identifica muy claramente el punto de conexión entre arte y arquitectura.

En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida una y otra vez, donde nos equivocamos, aprendemos y mejoramos.

«El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo»

«En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida»

– ¿Cómo es el funcionamiento habitual de la galería y qué estrategia estáis desarrollando?

Lariot Collective organiza 4 exposiciones al año y participa en ferias, trabajamos muy directamente con nuestros artistas y nuestros clientes y estamos buscando siempre nuevas estrategias, nuevos espacios y nuevos proyectos expositivos. En estos años hemos entendido que el modelo clásico de galería no siempre es sostenible y estamos trabajando para seguir nuevos modelos de galerías que llevan una estrategia más tentacular, con proyectos que van más allá de las exposiciones y que creemos que son modelos alternativos al clásico, con un concepto que une el modelo clásico de galería con un modelo más cercano al de las agencias y consultorías.

En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado, a trabajar mano a mano con una red de art advisors que nos apoyan en las ventas internacionales y buscar partnerships con otras industrias. Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio.

«En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado»

«Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio»

– En estos años habéis ido definiendo el estilo de arte que os interesa ¿cómo lo describiríais y qué os diferencia de otras galerías?

Hemos necesitado un tiempo para descubrir cuál es nuestro estilo como galería, al principio pensamos que teníamos que tener varios y ponerlos a prueba en el mercado, pero de un modo muy orgánico hemos entendido cuál es nuestro estilo: trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual. Nos gusta que haya un storytelling, pero lo que más nos gusta es presentar obras que tengan mucha técnica, que estéticamente nos gusten mucho, pero que te confronten con una realidad compleja. Como espectadores nos gusta que una obra deje huella: no solo técnica y estéticamente sino porque el mensaje que hay detrás es claro y enérgico.

Como galería empezamos focalizándonos en artistas emergentes y jóvenes, pero ahora estamos trabajando también con artistas ya establecidos.

«trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual»

– ¿Qué os diferencia de otras galerías?

Lariot Collective tiene un filosofía detrás sobre quienes somos, cómo queremos que sea el negocio y qué queremos hacer, y esto cambia nuestra forma de ver a los artistas porque la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas, que compartan la misma pasión que nosotros, ya sean coleccionistas, instituciones, marcas, revistas, editores, museos; todos compartimos la misma motivación por contar historias sobre aquellos que nos inspiran. La narrativa que eliges contar es muy importante, tiene que ser una narrativa que quieres que se escuche. Si no creemos en la historia, no la impulsaremos. Somos auténticos y eso es lo que hace que nuestro negocio sea eficaz a largo plazo.

Nos hemos dado cuenta de que hay ideas y modelos de galería muy tradicionales en el sector del arte. Nosotros intentamos deconstruir y reformular el modo en que funcionan muchas cosas en este momento en este sector y entender mejor el funcionamiento del mercado del arte para poder adaptar nuevos modelos. Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar. Al mundo del arte le cuesta adaptarse, cambiémoslo con reflexión y proactividad.

«la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas»

«Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar»

– Lariot Collective ha nacido con una vocación internacional ¿en qué aspectos se refleja?

Londres es un gran centro de negocios, de startups, de think tankers muy inspiradores. En el mundo del arte somos miles y miles de galerías y para tener éxito en una industria es crucial saber qué está ocurriendo, qué se está haciendo. Hay tanto movimiento que uno siente que está siempre estudiando y analizando.

Nosotros ahora mismo estamos siendo un puente entre España, Italia y UK, estamos exponiendo artistas españoles en Reino Unido, artistas internacionales con base en Londres en España por primera vez y trayendo artistas italianos aquí.

Buscamos residencias en otros países para que nuestros artistas puedan abrirse paso internacionalmente en otros mercados.

– Vuestros clientes son coleccionistas habituales pero también tenéis nuevos compradores que acaban convirtiéndose en coleccionistas ¿cómo conseguís crear este interés en el mundo del arte y qué particularidades tiene la experiencia de compra en la galería?

Creemos que el arte debería ser accesible a todos y trabajamos para que la experiencia de aquellos que quieren conocer de cerca Lariot Collective sea lo más cercana posible y que puedan sentir que ellos también son parte de nuestro colectivo.

Nuestra casa es un espacio de trabajo y funciona también muchas veces como showroom y espacio en el que organizamos copas y cenas con nuestros coleccionistas y gente interesada en nuestros artistas.

Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana. Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista, hay un cierto appealing en conocer el pequeño caos de obras que hay en ellas, y abrir una casa es un acto también de enseñar una parte muy personal que no todo el mundo está dispuesto a enseñar.

«Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana»

«Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista»

Nos hemos dado cuenta de que hay mucho desconocimiento aún sobre el mundo del mercado del arte y hay un porcentaje muy alto de personas que son amantes del arte pero no dan el paso a comprar simplemente porque piensan que no pueden acceder a ello, o porque no saben exactamente cuál es su estilo o piensan que no tienen el budget; suelen ser personas que están muy familiarizados con la inversión de fondos pero no con la inversión en arte.

Nosotros intentamos romper todas esas barreras, asesoramos en mercado de arte, ayudamos a establecer budgets, no queremos que la compra sea sólo una transacción sino que sea la experiencia más cercana posible y para ello entregamos siempre que podemos las obras en persona y abrimos nuestras puertas. Creemos en las sinergias que se van creando, es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto.

Hoy en día nos hemos acostumbrado a tener todo a través de un click, nosotros apostamos por las relaciones interpersonales, en las experiencias y Lariot Collective no somos sólo los que trabajamos detrás de la galería y nuestros artistas, sino todos aquellos que están interesados en nuestro proyecto y nos van siguiendo. En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo.

«Es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto»

«En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo»

– Tenéis muy en cuenta el impacto ecológico y la huella de carbono al ser una galería itinerante ¿cómo gestionáis este aspecto en el día a día?

Sí, para nosotros es crucial y está en nuestro ADN, nuestro modelo de galería pop-up implica flexibilidad, innovación y reducción de emisiones, la clave para un modelo sostenible.

Este modelo nos permite expandirnos nacional e internacionalmente, probar ciudades y barrios cambiando así el modelo estático de galería. Es una forma fácil de atraer nuevos visitantes, evitando un alquiler a largo plazo. Este modelo ofrece flexibilidad, reducción de gastos e ingresos adicionales.

Por otro lado nosotros desde el principio formamos parte de The Gallery Climate Coalition para combatir la huella de carbono junto con otras galerías internacionales.

En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado: salvo que sea imprescindible (por ejemplo envíos a USA, Asia etc), evitamos enviar obra por aire y el envío de cajas a medida de madera: esas cajas no van a tener una segunda vida, no son sostenibles, y por tanto, buscamos alternativas al envío tradicional del arte. Si tenemos que mandar obras, por ejemplo Madrid-Londres o Londres-París trabajamos con empresas de mudanzas que cuando tienen una mudanza programada nos dan el ok y nosotros solo usamos un pequeño espacio para transportar las obras y aprovechamos su ruta manteniendo en todo momento un alto grado de seguridad para la pieza y su seguimiento. Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono.

«En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado»

«Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono»

– ¿Qué balance hacéis de estos tres años de trayectoria?

Tres años muy felices, de mucho trabajo y crecimiento personal y profesional. Tres años llenos de retos, de conexiones y sobre todo de crecer de la mano de nuestros artistas. Estamos muy orgullosos de haber sacado una galería adelante en un momento tan complicado.

Ahora en este tercer año estamos pasando a una fase de consolidación, madurez de negocio, de aprender lo que funciona y lo que no y de activar el modelo tentacular del que hablábamos antes. Creo que es muy importante como empresa saber parar para analizar con distancia aquello que tiene que cambiar y saber tener una guía de ruta, estar preparado para enfrentarse a nuevos retos y a ir adecuando la empresa a las necesidades del momento. Diría que en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios y esto es algo que nunca te enseñan en historia del arte ni en arquitectura!

«en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios»

– ¿Cómo os sentís cuando vendéis obras que os gustan especialmente?

Por un lado sientes una enorme ilusión de ver que la pieza ha encontrado al coleccionista o colección / museo adecuado, pero al mismo tiempo te da mucha pena alejarte de ella. Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena. Es parte de nuestro trabajo. Es muy bonito cuando vuelves a verlas en las casas de los coleccionistas o incluso en colecciones privadas y museos.

Hay una parte romántica de no saber si volverás a verlas o no.

«Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena»

– ¿Cuáles son los próximos eventos de Lariot Collective?

Ahora en junio acabamos de presentar en Londres un dúo show con obras de Ernesto Crespo y Filippo Fanciotti y en el que por primera vez hemos tenido una colaboración con Bag, un proyecto de arte sonoro, ellos tocaron durante el opening.

En septiembre haremos un dúo show con dos artistas españoles en Londres: Santiago Talavera y José Luis Serzo.

Y en otoño/invierno haremos una exposición con Diana Zrnic en Londres y un solo Show en Madrid con Ernesto Crespo.

– ¿A qué dedicáis vuestro tiempo cuando no estáis trabajando?

Carla: Tenemos la suerte los dos de que la galería es nuestra pasión, y esto implica que la mayor parte de nuestro tiempo se lo dedicamos a Lariot Collective, a preparar proyectos, a eventos, etc pero, cuando no estamos trabajando visitamos exposiciones (defecto de profesión!), nos encanta pasear por los parques de Londres: Luca siempre busca espacios verdes en los que hacer detox de la ciudad, nos gusta hacer yoga y leer y a mí me gusta de vez en cuando descubrir chollos en tiendas de ropa de segunda mano.

– Un deseo que os gustaría se hiciera realidad

Si lo decimos no se cumple! Pero…quizás diríamos no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )

«no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )»

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La entrada Carla Lariot y Luca Sandigliano – Lariot Collective – Galería de Arte se publicó primero en YANMAG.

«El arte es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros»

Charo Crego es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, ensayista y crítica de arte. Ha impartido conferencias en instituciones como Museo Thyssen-Bornemisza, Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes entre muchas otras. Ha publicado cinco ensayos sobre estética en Abada Editores: Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura (2004), Perversa y utópica. La muñeca, el maniquí y el robot en el arte (2007), Lo que no te conté de Francis Bacon (2015), De Stijl. El espejo del orden (2020) y recientemente Dentro. La intimidad en el arte (2023) que presentará estas semanas en Madrid.

Conversamos con la autora que nos descubre a través de sus investigaciones una manera profunda y diferente de mirar el arte.

– Eres licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma ¿por qué dentro de la filosofía te decantaste por los estudios de estética y por qué el arte es importante para ti? 

Cuando empecé a estudiar en la Universidad me interesaba tanto el arte como la filosofía, por eso, fue algo natural que me inclinara hacia la estética, pues en esa disciplina se conciliaban perfectamente ambos intereses. Además, gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda.
El arte no es solo un cuadro o una escultura, una instalación o una performance, un vídeo o una sinfonía. El arte es algo más que esos objetos físicos. Es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros. Sea cual sea su forma concreta, el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes.

«gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda»

«el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes»

– Has vivido en diferentes ciudades como París, Ámsterdam y Bruselas, y actualmente alternas estancias entre Bruselas y Madrid ¿qué representa cada ciudad en cada momento de tu vida y cómo han influido en tu obra y en tus investigaciones? 

Llegué a París en 1978, una vez acabada la Universidad en Madrid. El Gobierno francés me había concedido una beca para hacer el doctorado. París fue para mí una iluminación. Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra. Viví un París resplandeciente. No notaba ni la lluvia ni los días grises ni el frío, para mí todo brillaba. Después, en todas mis visitas posteriores a París, nunca he vuelto a tener esa sensación. Descubrí un mundo en el que se me abrían las puertas y todo parecía posible. Aunque es muy probable que todo eso fuera una ilusión, aprendí mucho en París, viví experiencias muy ricas, divertidas, novedosas. No hice el doctorado, pero me hice, sin saber cómo, mucho más sabia, más madura, diríamos.

«París fue para mí una iluminación»

«Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra»

A Ámsterdam llegué tres años después de París. Primero recalé dos años en Madrid y un año en Jerez de la Frontera donde di clases de filosofía en un instituto. Mi marido es holandés, así que después de tres años en España decidimos probar suerte en Holanda. La experiencia de Ámsterdam fue mucho más dura que la de París. Yo ya no era una estudiante, sino una profesional que tenía que ganarme la vida y buscar trabajo. Y antes de nada, tenía que aprender neerlandés, un aprendizaje que en algunos momentos se me hizo cuesta arriba. La ventaja fue que tenía mucho tiempo, así que me dediqué a hacer, lo que no había hecho en París, la tesis doctoral. Como estaba en Ámsterdam, elegí centrarla en el grupo holandés De Stijl.
Después, en 1986, fui a vivir a Bruselas, pues había sacado unas oposiciones de traductora en las instituciones de la Unión Europea. Mi situación profesional cambió radicalmente. Tenía un trabajo fijo y bien remunerado. Todo fue mucho más fácil. Pero, lo importante fue que el trabajo profesional no me impidió seguir con mis estudios. En 1991, presenté la tesis y después continúe investigando y publicando.

– En tu libro De Stijl. El espejo del orden haces un estudio detallado del grupo de artistas holandeses que formaron la revista De Stijl, entre los que se encontraba Mondrian ¿qué te interesaba de ese movimiento?

Este libro recoge mi tesis, aunque la adapté para que fuera accesible a un público general. Desde un punto de vista estético, el grupo neoplástico era muy interesante. Yo estaba convencida de que Mondrian no había pintado esos cuadros de líneas y colores porque le gustaran las línea y colores, sino porque de esa forma quería decir algo. Las lecturas formalistas no sirven para entender a Mondrian. Desde el primer momento yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios. Contaba para ello con los escritos de Mondrian y de los demás miembros del Grupo. Los estudié e intenté dilucidar a través de ellos lo que había detrás de esas producciones artísticas. Y concluí que ahí había mucha filosofía, mucho idealismo y mucha utopía, que con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo.

«yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios»

«con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo»

– En tu obra Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura ahondas en una línea que pasa por El Bosco, Goya, Munch, Picasso, Bacon, De Kooning o Nebreda ¿por qué consideras en este libro que estos artistas son los heterodoxos de la historia de la representación del rostro?

En la historia de la representación del rostro hay dos líneas y eso es lo que trato de sostener en este texto. En él intento hacer una geografía del rostro, con su topografía, orografía, etc. Al estudiar el rostro me di cuenta de que hay dos «accidentes geográficos» fundamentales: la boca y los ojos. Si nos centramos en la primera o en los segundos, la representación cambia radicalmente. Esas son las dos líneas. La representación que se centra en la boca, como la que vemos en algunas tablas medievales o en El Bosco apela a una concepción del hombre instintiva e irracional, mientras que la que se centra en los ojos, como los retratos de Van Eyck o de Velázquez, incide en una imagen del hombre racional. La línea que va por el Bosco, Goya, Munch, Bacon o Nebreda es la línea que se centra en la boca y que ha sido relegada en la historia. A partir del siglo XX la boca vuelve a adquirir importancia, aunque ahora ya no es el órgano deglutidor medieval, sino la fuente del grito, del malestar y de la locura. Es cierto que en la historia del arte ha dominado la representación centrada en los ojos y en la confianza del hombre en su dominio el mundo, pero la otra línea siempre ha estado ahí, aunque cueste más descubrirla.

