«Del arte nos apasiona la capacidad que tiene de unir a tantísimas personas»

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Carla Lariot, art advisor e historiadora del arte y Luca Sandigliano, arquitecto, son los fundadores de Lariot Collective, galería de arte con base en Londres y de recorrido internacional. Nacida en plena pandemia, se enfrentó con creatividad e inteligencia a todos los inconvenientes de ese momento. Después de tres años ha conseguido hacerse un hueco en la escena internacional del arte contemporáneo con un modelo de galería ecológicamente sostenible y en constante transformación, siempre buscando adaptarse a las necesidades del mercado y las tendencias.

Una galería que crea comunidad en torno a sus artistas y que tiene la capacidad de atraer nuevos coleccionistas y también a aquellos más experimentados, acogiendo a todos con un trato personal y cercano.

Conversamos con sus fundadores para conocer en profundidad el alma de su empresa.

– Sois una española y un italiano residiendo en Londres desde hace más de siete años ¿cómo os conocisteis y en qué momento decidisteis crear la galería Lariot Collective?

Nos conocimos en Londres en Febrero del 2020, en ese momento Luca trabajaba en Foster & Partners como Bim & Design System Coordinator y Carla como art advisor y especialista en arte emergente para la Cingilli Collection. Entre nosotros siempre hablamos de que nuestros sueños eran tener una galería (Carla) y montar una empresa (Luca). Al llegar la pandemia, en octubre de 2020 Carla perdió su trabajo, y allí vimos claro que era el mejor momento para arriesgar y crear Lariot Collective. Fue una apuesta de ambos en un momento muy complejo para todos, todo un reto en pleno confinamiento. Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad y donde surgen los mejores proyectos. Es fundamental recordar que una recesión es también un catalizador de innovación y oportunidades.

«Los dos creemos que los momentos más difíciles en la historia son aquellos que generan mayor creatividad»

– ¿Qué relación tenéis con el arte y la cultura? ¿qué es lo que más os apasiona?

– Carla: He tenido la inmensa suerte de crecer en una familia que desde muy pequeñita me han inculcado el amor por el arte y la cultura. Mi abuela era pintora, mi padre (semiólogo) fue durante 6 años el director de la Academia de Bellas Artes en Roma y crecí jugando en los estudios de los artistas. Mi madre (socióloga) siempre ha estado muy relacionada con el mundo de la cultura. Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello, es el campo en el que más cómoda me siento y en el que más he disfrutado. Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas.

«Ha sido muy natural que decidiera estudiar historia del arte y que acabara dedicándome a ello»

«Lo que más me apasiona del mundo del arte es la fuerza de atracción que ejerce y la capacidad que tiene de unirnos a tantísimas personas»

– Luca: Mi proceso ha sido muy gradual y orgánico. Al haber nacido en un pueblo pequeño, enseguida tuve la curiosidad y las ganas de liberarme de una realidad relativamente restringida, lo que me permitió estar expuesto a diferentes lugares, personas, ambientes e inputs distintos a lo largo de los años y poco a poco fui construyendo mi bagaje cultural.

Sin duda, haber estudiado arquitectura jugó un papel fundamental, ya que es una disciplina muy flexible que te abre la mente a 360 grados, gracias a lo cual he cultivado todo tipo de contactos y amistades. Un arquitecto puede convertirse fácilmente en escritor, cineasta, diseñador de moda, fotógrafo o artista. Siempre me ha fascinado la conexión entre arte y arquitectura. Contenido y contenedor, técnica e imaginación, luz y sombra.

Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo, la descripción parcial y la libertad mental que necesariamente se desata, esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso.

«Me interesa la voluntad del arte de hacerte imaginar algo»

«esta libertad no se permite en todas las disciplinas y es un aspecto muy valioso»

– ¿Qué os aporta Londres y por qué la galería nació en esta ciudad?

Es la ciudad que a ambos nos ha lanzado profesionalmente, los dos vivíamos ya aquí desde hacía varios años y Londres siempre ha sido un grandísimo epicentro de arte y centro de negocios. El panorama artístico aquí sigue siendo inigualable, una eclosión de artistas y galerías que son una gran inspiración. Siempre hemos pensado que si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad, aquí la competencia es altísima.

 «si una pequeña empresa es capaz de salir adelante y funcionar en una ciudad como Londres, puede salir adelante en cualquier ciudad»

– ¿Qué tareas realiza cada uno en la galería y de qué manera os complementáis?

Lo cierto es que nos complementamos muy bien, el hecho de que vengamos de campos distintos es clave: Carla lleva más de 10 años de experiencia en el sector y con experiencias profesionales tanto en galerías, instituciones y bienales como en el mercado del arte y por tanto es quien tiene el know-how; sin embargo, Luca que viene del mundo de la arquitectura y con experiencia en gestión de grupos y management, es quien aporta las ideas más rompedoras, ve más allá de cualquier modelo clásico y eso es clave.

Los dos estamos en todos los procesos de toma de decisiones, pero quizás Carla es quien lleva más la parte de relaciones (tanto con los artistas como con los clientes), ventas y la parte más especializada y Luca es quien lleva toda la parte de diseño y organización. Lariot Collective es la combinación de los dos.

– Carla, has trabajado para numerosas instituciones públicas y privadas del mundo del arte tanto en Reino Unido, como Italia y España, entre las que destacan la Bienal de Venecia, Sabrina Amrani Galería de Arte, Peggy Guggenheim Collection, Frieze, Victoria & Albert Museum o Red Valentino entre otras, además de trabajar como art advisor para coleccionistas ¿cuáles son las experiencias que más te han aportado personal y profesionalmente?

A lo largo de mi carrera profesional y académica he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte y no centrarme únicamente en un sector sino tener una experiencia amplia para conocer esta industria desde distintos puntos de vista.

Creo que de todas las experiencias profesionales que he tenido, las que más me han enseñado han sido mi paso por la Peggy Guggenheim Collection, es allí donde entendí que el mundo del arte era mi pasión; mi paso por Sabrina Amrani durante sus primeros años de galería y con la que aprendí muchísimo además de ser un gran ejemplo para mí como galerista; el honor de haber asistido a Okwi Enwezor en la Bienal de Venecia y haber podido trabajar mano a mano con todo el equipo que está detrás del coloso de la bienal; y por último ha sido clave haber trabajado con Kemal Has Cingillioglu en la Cingilli Collection como asesora de arte, gracias a él he aprendido todo lo que sé sobre mercado de arte.

En todas estas experiencias he crecido mucho no sólo profesionalmente sino personalmente.

«he intentado siempre posicionarme internacionalmente y tener experiencia en distintos campos dentro del mundo del arte»

«En todas estas experiencias he crecido mucho no solo profesionalmente sino personalmente»

– Luca, eres arquitecto de profesión para una gran firma en Londres, pero has llegado al mundo del arte contemporáneo ¿relacionas de algún modo ambos mundos a través de la galería?

Toda mi vida profesional ha orbitado siempre en torno al proyecto: ya sea el diseño de un masterplan con Foster + Partners o la dirección de la construcción de un edificio con el grupo MACE.

El proyecto define un deseo, una idea que toma forma, un objetivo preciso, un calendario, un nivel de desarrollo en función de la disponibilidad de recursos que se tiene, es un equilibrio delicado.

El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo.

Creo que el diseño, no necesariamente el diseño arquitectónico, identifica muy claramente el punto de conexión entre arte y arquitectura.

En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida una y otra vez, donde nos equivocamos, aprendemos y mejoramos.

«El proyecto genera debate y al mismo tiempo genera desarrollo»

«En la galería vivimos y nos alimentamos de proyectos, son el motor que hace avanzar nuestro calendario y nos permite crear una infraestructura cada vez más sólida»

– ¿Cómo es el funcionamiento habitual de la galería y qué estrategia estáis desarrollando?

Lariot Collective organiza 4 exposiciones al año y participa en ferias, trabajamos muy directamente con nuestros artistas y nuestros clientes y estamos buscando siempre nuevas estrategias, nuevos espacios y nuevos proyectos expositivos. En estos años hemos entendido que el modelo clásico de galería no siempre es sostenible y estamos trabajando para seguir nuevos modelos de galerías que llevan una estrategia más tentacular, con proyectos que van más allá de las exposiciones y que creemos que son modelos alternativos al clásico, con un concepto que une el modelo clásico de galería con un modelo más cercano al de las agencias y consultorías.

En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado, a trabajar mano a mano con una red de art advisors que nos apoyan en las ventas internacionales y buscar partnerships con otras industrias. Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio.

«En este último año estamos aprendiendo a tener una visión fuerte de negocio, estamos empezando a buscar inversores y a desarrollar estrategias de mercado»

«Estamos trabajando entre Londres y Madrid para seguir estando dentro de la Unión Europea a nivel de negocio»

– En estos años habéis ido definiendo el estilo de arte que os interesa ¿cómo lo describiríais y qué os diferencia de otras galerías?

Hemos necesitado un tiempo para descubrir cuál es nuestro estilo como galería, al principio pensamos que teníamos que tener varios y ponerlos a prueba en el mercado, pero de un modo muy orgánico hemos entendido cuál es nuestro estilo: trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual. Nos gusta que haya un storytelling, pero lo que más nos gusta es presentar obras que tengan mucha técnica, que estéticamente nos gusten mucho, pero que te confronten con una realidad compleja. Como espectadores nos gusta que una obra deje huella: no solo técnica y estéticamente sino porque el mensaje que hay detrás es claro y enérgico.

Como galería empezamos focalizándonos en artistas emergentes y jóvenes, pero ahora estamos trabajando también con artistas ya establecidos.

«trabajamos principalmente con pintura, en concreto figurativa, con un estilo fuerte y potente pero que al mismo tiempo es muy conceptual»

– ¿Qué os diferencia de otras galerías?

Lariot Collective tiene un filosofía detrás sobre quienes somos, cómo queremos que sea el negocio y qué queremos hacer, y esto cambia nuestra forma de ver a los artistas porque la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas, que compartan la misma pasión que nosotros, ya sean coleccionistas, instituciones, marcas, revistas, editores, museos; todos compartimos la misma motivación por contar historias sobre aquellos que nos inspiran. La narrativa que eliges contar es muy importante, tiene que ser una narrativa que quieres que se escuche. Si no creemos en la historia, no la impulsaremos. Somos auténticos y eso es lo que hace que nuestro negocio sea eficaz a largo plazo.

Nos hemos dado cuenta de que hay ideas y modelos de galería muy tradicionales en el sector del arte. Nosotros intentamos deconstruir y reformular el modo en que funcionan muchas cosas en este momento en este sector y entender mejor el funcionamiento del mercado del arte para poder adaptar nuevos modelos. Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar. Al mundo del arte le cuesta adaptarse, cambiémoslo con reflexión y proactividad.

«la galería nace con la idea de un colectivo, es decir, de construir y compartir una comunidad de personas en torno a nuestros artistas»

«Estamos en un mercado muy tradicional y nuestra galería quiere gente que desafíe su forma de pensar»

– Lariot Collective ha nacido con una vocación internacional ¿en qué aspectos se refleja?

Londres es un gran centro de negocios, de startups, de think tankers muy inspiradores. En el mundo del arte somos miles y miles de galerías y para tener éxito en una industria es crucial saber qué está ocurriendo, qué se está haciendo. Hay tanto movimiento que uno siente que está siempre estudiando y analizando.

Nosotros ahora mismo estamos siendo un puente entre España, Italia y UK, estamos exponiendo artistas españoles en Reino Unido, artistas internacionales con base en Londres en España por primera vez y trayendo artistas italianos aquí.

Buscamos residencias en otros países para que nuestros artistas puedan abrirse paso internacionalmente en otros mercados.

– Vuestros clientes son coleccionistas habituales pero también tenéis nuevos compradores que acaban convirtiéndose en coleccionistas ¿cómo conseguís crear este interés en el mundo del arte y qué particularidades tiene la experiencia de compra en la galería?

Creemos que el arte debería ser accesible a todos y trabajamos para que la experiencia de aquellos que quieren conocer de cerca Lariot Collective sea lo más cercana posible y que puedan sentir que ellos también son parte de nuestro colectivo.

Nuestra casa es un espacio de trabajo y funciona también muchas veces como showroom y espacio en el que organizamos copas y cenas con nuestros coleccionistas y gente interesada en nuestros artistas.

Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana. Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista, hay un cierto appealing en conocer el pequeño caos de obras que hay en ellas, y abrir una casa es un acto también de enseñar una parte muy personal que no todo el mundo está dispuesto a enseñar.

«Hoy en día cualquiera puede estar invitado al opening de una galería, pero nosotros damos un paso más abriendo también las puertas de nuestra casa para que haya una experiencia más personal y cercana»

«Desde muy jovencita he estado fascinada con la idea de la casa del galerista»

Nos hemos dado cuenta de que hay mucho desconocimiento aún sobre el mundo del mercado del arte y hay un porcentaje muy alto de personas que son amantes del arte pero no dan el paso a comprar simplemente porque piensan que no pueden acceder a ello, o porque no saben exactamente cuál es su estilo o piensan que no tienen el budget; suelen ser personas que están muy familiarizados con la inversión de fondos pero no con la inversión en arte.

Nosotros intentamos romper todas esas barreras, asesoramos en mercado de arte, ayudamos a establecer budgets, no queremos que la compra sea sólo una transacción sino que sea la experiencia más cercana posible y para ello entregamos siempre que podemos las obras en persona y abrimos nuestras puertas. Creemos en las sinergias que se van creando, es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto.

Hoy en día nos hemos acostumbrado a tener todo a través de un click, nosotros apostamos por las relaciones interpersonales, en las experiencias y Lariot Collective no somos sólo los que trabajamos detrás de la galería y nuestros artistas, sino todos aquellos que están interesados en nuestro proyecto y nos van siguiendo. En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo.

«Es muy importante mantener el contacto con las personas no sólo que han pasado a ser coleccionistas nuestros, sino a todos aquellos que muestran interés en nuestro proyecto»

«En una sociedad en la que cada vez es todo más impersonal es importante sentir que formas parte algo»

– Tenéis muy en cuenta el impacto ecológico y la huella de carbono al ser una galería itinerante ¿cómo gestionáis este aspecto en el día a día?

Sí, para nosotros es crucial y está en nuestro ADN, nuestro modelo de galería pop-up implica flexibilidad, innovación y reducción de emisiones, la clave para un modelo sostenible.

Este modelo nos permite expandirnos nacional e internacionalmente, probar ciudades y barrios cambiando así el modelo estático de galería. Es una forma fácil de atraer nuevos visitantes, evitando un alquiler a largo plazo. Este modelo ofrece flexibilidad, reducción de gastos e ingresos adicionales.

Por otro lado nosotros desde el principio formamos parte de The Gallery Climate Coalition para combatir la huella de carbono junto con otras galerías internacionales.

En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado: salvo que sea imprescindible (por ejemplo envíos a USA, Asia etc), evitamos enviar obra por aire y el envío de cajas a medida de madera: esas cajas no van a tener una segunda vida, no son sostenibles, y por tanto, buscamos alternativas al envío tradicional del arte. Si tenemos que mandar obras, por ejemplo Madrid-Londres o Londres-París trabajamos con empresas de mudanzas que cuando tienen una mudanza programada nos dan el ok y nosotros solo usamos un pequeño espacio para transportar las obras y aprovechamos su ruta manteniendo en todo momento un alto grado de seguridad para la pieza y su seguimiento. Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono.

«En el plano logístico de la galería hemos hecho muchos cambios y cada movimiento está muy pensado»

«Cada pequeño gesto ayuda a reducir la huella de carbono»

– ¿Qué balance hacéis de estos tres años de trayectoria?

Tres años muy felices, de mucho trabajo y crecimiento personal y profesional. Tres años llenos de retos, de conexiones y sobre todo de crecer de la mano de nuestros artistas. Estamos muy orgullosos de haber sacado una galería adelante en un momento tan complicado.

Ahora en este tercer año estamos pasando a una fase de consolidación, madurez de negocio, de aprender lo que funciona y lo que no y de activar el modelo tentacular del que hablábamos antes. Creo que es muy importante como empresa saber parar para analizar con distancia aquello que tiene que cambiar y saber tener una guía de ruta, estar preparado para enfrentarse a nuevos retos y a ir adecuando la empresa a las necesidades del momento. Diría que en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios y esto es algo que nunca te enseñan en historia del arte ni en arquitectura!

«en estos tres años hemos aprendido no solo a ser galeristas sino a ser empresarios»

– ¿Cómo os sentís cuando vendéis obras que os gustan especialmente?

Por un lado sientes una enorme ilusión de ver que la pieza ha encontrado al coleccionista o colección / museo adecuado, pero al mismo tiempo te da mucha pena alejarte de ella. Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena. Es parte de nuestro trabajo. Es muy bonito cuando vuelves a verlas en las casas de los coleccionistas o incluso en colecciones privadas y museos.