«La representación que se centra en la boca (…) apela a una concepción del hombre instintiva e irracional»

«la que se centra en los ojos (…) incide en una imagen del hombre racional»

– Perversa y utópica es una obra en la que investigas sobre la muñeca, el maniquí y el robot ¿por qué se te ocurrió abordar este tema?

Al estudiar la pintura y la escultura de principios del siglo XX en Europa, me di cuenta de que en ellas aparecía un nuevo personaje, una figura que se situaba entre los hombres y los objetos, tomando a veces la forma de un maniquí o de una muñeca y otras la de un robot o un autómata. Me pareció un tema muy intrigante, por eso se me ocurrió que valía la pena dedicarle un libro. La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta. Son sus dobles: representan, por una parte, el lado monstruoso, la cara oscura, sombría y perversa del hombre; pero, por otra, señalan la vía de la utopía, clara, limpia y perfecta. Artistas como Hans Bellmer, Kokoschka o Cindy Sherman recogen ese lado oscuro, mientras que Schlemmer, Léger o Robert Graham se situarían con sus autómatas en la representación del hombre rígido, mecánico, ajeno a las pasiones.

«La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta»

– Uno de tus libros más conocidos es Lo que no te conté de Francis Bacon, una recopilación de cartas que escribiste a tu hija Clara en torno al arte ¿cuándo surgió la idea y qué acogida tuvo entre tus lectores?

Este es mi libro más personal. La idea surgió de una forma muy espontánea. Con dieciocho años, Clara se fue a estudiar fuera de casa, a Lovaina. Para mantener una relación que no fuera la típica de madre-hija, pensé «le voy a mandar correos sobre temas de arte», sobre las cosas que a mí siempre me habían interesado, pero que durante su infancia y primera juventud no le había contado para no atosigarla. Así empecé a escribirle correos sobre temas relacionados con arte: sobre una exposición que había visitado o un libro que había leído o una excursión a algún lugar interesante. No tenía en mente escribir un libro. En un primer momento era estrictamente personal. El título: Lo que no te conté de Francis Bacon remite a una anécdota divertida. Cuando en 2009 fuimos a ver juntas la exposición de Francis Bacon en el Prado, Clara se mostró totalmente escandalizada. Durante la visita, me preguntaba insistentemente qué hacíamos allí, cómo me podían gustar esos cuadros que a ella le parecían horrorosos. Entonces no le expliqué nada. Pensé que darle una clase de estética sobre lo sublime y la belleza no le iba a interesar. Ahora, sin embargo, podía, por fin, explicarle por qué mirábamos con interés esas pinturas, por qué Francis Bacon era un pintor que merecía la pena.

Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena. El hecho de que fueran capítulos cortos —no olvidemos que son correos—, me permitió tratar temas muy variados, como, por ejemplo, la arquitectura de Nueva York, la falsificación o la destrucción del arte, el color azul o el mercado del arte, y un largo etcétera. El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor. Mucha gente se sintió muy cerca de este planteamiento y, según me dijeron, disfrutaron mucho leyéndolo.

«Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena»

«El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor»

Clara, hija de Charo Crego, habla en este vídeo sobre las cartas que le envió su madre, las obras y lugares de los que trata en el libro y su creación

– Después de todos estos años de investigación ¿qué te gustaría que los lectores descubrieran sobre el arte a través de tus libros y publicaciones?

Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte. Cuando miras un cuadro en un museo es fundamental saber de qué trata, quién lo pintó, en qué contexto fue pintado, por qué vicisitudes pasó, qué materiales ha utilizado el pintor y de qué forma, etc. Pero todo eso, no significa nada, si al mismo tiempo ese cuadro no te emociona, no te hace vibrar y ver el mundo de otra manera. Es muy difícil describir esta sensación, pero yo creo que es básica en nuestra relación con el arte. Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos.

«Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte»

«Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos»

– Acabas de publicar Dentro. La intimidad en el arte, un libro sobre la representación de los interiores en el arte ¿cómo has profundizado en este aspecto y en qué autores te has centrado?

Los cuadros de interiores me interesan desde hace mucho, quizá se deba a mi relación con Holanda y el arte holandés. Pero no solo me atrae la belleza de esos interiores de Vermeer o De Hooch, sino también el ambiente de calidez que saben crear. Son interiores íntimos. Así surgió mi interés por la noción de intimidad y por estudiar cómo se había desarrollado este sentimiento a través de la historia. Tras los holandeses, el artista danés Hammershøi creó unos interiores perfectos, elegantes, bellísimos, paro ya no eran los espacios cálidos de los holandeses, sino fríos y sin color. Los interiores del suizo Vallotton, sin embargo, son muy calientes. Él no cierra las puertas de sus habitaciones para proteger a sus habitantes, sino para que no se vea lo que ocurre dentro. Son interiores secretos. El americano Edward Hopper ha creado los nuevos interiores del siglo XX. Los interiores de los no lugares: habitaciones de hotel, cafeterías o compartimentos de tren, muy lejanos del interior doméstico. Más tarde los surrealistas recrearon el interior onírico, en el que todo, las paredes, los suelos o los muebles, se disloca.

En la casa hay dos lugares en donde se condensa la intimidad: el cuarto de baño y el dormitorio. A estos dos lugares he dedicado sendos capítulos. He estudiado el cuarto de baño de la mano de Degas y Bonnard en el momento en que se pasó de la palangana a la bañera y se cerraron las puertas de esta estancia. Al dormitorio y, en particular, a la cama le he dedicado el último capítulo con artistas como Sophie Calle, González-Torres, Carsten Höller o Tracey Emin. La cama que era el lugar más escondido e íntimo de la casa se ha convertido en un asunto público, iluminado por los focos del espectáculo. Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo.

«Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

¡A quién no le gustaría vivir en el paraíso! Yo me conformaría con que nuestra relación con el planeta fuera más respetuosa, que consiguiéramos atenuar y combatir el cambio climático. Desearía que las relaciones con nuestros congéneres fueran también más respetuosas, que mantuviéramos relaciones pacíficas y humanitarias entre nosotros y que lográramos construir un mundo más igualitario. Hay que combatir la desigualdad. Es un escándalo que en este siglo XXI haya trabajadores pobres.

Pero, bajando a la tierra, me gustaría algo mucho más modesto, por ejemplo, que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte.

«me gustaría que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte»

Más información

Presentación de Dentro. La intimidad en el arte

Jueves 25 de mayo, 19.00 h

Librería La Mistral

C/ Travesía del Arenal nº2, Madrid

con la participación de

Javier Maderuelo, Beatriz Blasco, Lucía Jalón y Fernando Guerrero

Firma de ejemplares en la Feria del Libro

Parque del Retiro (Paseo de Coches) Madrid

Domingo 28 de 10.30 a 15.00, caseta 278

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Libros de Charo Crego en Abada Editores – Instagram

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«Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades»

Águeda Esteban es Gestora Cultural y Fundadora de Cariátide. Ella es una profesional con más de 12 años de experiencia en la gestión y organización de exposiciones en las instituciones más importantes de la cultura en España como Museo Thyssen-Bornemisza o Fundación Telefónica.

Ha fundado Cariáride, una empresa que ofrece diferentes servicios entre los que se encuentran la gestión, coordinación y producción de proyectos culturales, comunicación y marketing cultural, asesoramiento técnico, desarrollo de negocio y coordinación de servicios entre otros.

Con una sólida formación y experiencia profesional, tiene muy presente en todos sus proyectos la creatividad, la adaptación al cambio y la toma de decisiones bajo presión, siempre prestando especial atención a la gestión emocional del equipo humano que lidera.

En esta entrevista conocemos a esta profesional experta en su área, inteligente y sensible, que transmite en cada palabra una energía y optimismo contagiosos.

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por las artes y en concreto por la museología y organización de exposiciones?

Desde muy pequeña, ya con doce años, tuve claro que quería hacer algo relacionado con las humanidades. Mi primera idea fue arqueología, de ahí a restauración y poco a poco fui enfocándome a Historia del Arte. Desde el principio me fascinaba el poder viajar con las obras para comprobar que llegaban bien. Años después descubrí que eso se llamaba “viajar de correo”.

«ya con doce años, tuve claro que quería hacer algo relacionado con las humanidades»

«me fascinaba el poder viajar con las obras para comprobar que llegaban bien»

– Tienes una formación muy amplia que abarca desde una Licenciatura de Historia del Arte por la Universidad de Sevilla y Universidad Complutense, un Máster en Museología y Museos por la Universidad de Alcalá a un EMBA por la EAE Business School con Especialidad en Gestión de Proyectos y Design Thinking, además de formación en finanzas ¿cómo vas decidiendo en cada momento qué pasos debes dar para tener esta formación tan completa en tantos ámbitos?

Es algo muy natural. Quizás el paso menos obvio fue el saltar a temas más empresariales, pero fui consciente de que si quería seguir ganando responsabilidad en mi trabajo debía conocer cómo funcionaban las instituciones y, sobre todo, formarme en gestión de equipos. Me parece algo prioritario en cualquier tipo de trabajo.

«si quería seguir ganando responsabilidad en mi trabajo debía conocer cómo funcionaban las instituciones»

– Has sido Ayudante de conservación y Coordinación de proyectos expositivos en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza durante 4 años ¿qué supuso la experiencia para ti y qué aprendiste?

Empecé en el Museo Thyssen como becaria cuando estudiaba la carrera. Tenía muy claro que las prácticas iban a ser la clave para poder trabajar de lo que me gustaba en una carrera donde por desgracia es tan difícil conseguirlo. Aprendí muchísimo, ha sido la base de mi experiencia posterior, me dejaron mucha libertad para poder aprender trabajando, no sólo mirando.
Después de las prácticas tuve la oportunidad de seguir en el equipo cubriendo distintos puestos y me dio una visión muy amplia del funcionamiento de una institución cultural. Este trabajo me ha abierto muchas puertas.

«Tenía muy claro que las prácticas iban a ser la clave para poder trabajar de lo que me gustaba»

«Este trabajo me ha abierto muchas puertas»

– Durante tres años trabajaste en la gestión y coordinación de proyectos expositivos e itinerancias, además de en la gestión de la Colección de la Fundación Telefónica ¿qué retos asumiste en ese momento?

Viniendo de trabajar en el Thyssen, donde el equipo es mucho más amplio, tuve que ampliar mis funciones a labores que antes se repartía con el departamento de registro o conservación, por ejemplo. Además, el mundo de la itinerancia es tremendamente divertido (aunque no por ello menos demandante). Hay que adaptar los proyectos a la sede, hablar mucho con otras instituciones y conocer sus formas de trabajar, lo que buscan con cada proyecto, viajar, descubrir, negociar… Sin olvidarme de que conté con un ambiente de trabajo y unos compañeros que hacía disfrutar aún más si cabe cada día de trabajo. Para mí es uno de los pilares fundamentales en cualquier carrera profesional.

«conté con un ambiente de trabajo y unos compañeros que hacía disfrutar aún más si cabe cada día de trabajo»

«Para mí es uno de los pilares fundamentales en cualquier carrera profesional»

– Te trasladaste a Los Ángeles durante un año para formarte en la California State University como Project Manager ¿de qué manera completó tus conocimientos sobre la producción de exposiciones?

Formarte en un país diferente te permite no sólo ampliar esos conocimientos específicos si no descubrir otras formas de aprendizaje. Además, mis compañeros eran médicos, abogados y, sobre todo, ingenieros. Desarrollamos diferentes formas de mirar y entender las cosas y se convierte en algo muy enriquecedor. Pasa algo parecido con el EMBA donde cada uno traíamos experiencias muy dispares que hacían que cada punto de vista aportara nuevas
impresiones.

«Formarte en un país diferente te permite no sólo ampliar esos conocimientos específicos si no descubrir otras formas de aprendizaje»

– Dentro de la comunicación cultural, has trabajado para instituciones como MediaLab-Prado / Medialab-Matadero, Patrimonio y Archivos de la Comunidad de Madrid o empresas como Smart & Green Design ¿cómo ha cambiado la comunicación en cultura y cómo hay que adaptarse a cada red social?

Como casi en cualquier ámbito. No puedes relajarte porque cada día salen nuevos formatos para contar el contenido, adaptarte al algoritmo, sorprender entre tantos mares de información. Es complejo, pero es la mejor forma de que la cultura llegue al público en un primer momento. Necesitas que sepan que esa exposición o ese trabajo al que se le ha dedicado tantas horas está ahí y pueden acercarse a verlo.

– ¿Cómo defines tu manera de trabajar y cuáles son los aspectos que más te importan a la hora de desarrollar cada proyecto expositivo?

Trato de ser muy organizada -algo que me cuesta muchísimo en mi vida privada- para poder abarcarlo todo. Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades. Es un trabajo en el que tienes que coordinarte con mucha gente y una prioridad es que se esté a gusto y ser consciente del trabajo que cada uno está llevando a cabo.

«Hay que ser rigurosa, pero a la vez adaptarte a cada momento y sus necesidades»

«una prioridad es que se esté a gusto y ser consciente del trabajo que cada uno está llevando a cabo»

– Has fundado Cariátide, una empresa de gestión cultural y comunicación ¿cuáles fueron los motivos que te llevaron a crear esta empresa y cómo está siendo la experiencia?

Casi por casualidad hace más de 3 años empecé a coordinar proyectos culturales como autónoma. Por suerte, cada vez surgían más proyectos y más diversos y creí que era el momento de hacer algo con más peso. Daba un poco de vértigo, pero los números cuadraban.
El Máster en Desarrollo de Negocios también me daba una seguridad de conocer cómo funcionaba el mundo de la empresa y me vi capaz. ¡Y me genera tanta satisfacción pensar que estoy generando empleo y que puedo seguir haciéndolo…!

– ¿Cómo es el cliente de Cariátide y qué servicios va a encontrar?

La gran mayoría son instituciones culturales de mayor o menor tamaño, pero también empresas privadas que quieren contar su historia o empresas como la mía que se dedican a la gestión cultural y buscan asesoría.

«La gran mayoría son instituciones culturales de mayor o menor tamaño»

«también empresas privadas que quieren contar su historia o empresas como la mía que se dedican a la gestión cultural»

– ¿Cuáles son los proyectos que estáis llevando a cabo en este momento con Cariátide y qué empresas e instituciones confían en vosotras?