Hay una parte romántica de no saber si volverás a verlas o no.

«Durante el tiempo que vives con la obra hasta que la vendes sientes que posees parte del aura de esa obra, pasa a ser parte de ti y despedirse siempre da pena»

– ¿Cuáles son los próximos eventos de Lariot Collective?

Ahora en junio acabamos de presentar en Londres un dúo show con obras de Ernesto Crespo y Filippo Fanciotti y en el que por primera vez hemos tenido una colaboración con Bag, un proyecto de arte sonoro, ellos tocaron durante el opening.

En septiembre haremos un dúo show con dos artistas españoles en Londres: Santiago Talavera y José Luis Serzo.

Y en otoño/invierno haremos una exposición con Diana Zrnic en Londres y un solo Show en Madrid con Ernesto Crespo.

– ¿A qué dedicáis vuestro tiempo cuando no estáis trabajando?

Carla: Tenemos la suerte los dos de que la galería es nuestra pasión, y esto implica que la mayor parte de nuestro tiempo se lo dedicamos a Lariot Collective, a preparar proyectos, a eventos, etc pero, cuando no estamos trabajando visitamos exposiciones (defecto de profesión!), nos encanta pasear por los parques de Londres: Luca siempre busca espacios verdes en los que hacer detox de la ciudad, nos gusta hacer yoga y leer y a mí me gusta de vez en cuando descubrir chollos en tiendas de ropa de segunda mano.

– Un deseo que os gustaría se hiciera realidad

Si lo decimos no se cumple! Pero…quizás diríamos no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )

«no perder nunca el sentido del humor, es clave para todo en esta vida ; )»

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La entrada Carla Lariot y Luca Sandigliano – Lariot Collective – Galería de Arte se publicó primero en YANMAG.

«El arte es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros»

Charo Crego es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, ensayista y crítica de arte. Ha impartido conferencias en instituciones como Museo Thyssen-Bornemisza, Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes entre muchas otras. Ha publicado cinco ensayos sobre estética en Abada Editores: Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura (2004), Perversa y utópica. La muñeca, el maniquí y el robot en el arte (2007), Lo que no te conté de Francis Bacon (2015), De Stijl. El espejo del orden (2020) y recientemente Dentro. La intimidad en el arte (2023) que presentará estas semanas en Madrid.

Conversamos con la autora que nos descubre a través de sus investigaciones una manera profunda y diferente de mirar el arte.

– Eres licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma ¿por qué dentro de la filosofía te decantaste por los estudios de estética y por qué el arte es importante para ti? 

Cuando empecé a estudiar en la Universidad me interesaba tanto el arte como la filosofía, por eso, fue algo natural que me inclinara hacia la estética, pues en esa disciplina se conciliaban perfectamente ambos intereses. Además, gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda.
El arte no es solo un cuadro o una escultura, una instalación o una performance, un vídeo o una sinfonía. El arte es algo más que esos objetos físicos. Es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros. Sea cual sea su forma concreta, el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes.

«gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda»

«el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes»

– Has vivido en diferentes ciudades como París, Ámsterdam y Bruselas, y actualmente alternas estancias entre Bruselas y Madrid ¿qué representa cada ciudad en cada momento de tu vida y cómo han influido en tu obra y en tus investigaciones? 

Llegué a París en 1978, una vez acabada la Universidad en Madrid. El Gobierno francés me había concedido una beca para hacer el doctorado. París fue para mí una iluminación. Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra. Viví un París resplandeciente. No notaba ni la lluvia ni los días grises ni el frío, para mí todo brillaba. Después, en todas mis visitas posteriores a París, nunca he vuelto a tener esa sensación. Descubrí un mundo en el que se me abrían las puertas y todo parecía posible. Aunque es muy probable que todo eso fuera una ilusión, aprendí mucho en París, viví experiencias muy ricas, divertidas, novedosas. No hice el doctorado, pero me hice, sin saber cómo, mucho más sabia, más madura, diríamos.

«París fue para mí una iluminación»

«Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra»

A Ámsterdam llegué tres años después de París. Primero recalé dos años en Madrid y un año en Jerez de la Frontera donde di clases de filosofía en un instituto. Mi marido es holandés, así que después de tres años en España decidimos probar suerte en Holanda. La experiencia de Ámsterdam fue mucho más dura que la de París. Yo ya no era una estudiante, sino una profesional que tenía que ganarme la vida y buscar trabajo. Y antes de nada, tenía que aprender neerlandés, un aprendizaje que en algunos momentos se me hizo cuesta arriba. La ventaja fue que tenía mucho tiempo, así que me dediqué a hacer, lo que no había hecho en París, la tesis doctoral. Como estaba en Ámsterdam, elegí centrarla en el grupo holandés De Stijl.
Después, en 1986, fui a vivir a Bruselas, pues había sacado unas oposiciones de traductora en las instituciones de la Unión Europea. Mi situación profesional cambió radicalmente. Tenía un trabajo fijo y bien remunerado. Todo fue mucho más fácil. Pero, lo importante fue que el trabajo profesional no me impidió seguir con mis estudios. En 1991, presenté la tesis y después continúe investigando y publicando.

– En tu libro De Stijl. El espejo del orden haces un estudio detallado del grupo de artistas holandeses que formaron la revista De Stijl, entre los que se encontraba Mondrian ¿qué te interesaba de ese movimiento?

Este libro recoge mi tesis, aunque la adapté para que fuera accesible a un público general. Desde un punto de vista estético, el grupo neoplástico era muy interesante. Yo estaba convencida de que Mondrian no había pintado esos cuadros de líneas y colores porque le gustaran las línea y colores, sino porque de esa forma quería decir algo. Las lecturas formalistas no sirven para entender a Mondrian. Desde el primer momento yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios. Contaba para ello con los escritos de Mondrian y de los demás miembros del Grupo. Los estudié e intenté dilucidar a través de ellos lo que había detrás de esas producciones artísticas. Y concluí que ahí había mucha filosofía, mucho idealismo y mucha utopía, que con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo.

«yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios»

«con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo»

– En tu obra Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura ahondas en una línea que pasa por El Bosco, Goya, Munch, Picasso, Bacon, De Kooning o Nebreda ¿por qué consideras en este libro que estos artistas son los heterodoxos de la historia de la representación del rostro?

En la historia de la representación del rostro hay dos líneas y eso es lo que trato de sostener en este texto. En él intento hacer una geografía del rostro, con su topografía, orografía, etc. Al estudiar el rostro me di cuenta de que hay dos «accidentes geográficos» fundamentales: la boca y los ojos. Si nos centramos en la primera o en los segundos, la representación cambia radicalmente. Esas son las dos líneas. La representación que se centra en la boca, como la que vemos en algunas tablas medievales o en El Bosco apela a una concepción del hombre instintiva e irracional, mientras que la que se centra en los ojos, como los retratos de Van Eyck o de Velázquez, incide en una imagen del hombre racional. La línea que va por el Bosco, Goya, Munch, Bacon o Nebreda es la línea que se centra en la boca y que ha sido relegada en la historia. A partir del siglo XX la boca vuelve a adquirir importancia, aunque ahora ya no es el órgano deglutidor medieval, sino la fuente del grito, del malestar y de la locura. Es cierto que en la historia del arte ha dominado la representación centrada en los ojos y en la confianza del hombre en su dominio el mundo, pero la otra línea siempre ha estado ahí, aunque cueste más descubrirla.

«La representación que se centra en la boca (…) apela a una concepción del hombre instintiva e irracional»

«la que se centra en los ojos (…) incide en una imagen del hombre racional»

– Perversa y utópica es una obra en la que investigas sobre la muñeca, el maniquí y el robot ¿por qué se te ocurrió abordar este tema?

Al estudiar la pintura y la escultura de principios del siglo XX en Europa, me di cuenta de que en ellas aparecía un nuevo personaje, una figura que se situaba entre los hombres y los objetos, tomando a veces la forma de un maniquí o de una muñeca y otras la de un robot o un autómata. Me pareció un tema muy intrigante, por eso se me ocurrió que valía la pena dedicarle un libro. La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta. Son sus dobles: representan, por una parte, el lado monstruoso, la cara oscura, sombría y perversa del hombre; pero, por otra, señalan la vía de la utopía, clara, limpia y perfecta. Artistas como Hans Bellmer, Kokoschka o Cindy Sherman recogen ese lado oscuro, mientras que Schlemmer, Léger o Robert Graham se situarían con sus autómatas en la representación del hombre rígido, mecánico, ajeno a las pasiones.

«La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta»

– Uno de tus libros más conocidos es Lo que no te conté de Francis Bacon, una recopilación de cartas que escribiste a tu hija Clara en torno al arte ¿cuándo surgió la idea y qué acogida tuvo entre tus lectores?

Este es mi libro más personal. La idea surgió de una forma muy espontánea. Con dieciocho años, Clara se fue a estudiar fuera de casa, a Lovaina. Para mantener una relación que no fuera la típica de madre-hija, pensé «le voy a mandar correos sobre temas de arte», sobre las cosas que a mí siempre me habían interesado, pero que durante su infancia y primera juventud no le había contado para no atosigarla. Así empecé a escribirle correos sobre temas relacionados con arte: sobre una exposición que había visitado o un libro que había leído o una excursión a algún lugar interesante. No tenía en mente escribir un libro. En un primer momento era estrictamente personal. El título: Lo que no te conté de Francis Bacon remite a una anécdota divertida. Cuando en 2009 fuimos a ver juntas la exposición de Francis Bacon en el Prado, Clara se mostró totalmente escandalizada. Durante la visita, me preguntaba insistentemente qué hacíamos allí, cómo me podían gustar esos cuadros que a ella le parecían horrorosos. Entonces no le expliqué nada. Pensé que darle una clase de estética sobre lo sublime y la belleza no le iba a interesar. Ahora, sin embargo, podía, por fin, explicarle por qué mirábamos con interés esas pinturas, por qué Francis Bacon era un pintor que merecía la pena.

Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena. El hecho de que fueran capítulos cortos —no olvidemos que son correos—, me permitió tratar temas muy variados, como, por ejemplo, la arquitectura de Nueva York, la falsificación o la destrucción del arte, el color azul o el mercado del arte, y un largo etcétera. El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor. Mucha gente se sintió muy cerca de este planteamiento y, según me dijeron, disfrutaron mucho leyéndolo.

«Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena»

«El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor»

Clara, hija de Charo Crego, habla en este vídeo sobre las cartas que le envió su madre, las obras y lugares de los que trata en el libro y su creación

– Después de todos estos años de investigación ¿qué te gustaría que los lectores descubrieran sobre el arte a través de tus libros y publicaciones?

Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte. Cuando miras un cuadro en un museo es fundamental saber de qué trata, quién lo pintó, en qué contexto fue pintado, por qué vicisitudes pasó, qué materiales ha utilizado el pintor y de qué forma, etc. Pero todo eso, no significa nada, si al mismo tiempo ese cuadro no te emociona, no te hace vibrar y ver el mundo de otra manera. Es muy difícil describir esta sensación, pero yo creo que es básica en nuestra relación con el arte. Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos.

«Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte»

«Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos»

– Acabas de publicar Dentro. La intimidad en el arte, un libro sobre la representación de los interiores en el arte ¿cómo has profundizado en este aspecto y en qué autores te has centrado?

Los cuadros de interiores me interesan desde hace mucho, quizá se deba a mi relación con Holanda y el arte holandés. Pero no solo me atrae la belleza de esos interiores de Vermeer o De Hooch, sino también el ambiente de calidez que saben crear. Son interiores íntimos. Así surgió mi interés por la noción de intimidad y por estudiar cómo se había desarrollado este sentimiento a través de la historia. Tras los holandeses, el artista danés Hammershøi creó unos interiores perfectos, elegantes, bellísimos, paro ya no eran los espacios cálidos de los holandeses, sino fríos y sin color. Los interiores del suizo Vallotton, sin embargo, son muy calientes. Él no cierra las puertas de sus habitaciones para proteger a sus habitantes, sino para que no se vea lo que ocurre dentro. Son interiores secretos. El americano Edward Hopper ha creado los nuevos interiores del siglo XX. Los interiores de los no lugares: habitaciones de hotel, cafeterías o compartimentos de tren, muy lejanos del interior doméstico. Más tarde los surrealistas recrearon el interior onírico, en el que todo, las paredes, los suelos o los muebles, se disloca.

En la casa hay dos lugares en donde se condensa la intimidad: el cuarto de baño y el dormitorio. A estos dos lugares he dedicado sendos capítulos. He estudiado el cuarto de baño de la mano de Degas y Bonnard en el momento en que se pasó de la palangana a la bañera y se cerraron las puertas de esta estancia. Al dormitorio y, en particular, a la cama le he dedicado el último capítulo con artistas como Sophie Calle, González-Torres, Carsten Höller o Tracey Emin. La cama que era el lugar más escondido e íntimo de la casa se ha convertido en un asunto público, iluminado por los focos del espectáculo. Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo.

«Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

¡A quién no le gustaría vivir en el paraíso! Yo me conformaría con que nuestra relación con el planeta fuera más respetuosa, que consiguiéramos atenuar y combatir el cambio climático. Desearía que las relaciones con nuestros congéneres fueran también más respetuosas, que mantuviéramos relaciones pacíficas y humanitarias entre nosotros y que lográramos construir un mundo más igualitario. Hay que combatir la desigualdad. Es un escándalo que en este siglo XXI haya trabajadores pobres.

Pero, bajando a la tierra, me gustaría algo mucho más modesto, por ejemplo, que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte.

«me gustaría que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte»

Más información

Presentación de Dentro. La intimidad en el arte

Jueves 25 de mayo, 19.00 h

Librería La Mistral

C/ Travesía del Arenal nº2, Madrid

con la participación de

Javier Maderuelo, Beatriz Blasco, Lucía Jalón y Fernando Guerrero

Firma de ejemplares en la Feria del Libro

Parque del Retiro (Paseo de Coches) Madrid

Domingo 28 de 10.30 a 15.00, caseta 278

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La entrada Charo Crego – Ensayista se publicó primero en YANMAG.

 «La crisis del Covid-19 nos ha permitido explorar opciones que nunca antes habíamos contemplado»

Elena González y Silvia Royo son gestoras culturales y trabajan en el Espacio Fundación Telefónica desde hace veinte años. Su sólida trayectoria organizando todo tipo de eventos culturales, tecnológicos y científicos, las ha convertido en profesionales de referencia en el sector.

Elena es jefa de programación y publicaciones donde se ocupa de la gestión de los contenidos con especial atención a la tecnología, la comunicación y nuevos medios, tanto en los encuentros del auditorio como en los proyectos editoriales y los podcasts de Fundación Teléfonica.

Silvia es coordinadora de contenidos y ha coordinado numerosos encuentros, trabajando con ponentes nacionales e internacionales, incluyendo ganadores del Premio Nobel, premios Princesa de Asturias, premios Oscar o premios Pulitzer. Además, actualmente coordina los ciclos Tech & Society, Espacio Madresfera y Fuera de Series Live.

Ambas trabajan mano a mano con sus compañeros para sacar adelante los 175 encuentros anuales que produce el Espacio Fundación Telefónica, un trabajo intenso de diseño, producción y coordinación que desarrollan con inteligencia y buen humor.

– ¿Cuál es vuestra formación y cómo llegasteis a trabajar al Espacio Fundación Telefónica?

Elena – Estudié Historia del Arte en la UCM y enseguida tuve la oportunidad de entrar en la Fundación como ayudante de museo ya que era un momento en que se estaba ampliando el equipo. En paralelo, completé mi formación con un diploma en Gestión de Entidades Culturales y diferentes cursos sobre liderazgo y sobre social media que han sido muy útiles en mi desarrollo profesional.

Silvia – En mi caso entré con una beca como ayudante de museo cuando aún estaba en 5º de Historia del Arte; a diario por la mañanas iba a la facultad y las tardes de martes a domingo las pasaba en la fundación; justo cuando terminaba la beca coincidió que una compañera pidió una excedencia y a mí me quedaban días para acabar la carrera; ahí fue cuando entré a formar parte estable del equipo. Desde entonces me he ido formando con posgrados para especializarme en Gestión Cultural, en Educación en Museos y estudié un par de años del grado en Estudios Ingleses.


- Lleváis 18 (Silvia) y 20 años (Elena) trabajando en Fundación Telefónica, ¿cómo ha sido la transformación de este espacio cultural durante estos años?


Elena – En estos años la transformación ha sido radical. Recuerdo los primeros años muy en familia. Éramos muy pocos y todos hacíamos de todo. Las salas de exposiciones cambiaron también mucho; hemos vivido reformas, cierres, de todo. Y lo último, la creación del Espacio FT. Pasamos de tener una sala de exposiciones a tener cuatro plantas con varias salas, aulas de formación y un auditorio en un espacio inigualable listo para llenarlo de contenido.

Silvia – Totalmente de acuerdo. Es como ver crecer a alguien de la familia desde que empieza en primaria hasta que consigue establecerse como un profesional respetado. Hemos vivido esos cambios, hemos sido parte de ellos y estamos orgullosas de hasta dónde ha llegado nuestra criatura.

«la transformación ha sido radical. Pasamos de tener una sala de exposiciones a tener cuatro plantas con varias salas, aulas de formación y un auditorio en un espacio inigualable listo para llenarlo de contenido»

«Hemos vivido esos cambios, hemos sido parte de ellos y estamos orgullosas»

– ¿Qué personas conforman vuestro equipo y cómo es la coordinación entre vosotros?


Elena – Trabajamos en el equipo de Programación y Publicaciones que lidera Andrés Perruca. En mi caso, trabajo mano a mano con él coordinando ambos equipos y todos los proyectos que emprendemos. Estamos hablando mucho de la programación de los eventos del auditorio pero también nos ocupamos de las publicaciones de la Fundación, donde destacan del Informe sobre la sociedad digital en España (SdiE) y la revista Telos, que ha sido renovada recientemente con contenidos y diseños muy actuales y con colaboraciones de altísimo nivel.

Silvia – Una de las ventajas que tenemos en este equipo es que Perruca nos deja escoger qué eventos queremos hacer, o cuando te lo encarga directamente es porque sabe que vas a ser la persona más adecuada para coordinarlo. Y eso se agradece muchísimo. En cualquier caso, siempre estamos al tanto de lo que hacen el resto por si hay que echar una mano. En Publicaciones y Programación somos 10 personas que nos reunimos una o dos veces por semana para realizar un estatus del equipo.

Elena – Y además tenemos una reunión semanal, la Odisea (en el Espacio), abierta a cualquier persona de la Fundación que quiera estar informado, donde repasamos la agenda de las semanas próximas. Sólo dura media hora y suele ser bastante animada.


- ¿Cómo planteáis la programación de cada año y qué factores tenéis en cuenta?

Elena – Seguimos unas líneas estratégicas vinculadas a la cultura digital, el humanismo, la ciencia y la tecnología; a partir de ahí identificamos temas y expertos con los que colaborar, todo esto sin perder de vista la actualidad. También establecemos alianzas con otras entidades en proyectos que nos ayudan a alcanzar nuestro objetivo de acercar a todo el público, de manera abierta y gratuita, las novedades en los campos mencionados para así convertirnos en un lugar de reflexión y aprendizaje.

Trabajamos con un mínimo de seis meses de antelación y lo primero que tenemos en cuenta son las citas recurrentes de la agenda cultural de la ciudad: Semana del Libro, Semana de la Ciencia, celebración del Orgullo LGTBI+, Semana de la Mujer, etc. También, cómo no, fechas importantes para nosotros, como el momento de publicación de los diferentes números de la revista Telos o el Informe sobre la Sociedad Digital. A partir de ahí vamos agendando los encuentros que realizamos.

«Seguimos unas líneas estratégicas vinculadas a la cultura digital, el humanismo, la ciencia y la tecnología»


- ¿De qué manera preparáis y producís cada evento cultural?

Silvia – Si es un evento diseñado por nuestro equipo, nos ponemos en marcha al menos un par de meses antes para buscar a los mejores especialistas la temática que queremos tratar; los contactamos, les contamos quiénes somos y qué necesitamos por su parte. Gestionamos sus viajes, hoteles, fees de participación y otros gastos en los que se pueda incurrir; para ello trabajamos con el equipo de jurídico, de administración, compliance, pool de secretarias… y así comprobamos que toda la parte burocrática y logística está ok.

Con el equipo de Producción analizamos el tipo de evento y las necesidades técnicas adicionales, y ellos se encargan de trasladar esas necesidades a los equipos que gestionan la realización audiovisual y el acceso del público, además del catering, fotógrafos, traductores, ampliación del aforo, etc.; El equipo de Comunicación nos ayuda a dar difusión del evento publicando en la web y en redes sociales, gestionan la convocatoria de prensa cuando es necesario… Como se puede ver, un solo evento, aún siendo de lo más sencillo, implica como mínimo a unas 15 personas.

En eventos en colaboración con otras instituciones suele ser más fácil porque ellos se ocupan muchas veces de la logística de los invitados y nosotras realizamos todo lo relacionado con la ejecución del evento, siempre en estrecha comunicación con la contraparte. No obstante, ahí también hay una importante carga burocrática que no se puede obviar.

Ahora tendrías que multiplicar este procedimiento por los 175 eventos propios que realizamos en 2019…. Como verás no tenemos tiempo de aburrirnos.

«un solo evento, aún siendo de lo más sencillo, implica como mínimo a unas 15 personas»

«no tenemos tiempo de aburrirnos»


- ¿Cómo es vuestro tiempo libre? 


Elena – ¡Escaso! Tenemos un horario muy loco porque hay días que salimos muy tarde, pero también es muy flexible y nos permite organizarnos bien ese poco tiempo libre que tenemos.

Silvia – Un inconveniente de este trabajo es que tienes poco tiempo para asistir a otras actividades, porque muchas coinciden con tus horarios laborales. Además, ser madre de dos niños pequeños añade un poco más de dificultad a esta ecuación del tiempo libre.

– Con la nueva situación de la pandemia del Covid19 ¿cómo estáis adaptando la programación del Espacio?

Elena – Como a todos, el confinamiento nos pilló desprevenidos y los primeros días, incluso semanas, estuvimos reflexionando sobre qué pasos deberíamos seguir en una situación de tanta incertidumbre en todos los sentidos. A nivel de Fundación las primeras acciones fueron encaminadas a ayudar aportando material sanitario. En el área de Cultura, supuso empezar de cero y poner el foco en un nuevo ciclo bajo el lema de Repensando el mañana. Cancelamos toda la programación del año sobre la que habíamos estado trabajando y empezamos a diseñar estos encuentros donde expertos internacionales de diferentes áreas daban su visión sobre el futuro que nos espera después de esta crisis. Pero además tuvimos que diseñar estos encuentros en virtual, lo que supuso hacer un intensivo en conectividad, herramientas de videoconferencia, realización audiovisual, subtitulado, emisiones y ¡hasta diseño de interiores!.

Silvia – Tiene razón; de hecho, hace un par de semanas bromeé diciendo que no recordaba el momento en que había pasado de trabajar en un centro cultural a una productora audiovisual. La crisis del Covid-19 nos ha permitido explorar opciones que nunca antes habíamos contemplado; por ello, cuando se vuelva a una situación más normalizada, no volveremos a hacer las cosas tal cual las hacíamos antes, sino que aprovecharemos todo estos conocimientos y nuevos procedimientos para integrarlos de forma habitual en nuestra programación para mejorar y ampliar nuestra oferta.

«Empezamos a diseñar estos encuentros donde expertos internacionales de diferentes áreas daban su visión sobre el futuro que nos espera después de esta crisis»

«aprovecharemos todo estos conocimientos y nuevos procedimientos para integrarlos de forma habitual en nuestra programación»

– ¿Cuáles creéis que son las claves para el éxito en todo estos años del Espacio Fundación Telefónica?

Elena – Trabajo, trabajo y trabajo de muchas personas. Desde administración a comunicación, jurídico, producción, el personal de sala,…, hay muchísima gente involucrada en cada uno de los proyectos y todo suma para llegar hasta donde estamos ahora.

Silvia – Junto con lo que ha dicho Elena (tenemos un EQUIPAZO de más de 30 personas que dirige Pablo Gonzalo), añadiría el ofrecer una agenda cultural de interés basada en la innovación tecnológica y las humanidades. La gente tiene muy claro qué tipo de actividades va a encontrar, y que serán en un tono muy cercano. Agradecen poder venir a encuentros con temáticas a priori complicadas (p.ej: una charla sobre computación cuántica) y que estén explicadas de una forma tremendamente divulgativa e impartidas por los líderes de investigación en ese campo. Hemos conseguido poner al alcance de cualquier persona a ponentes de prestigio internacional de forma totalmente gratuita.

Elena – Esto es importante. Los grandes ponentes que menciona Silvia vienen porque les ofrecemos un proyecto interesante y diferente a lo que hacen habitualmente. No tenemos presupuesto para pagar cachés desorbitados. A veces es un diálogo con otro invitado al que admiran, otras es por la participación de adolescentes en el evento lo que marca la diferencia; el caso es que siempre buscamos algo diferente que les resulte atractivo. Eso, y la profesionalidad de todo el equipo, hace que vengan, que repitan y que nos abran puertas para los siguientes invitados.

«la profesionalidad de todo el equipo, hace que (los ponentes) vengan, que repitan y que nos abran puertas para los siguientes invitados»

– ¿Qué es lo que más disfrutáis y lo que menos en vuestro trabajo?

Elena – Sin duda, lo que más disfrutamos es aprender de los mejores. Tocamos tantos temas, tan variados y tan interesantes que vivimos en un continuo máster en humanidades digitales. Y además de la mano de sus protagonistas. Cuando echamos la vista atrás y vemos con quién hemos tenido la suerte de compartir una tarde o incluso, un almuerzo, nos damos cuenta de lo afortunadas que somos. Lo peor es que para llegar a disfrutar de estos momentos hay mucha burocracia entre medias, muchos trámites necesarios que no son precisamente atractivos.

Silvia – Me pasa igual: es un privilegio oír hechos históricos de la mano de quienes lo vivieron; aprender de cuestiones que jamás habías oído hablar hasta ese día gracias a gente con gran talento y que te abren un mundo nuevo; trabajar en un edificio como este, con toda la belleza que aún guarda en su interior y todas las historias que tiene…. Somos muy conscientes de lo afortunadas que somos, más aún sabiendo cómo está el panorama de la gestión cultural en este país. Lo que peor llevo son los, escasos, momentos conflictivos con algún visitante descontento que se expresa de forma vehemente o con algún invitado que no quiere seguir los trámites legales; estos casos me los acabo tomando como algo personal, aunque sé que no lo es; el disgusto me suele durar días. También llevo regulín el que me toque presentar algún evento, pero estoy aprendiendo a gestionar esos nervios poco a poco.

– ¿De qué proyectos os sentís más orgullosas?

Elena – En 20 años han sido muchos proyectos y es difícil elegir. De mi época coordinando exposiciones, me quedo con Karelia, de Joan Fontcuberta y Casa de humo de Javier Vallhonrat. También tengo muchísimo cariño al concurso VIDA sobre arte y vida artificial, que pude compartir con Rafa Lozano-Hemmer y Daniel Canogar.
La creación de la Colección de Fotografía Contemporánea de Telefónica también lo viví muy de cerca y pude aprender muchísimo sobre el mercado del arte, las galerías y el coleccionismo.

De los últimos años, me quedo con los proyectos más vinculados a la tecnología y las nuevas formas de expresión que se derivan de ella. El ciclo sobre los youtubers, donde pusimos en valor a los creadores de contenido y descubrimos el talento que hay detrás de los millones de suscriptores que tienen. El Espacio XR, que durante más de cuatro años hemos puesto a disposición de todo el público la posibilidad de vivir la experiencia de la realidad virtual, aumentada y mixta, y que, además, nos permitió colaborar directamente con Laurie Anderson. La Instagramers Gallery, la única galería física con fotos de verdaderos artistas de esta red que está en constante crecimiento. Y por último, el mundo podcast: hemos abierto nuestro propio canal, Encuentros Fundación Telefónica, donde publicamos los encuentros que realizamos en el auditorio, para hacerlos más accesibles todavía. Pero también hemos producido programas exclusivos vinculados con exposiciones como Curiosidad radical. En la órbita de Buckminter Fuller que re-lanzaremos en septiembre. Y por supuesto, de los podcast que grabamos en directo en el Espacio, me quedo con Todopoderosos, con quien llevamos 50 programas en casi 5 años y es un lujo contar con ellos y poder alojarlos en la que ya es su casa cada mes.

Silvia – En el plano profesional fue la creación desde cero del programa educativo para la apertura del Espacio en 2012. Hasta entonces habíamos realizado visitas y talleres en base a nuestros conocimientos en humanidades, con la ayuda de empresas especializadas para algunos proyectos concretos. En 2009, viendo las dimensiones que tendría el nuevo centro, la responsable de cultura de aquel momento, Laura Fernández Orgaz, apostó por nosotras y propuso especializarnos como educadoras: nos ofreció una formación diseñada en exclusiva y a medida para el equipo, muy completa y diversa, conociendo a profesionales de muchos sectores; fueron 6 meses a jornada completa que nos dieron una panorámica amplísima sobre el sector educativo en museos.

Las obras del Espacio comenzaron a principios del 2011 y en ese momento empezamos a trabajar en la creación de un proyecto educativo sólido, aprovechando toda la formación previa recibida, pero también con nuestra experiencia de haber trabajado con público durante muchos años y con un conocimiento profundo del patrimonio de la compañía. Fue casi un año y medio de definir las bases teóricas, los medios que necesitaríamos, la forma de acercarnos a los distintos tipos de público, marcando también cuales serían nuestras líneas rojas. Éramos seis educadoras, de distintas procedencias, trabajando de forma muy intensa, pero lo recuerdo con mucha ilusión y cariño, y nos unió aún más que cuando estábamos de ayudantes de museo.

En lo personal, recuerdo la presentación de un libro: me dijeron que iba a llevar, durante dos días, la rueda de prensa y la presentación del último libro de mi autor favorito desde hacía unos 15 años, que es un rock star de la literatura internacional. Tú eres una profesional y te guardas toda tu mitomanía para dentro y no dejas que aparezca en ningún momento, pero por dentro estaba que no cabía de la emoción.

– ¿De qué manera os definiríais la una a la otra y cómo trabajáis conjuntamente?

Silvia – Lo primero que define a Elena es su generosidad, en todas las facetas de su vida. He visto cómo ha ayudado a todo tipo de personas, aunque no tenga ninguna relación directa con su trabajo. Tiene muchísima experiencia laboral y una asombrosa capacidad para convertir lo difícil en fácil, siempre con actitud positiva, lo que hace que en su faceta de supervisora sea inmejorable. Además, una de las cosas que más agradezco en mi trabajo con ella, al igual que con el resto del equipo (no quiero dejar de mencionar a mis otras compañeras de eventos: Sara, Laura y Belén), es que nos reímos muchísimo y eso en un trabajo, sobre todo cuando tienes que coordinar un evento complicado o una situación de mucho estrés, te da la vida. Somos muy afortunadas de tenerla en el equipo.

«Lo primero que define a Elena es su generosidad, en todas las facetas de su vida»

«tiene una asombrosa capacidad para convertir lo difícil en fácil, siempre con actitud positiva»

Elena – Silvia y yo empezamos a trabajar juntas hace unos pocos años, y eso que nos conocemos desde hace casi 20 y, ahora que no nos oye, es una gran profesional. He visto cómo ha ido creciendo profesionalmente, asumiendo cada vez más autonomía y responsabilidad. Exigente consigo misma y con todo lo que le rodea, busca siempre el mejor resultado y siempre con una actitud positiva y constructiva. Sin duda es alguien con quien se puede contar porque siempre da lo mejor de sí misma. Y encima es muy divertida. Trabajamos mucho, somos muy responsables, pero también nos reímos mucho juntas y eso es un lujo.

«Silvia es exigente consigo misma y con todo lo que le rodea, busca siempre el mejor resultado»

«Es alguien con quien se puede contar porque siempre da lo mejor de sí misma»

– ¿Qué consideráis que habéis aprendido en todo estos años?

Silvia – Son casi 20 años de aprendizajes continuos. De verdad que es un verdadero privilegio estar aquí. Al haber comenzado cuando la fundación era muy pequeña, he podido ir viendo cómo van creciendo de forma orgánica este tipo de instituciones. Conocer a profesionales de museos y de otro tipo de empresas de todas partes del mundo te ayuda también a ampliar tus miras. Por otra parte, hace unos 3 años dejé el equipo Educación y pasé a Programación de Contenidos, con lo que reinicié un nuevo periodo de aprendizaje. Por último el hecho de tener una agenda tan variada con ponentes tan buenos nos da unos conocimientos de lo más dispares que puedes aprovechar para otros proyectos o para tu vida personal.

Elena – Además de lo que comenta Silvia, a lo largo de estos años he aprendido que esto es una carrera de fondo, donde lo importante es ir construyendo poco a poco para poder llegar cada vez más alto. Aunque haya malos momentos, que los hay, todo se supera: la maternidad es un momento que pasa factura en la carrera profesional de muchas mujeres; supone un parón en un momento clave de tu desarrollo y es difícil recuperar tu espacio; a veces a los responsables se les olvidan tus capacidades y te toca demostrar nuevamente tu valía.