Ahora mismo trabajamos con la Fundación Canal en la Sala Castellana 214 donde hemos coordinado la exposición Somos agua y estamos ya trabajando en la de este otoño.
Con La Fábrica acabamos de desmontar las tres exposiciones del Madrid Design Festival en el Teatro Fernán Gómez y hemos arrancado con dos proyectos de fotografía Picasso en foto.
Archivos del Museu Picasso de Barcelona también en el Teatro Fernán Gómez y Madrid, crónica creativa de los años 80 en la Fundación Canal.

Con el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid inauguramos en marzo 40. La Comunidad de Madrid en el Archivo Regional.
¡Y otros proyectos que tenemos en proceso y estamos deseando cerrar!
Con todos ellos trabajamos en proyectos expositivos, pero también hacemos comunicación para el estudio de arquitectura y museografía Smart & Green Design.

– El mundo de la gestión cultural es complejo en la continuidad para trabajar en instituciones públicas y privadas ¿qué recomendarías a una persona que quiere dedicarse a la organización y comunicación de exposiciones?

Como te decía al principio, para mí empezar en prácticas durante la carrera fue clave. Es muy difícil que te den una primera oportunidad -algo que todos necesitamos alguna vez- y era la manera más fácil de meter cabeza. Luego es cuestión de trabajo, pero no solamente esto. A veces es duro porque las circunstancias no acompañan al esfuerzo y es fácil desmotivarse, pero dicen que quien la sigue la consigue y hay que ser persistente, moverse, preguntar, formarse e insistir.
Como para casi todo, no hay una fórmula mágica…

«Es muy difícil que te den una primera oportunidad -algo que todos necesitamos alguna vez- y era la manera más fácil de meter cabeza»

«quien la sigue la consigue y hay que ser persistente, moverse, preguntar, formarse e insistir»

– Personalmente ¿qué es lo que más te aporta tu trabajo y qué es lo que más te apasiona de él?

Es un trabajo muy dinámico. Es agotador porque siempre hay algo que hacer, pero cada proyecto es un tema nuevo. De pronto te ves haciéndote especialista en Picasso, en diseño sevillano o en el tratamiento de aguas residuales. No sabes qué va a ser lo próximo y la de cosas interesantes que están por llegar. Por desgracia no todo se retiene, pero va quedando un poso de conocimientos diversos que enriquecen muchísimo.

– ¿A qué dedicas tu tiempo cuando no trabajas?

En los últimos años mi ocio se ha centrado mucho en mis dos hijas pequeñas. Me encanta conocer nuevos restaurantes y terminar con un buen teatro musical. Para planes más de diario, unos juegos de mesa en familia o amigos siempre es buenísimo plan.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Pues, si hablamos de trabajo, que el empleo en cultura sea reconocido y pagado como merece.
¡Y que Cariátide crezca y contemos con un equipo mayor!

«que Cariátide crezca y contemos con un equipo mayor»

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Águeda Esteban – LinkedIn – Instagram

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 «La crisis del Covid-19 nos ha permitido explorar opciones que nunca antes habíamos contemplado»

Elena González y Silvia Royo son gestoras culturales y trabajan en el Espacio Fundación Telefónica desde hace veinte años. Su sólida trayectoria organizando todo tipo de eventos culturales, tecnológicos y científicos, las ha convertido en profesionales de referencia en el sector.

Elena es jefa de programación y publicaciones donde se ocupa de la gestión de los contenidos con especial atención a la tecnología, la comunicación y nuevos medios, tanto en los encuentros del auditorio como en los proyectos editoriales y los podcasts de Fundación Teléfonica.

Silvia es coordinadora de contenidos y ha coordinado numerosos encuentros, trabajando con ponentes nacionales e internacionales, incluyendo ganadores del Premio Nobel, premios Princesa de Asturias, premios Oscar o premios Pulitzer. Además, actualmente coordina los ciclos Tech & Society, Espacio Madresfera y Fuera de Series Live.

Ambas trabajan mano a mano con sus compañeros para sacar adelante los 175 encuentros anuales que produce el Espacio Fundación Telefónica, un trabajo intenso de diseño, producción y coordinación que desarrollan con inteligencia y buen humor.

– ¿Cuál es vuestra formación y cómo llegasteis a trabajar al Espacio Fundación Telefónica?

Elena – Estudié Historia del Arte en la UCM y enseguida tuve la oportunidad de entrar en la Fundación como ayudante de museo ya que era un momento en que se estaba ampliando el equipo. En paralelo, completé mi formación con un diploma en Gestión de Entidades Culturales y diferentes cursos sobre liderazgo y sobre social media que han sido muy útiles en mi desarrollo profesional.

Silvia – En mi caso entré con una beca como ayudante de museo cuando aún estaba en 5º de Historia del Arte; a diario por la mañanas iba a la facultad y las tardes de martes a domingo las pasaba en la fundación; justo cuando terminaba la beca coincidió que una compañera pidió una excedencia y a mí me quedaban días para acabar la carrera; ahí fue cuando entré a formar parte estable del equipo. Desde entonces me he ido formando con posgrados para especializarme en Gestión Cultural, en Educación en Museos y estudié un par de años del grado en Estudios Ingleses.


- Lleváis 18 (Silvia) y 20 años (Elena) trabajando en Fundación Telefónica, ¿cómo ha sido la transformación de este espacio cultural durante estos años?


Elena – En estos años la transformación ha sido radical. Recuerdo los primeros años muy en familia. Éramos muy pocos y todos hacíamos de todo. Las salas de exposiciones cambiaron también mucho; hemos vivido reformas, cierres, de todo. Y lo último, la creación del Espacio FT. Pasamos de tener una sala de exposiciones a tener cuatro plantas con varias salas, aulas de formación y un auditorio en un espacio inigualable listo para llenarlo de contenido.

Silvia – Totalmente de acuerdo. Es como ver crecer a alguien de la familia desde que empieza en primaria hasta que consigue establecerse como un profesional respetado. Hemos vivido esos cambios, hemos sido parte de ellos y estamos orgullosas de hasta dónde ha llegado nuestra criatura.

«la transformación ha sido radical. Pasamos de tener una sala de exposiciones a tener cuatro plantas con varias salas, aulas de formación y un auditorio en un espacio inigualable listo para llenarlo de contenido»

«Hemos vivido esos cambios, hemos sido parte de ellos y estamos orgullosas»

– ¿Qué personas conforman vuestro equipo y cómo es la coordinación entre vosotros?


Elena – Trabajamos en el equipo de Programación y Publicaciones que lidera Andrés Perruca. En mi caso, trabajo mano a mano con él coordinando ambos equipos y todos los proyectos que emprendemos. Estamos hablando mucho de la programación de los eventos del auditorio pero también nos ocupamos de las publicaciones de la Fundación, donde destacan del Informe sobre la sociedad digital en España (SdiE) y la revista Telos, que ha sido renovada recientemente con contenidos y diseños muy actuales y con colaboraciones de altísimo nivel.

Silvia – Una de las ventajas que tenemos en este equipo es que Perruca nos deja escoger qué eventos queremos hacer, o cuando te lo encarga directamente es porque sabe que vas a ser la persona más adecuada para coordinarlo. Y eso se agradece muchísimo. En cualquier caso, siempre estamos al tanto de lo que hacen el resto por si hay que echar una mano. En Publicaciones y Programación somos 10 personas que nos reunimos una o dos veces por semana para realizar un estatus del equipo.

Elena – Y además tenemos una reunión semanal, la Odisea (en el Espacio), abierta a cualquier persona de la Fundación que quiera estar informado, donde repasamos la agenda de las semanas próximas. Sólo dura media hora y suele ser bastante animada.


- ¿Cómo planteáis la programación de cada año y qué factores tenéis en cuenta?

Elena – Seguimos unas líneas estratégicas vinculadas a la cultura digital, el humanismo, la ciencia y la tecnología; a partir de ahí identificamos temas y expertos con los que colaborar, todo esto sin perder de vista la actualidad. También establecemos alianzas con otras entidades en proyectos que nos ayudan a alcanzar nuestro objetivo de acercar a todo el público, de manera abierta y gratuita, las novedades en los campos mencionados para así convertirnos en un lugar de reflexión y aprendizaje.

Trabajamos con un mínimo de seis meses de antelación y lo primero que tenemos en cuenta son las citas recurrentes de la agenda cultural de la ciudad: Semana del Libro, Semana de la Ciencia, celebración del Orgullo LGTBI+, Semana de la Mujer, etc. También, cómo no, fechas importantes para nosotros, como el momento de publicación de los diferentes números de la revista Telos o el Informe sobre la Sociedad Digital. A partir de ahí vamos agendando los encuentros que realizamos.

«Seguimos unas líneas estratégicas vinculadas a la cultura digital, el humanismo, la ciencia y la tecnología»


- ¿De qué manera preparáis y producís cada evento cultural?

Silvia – Si es un evento diseñado por nuestro equipo, nos ponemos en marcha al menos un par de meses antes para buscar a los mejores especialistas la temática que queremos tratar; los contactamos, les contamos quiénes somos y qué necesitamos por su parte. Gestionamos sus viajes, hoteles, fees de participación y otros gastos en los que se pueda incurrir; para ello trabajamos con el equipo de jurídico, de administración, compliance, pool de secretarias… y así comprobamos que toda la parte burocrática y logística está ok.

Con el equipo de Producción analizamos el tipo de evento y las necesidades técnicas adicionales, y ellos se encargan de trasladar esas necesidades a los equipos que gestionan la realización audiovisual y el acceso del público, además del catering, fotógrafos, traductores, ampliación del aforo, etc.; El equipo de Comunicación nos ayuda a dar difusión del evento publicando en la web y en redes sociales, gestionan la convocatoria de prensa cuando es necesario… Como se puede ver, un solo evento, aún siendo de lo más sencillo, implica como mínimo a unas 15 personas.

En eventos en colaboración con otras instituciones suele ser más fácil porque ellos se ocupan muchas veces de la logística de los invitados y nosotras realizamos todo lo relacionado con la ejecución del evento, siempre en estrecha comunicación con la contraparte. No obstante, ahí también hay una importante carga burocrática que no se puede obviar.

Ahora tendrías que multiplicar este procedimiento por los 175 eventos propios que realizamos en 2019…. Como verás no tenemos tiempo de aburrirnos.

«un solo evento, aún siendo de lo más sencillo, implica como mínimo a unas 15 personas»

«no tenemos tiempo de aburrirnos»


- ¿Cómo es vuestro tiempo libre? 


Elena – ¡Escaso! Tenemos un horario muy loco porque hay días que salimos muy tarde, pero también es muy flexible y nos permite organizarnos bien ese poco tiempo libre que tenemos.

Silvia – Un inconveniente de este trabajo es que tienes poco tiempo para asistir a otras actividades, porque muchas coinciden con tus horarios laborales. Además, ser madre de dos niños pequeños añade un poco más de dificultad a esta ecuación del tiempo libre.

– Con la nueva situación de la pandemia del Covid19 ¿cómo estáis adaptando la programación del Espacio?

Elena – Como a todos, el confinamiento nos pilló desprevenidos y los primeros días, incluso semanas, estuvimos reflexionando sobre qué pasos deberíamos seguir en una situación de tanta incertidumbre en todos los sentidos. A nivel de Fundación las primeras acciones fueron encaminadas a ayudar aportando material sanitario. En el área de Cultura, supuso empezar de cero y poner el foco en un nuevo ciclo bajo el lema de Repensando el mañana. Cancelamos toda la programación del año sobre la que habíamos estado trabajando y empezamos a diseñar estos encuentros donde expertos internacionales de diferentes áreas daban su visión sobre el futuro que nos espera después de esta crisis. Pero además tuvimos que diseñar estos encuentros en virtual, lo que supuso hacer un intensivo en conectividad, herramientas de videoconferencia, realización audiovisual, subtitulado, emisiones y ¡hasta diseño de interiores!.

Silvia – Tiene razón; de hecho, hace un par de semanas bromeé diciendo que no recordaba el momento en que había pasado de trabajar en un centro cultural a una productora audiovisual. La crisis del Covid-19 nos ha permitido explorar opciones que nunca antes habíamos contemplado; por ello, cuando se vuelva a una situación más normalizada, no volveremos a hacer las cosas tal cual las hacíamos antes, sino que aprovecharemos todo estos conocimientos y nuevos procedimientos para integrarlos de forma habitual en nuestra programación para mejorar y ampliar nuestra oferta.

«Empezamos a diseñar estos encuentros donde expertos internacionales de diferentes áreas daban su visión sobre el futuro que nos espera después de esta crisis»

«aprovecharemos todo estos conocimientos y nuevos procedimientos para integrarlos de forma habitual en nuestra programación»

– ¿Cuáles creéis que son las claves para el éxito en todo estos años del Espacio Fundación Telefónica?

Elena – Trabajo, trabajo y trabajo de muchas personas. Desde administración a comunicación, jurídico, producción, el personal de sala,…, hay muchísima gente involucrada en cada uno de los proyectos y todo suma para llegar hasta donde estamos ahora.

Silvia – Junto con lo que ha dicho Elena (tenemos un EQUIPAZO de más de 30 personas que dirige Pablo Gonzalo), añadiría el ofrecer una agenda cultural de interés basada en la innovación tecnológica y las humanidades. La gente tiene muy claro qué tipo de actividades va a encontrar, y que serán en un tono muy cercano. Agradecen poder venir a encuentros con temáticas a priori complicadas (p.ej: una charla sobre computación cuántica) y que estén explicadas de una forma tremendamente divulgativa e impartidas por los líderes de investigación en ese campo. Hemos conseguido poner al alcance de cualquier persona a ponentes de prestigio internacional de forma totalmente gratuita.

Elena – Esto es importante. Los grandes ponentes que menciona Silvia vienen porque les ofrecemos un proyecto interesante y diferente a lo que hacen habitualmente. No tenemos presupuesto para pagar cachés desorbitados. A veces es un diálogo con otro invitado al que admiran, otras es por la participación de adolescentes en el evento lo que marca la diferencia; el caso es que siempre buscamos algo diferente que les resulte atractivo. Eso, y la profesionalidad de todo el equipo, hace que vengan, que repitan y que nos abran puertas para los siguientes invitados.

«la profesionalidad de todo el equipo, hace que (los ponentes) vengan, que repitan y que nos abran puertas para los siguientes invitados»

– ¿Qué es lo que más disfrutáis y lo que menos en vuestro trabajo?

Elena – Sin duda, lo que más disfrutamos es aprender de los mejores. Tocamos tantos temas, tan variados y tan interesantes que vivimos en un continuo máster en humanidades digitales. Y además de la mano de sus protagonistas. Cuando echamos la vista atrás y vemos con quién hemos tenido la suerte de compartir una tarde o incluso, un almuerzo, nos damos cuenta de lo afortunadas que somos. Lo peor es que para llegar a disfrutar de estos momentos hay mucha burocracia entre medias, muchos trámites necesarios que no son precisamente atractivos.