– ¿Qué consejo darías a una persona que empieza en la gestión y programación cultural?

Silvia – Que no se cierre a ninguna propuesta y que trate de participar en todos los proyectos que pueda, por muy diferentes que sean a lo que esperas dedicarte. Al igual que ocurre en otros muchos empleos, participar en proyectos diversos, con perfiles profesionales y públicos muy diferentes, permite abrir las miras sobre futuros proyectos, además de crear una interesante red de contactos. Creo que la especialización en este campo no se consigue por trabajar mucho sobre un tipo de proyecto en concreto, sino por todo lo contrario: por tener una amplia visión del mundo de la cultura y aprovechar esos escenarios tan diversos para encontrar la forma óptima de poder ejecutar el que tienes entre manos.

Elena – Paciencia y que esté muy despierto y atento a las novedades. Cada día nacen nuevos proyectos y nunca se sabe dónde puede surgir una oportunidad, pero de todos se puede aprender y conocer gente. También es importante una actitud abierta y tener capacidad de adaptación al cambio.

«la especialización en este campo no se consigue por trabajar mucho sobre un tipo de proyecto en concreto, sino por todo lo contrario: por tener una amplia visión del mundo de la cultura»

«nunca se sabe dónde puede surgir una oportunidad, pero de todos se puede aprender y conocer gente»

– ¿Qué proyectos os gustaría realizar en el futuro?

Silvia – Me encantaría poder implementar un sistema de evaluación de los eventos por parte del público y de los invitados. Por desgracia, tenemos poco feedback del público, ya que solo recibimos esa información cuando están o muy contentos o cuando no les ha gustado algo concreto. Me gustaría saber también la opinión de los que se van sin decir nada: que nos digan cómo podemos mejorar su experiencia. Realicé algunas búsquedas para saber cómo obtener ese feedback de la forma más cómoda para el público y provechosa para nosotras, pero es algo que tuve que parar por carga de trabajo y que en algún momento retomaré.

También me gustaría crear algún tipo de congreso de nuestro sector. He asistido a muchos cuando estaba en educación y se crean grandes redes de trabajo; sin embargo, conozco a pocos programadores de otros centros y estaría muy bien ponernos caras y crear proyectos en colaboración.

Elena – A mi me gustaría seguir apostando por el talento joven. Muchas veces se habla con resignación de las generaciones que vienen y no se puede generalizar. En todos los ámbitos hay gente muy joven (hablo siempre de menores de 30) con proyectos maravillosos y me encanta aprender de ellos, de su frescura, de su talento y de su manera de afrontar la vida.

– Un deseo que os gustaría se hiciera realidad

Silvia – ¡Quiero volver a achuchar pronto a todo el equipo! Con la situación del COVID-19, nos han dado facilidades para teletrabajar con flexibilidad, siempre que fuera posible. Con la futura vuelta al edificio nos han dividido en dos grupos a cada equipo, para limitar así un posible contagio; creo que es una decisión acertada para garantizar la salud de todos de la mejor forma posible, pero no deja de entristecerme no poder estar todos juntos hasta dentro de muchos meses.

Elena – Me uno al achuchón de Silvia, ¡qué ganas de reunirnos todos! Mi deseo es seguir trabajando con esta maravillosa panda de locos mucho tiempo.

«¡Quiero volver a achuchar pronto a todo el equipo! como pronto, hasta el 2021 no podremos volver a estar todo el equipo de programación y publicaciones juntos de nuevo, por no hablar del resto de compañeros»

«¡qué ganas de reunirnos todos! Mi deseo es seguir trabajando con esta maravillosa panda de locos mucho tiempo»

Más información

Elena González – LinkedIn – Twitter @elenaescocia

Silvia Royo – LinkedIn – Twitter @syromon

Espacio Fundación Telefónica

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La entrada Elena González y Silvia Royo – Programación y coordinación de contenidos en Espacio Fundación Telefónica se publicó primero en YANMAG.

Andrea Perissinotto, artista y gestor cultural, presentará una nueva edición de «Karmen» el próximo jueves 27 a las 19:30 en el Espacio Primavera 9 con motivo de la semana del arte 2020 de Madrid. Al evento acudirán profesionales del mundo del arte contemporáneo que podrán adquirir el kit por un módico precio y cuyos beneficios irán destinados a la promoción de un artista elegido por el comisario. YANMAG colabora en esta iniciativa.

Participan en esta nueva edición de KARMEN artistas como Lina Ávila, Miranda Warhol, Ana Musma, Carlos Regueira, Rafi Dhalgo, DJ Azid Zitro, Olga Isla, Juan López, Rosa Berned y la sexóloga Sara del Arco entre muchos otros.

Andrea Perissinotto nos habla del kit y nos explica su utilidad:

«KARMEN es un Kit para Artistas Reconocidos, Multidisciplinares, Emergentes y Noveles. KARMEN se presenta en dos versiones:

KARMEN NOW ® – envoltorio rojo – y KARMEN NEW ® – envoltorio azul –»

«KARMEN está pensado para el Artista Universal del Siglo XXI, porque sabemos que en la era de las RRSS (Redes Sociales), sigue siendo imprescindible que “tu cara suene” a las personas que cuentan. Tu propia VISIBILIDAD es determinante, cualquiera que sea tu estatus en los circuitos del arte contemporáneo.

Tanto si acabas de salir de Bellas Artes como si eres un simple aficionado; hasta si tu nombre está en el Olimpo de los artistas consagrados, cuando menos te lo esperas aparece una ocasión, un encuentro que puede cambiar o engrandecer tu posición en el mundo del arte.

Y a veces en ese instante es justo cuando necesitas contar con un elemento tan pequeño y, supuestamente, insignificante. Tan aparentemente prescindible que morirías por tenerlo contigo en ese exacto momento.

¡Y KARMEN es tu momento!  

¡Cuenta con KARMEN!

Tanto KARMEN NOW ® como KARMEN NEW ® constan de una serie de accesorios de utilidad para que tú, Artista del siglo XXI, puedas estar siempre prevenido y listo en cualquier circunstancia y contexto social: inauguraciones, ferias y festivales de arte, eventos de networking, open studio, encuentros con comisarios, etc.

Acontecimientos en los que hoy en día tienes que estar involucrado si quieres dar visibilidad a tu persona y, por ende, a tu obra. ¡No te dejes escapar a ningún galerista!

Por eso te decimos… KEEP CALM! y ¡Cuenta con KARMEN!»

«Después de su estreno mundial en LaLatente (Madrid), y tras su paso por el Espacio Hygiene de Valencia, en el marco del festival Intramurs 2019, KARMEN NOW ® y KARMEN NEW ® llegan a la Galería Espacio Primavera 9, ubicado en el multicultural barrio de Lavapiés (Madrid). Basta con que preguntes por KARMEN al equipo de Primavera 9 o bien puedes enviar un WhatsApp al número +34 651 676 911 (escribe KARMEN en el mensaje) y te atenderemos a la mayor brevedad posible.

¡Disfruta de lo nuevo, ahora! Y cuenta con KARMEN a un precio increíble.

Para cualquier duda, consulta o información adicional, también puedes escribirnos a: cuentaconkarmen@gmail.com»

Andrea Perissinotto, hace hincapié en los rasgos autoironicos de este proyecto, siendo KARMEN un reflejo directo de algunas vivencias y anécdotas que él mismo vivió durante acontecimientos artísticos, ferias y festivales de arte. Se trata pues, de una manera para hablar de nosotros, los que sufrimos y disfrutamos (¿a partes iguales?) de la semana del arte de Madrid, así como de la naturaleza intrínseca del circuito del arte, sea ese el «alternativo» o cualquier otro en el que tengamos el placer, el deber, el deseo u obligación, de hacer parte.

Más información

Andrea Perissinotto

Espacio Primavera 9

Instagram @artperissinotto

La entrada «Karmen» de Andrea Perissinotto en Espacio Primavera 9 se publicó primero en YANMAG.

«Desde la mancha intento rescatar la imagen»

Florencia Kettner es artista visual y gestora cultural argentina afincada en Madrid desde hace 19 años.

Su obra es densa, desgarradora, inquietante e hipnótica. Sigue la estela del movimiento neo-expresionista muy presente en Argentina, heredera de los alemanes emigrados durante las guerras mundiales. Los medios de comunicación y las alianzas con los gobiernos como medios de propaganda, la carrera armamentística y la guerra fría cultural son los temas que marcan su trabajo.

Recientemente ha presentado una impresionante muestra individual titulada Ruido-Señal en la que ha mostrado más de 200 pinturas y dibujos donde refleja el ruido mediático construido por el sistema que impide rescatar el dato significativo.

Desde hace más de un año, además gestiona el espacio Secuencia de Inútiles, con el cual ha colaborado en eventos como Hybrid Festival o Festival Proyector. En él, además de ser su propio estudio de trabajo, acoge muestras de artistas independientes y proyecta futuros intercambios de exposiciones.

Florencia Kettner es una artista cálida, inteligente e irónica que descubre, con contundencia, las tripas de la realidad.

– ¿Cuándo supiste que querías dedicarte a la creación plástica?

Desde muy pequeña lo que más me gustaba hacer era dibujar y pintar. Durante la época escolar, el momento más feliz para mí era la hora semanal de plástica.
Cuando llegó el momento de elegir carrera no sorprendió a nadie en mi familia que eligiese Bellas Artes.

Cuando me gradué del profesorado de pintura y escultura era complicado encontrar trabajo. Debido a esta situación, decidí hacer pequeñas esculturas y ofrecerlas en un mercadillo, o bien cocinar comida para venderla por la calle. Además, di clases de plástica a niñxs en riesgo de exclusión, experiencia que me marcó mucho.

«Cuando llegó el momento de elegir carrera no sorprendió a nadie en mi familia que eligiese Bellas Artes»

– Te trasladaste de Buenos Aires a Madrid hace 20 años ¿cómo fue para ti este cambio? 

Llegué a Madrid el 2 de enero de 2000 y lo primero que hice fue apuntarme al Círculo de Bellas Artes para hacer croquis de modelo al natural y para pintar en los talleres que están en un torreón, un lugar que me sorprendió por sus impresionantes vistas. En el CBA había personas de todas partes, y cuando terminábamos los talleres nos íbamos de tapas con la gente de allí.

Viniendo de una ciudad mucho más grande, Buenos Aires, Madrid me pareció muy acogedor; el conductor del autobús saludaba a la gente que se subía, se comentaba el clima en el ascensor entre las personas, en general había un trato más cercano con los desconocidos. Para mí estas cosas eran surrealistas.

Me adapté rápido a esta ciudad e hice muchas exposiciones con la Red de Arte Joven; en la Biblioteca de Vallecas, en la de Puerta de Toledo, en la Casa del Libro de la calle Gran Vía…

«Viniendo de una ciudad mucho más grande, Madrid me pareció muy acogedor»

«Me adapté rápido a esta ciudad e hice muchas exposiciones»

– ¿Puedes explicar el carácter expresionista de tu obra? ¿Ha influido de alguna manera tu ascendencia alemana en ella?

Existe en Argentina una fuerte tradición artística y literaria muy interesada en este estilo. Me formé en Buenos Aires con maestros que trabajaban dentro de este lenguaje.
También encuentro coincidencias en esta atracción por el expresionismo en muchos artistas contemporáneos de los países de Europa del Este.

De mis cuatro abuelos solo mi abuelo paterno era alemán, el resto era de origen italiano. Además, a mi abuelo no lo llegué a conocer y sin embargo el arte expresionista siempre me fascinó.

Si el Arte es el exceso, el expresionismo se acerca a ese exceso desde la exageración en las formas, la utilización del color, los temas tratados, etc.

Por otro lado, el neogótico, la literatura fantástica latinoamericana, el cine negro, el gusto oriental por las sombras, son cosas que me atraen y me permiten desarrollar la imaginación y la creatividad.

«Existe en Argentina una fuerte tradición artística y literaria muy interesada en el expresionismo»

«Si el Arte es el exceso, el expresionismo se acerca a ese exceso desde la exageración en las formas»

– ¿Cómo es tu proceso creativo y tu rutina de trabajo en el estudio?

Suelo tener períodos en los que leo e investigo, recopilo información y en determinado momento surge una primera idea para desarrollar alguna serie nueva.
Trabajo con música, con algunos libros que me interese consultar en ese momento y con el teléfono para fotografiar lo que estoy pintando.

Cuando comienzo una nueva serie de pinturas no puedo parar y entro en una especie de mundo paralelo donde tiempo y espacio se transforman. Mientras estoy dentro de esta dinámica, todas las imágenes que sueño o imagino tengo que plasmarlas rápidamente o me persiguen de manera obsesiva. El gran enemigo de todo este proceso es la interrupción. A pesar de lo desordenada que soy, intento planificar las horas de trabajo para aprovecharlas al máximo.

El punto final de la serie es difícil saberlo, varía mucho según que tantas ideas nuevas surjan mientras estoy pintando. Una imagen lleva a otra y en el caso de la última serie se fueron generando nuevas sub-series que me interesaba seguir descubriendo.
A veces, algunas de las ideas que rondan la serie en la que estoy trabajando dan pie a la siguiente.
También puede suceder que del proceso de dibujar o pintar surjan proyectos expandidos hacia el vídeo o la instalación.

«Cuando comienzo una nueva serie de pinturas no puedo parar y entro en una especie de mundo paralelo donde tiempo y espacio se transforman»

«Mientras estoy dentro de esta dinámica, todas las imágenes que sueño o imagino tengo que plasmarlas rápidamente o me persiguen de manera obsesiva»

– Presentaste A los señores de la guerra en Espacio B en Madrid en una exposición individual, una muestra inspirada en la guerra y sus víctimas.

A finales de 2014 leí una noticia que motivó esta serie. Un periodista alemán que se llamaba Udo Ulfkotte acusaba a los medios de comunicación de publicar material que le entregaba la CIA y otras agencias occidentales de inteligencia y propaganda.

Durante 2015 desarrollé A los Señores de la guerra, unas 45 pinturas de diferentes formatos donde están representados los medios de comunicación, los dictadores, el Club Bilderberg, la carrera armamentista, los militares, etc.

Gracias a Joseba y Elisa de Espacio B, el montaje quedó muy bien, se pudieron ver más de veinte trabajos expuestos en las dos plantas. El día de la inauguración escribimos en las paredes de la sala una carta dirigida a los soldados de la Guerra de las Malvinas, y además la música que elegí para la exposición surgía desde el sótano generando una sensación realmente inquietante.

Espero en algún momento poder volver a mostrar esta serie en otras ciudades y vincularla a alguna asociación o movimiento activista en contra del consumo y producción de armamento.

«Espero en algún momento poder volver a mostrar esta serie en otras ciudades y vincularla a alguna asociación o movimiento activista en contra del consumo y producción de armamento»

– ¿Tienes proyectos gráficos en vista?

Estoy interesada desde hace un tiempo en explorar el mundo de la gráfica: ilustrar libros, crear una recopilación de los trabajos de mi última serie de pinturas llamada Ruido-señal e imprimir un libro de artista que terminé en 2018, entre otras cosas.

Este último lo creé a partir de un catálogo de 2016 del Museo Thyssen de la exposición La Ilusión del Lejano Oeste. Lo rebauticé como La ilusión de la Cultura Libre y parte de su contenido está basado en el libro La CIA y la Guerra Fría Cultural, de Frances Stonor Saunders, investigación periodística que trata de los millonarios esfuerzos de EE.UU. por imponerse sobre la cultura y el arte del campo socialista durante la Guerra Fría. Mediante el humor y la ironía, planteo cuestiones sobre el mundo de la cultura y la política: las ferias de arte, la programación de los Museos, la publicidad, la guerra fría cultural que nos invade en todos los ámbitos, el control, la manipulación informativa o incluso, cómo viven hoy esos descendientes de las tribus indias.
Son más de 70 páginas con collage, pintura, y mucha información.

«Estoy interesada desde hace un tiempo en explorar el mundo de la gráfica»

– Desde hace un año gestionas el espacio cultural Secuencia de Inútiles en Madrid, con el cual has formado parte en diferentes muestras como Hybrid Festival o Proyector Festival de Videoarte. Un lugar en el que se presentan además exposiciones colectivas, conciertos y que además es tu estudio ¿cómo está siendo la experiencia para ti? 

Cuando nos mudamos en febrero de 2019 pensamos en presentarnos formalmente a los vecinos del edificio, ir puerta por puerta cual vendedores de biblias para contarles el proyecto e invitarles a conocer la sala. Finalmente con todo el lío del montaje de la primera exposición no dio tiempo a anunciarnos y el día de la inauguración se acercó mucha gente del edificio y del barrio, el nombre de la sala hizo todo el trabajo.
La gente que suele pasar por la calle se hace selfies con el cartel, golpean la puerta y preguntan qué se hace allí… Presentamos arte contemporáneo, Videoarte, improvisaciones musicales, instalaciones e intentamos despertar el interés del vecindario.

Estamos muy contentas de poder ceder la sala a colectivos, propuestas interesantes y festivales independientes, se aprende mucho pero vamos a un ritmo lento porque es también el sitio donde desplegamos materiales para trabajar, así que cuando toca exposición se recoge todo y se abre solo para exponer.
Nuestra intención es mudarnos próximamente a un sitio con otra distribución para poder seguir trabajando mientras hay exposición.

«Estamos muy contentas de poder ceder la sala a colectivos, propuestas interesantes y festivales independientes»

– Tu última exposición Ruido-Señal es una impresionante muestra de 200 pinturas que pudo verse en Secuencia de Inútiles ¿cómo fue la creación de todo este ingente trabajo y qué lo motivó?

Esta serie surgió durante el verano de 2018; principalmente a partir de la lectura del libro Arte duty free. El arte en la era de la guerra civil planetaria de Hito Steyerl, que habla de la sobreexposición a las imágenes, a su consumo, y al ruido continuo y estruendoso de Internet y las redes. Con esas ideas comencé a experimentar con tintas y ceras sobre papel. Luego pasé a pintar formatos grandes sobre tela, trabajando sobre ellas en el suelo. Desde la mancha intento rescatar la imagen, como se hace en el test psicológico de las manchas, el test de Rorscharch.

«Desde la mancha intento rescatar la imagen, como se hace en el test psicológico de las manchas, el test de Rorscharch»

Otro libro que me ayudó a desarrollar la serie fue La noche tiene mil ojos de Maria Negroni. En este ensayo se exponen cuentos cortos, películas del cine negro y su relación con el expresionismo alemán, y la conexión entre la literatura fantástica y el arte gótico. Me inspiró para hacer pinturas como Angelus Novus, Después de Judit, Faust, las sub-series de La condesa sangrienta o Nosferatu. Cada uno de los trabajos cuenta una pequeña historia y fueron fruto de horas de investigación y creación.

– Recientemente has presentado la pieza de videoarte Mundos paralelos en  Zumo de Vídeo, en Loompa Studio ¿cómo planteaste este trabajo y cómo se conecta con tu obra pictórica?

Hace unos pocos años atrás comencé a pensar en la posibilidad de movimiento dentro de mi trabajo. Descubrí que había ideas que quería expresar que eran imposibles con el lenguaje de la pintura. La forma de ver lo que me rodeaba cambió, de repente quería grabarlo todo.

Sigo formándome, grabando todo lo que encuentro interesante y viendo Videoarte.
Zumo de Video es una buena propuesta en Madrid donde presentas tus vídeos y luego hay un coloquio muy ameno donde se aprende de las sugerencias de la gente que se acerca.

Mundos paralelos resume en pocos minutos la situación de las villas miseria en Argentina, en este caso en concreto el foco está puesto en la Villa 31, el más antiguo asentamiento de chabolas de Buenos Aires donde viven alrededor de 80.000 personas y la intención del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de privatizar todo el territorio público que comprende la villa.

«Hace unos pocos años atrás comencé a pensar en la posibilidad de movimiento dentro de mi trabajo»

– Trabajas también como profesora de pintura y modelado ¿cómo es tu relación con los alumnos?

Uno de mis mayores intereses a la hora de dar clases es quitarles el miedo a lxs alumnxs. Vienen con mucha inseguridad por no saber pintar o dibujar. La clave es hacer hincapié en los logros en sus trabajos. Siempre les digo que no se desanimen, que la pintura es dar un paso atrás, para avanzar dos, como cualquier aprendizaje, y que dudar está muy bien.
También les miento diciéndoles que la pintura es muy fácil ¡cuando no lo es!

Me sigue asombrando encontrar niñxs muy pequeños que me preguntan qué pintar porque no se les ocurre nada… Entonces les pido que miren por la ventana, o que salgan un momento a la calle, que piensen en el universo, los planetas o los dinosaurios. A veces les leo algún cuento o les sugiero que se hagan un autorretrato. Aunque cada vez más dibujan o pintan cosas que tienen que ver con la televisión o la Playstation, casi nada sale de su imaginación, y eso es preocupante.
A los adultos tampoco me gusta marcarles lo que tienen que pintar, para mí la pintura es expresión de uno mismo, es comunicación y libertad, no tiene mucho sentido que les diga lo que tienen que hacer, ya bastante tenemos en nuestras vidas diarias con tanta pauta, regla, norma, etc.

«Uno de mis mayores intereses a la hora de dar clases es quitarles el miedo a lxs alumnxs»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Ahora mismo estamos en conversación con algunos espacios de arte de Alemania para hacer un intercambio de exposiciones; artistas de allí presentarán su obra en la sala Secuencia de Inútiles y viceversa.

Queremos generar diálogos entre artistas de distintas partes del mundo, poniendo el foco en Latinoamérica, ahora mismo creo que es muy necesario hablar de lo que está pasando en Chile, Colombia, Bolivia, Nicaragua, Brasil… Creo que no es casual que la mitad de Latinoamérica esté viviendo esta situación de violencia y por ello tenemos que estar muy alerta. La acción Las Venas abiertas que presentamos en enero en Secuencia de Inútiles expuso todo esto y esperamos en el futuro poder seguir presentando estos temas en forma de exposiciones, performances, etc.

«creo que es muy necesario hablar de lo que está pasando en Chile, Colombia, Bolivia, Nicaragua, Brasil… Creo que no es casual que la mitad de Latinoamérica esté viviendo esta situación de violencia y por ello tenemos que estar muy alerta»

También me gustaría mostrar en algún momento un proyecto de instalación llamado Supermercado que creé en 2017; se trata de una reflexión sobre el consumo y la obsolescencia programada. Por otro lado, esta obra fue pensada para ser presentada de manera interactiva.

Otro proyecto en curso es el de editar el libro de artista La ilusión de la Cultura Libre, trasformarlo en fanzine y a ser posible tirarlo desde un helicóptero sobre los museos…

«Queremos generar diálogos entre artistas de distintas partes del mundo, poniendo el foco en Latinoamérica»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Me gustaría que mi trabajo viajara por el mundo sin que yo tenga que salir del taller, como si mi obra fuera el gnomo de la película Amelie y me enviase postales de diferentes ciudades (risas).

«Me gustaría que mi trabajo viajara por el mundo sin que yo tenga que salir del taller»

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Florencia Kettner

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«Comunicar algo que te emociona es un lujo»

Clara Merín es especialista en comunicación cultural. Periodista de formación, ha trabajado para destacadas instituciones culturales en España como Feria ARCO, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC),  La Casa Encendida o MediaLab Prado entre muchas otras.

Apasionada por su profesión, su cometido en estas instituciones ha sido traducir los lenguajes de creadores y creadoras a un código más cercano para acercar al público a la cultura.

Feminista comprometida, defiende la igualdad en el ámbito laboral y en el uso del lenguaje, y reclama también una mayor igualdad en la exhibición del trabajo de las creadoras en nuestras instituciones culturales.

Clara Merín nos descubre en esta entrevista a una profesional de la comunicación cercana, con una interesante visión y amplia experiencia.

– ¿Cuándo te empezaste a interesar por la comunicación y qué te llevó a estudiar Periodismo?

En realidad estudié periodismo porque tenía muchos intereses y ninguno muy definido, siempre he sido muy curiosa. Algo que tenía claro es que me interesaba mucho la creación en general, el cine, el teatro, el arte, la música, me siguen apasionando. Poder comunicar algo que te emociona, para mí es un lujo. Me muevo por motivación, si algo me interesa, le puedo dedicar miles de horas.

«Me muevo por motivación, si algo me interesa, le puedo dedicar miles de horas»

– Te has especializado en comunicación del sector cultural ¿comunicar sobre cultura es igual que comunicar sobre otros temas?

Para mí te tiene que interesar y apasionar la cultura para poder entender con profundidad el mensaje y luego comunicarlo con rigor, desde la sencillez. También se requiere, además de una formación en comunicación corporativa y digital, tener una cierta sensibilidad. El trabajo de una comunicadora cultural es el de traducir los lenguajes de lxs creadorxs, a veces un tanto crípticos (por ejemplo, ocurre mucho en el arte contemporáneo) a un código más llano, que pueda entender y asimilar el público general. La cultura es patrimonio de todxs, creo firmemente que cualquier persona puede disfrutar de una obra de arte contemporáneo o emocionarse con una ópera, si alguien se lo explica bien. No hay más que ver a lxs niñxs cuando entran en un museo sin ningún prejuicio, captan mucha más información que nosotrxs, que como adultxs se nos escapan. Me interesa cualquier expresión artística, me da mucha rabia esa concepción elitista de la cultura en la que solo unxs privilegiadxs pueden entenderla/disfrutarla.

«El trabajo de una comunicadora cultural es el de traducir los lenguajes de lxs creadorxs a un código más llano»

«Me da mucha rabia esa concepción elitista de la cultura»

– Has trabajado para grandes instituciones como la Feria ARCO, la Semana Internacional de la Moda de Madrid o Feria Internacional de Turismo, FITUR ¿cómo han sido para ti estas experiencias?

En ARCO tuve una de las mejoras jefas y profesionales de la comunicación que recuerdo: Marta Cacho. Aprendí muchísimo del trabajo de gabinete de prensa que es al que me he dedicado casi toda mi vida profesional: redactar notas de prensa, gestionar la información, atender a medios y periodistas, organizar ruedas de prensa, gestionar webs corporativas, etc. Cuando se acercaba la feria, trabajábamos doce horas al día, pero fui muy feliz allí en contacto con galerías de arte de todo el mundo y aprendí muchísimo.

– Has sido directora del área de comunicación y marketing del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC ¿cómo desarrollaste la estrategia de comunicación para este museo?

Trabajar en el MUSAC fue una de las experiencias profesionales más gratificantes que he tenido. Cuando llegamos a León, la mayoría éramos becarixs, con muchas ganas de trabajar, pero sin departamentos ni equipos. Trabajé muchísimo en la campaña de inauguración, que fue nacional e internacional, por entonces no existían las redes sociales y todo el trabajo de difusión se hizo en prensa generalista y especializada. Conseguimos que hablasen de nosotros en todos los medios culturales nacionales y también en las revistas de arte internacionales más relevantes. La campaña fue muy ambiciosa y los medios nos ayudaron mucho a pesar de que el MUSAC era una apuesta insólita por el arte contemporáneo en una región que apenas tenía tradición. El edificio tan espectacular de Tuñón y Mansilla fue un regalo para comunicar el proyecto. La fachada colorida salió hasta en The New York Times.

«Conseguimos que hablasen del MUSAC en todos los medios culturales nacionales y también en las revistas de arte internacionales más relevantes»

– ¿Qué diferencias encuentras a la hora de comunicar en cada Red Social?

Ahora mismo la red social que más me interesa es Instagram, aún tiene cierta vida. Facebook no le ha retirado aún todo el alcance orgánico y se puede empezar a crear un perfil de cero y conseguir seguidores sin hacer campañas de marketing, cosa que en Facebook es imposible hace ya tiempo. Las stories permiten trasmitir una espontaneidad del día a día que se adapta muy bien a los proyectos culturales. Facebook supone un modelo de red social que se está agotando en cierto modo, su comunidad cada vez envejece más y cada vez que hay un cambio en el algoritmo, es para reducir el alcance de los contenidos que compartimos. No hay que olvidar que son multinacionales que viven de la publicidad (y de nuestros datos). Twitter creo que es la red que ha evolucionado menos, aunque sigue teniendo mucha fuerza en el sector de los medios de comunicación, y entre periodistas como canal de actualidad en tiempo real. Aún así, es una red muy nicho, en la que no está todo el mundo, como en Facebook.

«la red social que más me interesa es Instagram, aún tiene cierta vida»

«Facebook supone un modelo de red social que se está agotando en cierto modo»

– Posteriormente trabajaste para La Casa Encendida, también en Comunicación y Marketing, ¿qué nuevos retos encontraste en este centro de arte?

El reto fue pasar de una capital de provincia como León en la que todos los medios acudían a nuestras convocatorias de prensa, a la capital del país, donde competíamos con otros cientos de proyectos culturales cada día. Lo mejor que me llevo de esa etapa son lxs artistas, creadorxs, músicxs y comisarixs con los que tenía que trabajar para difundir la información, desde Patti Smith a Estrella de Diego o Daniel Johnston.

– ¿Cuáles son las principales dificultades a las que te has enfrentado profesionalmente?

En cultura siempre ha habido y hay mucha precariedad, los sueldos suelen ser bajos, los contratos temporales y los horarios prolongados. Quizás y por este motivo también, la mayoría de gestoras culturales somos mujeres, pero paradójicamente, el poder y los puestos directivos siguen estando en manos de hombres, no hay más que mirar en cualquier ciudad/institución quién toma las decisiones. Al poco de ser madre por segunda vez, me despidieron de mi trabajo por tener una reducción de jornada para cuidar de mis hijas. A continuación contrataron a un hombre. Consideraron que él nunca trabajaría menos horas, ni reduciría su salario para cuidar de sus hijos.

«La mayoría de gestoras culturales somos mujeres, pero paradójicamente, el poder y los puestos directivos siguen estando en manos de hombres»

– Realizaste la dirección de la campaña de comunicación nacional, gestión de redes sociales, página web, y búsqueda de patrocinios del Festival Miradas de Mujeres ¿cómo planteaste la comunicación de este evento?

Fue una campaña muy complicada, teníamos muy pocos recursos y el Festival era aún muy poco conocido, además de que empezaban a tener cada vez más peso las redes sociales y gestionarlas de modo profesional requirió de estrategia y mucho esfuerzo. El Festival busca visibilizar el trabajo de las mujeres artistas, siempre infrarrepresentadas en ferias, museos y colecciones de arte nacionales (el Museo del Prado sólo exhibe seis cuadros de mujeres artistas en sus salas y acaba de inaugurar su segunda exposición de dos mujeres artistas en sus 200 años de historia). Hay otra historia del arte en femenino que nunca nos han contado, una muestra es el maravilloso proyecto Tal día como Hoy de Diana Larrea o @WomanArtHouse, que visibiliza a mujeres artistas en redes sociales, o el Blog de Concha Mayordomo. Conocer a otras creadoras sería tan simple como exigir que se cumpla la ley de igualdad de 2007, que obliga a las instituciones públicas a adoptar medidas de acción positiva para la igualdad de hombres y mujeres.

«Hay otra historia del arte en femenino que nunca nos han contado»

«Conocer a otras creadoras sería tan simple como exigir que se cumpla la ley de igualdad de 2007»

– Recientemente has trabajado en comunicación y marketing de MediaLab Prado ¿qué particularidades tiene la comunicación de un centro como éste?

Es una de las instituciones culturales más interesantes de Madrid y sin embargo, su labor es muy poco conocida. Coordinar la comunicación de este espacio fue un auténtico reto. MediaLab es un espacio público en el que los usuarixs trabajan mediante talleres y convocatorias abiertas en cuestiones que les interesan como ciudadanxs: desde el medio ambiente a la movilidad, la participación ciudadana o los espacios para la infancia en las ciudades. Ha sido una etapa de mucho trabajo en la que he conocido a un equipo maravilloso que cree en un modelo de institución que creo es el futuro: aquel en el que la programación surge desde los intereses de sus usuarixs, que son los que trabajan en los proyectos, los desarrollan y los devuelven a la sociedad en forma de prototipo. Es un modelo de institución cultural abierta que triunfa en Europa y EEUU, también entre los museos, abiertos a sus comunidades.

– Has sido consultora y formadora en comunicación y marketing digital, redes sociales y blogs para organizaciones culturales y para la Universidad Oberta de Catalunya (UOC) ¿cómo te sientes como formadora y qué relación tienes con los alumnos?

Me gusta mucho la docencia porque te obliga a seguir formándote y actualizar constantemente lo que sabes. No obstante, la vida de un autónomo en este país es dura: tienes que pagar muchos impuestos, tengas ingresos o no y hay que trabajar muchas horas para ganar poco, sobre todo en cultura, donde la precariedad es intrínseca, se da por sentado que como te gusta tu trabajo, vas a ser mileurista toda tu vida. La gran ventaja de la profesional autónoma es la conciliación, que sigue siendo complicadísima en el trabajo por cuenta ajena.
En cuanto a la comunicación digital, veo que las instituciones culturales todavía no la consideran como algo relevante en sus estrategias de comunicación. A menudo se externaliza la gestión de las redes sociales y cosas tan básicas como las analíticas de la web o las redes, ni siquiera se llevan a cabo en muchas instituciones culturales. Es un gran error estratégico porque lo digital cada vez es más importante en todos los ámbitos de nuestra vida, también en nuestra manera de consumir la cultura, pero se sigue trabajando con las plataformas digitales como si fueran un mero escaparate y no como los canales de interacción o incluso cocreación que son. Para empezar a pensar en digital, las estrategias de comunicación tienen que enfocarse en lxs usuarixs, y no sólo en la institución.