Silvia – Me pasa igual: es un privilegio oír hechos históricos de la mano de quienes lo vivieron; aprender de cuestiones que jamás habías oído hablar hasta ese día gracias a gente con gran talento y que te abren un mundo nuevo; trabajar en un edificio como este, con toda la belleza que aún guarda en su interior y todas las historias que tiene…. Somos muy conscientes de lo afortunadas que somos, más aún sabiendo cómo está el panorama de la gestión cultural en este país. Lo que peor llevo son los, escasos, momentos conflictivos con algún visitante descontento que se expresa de forma vehemente o con algún invitado que no quiere seguir los trámites legales; estos casos me los acabo tomando como algo personal, aunque sé que no lo es; el disgusto me suele durar días. También llevo regulín el que me toque presentar algún evento, pero estoy aprendiendo a gestionar esos nervios poco a poco.

– ¿De qué proyectos os sentís más orgullosas?

Elena – En 20 años han sido muchos proyectos y es difícil elegir. De mi época coordinando exposiciones, me quedo con Karelia, de Joan Fontcuberta y Casa de humo de Javier Vallhonrat. También tengo muchísimo cariño al concurso VIDA sobre arte y vida artificial, que pude compartir con Rafa Lozano-Hemmer y Daniel Canogar.
La creación de la Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica también lo viví muy de cerca y pude aprender muchísimo sobre el mercado del arte, las galerías y el coleccionismo.

De los últimos años, me quedo con los proyectos más vinculados a la tecnología y las nuevas formas de expresión que se derivan de ella. El ciclo sobre los youtubers, donde pusimos en valor a los creadores de contenido y descubrimos el talento que hay detrás de los millones de suscriptores que tienen. El Espacio XR, que durante más de cuatro años hemos puesto a disposición de todo el público la posibilidad de vivir la experiencia de la realidad virtual, aumentada y mixta, y que, además, nos permitió colaborar directamente con Laurie Anderson. La Instagramers Gallery, la única galería física con fotos de verdaderos artistas de esta red que está en constante crecimiento. Y por último, el mundo podcast: hemos abierto nuestro propio canal, Encuentros Fundación Telefónica, donde publicamos los encuentros que realizamos en el auditorio, para hacerlos más accesibles todavía. Pero también hemos producido programas exclusivos vinculados con exposiciones como Curiosidad radical. En la órbita de Buckminter Fuller que re-lanzaremos en septiembre. Y por supuesto, de los podcast que grabamos en directo en el Espacio, me quedo con Todopoderosos, con quien llevamos 50 programas en casi 5 años y es un lujo contar con ellos y poder alojarlos en la que ya es su casa cada mes.

Silvia – En el plano profesional fue la creación desde cero del programa educativo para la apertura del Espacio en 2012. Hasta entonces habíamos realizado visitas y talleres en base a nuestros conocimientos en humanidades, con la ayuda de empresas especializadas para algunos proyectos concretos. En 2009, viendo las dimensiones que tendría el nuevo centro, la responsable de cultura de aquel momento, Laura Fernández Orgaz, apostó por nosotras y propuso especializarnos como educadoras: nos ofreció una formación diseñada en exclusiva y a medida para el equipo, muy completa y diversa, conociendo a profesionales de muchos sectores; fueron 6 meses a jornada completa que nos dieron una panorámica amplísima sobre el sector educativo en museos.

Las obras del Espacio comenzaron a principios del 2011 y en ese momento empezamos a trabajar en la creación de un proyecto educativo sólido, aprovechando toda la formación previa recibida, pero también con nuestra experiencia de haber trabajado con público durante muchos años y con un conocimiento profundo del patrimonio de la compañía. Fue casi un año y medio de definir las bases teóricas, los medios que necesitaríamos, la forma de acercarnos a los distintos tipos de público, marcando también cuales serían nuestras líneas rojas. Éramos seis educadoras, de distintas procedencias, trabajando de forma muy intensa, pero lo recuerdo con mucha ilusión y cariño, y nos unió aún más que cuando estábamos de ayudantes de museo.

En lo personal, recuerdo la presentación de un libro: me dijeron que iba a llevar, durante dos días, la rueda de prensa y la presentación del último libro de mi autor favorito desde hacía unos 15 años, que es un rock star de la literatura internacional. Tú eres una profesional y te guardas toda tu mitomanía para dentro y no dejas que aparezca en ningún momento, pero por dentro estaba que no cabía de la emoción.

– ¿De qué manera os definiríais la una a la otra y cómo trabajáis conjuntamente?

Silvia – Lo primero que define a Elena es su generosidad, en todas las facetas de su vida. He visto cómo ha ayudado a todo tipo de personas, aunque no tenga ninguna relación directa con su trabajo. Tiene muchísima experiencia laboral y una asombrosa capacidad para convertir lo difícil en fácil, siempre con actitud positiva, lo que hace que en su faceta de supervisora sea inmejorable. Además, una de las cosas que más agradezco en mi trabajo con ella, al igual que con el resto del equipo (no quiero dejar de mencionar a mis otras compañeras de eventos: Sara, Laura y Belén), es que nos reímos muchísimo y eso en un trabajo, sobre todo cuando tienes que coordinar un evento complicado o una situación de mucho estrés, te da la vida. Somos muy afortunadas de tenerla en el equipo.

«Lo primero que define a Elena es su generosidad, en todas las facetas de su vida»

«tiene una asombrosa capacidad para convertir lo difícil en fácil, siempre con actitud positiva»

Elena – Silvia y yo empezamos a trabajar juntas hace unos pocos años, y eso que nos conocemos desde hace casi 20 y, ahora que no nos oye, es una gran profesional. He visto cómo ha ido creciendo profesionalmente, asumiendo cada vez más autonomía y responsabilidad. Exigente consigo misma y con todo lo que le rodea, busca siempre el mejor resultado y siempre con una actitud positiva y constructiva. Sin duda es alguien con quien se puede contar porque siempre da lo mejor de sí misma. Y encima es muy divertida. Trabajamos mucho, somos muy responsables, pero también nos reímos mucho juntas y eso es un lujo.

«Silvia es exigente consigo misma y con todo lo que le rodea, busca siempre el mejor resultado»

«Es alguien con quien se puede contar porque siempre da lo mejor de sí misma»

– ¿Qué consideráis que habéis aprendido en todo estos años?

Silvia – Son casi 20 años de aprendizajes continuos. De verdad que es un verdadero privilegio estar aquí. Al haber comenzado cuando la fundación era muy pequeña, he podido ir viendo cómo van creciendo de forma orgánica este tipo de instituciones. Conocer a profesionales de museos y de otro tipo de empresas de todas partes del mundo te ayuda también a ampliar tus miras. Por otra parte, hace unos 3 años dejé el equipo Educación y pasé a Programación de Contenidos, con lo que reinicié un nuevo periodo de aprendizaje. Por último el hecho de tener una agenda tan variada con ponentes tan buenos nos da unos conocimientos de lo más dispares que puedes aprovechar para otros proyectos o para tu vida personal.

Elena – Además de lo que comenta Silvia, a lo largo de estos años he aprendido que esto es una carrera de fondo, donde lo importante es ir construyendo poco a poco para poder llegar cada vez más alto. Aunque haya malos momentos, que los hay, todo se supera: la maternidad es un momento que pasa factura en la carrera profesional de muchas mujeres; supone un parón en un momento clave de tu desarrollo y es difícil recuperar tu espacio; a veces a los responsables se les olvidan tus capacidades y te toca demostrar nuevamente tu valía.

– ¿Qué consejo darías a una persona que empieza en la gestión y programación cultural?

Silvia – Que no se cierre a ninguna propuesta y que trate de participar en todos los proyectos que pueda, por muy diferentes que sean a lo que esperas dedicarte. Al igual que ocurre en otros muchos empleos, participar en proyectos diversos, con perfiles profesionales y públicos muy diferentes, permite abrir las miras sobre futuros proyectos, además de crear una interesante red de contactos. Creo que la especialización en este campo no se consigue por trabajar mucho sobre un tipo de proyecto en concreto, sino por todo lo contrario: por tener una amplia visión del mundo de la cultura y aprovechar esos escenarios tan diversos para encontrar la forma óptima de poder ejecutar el que tienes entre manos.

Elena – Paciencia y que esté muy despierto y atento a las novedades. Cada día nacen nuevos proyectos y nunca se sabe dónde puede surgir una oportunidad, pero de todos se puede aprender y conocer gente. También es importante una actitud abierta y tener capacidad de adaptación al cambio.

«la especialización en este campo no se consigue por trabajar mucho sobre un tipo de proyecto en concreto, sino por todo lo contrario: por tener una amplia visión del mundo de la cultura»

«nunca se sabe dónde puede surgir una oportunidad, pero de todos se puede aprender y conocer gente»

– ¿Qué proyectos os gustaría realizar en el futuro?

Silvia – Me encantaría poder implementar un sistema de evaluación de los eventos por parte del público y de los invitados. Por desgracia, tenemos poco feedback del público, ya que solo recibimos esa información cuando están o muy contentos o cuando no les ha gustado algo concreto. Me gustaría saber también la opinión de los que se van sin decir nada: que nos digan cómo podemos mejorar su experiencia. Realicé algunas búsquedas para saber cómo obtener ese feedback de la forma más cómoda para el público y provechosa para nosotras, pero es algo que tuve que parar por carga de trabajo y que en algún momento retomaré.

También me gustaría crear algún tipo de congreso de nuestro sector. He asistido a muchos cuando estaba en educación y se crean grandes redes de trabajo; sin embargo, conozco a pocos programadores de otros centros y estaría muy bien ponernos caras y crear proyectos en colaboración.

Elena – A mi me gustaría seguir apostando por el talento joven. Muchas veces se habla con resignación de las generaciones que vienen y no se puede generalizar. En todos los ámbitos hay gente muy joven (hablo siempre de menores de 30) con proyectos maravillosos y me encanta aprender de ellos, de su frescura, de su talento y de su manera de afrontar la vida.

– Un deseo que os gustaría se hiciera realidad

Silvia – ¡Quiero volver a achuchar pronto a todo el equipo! Con la situación del COVID-19, nos han dado facilidades para teletrabajar con flexibilidad, siempre que fuera posible. Con la futura vuelta al edificio nos han dividido en dos grupos a cada equipo, para limitar así un posible contagio; creo que es una decisión acertada para garantizar la salud de todos de la mejor forma posible, pero no deja de entristecerme no poder estar todos juntos hasta dentro de muchos meses.

Elena – Me uno al achuchón de Silvia, ¡qué ganas de reunirnos todos! Mi deseo es seguir trabajando con esta maravillosa panda de locos mucho tiempo.

«¡Quiero volver a achuchar pronto a todo el equipo! como pronto, hasta el 2021 no podremos volver a estar todo el equipo de programación y publicaciones juntos de nuevo, por no hablar del resto de compañeros»

«¡qué ganas de reunirnos todos! Mi deseo es seguir trabajando con esta maravillosa panda de locos mucho tiempo»

Más información

Elena González – LinkedIn – Twitter @elenaescocia

Silvia Royo – LinkedIn – Twitter @syromon

Espacio Fundación Telefónica

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La entrada Elena González y Silvia Royo – Programación y coordinación de contenidos en Espacio Fundación Telefónica se publicó primero en YANMAG.

«La belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad»

Pamela Aguayo es fotógrafa mejicana afincada en Madrid. Su vida ha transcurrido en Méjico, Estados Unidos y España, y cada país le ha dado vivencias y estéticas diferentes para su trabajo.

Formada en las prestigiosas escuelas de fotografía Blankpaper y Too Many Flash, desarrolla su carrera como fotógrafa de moda. Trabaja con diseñadores independientes, un sector dentro de la industria de la moda en el que existe más libertad para la creatividad.

Con un estilo muy personal e interesante, muestra la belleza sin artificios, algo que va más allá de una simple estética, una conciencia sobre la naturalidad del cuerpo y una crítica al consumo que lo transforma.

– Eres fotógrafa de moda y directora creativa ¿cómo comenzó tu interés por la fotografía?

Desde pequeña me gustaba la fotografía, fue un amor heredado por mi padre, cuando cumplí 8 años él me regalo mi primera cámara. Recuerdo que le hacía fotografías a mis compañeros en la escuela con una pequeña cámara instantánea. También fotografiaba a mi familia, tengo algunas imágenes que me gustaría utilizar alguna vez en algún proyecto fotográfico. Me parece muy interesante la visión de un niño.

– ¿Qué tiene la fotografía que te ha seguido atrayendo y se ha convertido en tu medio de vida?

Siempre me gustó la fotografía porque lo considero una forma de preservar recuerdos y emociones, cuando veo una fotografía vuelven a mí esos momentos.
Después lo exploré más como una forma mostrar, expresar mi punto de vista sobre el mundo o las cosas que se viven en la actualidad.

«la fotografía es una forma de preservar recuerdos y emociones»

– Fuiste asistente del fotógrafo José Luis Cuevas ¿cómo fue la experiencia de trabajar con él?

Trabajé con él durante una año. Fue una experiencia muy buena, José Luis es una persona muy agradable, tiene una forma de trabajar muy especial. Cuida todos los detalles y se involucra en todo el proceso. Desarrolla proyectos bastante largos, pueden llevarle años e investiga a fondo en cadatema, por eso tiene un equipo de trabajo grande ya que necesita muchos contactos profesionales para conseguir producir.

Recuerdo una ocasión en la que tuvimos que contactar con médicos para conseguir archivos de pacientes muy antiguos. Los casting que realizaba nunca los entendí del todo, no sabía en qué se basaba para elegir a las personas que fotografiaba finalmente. Pero resultaban muy interesantes.

Con él aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo, lo principal es hacer cada día algo, mantenerte activo porque si lo dejas pierdes el ritmo y el proyecto no avanza. También con él tuve la oportunidad de conocer a mucha gente del medio, aprendí mucho de cada uno de ellos, y me dieron motivación para seguir con mi sueño.

«aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo»

– Tu formación y carrera se desarrolla entre México, Estados Unidos y España ¿qué te ha aportado vivir en cada país?

Me ha cambiado la forma de ver la vida totalmente. Conocer otras formas de pensar, de actuar…es muy diferente a lo que yo estaba acostumbrada. El salir de mi zona de confort me ha hecho madurar en muchos aspectos. A veces es duro, porque no es fácil alejarse de lo cómodo o lo seguro. Pero cuando veo todo el crecimiento que he tenido desde entonces no me arrepiento por nada. Y de forma profesional es igual, aprendo de mis compañeros y me nutro de cada persona que cruza por mi vida.
Incluso visualmente al cambiar de entorno, cambio mi visión. Al no estar en un lugar que era común para mí, me hace ser más observadora. Mi forma de componer al hacer fotografías ha cambiado en cada entorno, y más cuando llegué a España, porque estaba acostumbrada visualmente a la Ciudad de México, que es un paisaje lleno de elementos, y para mi percepción Madrid es mucho más neutro hasta cierto punto.

 «al cambiar de entorno, cambio mi visión»

 – ¿Por qué has decidido permanecer en España y qué te aporta creativamente?

Me quedé en España principalmente por mi pareja, pero creativamente me aporta mucho por las personas que he conocido desde que estoy aquí. Especialmente diferentes fotógrafos en la escuela o en el trabajo que me han inspirado mucho, tanto su visión como forma de ver la vida.

– Aunque tu formación ha abarcado la publicidad y el fotoperiodismo, te has especializado en la fotografía de moda  ¿por qué elegiste este camino?

Porque creo que la fotografía de moda se abre más a la creatividad. Me encanta el surrealismo y en la fotografía de moda es un estilo que puedo adaptar perfectamente.

«la fotografía de moda se abre más a la creatividad»

– ¿Cómo ves el mundo de la moda y del editorial de moda en este momento?

Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria. Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas, creo que su trabajo esta muy desvalorado. La gente prefiere ahora comprar una camiseta por 7€ que les va a durar un par de meses a una camiseta de 20 o 30€ que es de buena calidad, tiene un diseño único y además hay mucho esfuerzo detrás.

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

Mi impresión es que el mundo editorial está muriendo. Algunas revistas online ya no pagan las editoriales, y las que lo pagan son pocas, y el medio está muy cerrado, no dan oportunidad a jóvenes fotógrafos.  Por otro lado la gente ya casi no compra revistas exclusivamente de moda, tienen que estar relacionadas con otros temas, como por ejemplo la relación de la moda con temas de arte, para intentar salir un poco del tema superficial al que estábamos acostumbrados.

También hay un problema de percepción sobre la fotografía, porque estamos constantemente bombardeados de estímulos y ahora las imágenes son más desechables. Tienen que tener mucho más fuerza y estar más trabajadas para que la gente se interese por ellas.

«Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria»

– ¿Cómo planteas las sesiones de fotos con los estilistas? 

Primero trabajamos en el concepto creativo, después hacemos lo que se llama el moodboard o muro de inspiración, que sirve para definir el estilo de la fotografía y para explicar estas ideas al resto del equipo. En base a los estilismo y maquillaje, elijo el orden en el que se harán las tomas y finalmente preparo todo el material de arte. Procuro cuidar los tiempos de cada estilismo para que la jornada no sea muy larga y no cansar a la modelo.

– ¿Cómo es tu trabajo en el día a día con los modelos? ¿qué buscas cuando fotografías?

En moda me encantan la poses extrañas del cuerpo. Busco que el modelo salga de lo típico, intento buscar naturalidad y rareza a la vez. También la belleza del cuerpo natural y las formas. Realmente edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo.

«edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo»

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

– Has sido la Coordinadora del Art Showroom en Lanau Espacio Creativo, realizando el comisariado de las exposiciones ¿qué artistas has elegido para este espacio?

Elegí a Lucía e Inés La Mata.

Lucía es fotógrafa, se especializa en retratos e Inés es pintora. 

Las elegí porque me gusta mucho su trabajo, creo que es muy original y las fotografías de Lucía tienen mucha fuerza.

Otra muestra que me gustó mucho fue la de exposición de Sara Batuecas, ella hace retratos de mujeres siendo agredidas por unas manos, en los retratos solo se ve el rostro de las mujeres llorando, angustiadas o tristes, con manos que las rodean de forma violenta. 

Sara es una fotógrafa feminista y casi todos sus proyectos están relacionados con el tema de la violencia hacía las mujeres.

– ¿Qué proyectos estás desarrollando en este momento? 

Estoy trabajando en un proyecto más enfocado a la imagen documental. Es un libro de fotografía y el tema es «la separatidad», un concepto que desarrolló Erich Fromm en su libro El arte de amar. Trata sobre las sensaciones que busca el ser humano desde el momento en que es separado de la madre.

– ¿Cómo influye tu vida en tu fotografía?

En algunos proyectos que tengo planteados para el futuro cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos. Mostrar la cercanía es una manera de impactar de forma positiva en los demás: el afecto y las relaciones personales frente al consumo.

Si nos sensibilizamos más y empezamos con pasos pequeños, como cuidar nuestro entorno más cercano, esto poco a poco cambiará la sociedad a gran escala.

«cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos»

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Me gustaría que mi trabajo genere algo positivo en la gente. Que de alguna forma sea un mensaje y provoque un cambio, como el familiarizarnos más con la belleza de lo natural, ir más a lo real, dejar la tendencia al perfeccionismo vacío.

Ya no estamos acostumbrados ver el cuerpo como es, porque todas las imágenes que vemos en los medios están siempre muy retocadas. Pero la belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad y el consumo.

Debemos consumir con responsabilidad, valorar a las empresas que en verdad les importa el planeta y no solo llenarse los bolsillos.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

Me encantaría poder exponer mi trabajo en Arlés (Francia) en un festival de fotografía y también en algún festival de fotografía en México.
Pero sobre todo me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear.

«Me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear»

Más información

Pamela Aguayo

En Instagram – @pam_ap

En LinkedIn

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La entrada Pamela Aguayo – Fotógrafa de moda se publicó primero en YANMAG.

Andrea Perissinotto, artista y gestor cultural, presentará una nueva edición de «Karmen» el próximo jueves 27 a las 19:30 en el Espacio Primavera 9 con motivo de la semana del arte 2020 de Madrid. Al evento acudirán profesionales del mundo del arte contemporáneo que podrán adquirir el kit por un módico precio y cuyos beneficios irán destinados a la promoción de un artista elegido por el comisario. YANMAG colabora en esta iniciativa.

Participan en esta nueva edición de KARMEN artistas como Lina Ávila, Miranda Warhol, Ana Musma, Carlos Regueira, Rafi Dhalgo, DJ Azid Zitro, Olga Isla, Juan López, Rosa Berned y la sexóloga Sara del Arco entre muchos otros.

Andrea Perissinotto nos habla del kit y nos explica su utilidad:

«KARMEN es un Kit para Artistas Reconocidos, Multidisciplinares, Emergentes y Noveles. KARMEN se presenta en dos versiones:

KARMEN NOW ® – envoltorio rojo – y KARMEN NEW ® – envoltorio azul –»

«KARMEN está pensado para el Artista Universal del Siglo XXI, porque sabemos que en la era de las RRSS (Redes Sociales), sigue siendo imprescindible que “tu cara suene” a las personas que cuentan. Tu propia VISIBILIDAD es determinante, cualquiera que sea tu estatus en los circuitos del arte contemporáneo.

Tanto si acabas de salir de Bellas Artes como si eres un simple aficionado; hasta si tu nombre está en el Olimpo de los artistas consagrados, cuando menos te lo esperas aparece una ocasión, un encuentro que puede cambiar o engrandecer tu posición en el mundo del arte.

Y a veces en ese instante es justo cuando necesitas contar con un elemento tan pequeño y, supuestamente, insignificante. Tan aparentemente prescindible que morirías por tenerlo contigo en ese exacto momento.

¡Y KARMEN es tu momento!  

¡Cuenta con KARMEN!

Tanto KARMEN NOW ® como KARMEN NEW ® constan de una serie de accesorios de utilidad para que tú, Artista del siglo XXI, puedas estar siempre prevenido y listo en cualquier circunstancia y contexto social: inauguraciones, ferias y festivales de arte, eventos de networking, open studio, encuentros con comisarios, etc.

Acontecimientos en los que hoy en día tienes que estar involucrado si quieres dar visibilidad a tu persona y, por ende, a tu obra. ¡No te dejes escapar a ningún galerista!

Por eso te decimos… KEEP CALM! y ¡Cuenta con KARMEN!»

«Después de su estreno mundial en LaLatente (Madrid), y tras su paso por el Espacio Hygiene de Valencia, en el marco del festival Intramurs 2019, KARMEN NOW ® y KARMEN NEW ® llegan a la Galería Espacio Primavera 9, ubicado en el multicultural barrio de Lavapiés (Madrid). Basta con que preguntes por KARMEN al equipo de Primavera 9 o bien puedes enviar un WhatsApp al número +34 651 676 911 (escribe KARMEN en el mensaje) y te atenderemos a la mayor brevedad posible.

¡Disfruta de lo nuevo, ahora! Y cuenta con KARMEN a un precio increíble.

Para cualquier duda, consulta o información adicional, también puedes escribirnos a: cuentaconkarmen@gmail.com»

Andrea Perissinotto, hace hincapié en los rasgos autoironicos de este proyecto, siendo KARMEN un reflejo directo de algunas vivencias y anécdotas que él mismo vivió durante acontecimientos artísticos, ferias y festivales de arte. Se trata pues, de una manera para hablar de nosotros, los que sufrimos y disfrutamos (¿a partes iguales?) de la semana del arte de Madrid, así como de la naturaleza intrínseca del circuito del arte, sea ese el «alternativo» o cualquier otro en el que tengamos el placer, el deber, el deseo u obligación, de hacer parte.

Más información

Andrea Perissinotto

Espacio Primavera 9

Instagram @artperissinotto

La entrada «Karmen» de Andrea Perissinotto en Espacio Primavera 9 se publicó primero en YANMAG.

«Desde la mancha intento rescatar la imagen»

Florencia Kettner es artista visual y gestora cultural argentina afincada en Madrid desde hace 19 años.

Su obra es densa, desgarradora, inquietante e hipnótica. Sigue la estela del movimiento neo-expresionista muy presente en Argentina, heredera de los alemanes emigrados durante las guerras mundiales. Los medios de comunicación y las alianzas con los gobiernos como medios de propaganda, la carrera armamentística y la guerra fría cultural son los temas que marcan su trabajo.

Recientemente ha presentado una impresionante muestra individual titulada Ruido-Señal en la que ha mostrado más de 200 pinturas y dibujos donde refleja el ruido mediático construido por el sistema que impide rescatar el dato significativo.

Desde hace más de un año, además gestiona el espacio Secuencia de Inútiles, con el cual ha colaborado en eventos como Hybrid Festival o Festival Proyector. En él, además de ser su propio estudio de trabajo, acoge muestras de artistas independientes y proyecta futuros intercambios de exposiciones.

Florencia Kettner es una artista cálida, inteligente e irónica que descubre, con contundencia, las tripas de la realidad.

– ¿Cuándo supiste que querías dedicarte a la creación plástica?

Desde muy pequeña lo que más me gustaba hacer era dibujar y pintar. Durante la época escolar, el momento más feliz para mí era la hora semanal de plástica.
Cuando llegó el momento de elegir carrera no sorprendió a nadie en mi familia que eligiese Bellas Artes.

Cuando me gradué del profesorado de pintura y escultura era complicado encontrar trabajo. Debido a esta situación, decidí hacer pequeñas esculturas y ofrecerlas en un mercadillo, o bien cocinar comida para venderla por la calle. Además, di clases de plástica a niñxs en riesgo de exclusión, experiencia que me marcó mucho.

«Cuando llegó el momento de elegir carrera no sorprendió a nadie en mi familia que eligiese Bellas Artes»

– Te trasladaste de Buenos Aires a Madrid hace 20 años ¿cómo fue para ti este cambio? 

Llegué a Madrid el 2 de enero de 2000 y lo primero que hice fue apuntarme al Círculo de Bellas Artes para hacer croquis de modelo al natural y para pintar en los talleres que están en un torreón, un lugar que me sorprendió por sus impresionantes vistas. En el CBA había personas de todas partes, y cuando terminábamos los talleres nos íbamos de tapas con la gente de allí.

Viniendo de una ciudad mucho más grande, Buenos Aires, Madrid me pareció muy acogedor; el conductor del autobús saludaba a la gente que se subía, se comentaba el clima en el ascensor entre las personas, en general había un trato más cercano con los desconocidos. Para mí estas cosas eran surrealistas.

Me adapté rápido a esta ciudad e hice muchas exposiciones con la Red de Arte Joven; en la Biblioteca de Vallecas, en la de Puerta de Toledo, en la Casa del Libro de la calle Gran Vía…

«Viniendo de una ciudad mucho más grande, Madrid me pareció muy acogedor»

«Me adapté rápido a esta ciudad e hice muchas exposiciones»

– ¿Puedes explicar el carácter expresionista de tu obra? ¿Ha influido de alguna manera tu ascendencia alemana en ella?

Existe en Argentina una fuerte tradición artística y literaria muy interesada en este estilo. Me formé en Buenos Aires con maestros que trabajaban dentro de este lenguaje.
También encuentro coincidencias en esta atracción por el expresionismo en muchos artistas contemporáneos de los países de Europa del Este.

De mis cuatro abuelos solo mi abuelo paterno era alemán, el resto era de origen italiano. Además, a mi abuelo no lo llegué a conocer y sin embargo el arte expresionista siempre me fascinó.

Si el Arte es el exceso, el expresionismo se acerca a ese exceso desde la exageración en las formas, la utilización del color, los temas tratados, etc.

Por otro lado, el neogótico, la literatura fantástica latinoamericana, el cine negro, el gusto oriental por las sombras, son cosas que me atraen y me permiten desarrollar la imaginación y la creatividad.

«Existe en Argentina una fuerte tradición artística y literaria muy interesada en el expresionismo»

«Si el Arte es el exceso, el expresionismo se acerca a ese exceso desde la exageración en las formas»

– ¿Cómo es tu proceso creativo y tu rutina de trabajo en el estudio?

Suelo tener períodos en los que leo e investigo, recopilo información y en determinado momento surge una primera idea para desarrollar alguna serie nueva.
Trabajo con música, con algunos libros que me interese consultar en ese momento y con el teléfono para fotografiar lo que estoy pintando.

Cuando comienzo una nueva serie de pinturas no puedo parar y entro en una especie de mundo paralelo donde tiempo y espacio se transforman. Mientras estoy dentro de esta dinámica, todas las imágenes que sueño o imagino tengo que plasmarlas rápidamente o me persiguen de manera obsesiva. El gran enemigo de todo este proceso es la interrupción. A pesar de lo desordenada que soy, intento planificar las horas de trabajo para aprovecharlas al máximo.

El punto final de la serie es difícil saberlo, varía mucho según que tantas ideas nuevas surjan mientras estoy pintando. Una imagen lleva a otra y en el caso de la última serie se fueron generando nuevas sub-series que me interesaba seguir descubriendo.
A veces, algunas de las ideas que rondan la serie en la que estoy trabajando dan pie a la siguiente.
También puede suceder que del proceso de dibujar o pintar surjan proyectos expandidos hacia el vídeo o la instalación.

«Cuando comienzo una nueva serie de pinturas no puedo parar y entro en una especie de mundo paralelo donde tiempo y espacio se transforman»

«Mientras estoy dentro de esta dinámica, todas las imágenes que sueño o imagino tengo que plasmarlas rápidamente o me persiguen de manera obsesiva»

– Presentaste A los señores de la guerra en Espacio B en Madrid en una exposición individual, una muestra inspirada en la guerra y sus víctimas.