«lo digital cada vez es más importante en todos los ámbitos de nuestra vida, también en nuestra manera de consumir la cultura»

«se sigue trabajando con las plataformas digitales como si fueran un mero escaparate y no como los canales de interacción o incluso cocreación que son»

– ¿Qué proyectos te gustaría desarrollar en el futuro?

Estoy creando un blog muy personal, relacionado con la maternidad desde una mirada feminista, un proyecto digital que me ilusiona mucho. Sigo colaborando con la Universidad Oberta en un Posgrado llamado Estrategia Digital para Organizaciones Culturales y me encuentro buscando empleo como profesional de la comunicación, por cuenta ajena.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Una sociedad que proteja la cultura como patrimonio que es de toda la ciudadanía. Creo en una cultura al alcance de todxs, adultxs y niñxs, gracias también a la difusión y comunicación que hacemos lxs gestores culturales. Ojalá más presupuestos para la cultura y más creadoras mostrando sus proyectos en nuestras instituciones culturales, públicas y privadas. Hay talento de sobra.

«Ojalá más presupuestos para la cultura y más creadoras mostrando sus proyectos en nuestras instituciones culturales, públicas y privadas»

 «Hay talento de sobra»

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Ende Comunicación

Clara Merín en LinkedIn

Twitter @Clara_Merin

Contacto: clara (at) endecomunicacion.com

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«Con el arte planteo preguntas»

Lina Ávila es artista visual. Siempre interesada en el arte, su paso por la Universidad para estudiar Publicidad y su posterior trabajo como diseñadora gráfica, reavivaron su interés en la creación de una obra propia y personal.

Con el collage encontró una manera de crear más libre y espontánea, expandiéndose físicamente entre la mesa y el suelo. Un momento de explosión que, como ella dice, termina en la contención de una pieza.

Su carrera que está tomando fuerza a cada paso y este año su obra ha sido seleccionada para numerosas muestras y publicaciones como Feminismos -comisariada por Natalia Alonso de la Revista ArteInformado-, Festival Mumuar, el libro Primer Párrafo -editado por Piezas Azules, Hybrid Festival o la exposición El Jardín Secreto, un trabajo en colaboración con el fotógrafo Javier Jimeno y que puede verse en la Ünnamed Gallery de Madrid.

Lina Ávila reinterpreta la realidad, reconstruyéndola a base de la combinación de fragmentos de diferentes procedencias de manera elegante e íntima. Conversamos con esta interesante artista que desprende inteligencia y sensibilidad en cada frase.

– ¿Cuándo comenzaste a desarrollar tu obra?

Siempre he sentido un especial interés por la cultura y las artes. De pequeña pintaba al óleo y al carboncillo, sin embargo, terminé abandonándolo durante mucho tiempo. Fue tras mi paso por la Universidad y con la incorporación al mundo laboral cuando este interés volvió con fuerza.

Llegué al collage alejándome de la dinámica del sector publicitario, disciplina en la que me licencié y en la que trabajo desde entonces. Aunque siempre lo he hecho dentro del departamento creativo, los proyectos están muy pautados y tienen que responder a una estrategia con un retorno alineado con los objetivos del cliente.

En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea. Esta técnica es muy accesible y eso me conquistó desde el principio. Necesitas muy poco para ponerte manos a la obra, te permite jugar con la azarosidad y la improvisación, crear a partir de otras realidades y reinventar otras narrativas.

Podría decir que la primera aproximación fue algo terapéutico y transformador. Una de las maravillosas potencialidades que tiene el arte y en la que me gustaría indagar.

«En el collage busqué una manera de crear más libre y espontánea»

– ¿Qué motiva cada trabajo que realizas? 

Mi punto de partida casi siempre son preguntas. Supongo que es deformación profesional. El inicio de cada trabajo es como un brief. Otras veces es como un impulso, una emoción que sucede de repente y trato de trasladar a lo visual.

Sí es cierto que existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato. Tengo muy presente el paso del tiempo. Los recuerdos forman parte de mi vida y de mi narración. Hay instantes que guardo como si fueran fotografías y conversaciones o anécdotas que rememoro como si fueran cuentos. No exagero si digo que soy la memoria colectiva de mi grupo de amigos. A veces me llaman para que les recuerde fechas o datos (risas).

«Mi punto de partida casi siempre son preguntas»

«Existen dos componentes que aparecen de manera reiterativa: la nostalgia y el relato»

Por eso, suelo trabajar con material antiguo, ya sean imágenes o muestras de papel. Ese material ya cuenta con su propia biografía y es interesante reconstruir y recontextualizar a partir de él. De ahí que por ejemplo, suela recurrir al rasgado del papel. Es como añadir una cicatriz a su historia. Como decía mi abuela, “en una vida hay muchas vidas”.

Por otro lado, me atraen los relatos. Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar. Todo lo que percibimos tiene algo que contarnos.

Partiendo de esa base, un proyecto puede estar motivado por una preocupación tan actual como las fake news, como sucede con mi proyecto “Entre líneas”, hasta por una fotografía familiar de un acto cotidiano, como mi pieza “Paseo”.

«Me fascina la posibilidad de crear un nuevo discurso a partir de otros mediante la fragmentación y el azar»

– ¿Cómo es tu lugar y tu momento de trabajo para crear?

En general soy bastante caótica. No puedo crear en un espacio ordenado porque no pienso de manera lineal y necesito tener estímulos a mi alrededor. Es importante para mi que los elementos estén transitando por la zona de trabajo. Además en mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras. Las abandono durante un tiempo para volver a ellas después y mirarlas con otra perspectiva.

«En mi proceso creativo es habitual que deje descansar las obras»

En mi mesa siempre hay mucho papel. No solo como material para la creación, sino cuadernos y hojas donde apunto desde frases a conceptos. También de manera habitual dibujo bocetos con elementos y elaboro esquemas compositivos.

Tiendo a expandirme. Lo normal es que empiece trabajando en la mesa y acabe en el suelo. La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza.

Recopilo mucho material y antes de comenzar una obra, siempre lo reviso. Hago selecciones y las combino, como si fuera un puzzle en el que las piezas tienen que encajar. Incluso teniendo una idea muy clara, puedo encontrar otra pieza que funcione mejor. Esta es la magia del collage, su azarosidad. Me fascina la posibilidad de crear a partir de pedazos de otros objetos e historias y que estos sean la base para contar otras nuevas.

Al igual que antes siempre terminaba las piezas en el ordenador y ahora voy hacia lo analógico. Del mismo modo era habitual que trabajara con música. Ahora cada vez lo hago menos. Al combinar la disciplina publicitaria con la artística, es como si los momentos de creación de esta última fueran un marco de reflexión y atención plena, una especie de meditación.

«La creación es como un momento de explosión que termina en la contención de una pieza»

– Tus collage combinan fotografías antiguas con textos, aunque en tu última serie aparecen sólo textos que sacados de la prensa y tachados, conformando poemas ¿cómo está evolucionando tu obra?

Está muy condicionado por las inquietudes del momento. Estudié Ciencias de la Información, me licencié en Publicidad y Relaciones Públicas y tuve muchas asignaturas comunes a periodismo. Desde que mi paso por la universidad hasta ahora la profesión ha cambiado de manera extraordinaria. Cuando estudié el acceso a Internet era limitado, no consultabas tu mail a diario y las redes sociales no existían. Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital y eso me ha permitido vivir en los dos mundos y experimentar en primera persona todos las transformaciones que esto ha generado.

Este cambio de paradigma es algo que me ronda desde entonces. El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre? ¿es la notoriedad lo que marca el carácter informativo?. Si cualquier persona puede ser creadora de una noticia, ¿qué lugar ocupa ahora la labor periodística? Si un relato se repite ¿pasa a ser cierto? ¿es noticia solo lo que trasciende?

«Formo parte de una generación bisagra que ha crecido entre lo analógico y lo digital»

«El acceso al contenido, ¿es información o infoxicación? ¿una sociedad informada es sinónimo de una sociedad libre?»

Entre líneas realmente tuvo su origen en la universidad durante un trabajo de campo sobre la codificación de la información. En unas semanas tuve que leer una gran cantidad de noticias donde tenía que ir cuantificando conceptos que integraban un código informativo. Ahí desarrollé lo que llamo “lectura por capas” donde descartaba lo superfluo. Algo que he aplicado a este proyecto y que anteriormente tuvo incluso su vertiente gráfica. Fue la base para desarrollar el cartel de la obra teatral Los hijos de las nubes de Lola Blasco que fue dirigida por Julián Fuertes Reta y habla sobre la causa saharaui, donde jugaba tachando los textos de un documento clasificado.

Es un proyecto que ha tenido mucho recorrido.

Incluso aquí la reflexión sobre el paso del tiempo está presente y el uso del papel está muy estudiado. Quería utilizar un papel rústico con mucha textura y cuerpo que fuera un contrapunto a las pantallas de nuestros dispositivos.

– Hay un fuerte movimiento de artistas de collage en los últimos años, liderado especialmente por mujeres artistas ¿a qué crees que se debe esta corriente?

Afortunadamente así es. Creo que es una reacción más que pretende colocar a la mujer en el lugar que históricamente le ha sido negado. No solo dentro del arte sino de la ingeniería, la ciencia, el deporte,… donde han tenido grandes dificultades de acceso y prácticamente ningún reconocimiento.

Curiosamente el collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres. Creo que es por su relación directa con el trabajo manual y el entorno doméstico. Además no necesitas hacer una gran inversión para conseguir los recursos necesarios, con lo que lo convierte en una disciplina muy accesible. Sin embargo, si preguntas sobre alguna figura destacada los nombres que prevalecen son hombres: Juan Gris, Richard Hamilton, Max Ernst, Picasso,… Ahora estamos conociendo el trabajo de Varvara Stepánova, Genesis Breyer P-Orridge, Valentina Kulagina, Hannah Höch o Grete Stern.

La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras.

Por eso quiero hacer una mención especial al colectivo Mujeres que cortan y pegan que aglutinan y reconocen el trabajo de mujeres collagistas de todo el mundo. Gracias a su plataforma no solo están dando a conocer el talento femenino en esta área, sino que está generando una poderosa red de sororidad artística.

«El collage es una técnica muy vinculada a lo femenino. Existen y han existido una gran cantidad de collagistas mujeres»

«La visualización no es solo una cuestión de justicia e igualdad, también es una manera de crear nuevos modelos y referentes para las generaciones futuras»

– Has expuesto en lugares tan destacados como Matadero Madrid, Museo Universitario Alicantino, Galería Modus Operandi o La Casa Encendida ¿cómo te sientes cada vez que tu obra es expuesta?

Puede que te rías,… suelo pensar en mis padres. Me digo a ver si con esto ya entienden lo que hace su hija (risas).

Exponer en estos espacios es como la guinda del pastel. Ver tu obra exhibida te da una gran satisfacción. No solo por el reconocimiento que supone que tu obra sea seleccionada para una muestra, sino porque te da más alcance y esto es una oportunidad para compartir tus inquietudes y miradas con otras personas. El día de la inauguración de EAC 2019 en el MUA los artistas que exponíamos tuvimos la ocasión de conversar con las personas que fueron a ver la muestra. El diálogo que se generó ese día fue muy enriquecedor.

Del mismo modo, no lo considero el fin último. La actividad artística se justifica por sí sola en el acto mismo de su realización, de hecho durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar. Es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir.

«Durante mucho tiempo he estado creando sin mostrar»

«La creación es algo que necesito hacer que está integrado en mi manera de sentir y vivir»

– Recientemente tu obra fue seleccionada por la comisaria Natalia Alonso para «La Arteinformada» – sección de la Revista ArteInformado- bajo el tema «Feminismos«, donde tu obra destacó junto a otras 9 artistas, una convocatoria a la que se presentaron más de 80 participantes con un total de 400 obras ¿qué supuso para ti esta selección?

Sorpresa y alegría. Fue algo inesperado. Me pareció una bonita forma de contribuir a poner en valor la figura femenina desde el ámbito doméstico. Participé con la trilogía Memorias, que surge a partir de fotografías encontradas de la Guerra Civil donde solo aparecen mujeres en situaciones cotidianas, pero no por ello menos meritorias, que tienen lugar durante la contienda. En palabras de Virginia Wolf: «Durante millones de años las mujeres han estado sentadas en casa, y ahora las paredes mismas se hallan impregnadas de esta fuerza creadora» (…)

A partir del collage pude extraer a las otras protagonistas de la historia y, por medio de una nueva contextualización convertirlas en agentes activos, dueñas de si mismas: su tiempo, sus relaciones y sus actividades. Así el acercamiento artístico a estas imágenes, ya fotografiadas, nos revelan una nueva representación de nosotras mismas.

El poder de lo colectivo con la primera pieza Ellas, donde pongo en relevancia el grupo como verdadera “red social”, los lugares de convivencia y su capacidad creadora. Abrazo Infinito donde a través de los pares muestro la sororidad como base de las relaciones, que se caracterizan por el apoyo y la complicidad bajo una mirada optimista. Y, por último, Tiempo Infinito una propuesta más reflexiva e intimista, donde ahondo sobre la individualidad femenina y la necesidad de espacios propios donde sentirnos libres y realizadas.

Me gustó especialmente que la muestra abordara la cuestión de género desde la convivencia de disciplinas y estilos diferentes y que pudiera tener la oportunidad de profundizar a través de mi obra, en la significación cultural e histórica de lo femenino y su participación en “lo público” desde lo doméstico y cotidiano.

– Este año también presentaste tu obra en el Festival interdisciplinar Mumuar, Muestra de Mujeres Artistas ¿siguen faltando espacios para las mujeres artistas?

Siguen faltando, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello. Cada nueva iniciativa que se desarrolla es una posibilidad de cambio. También una manera de ampliar la mirada, de crear sinergias y generar relaciones de apoyo.

El trabajo de la primera Edición de MuMuAr fue ingente. Crear un festival donde pudimos participar 65 artistas en 27 eventos distintos con una continuidad de varias semanas es una labor que requiere de un compromiso y una entrega enorme por lo cual estoy muy agradecida.

Esto es un indicador que viene a decirnos que no son las artistas y las iniciativas lo que escasea, sino las oportunidades y los recursos. Es importante tomar conciencia de ello. Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista.

Me siento afortunada por haber participado en la primera edición por partida doble. Con la obra Paseo, pude conocer en primera persona a artistas de trabajan la pintura, la fotografía, la escultura,… La exposición fue un espacio de convivencia de no solo de disciplinas, sino también de trayectorias artísticas de lo más dispares. Gracias a Antifémina pude formar parte de sesión de cortos Miradas de mujer y participar en el coloquio que tuyo lugar después con la psicóloga y experta en igualdad Violeta Valera.

«Siguen faltando mujeres, hay una desventaja histórica por superar. No hay que dejar de trabajar en ello»

«Que el trabajo de una mujer no sea visible no quiere decir que no exista»

– Participas en la publicación del libro Primer Párrafo editado por Piezas Azules, junto a otras collagistas del colectivo Mujeres que cortan y Pegan, un libro que se presentó recientemente en un acto en La Fábrica ¿cómo ha sido el desarrollo de este proyecto?

Primer Párrafo es un regalo. Es uno de los proyectos más bonitos en los que he tenido la suerte de participar y de los que guardo un precioso recuerdo. Con este proyecto pude unir dos mis pasiones: el diseño editorial y el arte.

Se creó una unión muy especial. Aunque cada una de las mujeres que formábamos parte del proyecto trabajamos en la distancia, nunca sentí que estuviéramos lejos. Además el trabajo con la editorial Piezas Azules estaba muy bien organizado por el colectivo Mujeres que cortan y pegan. Fue un gustazo. La articulación del propio proyecto fue como un collage colectivo. Cada artista contaba con un fragmento de la novela a ilustrar sin conocer el resto. Sin embargo, el resultado tiene un identidad conjunta.

El texto me conquistó desde el primer momento. Paloma Mozo Sanjuán relataba mi infancia en una ciudad de extrarradio en el Madrid de los 80. Me sentí profundamente identificada hasta el punto de que el material de trabajo con el que conté para crear los collages fueron mis propios libros escolares. Personalmente considero que la novela tiene un gran valor no solo por tratarse de un libro de memorias de ficción maravillosamente escrito, sino también porque habla de la ciudad desde el punto de vista de los barrios. Ahora que parece que la gentrificación lo invade todo, este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego,…

«Este testimonio recupera otra manera de vivir la urbe: la convivencia cuando se habla del vecindario y el cuidado en colectivo, el uso del espacio público, el descampado como lugar de juego»

También tuve la suerte de conocer a mujeres con iniciativas valientes. Es muy difícil sacar adelante proyectos independientes. La publicación del libro no fue fácil, pero fue posible y eso siempre es muy esperanzador. Poder tenerlo en las manos, ver cada una de las piezas del resto de artistas y leer la historia completa fue la mejor recompensa.