A finales de 2014 leí una noticia que motivó esta serie. Un periodista alemán que se llamaba Udo Ulfkotte acusaba a los medios de comunicación de publicar material que le entregaba la CIA y otras agencias occidentales de inteligencia y propaganda.

Durante 2015 desarrollé A los Señores de la guerra, unas 45 pinturas de diferentes formatos donde están representados los medios de comunicación, los dictadores, el Club Bilderberg, la carrera armamentista, los militares, etc.

Gracias a Joseba y Elisa de Espacio B, el montaje quedó muy bien, se pudieron ver más de veinte trabajos expuestos en las dos plantas. El día de la inauguración escribimos en las paredes de la sala una carta dirigida a los soldados de la Guerra de las Malvinas, y además la música que elegí para la exposición surgía desde el sótano generando una sensación realmente inquietante.

Espero en algún momento poder volver a mostrar esta serie en otras ciudades y vincularla a alguna asociación o movimiento activista en contra del consumo y producción de armamento.

«Espero en algún momento poder volver a mostrar esta serie en otras ciudades y vincularla a alguna asociación o movimiento activista en contra del consumo y producción de armamento»

– ¿Tienes proyectos gráficos en vista?

Estoy interesada desde hace un tiempo en explorar el mundo de la gráfica: ilustrar libros, crear una recopilación de los trabajos de mi última serie de pinturas llamada Ruido-señal e imprimir un libro de artista que terminé en 2018, entre otras cosas.

Este último lo creé a partir de un catálogo de 2016 del Museo Thyssen de la exposición La Ilusión del Lejano Oeste. Lo rebauticé como La ilusión de la Cultura Libre y parte de su contenido está basado en el libro La CIA y la Guerra Fría Cultural, de Frances Stonor Saunders, investigación periodística que trata de los millonarios esfuerzos de EE.UU. por imponerse sobre la cultura y el arte del campo socialista durante la Guerra Fría. Mediante el humor y la ironía, planteo cuestiones sobre el mundo de la cultura y la política: las ferias de arte, la programación de los Museos, la publicidad, la guerra fría cultural que nos invade en todos los ámbitos, el control, la manipulación informativa o incluso, cómo viven hoy esos descendientes de las tribus indias.
Son más de 70 páginas con collage, pintura, y mucha información.

«Estoy interesada desde hace un tiempo en explorar el mundo de la gráfica»

– Desde hace un año gestionas el espacio cultural Secuencia de Inútiles en Madrid, con el cual has formado parte en diferentes muestras como Hybrid Festival o Proyector Festival de Videoarte. Un lugar en el que se presentan además exposiciones colectivas, conciertos y que además es tu estudio ¿cómo está siendo la experiencia para ti? 

Cuando nos mudamos en febrero de 2019 pensamos en presentarnos formalmente a los vecinos del edificio, ir puerta por puerta cual vendedores de biblias para contarles el proyecto e invitarles a conocer la sala. Finalmente con todo el lío del montaje de la primera exposición no dio tiempo a anunciarnos y el día de la inauguración se acercó mucha gente del edificio y del barrio, el nombre de la sala hizo todo el trabajo.
La gente que suele pasar por la calle se hace selfies con el cartel, golpean la puerta y preguntan qué se hace allí… Presentamos arte contemporáneo, Videoarte, improvisaciones musicales, instalaciones e intentamos despertar el interés del vecindario.

Estamos muy contentas de poder ceder la sala a colectivos, propuestas interesantes y festivales independientes, se aprende mucho pero vamos a un ritmo lento porque es también el sitio donde desplegamos materiales para trabajar, así que cuando toca exposición se recoge todo y se abre solo para exponer.
Nuestra intención es mudarnos próximamente a un sitio con otra distribución para poder seguir trabajando mientras hay exposición.

«Estamos muy contentas de poder ceder la sala a colectivos, propuestas interesantes y festivales independientes»

– Tu última exposición Ruido-Señal es una impresionante muestra de 200 pinturas que pudo verse en Secuencia de Inútiles ¿cómo fue la creación de todo este ingente trabajo y qué lo motivó?

Esta serie surgió durante el verano de 2018; principalmente a partir de la lectura del libro Arte duty free. El arte en la era de la guerra civil planetaria de Hito Steyerl, que habla de la sobreexposición a las imágenes, a su consumo, y al ruido continuo y estruendoso de Internet y las redes. Con esas ideas comencé a experimentar con tintas y ceras sobre papel. Luego pasé a pintar formatos grandes sobre tela, trabajando sobre ellas en el suelo. Desde la mancha intento rescatar la imagen, como se hace en el test psicológico de las manchas, el test de Rorscharch.

«Desde la mancha intento rescatar la imagen, como se hace en el test psicológico de las manchas, el test de Rorscharch»

Otro libro que me ayudó a desarrollar la serie fue La noche tiene mil ojos de Maria Negroni. En este ensayo se exponen cuentos cortos, películas del cine negro y su relación con el expresionismo alemán, y la conexión entre la literatura fantástica y el arte gótico. Me inspiró para hacer pinturas como Angelus Novus, Después de Judit, Faust, las sub-series de La condesa sangrienta o Nosferatu. Cada uno de los trabajos cuenta una pequeña historia y fueron fruto de horas de investigación y creación.

– Recientemente has presentado la pieza de videoarte Mundos paralelos en  Zumo de Vídeo, en Loompa Studio ¿cómo planteaste este trabajo y cómo se conecta con tu obra pictórica?

Hace unos pocos años atrás comencé a pensar en la posibilidad de movimiento dentro de mi trabajo. Descubrí que había ideas que quería expresar que eran imposibles con el lenguaje de la pintura. La forma de ver lo que me rodeaba cambió, de repente quería grabarlo todo.

Sigo formándome, grabando todo lo que encuentro interesante y viendo Videoarte.
Zumo de Video es una buena propuesta en Madrid donde presentas tus vídeos y luego hay un coloquio muy ameno donde se aprende de las sugerencias de la gente que se acerca.

Mundos paralelos resume en pocos minutos la situación de las villas miseria en Argentina, en este caso en concreto el foco está puesto en la Villa 31, el más antiguo asentamiento de chabolas de Buenos Aires donde viven alrededor de 80.000 personas y la intención del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de privatizar todo el territorio público que comprende la villa.

«Hace unos pocos años atrás comencé a pensar en la posibilidad de movimiento dentro de mi trabajo»

– Trabajas también como profesora de pintura y modelado ¿cómo es tu relación con los alumnos?

Uno de mis mayores intereses a la hora de dar clases es quitarles el miedo a lxs alumnxs. Vienen con mucha inseguridad por no saber pintar o dibujar. La clave es hacer hincapié en los logros en sus trabajos. Siempre les digo que no se desanimen, que la pintura es dar un paso atrás, para avanzar dos, como cualquier aprendizaje, y que dudar está muy bien.
También les miento diciéndoles que la pintura es muy fácil ¡cuando no lo es!

Me sigue asombrando encontrar niñxs muy pequeños que me preguntan qué pintar porque no se les ocurre nada… Entonces les pido que miren por la ventana, o que salgan un momento a la calle, que piensen en el universo, los planetas o los dinosaurios. A veces les leo algún cuento o les sugiero que se hagan un autorretrato. Aunque cada vez más dibujan o pintan cosas que tienen que ver con la televisión o la Playstation, casi nada sale de su imaginación, y eso es preocupante.
A los adultos tampoco me gusta marcarles lo que tienen que pintar, para mí la pintura es expresión de uno mismo, es comunicación y libertad, no tiene mucho sentido que les diga lo que tienen que hacer, ya bastante tenemos en nuestras vidas diarias con tanta pauta, regla, norma, etc.

«Uno de mis mayores intereses a la hora de dar clases es quitarles el miedo a lxs alumnxs»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Ahora mismo estamos en conversación con algunos espacios de arte de Alemania para hacer un intercambio de exposiciones; artistas de allí presentarán su obra en la sala Secuencia de Inútiles y viceversa.

Queremos generar diálogos entre artistas de distintas partes del mundo, poniendo el foco en Latinoamérica, ahora mismo creo que es muy necesario hablar de lo que está pasando en Chile, Colombia, Bolivia, Nicaragua, Brasil… Creo que no es casual que la mitad de Latinoamérica esté viviendo esta situación de violencia y por ello tenemos que estar muy alerta. La acción Las Venas abiertas que presentamos en enero en Secuencia de Inútiles expuso todo esto y esperamos en el futuro poder seguir presentando estos temas en forma de exposiciones, performances, etc.

«creo que es muy necesario hablar de lo que está pasando en Chile, Colombia, Bolivia, Nicaragua, Brasil… Creo que no es casual que la mitad de Latinoamérica esté viviendo esta situación de violencia y por ello tenemos que estar muy alerta»

También me gustaría mostrar en algún momento un proyecto de instalación llamado Supermercado que creé en 2017; se trata de una reflexión sobre el consumo y la obsolescencia programada. Por otro lado, esta obra fue pensada para ser presentada de manera interactiva.

Otro proyecto en curso es el de editar el libro de artista La ilusión de la Cultura Libre, trasformarlo en fanzine y a ser posible tirarlo desde un helicóptero sobre los museos…

«Queremos generar diálogos entre artistas de distintas partes del mundo, poniendo el foco en Latinoamérica»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Me gustaría que mi trabajo viajara por el mundo sin que yo tenga que salir del taller, como si mi obra fuera el gnomo de la película Amelie y me enviase postales de diferentes ciudades (risas).

«Me gustaría que mi trabajo viajara por el mundo sin que yo tenga que salir del taller»

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Florencia Kettner

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«Comunicar algo que te emociona es un lujo»

Clara Merín es especialista en comunicación cultural. Periodista de formación, ha trabajado para destacadas instituciones culturales en España como Feria ARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC),  La Casa Encendida o MediaLab Prado entre muchas otras.

Apasionada por su profesión, su cometido en estas instituciones ha sido traducir los lenguajes de creadores y creadoras a un código más cercano para acercar al público a la cultura.

Feminista comprometida, defiende la igualdad en el ámbito laboral y en el uso del lenguaje, y reclama también una mayor igualdad en la exhibición del trabajo de las creadoras en nuestras instituciones culturales.

Clara Merín nos descubre en esta entrevista a una profesional de la comunicación cercana, con una interesante visión y amplia experiencia.

– ¿Cuándo te empezaste a interesar por la comunicación y qué te llevó a estudiar Periodismo?

En realidad estudié periodismo porque tenía muchos intereses y ninguno muy definido, siempre he sido muy curiosa. Algo que tenía claro es que me interesaba mucho la creación en general, el cine, el teatro, el arte, la música, me siguen apasionando. Poder comunicar algo que te emociona, para mí es un lujo. Me muevo por motivación, si algo me interesa, le puedo dedicar miles de horas.

«Me muevo por motivación, si algo me interesa, le puedo dedicar miles de horas»

– Te has especializado en comunicación del sector cultural ¿comunicar sobre cultura es igual que comunicar sobre otros temas?

Para mí te tiene que interesar y apasionar la cultura para poder entender con profundidad el mensaje y luego comunicarlo con rigor, desde la sencillez. También se requiere, además de una formación en comunicación corporativa y digital, tener una cierta sensibilidad. El trabajo de una comunicadora cultural es el de traducir los lenguajes de lxs creadorxs, a veces un tanto crípticos (por ejemplo, ocurre mucho en el arte contemporáneo) a un código más llano, que pueda entender y asimilar el público general. La cultura es patrimonio de todxs, creo firmemente que cualquier persona puede disfrutar de una obra de arte contemporáneo o emocionarse con una ópera, si alguien se lo explica bien. No hay más que ver a lxs niñxs cuando entran en un museo sin ningún prejuicio, captan mucha más información que nosotrxs, que como adultxs se nos escapan. Me interesa cualquier expresión artística, me da mucha rabia esa concepción elitista de la cultura en la que solo unxs privilegiadxs pueden entenderla/disfrutarla.

«El trabajo de una comunicadora cultural es el de traducir los lenguajes de lxs creadorxs a un código más llano»

«Me da mucha rabia esa concepción elitista de la cultura»

– Has trabajado para grandes instituciones como la Feria ARCO, la Semana Internacional de la Moda de Madrid o Feria Internacional de Turismo, FITUR ¿cómo han sido para ti estas experiencias?

En ARCO tuve una de las mejoras jefas y profesionales de la comunicación que recuerdo: Marta Cacho. Aprendí muchísimo del trabajo de gabinete de prensa que es al que me he dedicado casi toda mi vida profesional: redactar notas de prensa, gestionar la información, atender a medios y periodistas, organizar ruedas de prensa, gestionar webs corporativas, etc. Cuando se acercaba la feria, trabajábamos doce horas al día, pero fui muy feliz allí en contacto con galerías de arte de todo el mundo y aprendí muchísimo.

– Has sido directora del área de comunicación y marketing del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC ¿cómo desarrollaste la estrategia de comunicación para este museo?

Trabajar en el MUSAC fue una de las experiencias profesionales más gratificantes que he tenido. Cuando llegamos a León, la mayoría éramos becarixs, con muchas ganas de trabajar, pero sin departamentos ni equipos. Trabajé muchísimo en la campaña de inauguración, que fue nacional e internacional, por entonces no existían las redes sociales y todo el trabajo de difusión se hizo en prensa generalista y especializada. Conseguimos que hablasen de nosotros en todos los medios culturales nacionales y también en las revistas de arte internacionales más relevantes. La campaña fue muy ambiciosa y los medios nos ayudaron mucho a pesar de que el MUSAC era una apuesta insólita por el arte contemporáneo en una región que apenas tenía tradición. El edificio tan espectacular de Tuñón y Mansilla fue un regalo para comunicar el proyecto. La fachada colorida salió hasta en The New York Times.

«Conseguimos que hablasen del MUSAC en todos los medios culturales nacionales y también en las revistas de arte internacionales más relevantes»

– ¿Qué diferencias encuentras a la hora de comunicar en cada Red Social?

Ahora mismo la red social que más me interesa es Instagram, aún tiene cierta vida. Facebook no le ha retirado aún todo el alcance orgánico y se puede empezar a crear un perfil de cero y conseguir seguidores sin hacer campañas de marketing, cosa que en Facebook es imposible hace ya tiempo. Las stories permiten trasmitir una espontaneidad del día a día que se adapta muy bien a los proyectos culturales. Facebook supone un modelo de red social que se está agotando en cierto modo, su comunidad cada vez envejece más y cada vez que hay un cambio en el algoritmo, es para reducir el alcance de los contenidos que compartimos. No hay que olvidar que son multinacionales que viven de la publicidad (y de nuestros datos). Twitter creo que es la red que ha evolucionado menos, aunque sigue teniendo mucha fuerza en el sector de los medios de comunicación, y entre periodistas como canal de actualidad en tiempo real. Aún así, es una red muy nicho, en la que no está todo el mundo, como en Facebook.

«la red social que más me interesa es Instagram, aún tiene cierta vida»

«Facebook supone un modelo de red social que se está agotando en cierto modo»

– Posteriormente trabajaste para La Casa Encendida, también en Comunicación y Marketing, ¿qué nuevos retos encontraste en este centro de arte?

El reto fue pasar de una capital de provincia como León en la que todos los medios acudían a nuestras convocatorias de prensa, a la capital del país, donde competíamos con otros cientos de proyectos culturales cada día. Lo mejor que me llevo de esa etapa son lxs artistas, creadorxs, músicxs y comisarixs con los que tenía que trabajar para difundir la información, desde Patti Smith a Estrella de Diego o Daniel Johnston.

– ¿Cuáles son las principales dificultades a las que te has enfrentado profesionalmente?

En cultura siempre ha habido y hay mucha precariedad, los sueldos suelen ser bajos, los contratos temporales y los horarios prolongados. Quizás y por este motivo también, la mayoría de gestoras culturales somos mujeres, pero paradójicamente, el poder y los puestos directivos siguen estando en manos de hombres, no hay más que mirar en cualquier ciudad/institución quién toma las decisiones. Al poco de ser madre por segunda vez, me despidieron de mi trabajo por tener una reducción de jornada para cuidar de mis hijas. A continuación contrataron a un hombre. Consideraron que él nunca trabajaría menos horas, ni reduciría su salario para cuidar de sus hijos.

«La mayoría de gestoras culturales somos mujeres, pero paradójicamente, el poder y los puestos directivos siguen estando en manos de hombres»

– Realizaste la dirección de la campaña de comunicación nacional, gestión de redes sociales, página web, y búsqueda de patrocinios del Festival Miradas de Mujeres ¿cómo planteaste la comunicación de este evento?

Fue una campaña muy complicada, teníamos muy pocos recursos y el Festival era aún muy poco conocido, además de que empezaban a tener cada vez más peso las redes sociales y gestionarlas de modo profesional requirió de estrategia y mucho esfuerzo. El Festival busca visibilizar el trabajo de las mujeres artistas, siempre infrarrepresentadas en ferias, museos y colecciones de arte nacionales (el Museo del Prado sólo exhibe seis cuadros de mujeres artistas en sus salas y acaba de inaugurar su segunda exposición de dos mujeres artistas en sus 200 años de historia). Hay otra historia del arte en femenino que nunca nos han contado, una muestra es el maravilloso proyecto Tal día como Hoy de Diana Larrea o @WomanArtHouse, que visibiliza a mujeres artistas en redes sociales, o el Blog de Concha Mayordomo. Conocer a otras creadoras sería tan simple como exigir que se cumpla la ley de igualdad de 2007, que obliga a las instituciones públicas a adoptar medidas de acción positiva para la igualdad de hombres y mujeres.

«Hay otra historia del arte en femenino que nunca nos han contado»

«Conocer a otras creadoras sería tan simple como exigir que se cumpla la ley de igualdad de 2007»

– Recientemente has trabajado en comunicación y marketing de MediaLab Prado ¿qué particularidades tiene la comunicación de un centro como éste?

Es una de las instituciones culturales más interesantes de Madrid y sin embargo, su labor es muy poco conocida. Coordinar la comunicación de este espacio fue un auténtico reto. MediaLab es un espacio público en el que los usuarixs trabajan mediante talleres y convocatorias abiertas en cuestiones que les interesan como ciudadanxs: desde el medio ambiente a la movilidad, la participación ciudadana o los espacios para la infancia en las ciudades. Ha sido una etapa de mucho trabajo en la que he conocido a un equipo maravilloso que cree en un modelo de institución que creo es el futuro: aquel en el que la programación surge desde los intereses de sus usuarixs, que son los que trabajan en los proyectos, los desarrollan y los devuelven a la sociedad en forma de prototipo. Es un modelo de institución cultural abierta que triunfa en Europa y EEUU, también entre los museos, abiertos a sus comunidades.

– Has sido consultora y formadora en comunicación y marketing digital, redes sociales y blogs para organizaciones culturales y para la Universidad Oberta de Catalunya (UOC) ¿cómo te sientes como formadora y qué relación tienes con los alumnos?

Me gusta mucho la docencia porque te obliga a seguir formándote y actualizar constantemente lo que sabes. No obstante, la vida de un autónomo en este país es dura: tienes que pagar muchos impuestos, tengas ingresos o no y hay que trabajar muchas horas para ganar poco, sobre todo en cultura, donde la precariedad es intrínseca, se da por sentado que como te gusta tu trabajo, vas a ser mileurista toda tu vida. La gran ventaja de la profesional autónoma es la conciliación, que sigue siendo complicadísima en el trabajo por cuenta ajena.
En cuanto a la comunicación digital, veo que las instituciones culturales todavía no la consideran como algo relevante en sus estrategias de comunicación. A menudo se externaliza la gestión de las redes sociales y cosas tan básicas como las analíticas de la web o las redes, ni siquiera se llevan a cabo en muchas instituciones culturales. Es un gran error estratégico porque lo digital cada vez es más importante en todos los ámbitos de nuestra vida, también en nuestra manera de consumir la cultura, pero se sigue trabajando con las plataformas digitales como si fueran un mero escaparate y no como los canales de interacción o incluso cocreación que son. Para empezar a pensar en digital, las estrategias de comunicación tienen que enfocarse en lxs usuarixs, y no sólo en la institución.

«lo digital cada vez es más importante en todos los ámbitos de nuestra vida, también en nuestra manera de consumir la cultura»

«se sigue trabajando con las plataformas digitales como si fueran un mero escaparate y no como los canales de interacción o incluso cocreación que son»

– ¿Qué proyectos te gustaría desarrollar en el futuro?

Estoy creando un blog muy personal, relacionado con la maternidad desde una mirada feminista, un proyecto digital que me ilusiona mucho. Sigo colaborando con la Universidad Oberta en un Posgrado llamado Estrategia Digital para Organizaciones Culturales y me encuentro buscando empleo como profesional de la comunicación, por cuenta ajena.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Una sociedad que proteja la cultura como patrimonio que es de toda la ciudadanía. Creo en una cultura al alcance de todxs, adultxs y niñxs, gracias también a la difusión y comunicación que hacemos lxs gestores culturales. Ojalá más presupuestos para la cultura y más creadoras mostrando sus proyectos en nuestras instituciones culturales, públicas y privadas. Hay talento de sobra.

«Ojalá más presupuestos para la cultura y más creadoras mostrando sus proyectos en nuestras instituciones culturales, públicas y privadas»

 «Hay talento de sobra»

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Ende Comunicación

Clara Merín en LinkedIn

Twitter @Clara_Merin

Contacto: clara (at) endecomunicacion.com

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«Con el arte planteo preguntas»

Lina Ávila es artista visual. Siempre interesada en el arte, su paso por la Universidad para estudiar Publicidad y su posterior trabajo como diseñadora gráfica, reavivaron su interés en la creación de una obra propia y personal.

Con el collage encontró una manera de crear más libre y espontánea, expandiéndose físicamente entre la mesa y el suelo. Un momento de explosión que, como ella dice, termina en la contención de una pieza.

Su carrera que está tomando fuerza a cada paso y este año su obra ha sido seleccionada para numerosas muestras y publicaciones como Feminismos -comisariada por Natalia Alonso de la Revista ArteInformado-, Festival Mumuar, el libro Primer Párrafo -editado por Piezas Azules, Hybrid Festival o la exposición El Jardín Secreto, un trabajo en colaboración con el fotógrafo Javier Jimeno y que puede verse en la Ünnamed Gallery de Madrid.

Lina Ávila reinterpreta la realidad, reconstruyéndola a base de la combinación de fragmentos de diferentes procedencias de manera elegante e íntima. Conversamos con esta interesante artista que desprende inteligencia y sensibilidad en cada frase.

– ¿Cuándo comenzaste a desarrollar tu obra?

Siempre he sentido un especial interés por la cultura y las artes. De pequeña pintaba al óleo y al carboncillo, sin embargo, terminé abandonándolo durante mucho tiempo. Fue tras mi paso por la Universidad y con la incorporación al mundo laboral cuando este interés volvió con fuerza.

Llegué al collage alejándome de la dinámica del sector publicitario, disciplina en la que me licencié y en la que trabajo desde entonces. Aunque siempre lo he hecho dentro del departamento creativo, los proyectos están muy pautados y tienen que responder a una estrategia con un retorno alineado con los objetivos del cliente.

En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea. Esta técnica es muy accesible y eso me conquistó desde el principio. Necesitas muy poco para ponerte manos a la obra, te permite jugar con la azarosidad y la improvisación, crear a partir de otras realidades y reinventar otras narrativas.

Podría decir que la primera aproximación fue algo terapéutico y transformador. Una de las maravillosas potencialidades que tiene el arte y en la que me gustaría indagar.

«En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea»

– ¿Qué motiva cada trabajo que realizas? 

Mi punto de partida casi siempre son preguntas. Supongo que es deformación profesional. El inicio de cada trabajo es como un brief. Otras veces es como un impulso, una emoción que sucede de repente y trato de trasladar a lo visual.

Sí es cierto que existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato. Tengo muy presente el paso del tiempo. Los recuerdos forman parte de mi vida y de mi narración. Hay instantes que guardo como si fueran fotografías y conversaciones o anécdotas que rememoro como si fueran cuentos. No exagero si digo que soy la memoria colectiva de mi grupo de amigos. A veces me llaman para que les recuerde fechas o datos (risas).

«Mi punto de partida casi siempre son preguntas»

«Existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato»

Por eso, suelo trabajar con material antiguo, ya sean imágenes o muestras de papel. Ese material ya cuenta con su propia biografía y es interesante reconstruir y recontextualizar a partir de él. De ahí que por ejemplo, suela recurrir al rasgado del papel. Es como añadir una cicatriz a su historia. Como decía mi abuela, “en una vida hay muchas vidas”.

Por otro lado, me atraen los relatos. Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar. Todo lo que percibimos tiene algo que contarnos.

Partiendo de esa base, un proyecto puede estar motivado por una preocupación tan actual como las fake news, como sucede con mi proyecto “Entre líneas”, hasta por una fotografía familiar de un acto cotidiano, como mi pieza “Paseo”.

«Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar»

– ¿Cómo es tu lugar y tu momento de trabajo para crear?

En general soy bastante caótica. No puedo crear en un espacio ordenado porque no pienso de manera lineal y necesito tener estímulos a mi alrededor. Es importante para mi que los elementos estén transitando por la zona de trabajo. Además en mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras. Las abandono durante un tiempo para volver a ellas después y mirarlas con otra perspectiva.

«En mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras»

En mi mesa siempre hay mucho papel. No solo como material para la creación, sino cuadernos y hojas donde apunto desde frases a conceptos. También de manera habitual dibujo bocetos con elementos y elaboro esquemas compositivos.

Tiendo a expandirme. Lo normal es que empiece trabajando en la mesa y acabe en el suelo. La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza.

Recopilo mucho material y antes de comenzar una obra, siempre lo reviso. Hago selecciones y las combino, como si fuera un puzzle en el que las piezas tienen que encajar. Incluso teniendo una idea muy clara, puedo encontrar otra pieza que funcione mejor. Esta es la magia del collage, su azarosidad. Me fascina la posibilidad de crear a partir de pedazos de otros objetos e historias y que estos sean la base para contar otras nuevas.

Al igual que antes siempre terminaba las piezas en el ordenador y ahora voy hacia lo analógico. Del mismo modo era habitual que trabajara con música. Ahora cada vez lo hago menos. Al combinar la disciplina publicitaria con la artística, es como si los momentos de creación de esta última fueran un marco de reflexión y atención plena, una especie de meditación.

«La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza»

– Tus collage combinan fotografías antiguas con textos, aunque en tu última serie aparecen sólo textos que sacados de la prensa y tachados, conformando poemas ¿cómo está evolucionando tu obra?

Está muy condicionado por las inquietudes del momento. Estudié Ciencias de la Información, me licencié en Publicidad y Relaciones Públicas y tuve muchas asignaturas comunes a periodismo. Desde que mi paso por la universidad hasta ahora la profesión ha cambiado de manera extraordinaria. Cuando estudié el acceso a Internet era limitado, no consultabas tu mail a diario y las redes sociales no existían. Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital y eso me ha permitido vivir en los dos mundos y experimentar en primera persona todos las transformaciones que esto ha generado.

Este cambio de paradigma es algo que me ronda desde entonces. El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre? ¿es la notoriedad lo que marca el carácter informativo?. Si cualquier persona puede ser creadora de una noticia, ¿qué lugar ocupa ahora la labor periodística? Si un relato se repite ¿pasa a ser cierto? ¿es noticia solo lo que trasciende?

«Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital»

«El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre?»

Entre líneas realmente tuvo su origen en la universidad durante un trabajo de campo sobre la codificación de la información. En unas semanas tuve que leer una gran cantidad de noticias donde tenía que ir cuantificando conceptos que integraban un código informativo. Ahí desarrollé lo que llamo “lectura por capas” donde descartaba lo superfluo. Algo que he aplicado a este proyecto y que anteriormente tuvo incluso su vertiente gráfica. Fue la base para desarrollar el cartel de la obra teatral Los hijos de las nubes de Lola Blasco que fue dirigida por Julián Fuertes Reta y habla sobre la causa saharaui, donde jugaba tachando los textos de un documento clasificado.

Es un proyecto que ha tenido mucho recorrido.

Incluso aquí la reflexión sobre el paso del tiempo está presente y el uso del papel está muy estudiado. Quería utilizar un papel rústico con mucha textura y cuerpo que fuera un contrapunto a las pantallas de nuestros dispositivos.

– Hay un fuerte movimiento de artistas de collage en los últimos años, liderado especialmente por mujeres artistas ¿a qué crees que se debe esta corriente?

Afortunadamente así es. Creo que es una reacción más que pretende colocar a la mujer en el lugar que históricamente le ha sido negado. No solo dentro del arte sino de la ingeniería, la ciencia, el deporte,… donde han tenido grandes dificultades de acceso y prácticamente ningún reconocimiento.

Curiosamente el collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres. Creo que es por su relación directa con el trabajo manual y el entorno doméstico. Además no necesitas hacer una gran inversión para conseguir los recursos necesarios, con lo que lo convierte en una disciplina muy accesible. Sin embargo, si preguntas sobre alguna figura destacada los nombres que prevalecen son hombres: Juan Gris, Richard Hamilton, Max Ernst, Picasso,… Ahora estamos conociendo el trabajo de Varvara Stepánova, Genesis Breyer P-Orridge, Valentina Kulagina, Hannah Höch o Grete Stern.