La presentación en La Fábrica permitió que parte del equipo con el que había trabajado los meses anteriores nos pusiéramos cara. Fue muy emocionante.

Repetiría una experiencia así sin dudarlo.

– Tu trabajo también se ha podido ver en una gran muestra de artistas de collage dentro de Hybrid Festival en la Sala Siroco de Madrid ¿cómo fue la muestra y de qué manera estás viviendo este momento en el que tu trabajo está recibiendo tanto reconocimiento?

Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente.

Cuando un jurado, un/a comisario/a o un/a gestor/a cultural selecciona tu trabajo demuestra confianza y valoración de tu obra y trayectoria. Eso siempre es de agradecer. Durante este año he tenido la ocasión de colaborar no solo en exposiciones, sino también en publicaciones y talleres, me gusta la posibilidad de que mi obra pueda traspasar los límites de una muestra y pueda ser objeto de otros ámbitos como el pedagógico, lúdico o terapéutico. El arte es una herramienta poderosa.

La exposición Madrid dentro de Festival Hybrid fue espectacular. Tuvo una buenísima acogida, no afectó la reciente vuelta de vacaciones, ni el día lluvioso, ni siquiera que coincidiera con el arranque del festival y otras actividades del mismo. El aforo se completó y hubo muchas personas que tuvieron que esperar fuera de la Sala Siroco para poder entrar o incluso, no pudieron verla. Se creó una energía muy especial. Encuentros como el de ese día son un aliciente para seguir creando. La posibilidad de que creadora, obra y espectador coexistan siempre me parece interesante. Hybrid también me ha permitido conocer otros espacios, artistas y agentes culturales más allá del centro de la ciudad. Como madrileña de periferia considero que es muy importante descentralizar la cultura.

Si echo la vista atrás, 2019 está siendo trepidante. Aún no he tenido tiempo para hacer balance de manera sosegada. Los proyectos se han ido enlazando sin pausa e incluso solapándose. Ha sido intenso y gratificante a partes iguales. Sin duda un año muy positivo.

«Este año ha sido increíble. Aún quedan más proyectos que verán la luz a final de año y a primeros del siguiente»

– Este 8 de noviembre has inaugurado la muestra El Jardín Secreto junto a Javier Jimeno Mate en la Ünnamed Gallery ¿qué trabajo has desarrollado para esta muestra y cómo dialoga con el de Javier Jimeno Mate?

Hace unas semanas se abrieron las puertas de un nuevo espacio en Madrid, Ünnamed Gallery (C/de los Estudios, 2). Con motivo de la apertura inauguramos una exposición conjunta bajo el nombre El Jardín Secreto.

Javier me invitó a estrenar su espacio y me pareció que la mejor manera de hacerlo era a partir de su obra. Cada pieza de este trabajo forma parte de una serie de fotografías intervenidas en las que Javier aporta su mirada en imágenes a través de la fotografía, mientras que yo me aproximo con la palabra mediante el collage. Así la visión femenina y masculina se integran en estas obras a modo de poema visual para representar la corporeidad de la mujer, mediante la visibilización honesta de su sexo generando una alegoría con el mundo vegetal.

El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo. Especialmente si hablamos de sus órganos genitales al margen de contextos médicos o pornográficos. No es casual que Mithu M. Sanyal lo denomine «el sexo invisible» en su ensayo Vulva, libro que curiosamente estaba leyendo cuando Javier me mostró sus fotografías. Nuestra propuesta surge de esta premisa y se asienta, desde una delicada sencillez, en articular tres ejes cuerpo-mujer-naturaleza, sobre la afirmación de que la belleza reside en la diversidad.

«El cuerpo femenino vive bajo la paradoja de un elevado nivel de exposición en el espacio público y, a su vez, sufre la negación del mismo»

Trabajamos con la dualidad como punto de partida, dos lenguajes plásticos, dos miradas, siendo esta facilitadora del diálogo y encuentro, rompiendo estereotipos y originando espacios de libertad.

En palabras de Natachee Scott Momaday, escritora estadounidense de origen cherokee y Premio Pulitzer de ficción en 1969, “Somos nuestras representaciones. (…). Nuestra misma existencia consiste en las imágenes que nos hacemos de nosotros(a)s mismo(a)s (…). Lo peor que puede sucedernos es que no haya reprentaciones de nosotr(a)s”

Sea este jardín nuestra particular manera de recrear y representar la identidad del cuerpo y sexo de la mujer por medio de la visualización de un órgano exhibido, pero ocultado, tan deseado como censurado.

– Eres Licenciada en Publicidad y de profesión Diseñadora Gráfica desde hace veinte años ¿de qué manera tu trabajo en esta área ha influenciado tu manera de crear collages? ¿o quizás es a la inversa?

Ambas disciplinas se complementan. El diseño es más metódico y ordenado porque, aunque comparte propósitos estéticos con el arte, tiene una finalidad práctica. Al compartir ambas un proceso de creación visual se nutren. Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural. Empaparte permanentemente de los códigos cinematográficos, la fotográficos, pictóricos,… pienso que forma parte de la responsabilidad profesional educar tu ojo y no acomodarte. Ver pelis, series, leer, escuchar música, ir a expos, al teatro,… En definitiva, observar. Si eres un alma inquieta con una necesidad de aprendizaje constante esto es un estímulo.

«Si desarrollas tu carrera como diseñadora gráfica, independiente de que te dediques al arte o no, tienes que estar abierta a cualquier corriente artística y cultural»

Arte y diseño se alimentan. Si nos centramos en el collage, no es raro encontrar artistas que desempeñan a su vez una carrera dentro del campo del diseño gráfico. Sus diferentes técnicas, analógico, digital, mix media, incluso audiovisual, y su esencia a través de la integración de diferentes elementos, imágenes, textos, tramas, color,… lo convierte en una herramienta fantástica para diseñar, desde una portada para un disco, pasando por un libro, revista,… cartel. Es un recurso inagotable gracias a su versatilidad. Yo misma lo he aplicado al diseño editorial, cartelería, diseño web, branding,… mis primeros collages, por ejemplo, ilustraban poemas para la revista EHDECP (Es hora de embriagarse con poesía), desgraciadamente desaparecida.

El grafismo me empujó al collage. Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas.

«Con el diseño busco respuestas, mientras que con el arte planteo preguntas»

– ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Arranco el año con una muestra colectiva en el centro de Madrid, de la que todavía no puedo desvelar más detalles.

Por otro lado me gustaría ahondar en la técnica mixta. Es un camino que empecé a transitar hace dos años y que me dio muchas alegrías. Gracias a ella, volví el óleo, experimenté con el acrílico y perdí el miedo a los grandes formatos. Ponerme delante de un lienzo es todo un reto que me obliga a salir de mi zona de confort.

También siento que tengo una asignatura pendiente: la arte terapia, en la cual me gustaría profundizar. Cuando creas con las manos dicen que trabajas los dos hemisferios del cerebro a la vez. Esto te proporciona equilibrio y te hace estar presente en una comunicación contigo misma y con los materiales. Si atendemos a la sociedad en la que vivimos, donde todo sucede muy rápido, construir un marco facilitador de esa comunicación y poner el foco en el proceso más que en el resultado, me parece un acto casi revolucionario. Los procesos artísticos son reveladores y la pieza final dice mucho sobre la persona que la crea. El tiempo que pasas trabajando en una obra es sanador.

Al hilo de esto, a partir del próximo año quiero impartir más cursos y formaciones. Me interesa mucho la actividad artística educativa. También recibo mucho en esos encuentros.

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.

Me gustaría afianzar todo lo construido durante este año y seguir explorando los distintos senderos que facilita el arte: participar en muestras y publicaciones, realizar proyectos conjuntos con otros artistas, talleres, charlas,…

¿He dicho que soy una alma inquieta? (risas).

«Una exposición individual es algo a lo que creo que todo artista aspira. Tener la oportunidad de llevarlo a cabo sería maravilloso.»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Tener mi propio taller con mucho espacio para expandirme y perder la noción del tiempo trabajando en él. Lo imagino con mucha luz natural y plantas. Me gustaría que no fuera solamente un espacio de creación, sino también de reunión, donde organizar actividades y talleres.

Desearía tener más tiempo dedicado a la creación artística. El diseño me permite compatibilizarlo, aún así me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo y, en el caso de desarrollar proyectos de diseño, que fueran trabajos concretos donde la parte visual estuviera muy cuidada. Como decía antes, el diseño editorial es un buen ejemplo en el que querría insistir. No es sólo diseñar una portada, también cuenta la selección del papel, la encuadernación, la maquetación,… Me interesa mucho el diseño aplicado a la cultura.

Y puesta a desear poder tele transportarme. Paso mucho tiempo en el cercanías y en el metro. Aunque soy defensora de este medio de transporte, sufro sus retrasos.

«Me gustaría que cada vez más el arte ganara terreno, poder investigar mucho más, perderme en el proceso, dejar reposarlo»

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Lina Ávila – Collage Republic – Instagram – LinkedIn – Vimeo – YouTube – ArteInformado

El Jardín Secreto

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Lola Marín (Murcia) es artista plástica e investigadora en artes, desarrollando su actividad entre Murcia y Madrid. Se licencia en Bellas Artes, especializándose en escultura (entre Altea, Granada y Pontevedra). Es Doctora (Cum Laude) en Educación Artística y Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid.

Su obra se adentra de una manera muy personal y diferente en distintos terrenos creativos: la escultura, el poema visual o el retrato. El cuerpo aparece mediante sus órganos en dibujos y pequeñas cajas o frascos que se asemejan a los recuerdos encontrados en el cajón de una cómoda. Algo que todos hemos descubierto alguna vez en esas habitaciones habitualmente cerradas, por eso su obra nos resulta tan familiar y cercana. Pero al mismo tiempo esos órganos nos plantean preguntas: ¿qué hacen ahí? ¿son estudios anatómicos?  ¿por qué los hemos encontrado? ¿debemos tocarlos? ¿están todavía vivos?

Sus objetos memoria nos trasladan a un momento y un espacio congelado en el tiempo mediante maletas, cajas oxidadas en los que sin embargo encontramos detalles de un presente incómodo e inquietante, como las cámaras de vigilancia. Objetos manipulados y a la vez imposibles, como cucharas con anzuelos o lavabos portátiles.

Los collages de la serie «La Desmemoria» desprenden melancolía a través de antiguas fotografías en las que es fácil que cualquiera que los observa se sienta identificado. Obras que van más allá del recuerdo.

Un trabajo que no deja indiferente al que lo contempla y que YanMag no quiere dejar de recomendar.

Lola Marín: «Mi preocupación e interés creativo se centra en el estudio de la memoria, la soledad, el tiempo y su huella. Estos temas son abordados a través de la reconstrucción/modificación de objetos cotidianos y materiales encontrados en un intento de reubicación, con el fin de devolverles el prestigio perdido. Un intento de dotarlos de una nueva identidad aunque manteniendo en ellos su impronta, el uso y el desuso…»

«Con los años, amplié el campo de acción, pasando de la escultura al dibujo y a la pintura, añadiendo fotografías y otros materiales. Y del objeto (tanto real como dibujado) al cuerpo, aunque sin abandonar el primero. Cuerpo fragmentado, objetuado y descontextualizado, mostrando especial interés por los volúmenes anatómicos. Cuerpo entendido como arquitectura que contiene y es contenida. Como receptáculo de la memoria. Envoltorio que protege o aprisiona. El “Yo” y el “Otro” como soporte primordial. Actualmente mis intereses creativos siguen creciendo unidos siempre a la memoria.
Me interesa lo cotidiano, la sencillez, la ausencia, el espacio de intimidad, lo olvidado y lo encontrado…las miles de historias que escondemos o guardamos, el texto, la poesía…los desgarros de la piel… la melancolía, la soledad, en definitiva, la antítesis de la felicidad, porque como señaló Simone de Beauvoir “las personas felices no tienen historia”.»

«Exploro la idea de viaje, de cambio, permanencia, encuentros-desencuentros y mis proyectos se plantean como la construcción de lugares para la búsqueda y el diálogo. Cajas, objetos, pinturas y dibujos que muestran u ocultan, que hablan, que niegan, a veces, la posibilidad para la que fueron creadas. Objetos encontrados, manipulados previamente, que revelan un sentir universal. La casa como nuestro rincón del mundo y todas las piezas de mis proyectos como órganos de la vida psicológica secreta. Se abren a la dimensión de intimidad.»

Lola Marín ha realizado exposiciones individuales y colectivas en diversas ciudades españolas. Y ha sido seleccionada en certámenes de arte como Gente con talento Cortefiel, Madrid, Incubarte VI Festival internacional, Valencia. Crea Joven Artes Plásticas, Murcia. Espacio Menos1, Madrid. VII Concurso Pedro Gilabert, Almería. MolaJoven 08. VIII Premio de escultura Cámara de Comercio, Murcia. Murcia Joven. Festival de Arte Emergente, Murcia, Certamen Fernando Quiñones, Cádiz  y en Novos Valores, Pontevedra.

Su trabajo artístico ha sido publicado en: 365 ilustradas. Mujeres, trans y travestis. Editorial Sudestada, Argentina. Luces de Bohemia de Ramón de Valle-Inclán y Romancero gitano de Federico García Lorca. Ambos editados por Mil coeditores/Blur Ediciones, S.L., Madrid. Y en Obituario. Editado por Fundación Málaga.

Ha colaborado en revistas como: Principia, Obituario Magazine, 100grados fanzine, entre otras.

Su trabajo teórico puede leerse en Arte, individuo y sociedad. Y Arteterapia. Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social.
En 2019  publicó su primer libro titulado: Mis poetas tristes. Más allá de la muerte literaria. Con La Marca Negra Ediciones. Donde explora la vida de poetas, mujeres, que pusieron fin a su existencia voluntariamente.

Ha realizado diversas colaboraciones destacando la llevada a cabo con la Asociación Danzass, Danza y teatro para personas con diversidad funcional, en Madrid. Y con el colectivo artístico multidisciplinar La Cabeza Intermitente.

En YanMag seguimos muy de cerca la trayectoria de Lola Marín y recomendamos su interesante obra.

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Lola Marín

Instagram @lolalolitalolai

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Situada en el centro histórico de Madrid, más precisamente en el lugar donde estuvo la residencia del gran pintor español Diego Velázquez, la galería APPA ART GALLERY, dirigida por Daniel Barroso, presenta la exposición colectiva “Resistencia Cromática” en la cual los artistas Alejandro Muñiz, Eva Zaragozá, Greta Hammond, Luis Sanz, María Hi San y Miguel De Unamuno Vera, generan a través de sus obras unas sinergias variopintas de culturas ajenas y fraternas, donde el poder de la tolerancia quiere vencer cualquier forma de ataque a la libertad.

La energía que el color desprende se traduce en sinónimo de libertad, de resistencia; poder vertebrador de un lenguaje visual que da cabida a las polifacéticas interpretaciones del movimiento, del ritmo y la alegría de vivir. Esa fuerza que es pasión, que es lucha, tensión, armonía y desasosiego, a la vez se transforma en la verdadera bandera de esta muestra: un emblema universal que los artistas defendemos como territorio de diálogo y mestizaje de ideas… para ello estamos aquí, todas y todos. Nos levantamos y levantamos nuestra voz, y nuestra voz es el color.

El día de la inauguración, jueves 1 de agosto, desde las 20:00h, APPA ART GALLERY se convertirá en el escenario de una macro performance colectiva, a la que invitamos a nuestro público, con el propósito de abrir un diálogo entre cuerpo y arte. Además, la música en directo de los DJs Acid Zitro y Zoen (Geométrika FM), nos acompañará a lo largo de la noche junto a unos riquísimos mojitos, con los que nos enfrentaremos al calor veraniego.

La exposición, comisariada por Andrea Perissinotto, con la colaboración de las artistas y gestoras culturales Berta Delgado y Corina López de Sousa, seguirá abierta hasta el 14 de septiembre, convirtiendo de hecho a APPA ART GALLERY, en un punto de encuentro para todas aquellas personas que quieran seguir disfrutando de la cultura y la creatividad, en pleno verano y en el corazón de la capital.

Los artistas participantes en esta muestra son:

Alejandro Muñiz

Ha pintado de manera continuada desde siempre con formación autodidacta. De 1987 a 1996 ilustra y diseña en agencias de publicidad y productoras de vídeo realizando fondos y objetos corpóreos para anuncios de publicidad. Más tarde durante siete años realiza pintura decorativa en paredes y muros: imitaciones y trampantojos.

Eva Zaragozá

Es artista plástica, performer, profesora de pintura y gestora cultural en el estudio y espacio artístico compartido Fosforita Madrid, situado en el madrileño barrio de Lavapiés. Las pinturas que presenta en APPA ART GALLERY son las últimas realizadas dentro de la serie “Estudios histéricos de color” que inició en el año 2015.

Miguel De Unamuno Vera

Nació en Zamora y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de grabado. Al terminar sus estudios se trasladó a Madrid, ciudad en la que vive. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, y ha sido seleccionado y premiado en varias ocasiones.

María Hi San

Artista visual vive y trabaja en Madrid. Su compromiso se encuentra en la expansión de la energía femenina, para ello los retratos han sido su forma más peculiar de representación. También emplea el arte como catarsis, curación de heridas (proyecto CA) transformación social (proyecto Maisoun, pasos) y ritual, los que complementa con instalación y performance.

Luis Sanz 

No propone otra cosa que su peculiar versión de esta onda vital, en unas obras de gran precisión. Reinterpreta los diagramas de ondas de los actuales sistemas de reproducción digital. Une principio y fin de la historia en un tono único.

Greta Hammond

Como artista visual recolecta fragmentos que nacen de encuentros, lugares, palabras, cartas, historias, testimonios, páginas de libros, postales… con su práctica artística intenta conectar estas piezas, agruparlas y generar así una forma narrativa abierta, un mapa que se despliega y va conectando su trabajo desde aspectos formales y conceptuales.

INAUGURACIÓN: jueves 1 de agosto de 2019, de 20:00h a 23:00h

PROGRAMA:

• Exposición colectiva, con obras de los artistas Alejandro Muñiz, Eva Zaragozá, Greta Hammond, Luis Sanz, María Hi San y Miguel De Unamuno Vera
• Performance “Dialogos con el Cuerpo”
• Música en directo a cargo de los DJs Acid Zitro y Zoen (Geométrika FM)

Entrada libre · Degustación de mojitos

Dónde: APPA ART GALLERY · Calle de la Concepción Jerónima 21, Madrid

Metro: Sol (Líneas 1, 2 y 3), La Latina (Línea 5), Tirso de Molina (Línea 1)

Autobuses más cercanos: 17, 18, 23, 31 (parada Plaza Mayor)

Comisario: Andrea Perissinotto

Con la colaboración de: Programa internacional de micro residencias “1 Artista 1 Día”

Media partners oficiales: MADPHOTO · Productora Audiovisual Cuatrogatos, YANMAG, Franquearte, Geométrika FM

FECHAS:

Del 1 de agosto al 14 de septiembre

De martes a viernes de 18:00h a 22:00h y sábados de 10:30h a 13:30h

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Daniel Barroso – Director de APPA art gallery

Andrea Perissinotto – Comisario y Gestor Cultural

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«El enfoque internacional está en nuestro ADN»

Daniel Barroso es director de APPA Art Gallery, artista plástico y coleccionista. Cada una de estas facetas le ha permitido conocer y entender el complejo mundo del arte y las necesidades de cada uno de sus actores.

Desde hace tres años dirige esta galería situada en la que fue residencia de Velázquez en el centro de Madrid, con una programación plural que huye de dogmas estéticos y en la que se valora la evolución estilística de cada artista.

Sus constantes viajes y estancias en diferentes países han dotado a la galería de un enfoque internacional y en sus salas han expuesto artistas provenientes de España, Argentina, Suiza, Francia, Alemania, Noruega, Italia, Suecia, Austria, Rumania, Estados Unidos y Rusia. Una característica que también se refleja en su obra plástica.

Daniel Barroso nos habla de APPA Art Gallery, un proyecto que le apasiona y también de su obra y experiencias. Todo ello de manera cercana, pausada y reflexiva, con la tranquilidad que dan los años de experiencia.

– Eres artista, galerista y también coleccionista ¿cómo te sientes en cada uno de estos perfiles?

Me siento muy cómodo y realizado actuando en cada uno de esos tres roles que tienen en común una estrecha relación con el mundo del arte, ya sea en primera persona interviniendo en el proceso mismo de creación artística, como promoviendo y vendiendo obras de otros artistas a quienes expongo, y finalmente como sujeto que goza adquiriendo -en la medida de mis posibilidades- pinturas, grabados, dibujos o esculturas. Con respecto a esto último tengo la profunda convicción de que es muy importante que quienes estamos en el medio artístico no seamos egoístas y compremos obras de nuestros pares para alentarles a seguir creando y produciendo, y también para que aquellos que tienen recursos se animen a dar el paso y empiecen a comprar obras originales que les llenarán de satisfacción y emoción. En todo caso, pienso que no podemos juzgar a quienes no se interesan por los valores artísticos y prefieren comprar otros bienes de consumo en lugar de piezas artísticas, si nosotros mismos que vivimos para y por el arte no damos el ejemplo de coleccionar.

«Es muy importante que quienes estamos en el medio artístico no seamos egoístas y compremos obras de nuestros pares para alentarles a seguir creando y produciendo»

– ¿Cuándo nació APPA Art Gallery y qué trayectoria está siguiendo?

APPA Art Gallery nació en julio de 2016. Desde hace 3 años hemos realizado exposiciones de arte contemporáneo de forma ininterrumpida y también participado en ferias de arte en Madrid y en Zúrich. El enfoque internacional está en nuestro ADN, y en nuestras salas han expuesto artistas provenientes de España, Argentina, Suiza, Francia, Alemania, Noruega, Italia, Suecia, Austria, Rumania, Estados Unidos y Rusia. Exponemos sobre todo pintura pero también esculturas, dibujos, grabados y mini instalaciones.

El mercado del arte está pasando por momentos muy difíciles y es menester aunar esfuerzos con otras galerías y colaborar. Por ese motivo, hemos iniciando colaboraciones estratégicas con dos importantes galerías. Una de ellas es la galería y museo de arte moderno y contemporáneo MIIT de Turín (Italia) cuya dirección artística está a cargo de Guido Folco, y la otra Excellence Art Gallery (Marbella, España).

También estamos siendo cada vez más activos en la web y en las redes. Para ello me estoy rodeando de gente que conoce de redes sociales dado que el mundo digital no es mi fuerte.

«El mercado del arte está pasando por momentos muy difíciles y es menester aunar esfuerzos con otras galerías y colaborar»

– ¿Qué artistas te interesa mostrar en la galería? ¿hay una línea estilística concreta?

En mi elección de artistas el criterio fundamental es la originalidad de la obra, la búsqueda constante de superación y una mirada profundamente internacional. No sigo ninguna tendencia artística determinada sino que doy cabida a diferentes formas de expresión que van del arte figurativo al totalmente abstracto, pinturas sobre variadas superficies y tamaños, esculturas, fotografías, obra gráfica, libro de artista y performances. Para mí, como galerista es muy importante promover al artista, favorecer su desarrollo y darle escalabilidad abriéndole nuevos horizontes gracias a acuerdos con otras galerías.

En APPA Art Gallery, los visitantes pueden dialogar con los artistas, descubrir su manera específica de crear y adentrarse en su propio universo.

«Para mí, como galerista es muy importante promover al artista, favorecer su desarrollo y darle escalabilidad abriéndole nuevos horizontes gracias a acuerdos con otras galerías»

– La galería está situada en el centro histórico de Madrid, en el lugar donde estuvo la residencia de Velázquez ¿encontrar este espacio fue una señal?

Yo vivo en el centro y buscaba un espacio próximo donde poder pintar y mostrar mis obras como acostumbraba hacer en las muchas ciudades de diferentes países en los que he residido. De forma fortuita, di con el espacio que ocupa la galería -mucho más amplio de lo que yo buscaba- y me encantó su arquitectura, especialmente el bello arco que une las salas 1 y 2, su “cueva” (sótano) y sus gruesos muros pintados de blanco que recuerdan al sur de España, y sus tres salas apropiadas para exposiciones colectivas. El encargado que me mostró el local me preguntó para qué lo quería y de manera intuitiva y sin dudarlo le dije para una galería de arte. «Qué bien» -me dijo- porque aquí vivió un pintor importante. Le pregunté cuál y me respondió: «Diego Velázquez«. En ese momento sentí algo muy especial en mi interior y sin dudarlo me puse en contacto con el propietario y firmé el contrato de alquiler. Empezamos primero como asociación -de allí el nombre APPA: Asociación Para la Promoción Artística. Ahora APPA es una S.L.

– ¿Cómo es el comprador que se acerca a la galería?

El comprador que se acerca a la galería es en buena medida el visitante extranjero que pasea por el centro histórico y se siente atraído por las obras que ve desde fuera. También hay compradores españoles que durante estos tres años han visitado nuestras exposiciones, así como contactos nuestros y de los artistas que se deciden comprar arte. No nos limitamos a exhibir obras en los muros físicos, también lo hacemos en la web y se materializan ventas online a compradores europeos a través de un portal exclusivo para galerías donde promovemos obras de nuestros artistas.

– En la galería ofreces residencias artísticas ¿qué duración tienen y cómo las gestionas?

Sí, en APPA Art Gallery ofrecemos cada año residencia a artistas extranjeros durante el mes de julio-agosto y le damos la posibilidad y medios para pintar, dibujar o esculpir obras que posteriormente podrán exhibir y vender en nuestra galería. Lo gestionamos nosotros mismos con mucho esfuerzo y sin ninguna ayuda institucional. Es nuestra pequeña contribución para que artistas extranjeros puedan venir a Madrid.

– APPA Art Gallery mantiene su programación en agosto ¿qué tipo de eventos realizáis?

A mí me encanta Madrid en agosto y en el centro hay muchas actividades y visitantes, por eso no cierro en verano. El año pasado con una joven galerista del sur de España, montamos una muestra colectiva de jóvenes talentos provenientes del street art que titulamos More than art. La muestra atrajo gran cantidad de público y la complementamos con actividades al exterior y al interior, conciertos de música, poesía, clases de pintura y debates.

Este año, en agosto expondremos obras de 8 artistas españoles emergentes bajo la dirección artística de Andrea Perissinotto. Ellos tienen toda la libertad para el diseño de la exposición, y estoy seguro de que me sorprenderán positivamente con el resultado.

«Este año, en agosto expondremos obras de 8 artistas españoles emergentes bajo la dirección artística de Andrea Perissinotto»

– También has programado exposiciones con artistas urbanos ¿cómo ha sido la experiencia?

El arte urbano tan espontáneo, crítico y original me atrae mucho. Hay obras de gran calidad y muchos de esos artistas han comenzado a mostrar sus obras en galerías y les hemos abierto la puerta. La experiencia del año pasado en agosto fue muy positiva y nos ha permitido ampliar el público que nos frecuenta y renovarnos. Decididamente, quiero continuar la colaboración con artistas urbanos españoles y sumarle extranjeros. En setiembre expondremos a dos jóvenes talentos, uno español y otro rumano radicado en Francia que provienen del arte urbano.

– La semana pasada se ha presentado la colectiva Art in Madrid, una exposición colectiva comisariada por Giuseppe Carnevale en colaboración con Excellence Art Gallery de Marbella ¿cómo habéis planteado esta sinergia entre galerías?

Pienso que las estrategias grupales son a la larga más eficaces que las individuales y esto se aplica también a las galerías de arte. Para tener éxito en el mundo actual tenemos que salir de nuestra zona de confort defensiva y solitaria y abrirnos a la colaboración con otros actores del mundo del arte. Yo deseaba encontrar galerías con las que colaborar y una tarde me llamó Giuseppe Carnevale y me propuso aunar esfuerzos con Excellence Art Gallery de Marbella. Para mí fue una señal ya que justamente tenía pensado contactarles. La conversación fue muy abierta, franca y constructiva y decidimos empezar un proyecto piloto de colaboración que se ha materializado con la colectiva Art in Madrid en nuestras instalaciones. Posteriormente, en verano junto con dos artistas emergentes expondré en Marbella. La muestra Art in Madrid que reúne a artistas de 8 países distintos es hermosa y de gran calidad, y durará hasta el 26 de julio. El director de Excellence Art Gallery, Massimo Cedrini es un reconocido artista italiano, y el director artístico Giuseppe Carnevale de Arte + Evento un experimentado y dinámico promotor artístico. En la promoción del evento han colaborado Andrea Perissinotto, Canal Evento, Biancoscuro Art Magazine y YanMag. A la inauguración concurrió gran cantidad de visitantes y estamos muy contentos.

«Pienso que las estrategias grupales son a la larga más eficaces que las individuales y esto se aplica también a las galerías de arte»

«Tenemos que salir de nuestra zona de confort defensiva y solitaria y abrirnos a la colaboración con otros actores del mundo del arte»

– ¿Qué proyectos futuros te gustaría realizar en la galería?
Quiero continuar con la colaboración estratégica empezada con otras galerías, y a Marbella y Turín sumar alguna galería en Suiza, Alemania, Argentina y Francia. Posiblemente participaremos de forma conjunta en alguna importante feria internacional. El año próximo realizaré en APPA una muestra colectiva de pintoras de Argentina y España, y una muestra dedicada al arte pop. También estoy en gestiones para exponer en Buenos Aires en un importante centro cultural argentino.

– Has vivido en Mendoza, Milán, París, Roma, Lucerna, Zúrich, Múnich, Santiago de Chile y ahora en Madrid desde hace cinco años ¿cómo han influido los viajes en tu obra y dónde te sientes mejor para crear?

Ya desde muy pequeño -en torno a las 4 años- en mi Mendoza natal, le decía a mi abuela que iba a viajar por el mundo entero. Le decía incluso que iba a tener hijos rubios de ojos azules. No sé de dónde me venía esa convicción, lo cierto es que todo ello se cumplió: he viajado y residido en muchos países muy diferentes que me han marcado, he aprendido muchas lenguas, y con Rita mi esposa suiza tenemos dos hijos que tienen las características que de niño predecía…

En todo caso, en mi obra se ve reflejado todo ese “nomadismo” innato y se manifiesta en los temas y técnicas que experimento. Si bien pinto mucho en Madrid, Suiza siempre ha sido el lugar donde me siento más a gusto para crear. Probablemente porque allí están mis afectos más fuertes – mi esposa e hijos residen allí- y porque cuento con un espacio y entorno que me estimula sobremanera. En la Confereración Helvética conviven en paz y prosperidad diversas culturas, se hablan 4 lenguas oficiales más el inglés, y hay ahora una creciente comunidad española. Los valores artísticos todavía son muy fuertes y el coleccionista –a diferencia de otros mercados europeos- no busca sólo obra de artistas consolidados comprando en subastas sino que apuesta por el talento, tienen muy buen olfato para la innovación y buscan calidad y originalidad.

– El tema principal de tu obra es el ser humano, con una fuerte influencia de la pintura latinoamericana, el impresionismo francés y el expresionismo alemán tanto abstracto como figurativo. Defiendes la posibilidad del artista de poder cambiar de estilo, ¿no existe una libertad creativa?

Pienso que el ser humano para ser completo tiene que vivir de forma holística e integrar diversas facetas, y los artistas no pueden limitarse a un solo registro. En mi caso la pluralidad y diversidad de culturas y lugares me ha marcado y se manifiesta en mi obra. No me siento cómodo encasillado y huyo de dogmas; me gusta replantearme todo y experimentar. Los diversos registros pictóricos que manejo pasan de la abstracción a la figuración en un ida y vuelta constante e incluso simultáneo. Pero la manera de tratar la superficie, los colores, la fuerza, el ritmo y el rol del inconsciente se mantienen siempre y son el hilo conductor.

La creación es un acto libre y un artista sufre cuando lo encasillan en un “estilo” determinado y no puede experimentar. Soy de los que piensan que hay que hacer lo que nos gusta, lo que sentimos y sale de las tripas, lo que nos conmueva y conmueve a los demás. Ese es nuestro aporte y misión en este mundo.

 
– Acabas de presentar tu última exposición en Turín ¿cómo ha sido la acogida del público?

El público italiano es muy exigente y cultivado. La acogida del público, críticos y pares ha sido muy buena y me siento muy honrado. Las numerosas salas del MIIT son altas, luminosas y espaciosas y he podido mostrar obras de gran tamaño. Parte de ella ha quedado allí y va a ser mostrada en octubre en Roma y en otras galerías de la península.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que APPA Art Gallery se consolide como un actor destacado en el mercado del arte, seguir desarrollándome como persona y como artista, alcanzar mayor reconocimiento internacional, y poder dedicarme exclusivamente al arte haciendo posible a su vez que otros artistas también lo puedan hacer. Todo ello en sinergia con otras galerías y artistas.

«Deseo que APPA Art Gallery se consolide como un actor destacado en el mercado del arte»

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APPA Art Gallery

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