La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras.

Por eso quiero hacer una mención especial al colectivo Mujeres que cortan y pegan que aglutinan y reconocen el trabajo de mujeres collagistas de todo el mundo. Gracias a su plataforma no solo están dando a conocer el talento femenino en esta área, sino que está generando una poderosa red de sororidad artística.

«El collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres»

«La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras»

– Has expuesto en lugares tan destacados como Matadero Madrid, Museo Universitario Alicantino, Galería Modus Operandi o La Casa Encendida ¿cómo te sientes cada vez que tu obra es expuesta?

Puede que te rías,… suelo pensar en mis padres. Me digo a ver si con esto ya entienden lo que hace su hija (risas).

Exponer en estos espacios es como la guinda del pastel. Ver tu obra exhibida te da una gran satisfacción. No solo por el reconocimiento que supone que tu obra sea seleccionada para una muestra, sino porque te da más alcance y esto es una oportunidad para compartir tus inquietudes y miradas con otras personas. El día de la inauguración de EAC 2019 en el MUA los artistas que exponíamos tuvimos la ocasión de conversar con las personas que fueron a ver la muestra. El diálogo que se generó ese día fue muy enriquecedor.

Del mismo modo, no lo considero el fin último. La actividad artística se justifica por sí sola en el acto mismo de su realización, de hecho durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar. Es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir.

«Durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar»

«La creación es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir»

– Recientemente tu obra fue seleccionada por la comisaria Natalia Alonso para «La Arteinformada» – sección de la Revista ArteInformado- bajo el tema «Feminismos«, donde tu obra destacó junto a otras 9 artistas, una convocatoria a la que se presentaron más de 80 participantes con un total de 400 obras ¿qué supuso para ti esta selección?

Sorpresa y alegría. Fue algo inesperado. Me pareció una bonita forma de contribuir a poner en valor la figura femenina desde el ámbito doméstico. Participé con la trilogía Memorias, que surge a partir de fotografías encontradas de la Guerra Civil donde solo aparecen mujeres en situaciones cotidianas, pero no por ello menos meritorias, que tienen lugar durante la contienda. En palabras de Virginia Wolf: «Durante millones de años las mujeres han estado sentadas en casa, y ahora las paredes mismas se hallan impregnadas de esta fuerza creadora» (…)

A partir del collage pude extraer a las otras protagonistas de la historia y, por medio de una nueva contextualización convertirlas en agentes activos, dueñas de si mismas: su tiempo, sus relaciones y sus actividades. Así el acercamiento artístico a estas imágenes, ya fotografiadas, nos revelan una nueva representación de nosotras mismas.

El poder de lo colectivo con la primera pieza Ellas, donde pongo en relevancia el grupo como verdadera “red social”, los lugares de convivencia y su capacidad creadora. Abrazo Infinito donde a través de los pares muestro la sororidad como base de las relaciones, que se caracterizan por el apoyo y la complicidad bajo una mirada optimista. Y, por último, Tiempo Infinito una propuesta más reflexiva e intimista, donde ahondo sobre la individualidad femenina y la necesidad de espacios propios donde sentirnos libres y realizadas.

Me gustó especialmente que la muestra abordara la cuestión de género desde la convivencia de disciplinas y estilos diferentes y que pudiera tener la oportunidad de profundizar a través de mi obra, en la significación cultural e histórica de lo femenino y su participación en “lo público” desde lo doméstico y cotidiano.

– Este año también presentaste tu obra en el Festival interdisciplinar Mumuar, Muestra de Mujeres Artistas ¿siguen faltando espacios para las mujeres artistas?

Siguen faltando, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello. Cada nueva iniciativa que se desarrolla es una posibilidad de cambio. También una manera de ampliar la mirada, de crear sinergias y generar relaciones de apoyo.

El trabajo de la primera Edición de MuMuAr fue ingente. Crear un festival donde pudimos participar 65 artistas en 27 eventos distintos con una continuidad de varias semanas es una labor que requiere de un compromiso y una entrega enorme por lo cual estoy muy agradecida.

Esto es un indicador que viene a decirnos que no son las artistas y las iniciativas lo que escasea, sino las oportunidades y los recursos. Es importante tomar conciencia de ello. Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista.

Me siento afortunada por haber participado en la primera edición por partida doble. Con la obra Paseo, pude conocer en primera persona a artistas de trabajan la pintura, la fotografía, la escultura,… La exposición fue un espacio de convivencia de no solo de disciplinas, sino también de trayectorias artísticas de lo más dispares. Gracias a Antifémina pude formar parte de sesión de cortos Miradas de mujer y participar en el coloquio que tuyo lugar después con la psicóloga y experta en igualdad Violeta Valera.

«Siguen faltando mujeres, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello»

«Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista»

– Participas en la publicación del libro Primer Párrafo editado por Piezas Azules, junto a otras collagistas del colectivo Mujeres que cortan y Pegan, un libro que se presentó recientemente en un acto en La Fábrica ¿cómo ha sido el desarrollo de este proyecto?

Primer Párrafo es un regalo. Es uno de los proyectos más bonitos en los que he tenido la suerte de participar y de los que guardo un precioso recuerdo. Con este proyecto pude unir dos mis pasiones: el diseño editorial y el arte.

Se creó una unión muy especial. Aunque cada una de las mujeres que formábamos parte del proyecto trabajamos en la distancia, nunca sentí que estuviéramos lejos. Además el trabajo con la editorial Piezas Azules estaba muy bien organizado por el colectivo Mujeres que cortan y pegan. Fue un gustazo. La articulación del propio proyecto fue como un collage colectivo. Cada artista contaba con un fragmento de la novela a ilustrar sin conocer el resto. Sin embargo, el resultado tiene un identidad conjunta.

El texto me conquistó desde el primer momento. Paloma Mozo Sanjuán relataba mi infancia en una ciudad de extrarradio en el Madrid de los 80. Me sentí profundamente identificada hasta el punto de que el material de trabajo con el que conté para crear los collages fueron mis propios libros escolares. Personalmente considero que la novela tiene un gran valor no solo por tratarse de un libro de memorias de ficción maravillosamente escrito, sino también porque habla de la ciudad desde el punto de vista de los barrios. Ahora que parece que la gentrificación lo invade todo, este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego,…

«Este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego»

También tuve la suerte de conocer a mujeres con iniciativas valientes. Es muy difícil sacar adelante proyectos independientes. La publicación del libro no fue fácil, pero fue posible y eso siempre es muy esperanzador. Poder tenerlo en las manos, ver cada una de las piezas del resto de artistas y leer la historia completa fue la mejor recompensa.

La presentación en La Fábrica permitió que parte del equipo con el que había trabajado los meses anteriores nos pusiéramos cara. Fue muy emocionante.

Repetiría una experiencia así sin dudarlo.

– Tu trabajo también se ha podido ver en una gran muestra de artistas de collage dentro de Hybrid Festival en la Sala Siroco de Madrid ¿cómo fue la muestra y de qué manera estás viviendo este momento en el que tu trabajo está recibiendo tanto reconocimiento?

Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente.

Cuando un jurado, un/a comisario/a o un/a gestor/a cultural selecciona tu trabajo demuestra confianza y valoración de tu obra y trayectoria. Eso siempre es de agradecer. Durante este año he tenido la ocasión de colaborar no solo en exposiciones, sino también en publicaciones y talleres, me gusta la posibilidad de que mi obra pueda traspasar los límites de una muestra y pueda ser objeto de otros ámbitos como el pedagógico, lúdico o terapéutico. El arte es una herramienta poderosa.

La exposición Madrid dentro de Festival Hybrid fue espectacular. Tuvo una buenísima acogida, no afectó la reciente vuelta de vacaciones, ni el día lluvioso, ni siquiera que coincidiera con el arranque del festival y otras actividades del mismo. El aforo se completó y hubo muchas personas que tuvieron que esperar fuera de la Sala Siroco para poder entrar o incluso, no pudieron verla. Se creó una energía muy especial. Encuentros como el de ese día son un aliciente para seguir creando. La posibilidad de que creadora, obra y espectador coexistan siempre me parece interesante. Hybrid también me ha permitido conocer otros espacios, artistas y agentes culturales más allá del centro de la ciudad. Como madrileña de periferia considero que es muy importante descentralizar la cultura.

Si echo la vista atrás, 2019 está siendo trepidante. Aún no he tenido tiempo para hacer balance de manera sosegada. Los proyectos se han ido enlazando sin pausa e incluso solapándose. Ha sido intenso y gratificante a partes iguales. Sin duda un año muy positivo.

«Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente»

– Este 8 de noviembre has inaugurado la muestra El Jardín Secreto junto a Javier Jimeno Mate en la Ünnamed Gallery ¿qué trabajo has desarrollado para esta muestra y cómo dialoga con el de Javier Jimeno Mate?

Hace unas semanas se abrieron las puertas de un nuevo espacio en Madrid, Ünnamed Gallery (C/de los Estudios, 2). Con motivo de la apertura inauguramos una exposición conjunta bajo el nombre El Jardín Secreto.

Javier me invitó a estrenar su espacio y me pareció que la mejor manera de hacerlo era a partir de su obra. Cada pieza de este trabajo forma parte de una serie de fotografías intervenidas en las que Javier aporta su mirada en imágenes a través de la fotografía, mientras que yo me aproximo con la palabra mediante el collage. Así la visión femenina y masculina se integran en estas obras a modo de poema visual para representar la corporeidad de la mujer, mediante la visibilización honesta de su sexo generando una alegoría con el mundo vegetal.

El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo. Especialmente si hablamos de sus órganos genitales al margen de contextos médicos o pornográficos. No es casual que Mithu M. Sanyal lo denomine «el sexo invisible» en su ensayo Vulva, libro que curiosamente estaba leyendo cuando Javier me mostró sus fotografías. Nuestra propuesta surge de esta premisa y se asienta, desde una delicada sencillez, en articular tres ejes cuerpo-mujer-naturaleza, sobre la afirmación de que la belleza reside en la diversidad.

«El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo»

Trabajamos con la dualidad como punto de partida, dos lenguajes plásticos, dos miradas, siendo esta facilitadora del diálogo y encuentro, rompiendo estereotipos y originando espacios de libertad.

En palabras de Natachee Scott Momaday, escritora estadounidense de origen cherokee y Premio Pulitzer de ficción en 1969, “Somos nuestras representaciones. (…). Nuestra misma existencia consiste en las imágenes que nos hacemos de nosotros(a)s mismo(a)s (…). Lo peor que puede sucedernos es que no haya reprentaciones de nosotr(a)s”

Sea este jardín nuestra particular manera de recrear y representar la identidad del cuerpo y sexo de la mujer por medio de la visualización de un órgano exhibido, pero ocultado, tan deseado como censurado.

– Eres Licenciada en Publicidad y de profesión Diseñadora Gráfica desde hace veinte años ¿de qué manera tu trabajo en esta área ha influenciado tu manera de crear collages? ¿o quizás es a la inversa?

Ambas disciplinas se complementan. El diseño es más metódico y ordenado porque, aunque comparte propósitos estéticos con el arte, tiene una finalidad práctica. Al compartir ambas un proceso de creación visual se nutren. Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural. Empaparte permanentemente de los códigos cinematográficos, la fotográficos, pictóricos,… pienso que forma parte de la responsabilidad profesional educar tu ojo y no acomodarte. Ver pelis, series, leer, escuchar música, ir a expos, al teatro,… En definitiva, observar. Si eres un alma inquieta con una necesidad de aprendizaje constante esto es un estímulo.

«Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural»

Arte y diseño se alimentan. Si nos centramos en el collage, no es raro encontrar artistas que desempeñan a su vez una carrera dentro del campo del diseño gráfico. Sus diferentes técnicas, analógico, digital, mix media, incluso audiovisual, y su esencia a través de la integración de diferentes elementos, imágenes, textos, tramas, color,… lo convierte en una herramienta fantástica para diseñar, desde una portada para un disco, pasando por un libro, revista,… cartel. Es un recurso inagotable gracias a su versatilidad. Yo misma lo he aplicado al diseño editorial, cartelería, diseño web, branding,… mis primeros collages, por ejemplo, ilustraban poemas para la revista EHDECP (Es hora de embriagarse con poesía), desgraciadamente desaparecida.

El grafismo me empujó al collage. Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas.

«Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas»

– ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Arranco el año con una muestra colectiva en el centro de Madrid, de la que todavía no puedo desvelar más detalles.

Por otro lado me gustaría ahondar en la técnica mixta. Es un camino que empecé a transitar hace dos años y que me dio muchas alegrías. Gracias a ella, volví el óleo, experimenté con el acrílico y perdí el miedo a los grandes formatos. Ponerme delante de un lienzo es todo un reto que me obliga a salir de mi zona de confort.

También siento que tengo una asignatura pendiente: la arte terapia, en la cual me gustaría profundizar. Cuando creas con las manos dicen que trabajas los dos hemisferios del cerebro a la vez. Esto te proporciona equilibrio y te hace estar presente en una comunicación contigo misma y con los materiales. Si atendemos a la sociedad en la que vivimos, donde todo sucede muy rápido, construir un marco facilitador de esa comunicación y poner el foco en el proceso más que en el resultado, me parece un acto casi revolucionario. Los procesos artísticos son reveladores y la pieza final dice mucho sobre la persona que la crea. El tiempo que pasas trabajando en una obra es sanador.

Al hilo de esto, a partir del próximo año quiero impartir más cursos y formaciones. Me interesa mucho la actividad artística educativa. También recibo mucho en esos encuentros.

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.

Me gustaría afianzar todo lo construido durante este año y seguir explorando los distintos senderos que facilita el arte: participar en muestras y publicaciones, realizar proyectos conjuntos con otros artistas, talleres, charlas,…

¿He dicho que soy una alma inquieta? (risas).

«Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Tener mi propio taller con mucho espacio para expandirme y perder la noción del tiempo trabajando en él. Lo imagino con mucha luz natural y plantas. Me gustaría que no fuera solamente un espacio de creación, sino también de reunión, donde organizar actividades y talleres.

Desearía tener más tiempo dedicado a la creación artística. El diseño me permite compatibilizarlo, aún así me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo y, en el caso de desarrollar proyectos de diseño, que fueran trabajos concretos donde la parte visual estuviera muy cuidada. Como decía antes, el diseño editorial es un buen ejemplo en el que querría insistir. No es sólo diseñar una portada, también cuenta la selección del papel, la encuadernación, la maquetación,… Me interesa mucho el diseño aplicado a la cultura.

Y puesta a desear poder tele transportarme. Paso mucho tiempo en el cercanías y en el metro. Aunque soy defensora de este medio de transporte, sufro sus retrasos.

«Me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo»

Más información

Lina Ávila – Collage Republic – Instagram – LinkedIn – Vimeo – YouTube – ArteInformado

El Jardín Secreto

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