«El color es con lo que comprendo qué sucede»

Eva Zaragozá es artista plástica. Para ella el arte y vida se mezclan sin jerarquías: es tan importante pintar un lienzo como hacer un retrato, pasear por la calle o tomar un café con un amigo. Tampoco existen divisiones a la hora de crear y en su obra pasa con libertad por la pintura, la performance, el modelado, la educación, arriesgando y viviendo los nervios de la duda.

Nos encontramos con Eva Zaragozá en el barrio de Lavapiés, donde se encuentra su estudio Fosforita Madrid, un espacio de arte donde suceden mil cosas diferentes y que es el centro de su investigación doctoral. Descubrimos su interesante mundo, donde el color es la vía para entenderlo.

– Eres artista plástica ¿desde qué momento supiste que era la profesión que querías desarrollar?
Desde que soy pequeña. A mi alrededor, mucha gente utilizaba la pintura, el teatro, la cocina, los paseos por el campo para contarme cosas. Mi padre me narraba historias a través de dibujos muy rápidos; mi tía Ana pintaba cuadros con los que aprendí a delinear mis inquietudes, mis misterios; en el cole me dejaban pintando en vez de haciendo cuentas; me presentaba a concursos de las fiestas de la barriada en la que vivía en Burgos y ganaba; con mi hermana y prima María gozaba de libertad total para coser, hacer papel maché, dibujar, playbacks juntas… Aunque ella siempre era la mejor.
Me esforcé desde muy temprano y la satisfacción de cada reto me preparaba para el siguiente. Mi mamá se ponía muy contenta, me di cuenta pronto que lo hacía para los demás, para sorprenderles, para que me quisieran mucho y yo decidía cómo. Siempre estuvo muy presente y sentía que comprendía, que yo también podía hacer muchas cosas que veía en otros artistas, que sabía cómo comenzar.
También, de adolescente venía a Madrid y mi primo Pablo nos paseaba por el Reina Sofía, hacíamos sonar las esculturas de Oteiza, me susurraba sus ideas de por qué el Guernica es en blanco y negro, impulsábamos la sirena varada de Chillida en el jardín de las esculturas de Nuevos Ministerios… También me alimentaba de las obras de teatro de mi prima Rut cargadas de Marcel Marceau, Artaud, Lorca, Kafka y también de las que mi primo Álvaro construía en la Escuela de Arquitectura con obras de Ionesco o Beckett.
Ahora bien, de cómo decidí dedicarme profesionalmente, pues porque decidí vivir, y no había otra forma de hacerlo que haciendo arte.

«Sentía que comprendía, que yo también podía hacer muchas cosas que veía en otros artistas, que sabía cómo comenzar»

«Decidí vivir, y no había otra forma de hacerlo que haciendo arte»

– Te formaste en la Facultad de Bellas Artes de la UCM ¿cómo fue tu paso por allí?
Llegué con ganas porque ya había cursado con Mercedes Replinger asignaturas de libre elección cuando estaba estudiando en la Facultad de Filosofía, y también me puse crecidita porque sin haberlo hecho antes, hacía lo que me pedían sin problemas. No había hecho nada académico de arte, excepto acudir durante un año a una escuela para mayores junto con mis querídísimas tía Ita y tía Aurora. Disfruté mucho de la gente con la que compartí esos años.
Me interesó mucho Josu Larrañaga y un profesor de Historia que se llamaba Miguel Ángel, me movían las entrañas. Aprendí a dibujar modelando con barro y plastilina. Me hubieran gustado más clases magistrales, para mí es muy importante la fuerza del contagio, es decir, de lo que puedo imaginar que la otra persona es y hacerlo mío. Lo que quiero decir es que para mí le faltaba emoción. También eché de menos más libertad, a veces sentía que cortaban las alas a caminos que se podrían haber transformado en aprendizajes distintos, no sé, me parece que estaba todo un poco homogeneizado de más, de antemano te mostraban qué era lo que querían de ti, cómo pintar.

«Para mí es muy importante la fuerza del contagio, es decir, de lo que puedo imaginar que la otra persona es y hacerlo mío»

– La pintura está presente en tu trabajo diario ¿por qué prefieres esta disciplina frente a otras?
No hay forma para definir qué es más importante, cada día es una cosa distinta. Sí que es verdad que pinto, pero con la misma atención cocino, paseo, escucho, guío las clases en mi estudio. Por lo tanto, en cuanto a qué disciplina va primero pues es todo a la vez, vida y arte están mezclados, no hay jerarquías, no hay división, todo está unido, incluso se podría incluir pintura, performance, comer, escribir, ir a la compra y tomar un café con un amigo en mis disciplinas preferidas.
Me gusta asimilar arte a juego. Yo vivo porque juego con las cosas del día a día. Me siento comprometida con la realidad, con una construcción dramática de la vida, con el amor, con la imaginación. Sin embargo, es cierto que cuando estoy pintando es cuando más contenta soy.

«Vida y arte están mezclados, no hay jerarquías, no hay división, todo está unido, incluso se podría incluir pintura, performance, comer, escribir, ir a la compra y tomar un café con un amigo en mis disciplinas preferidas»

«Me gusta asimilar arte a juego. Yo vivo porque juego con las cosas del día a día»

– ¿Qué es el color para ti y cómo trabajas con él?
El color es con lo que comprendo qué sucede. La composición, la luz, el movimiento, las texturas, el pensamiento, la burla son color ¿no? Cómo funcionan entre ellos, cómo me poseen cuando juego con ellos es lo que más me sorprende, como me sorprende un momento de soledad escogido: anticipas lo que puede llegar a ser pero no lo experimentas hasta que lo haces, lo sientes.
No comprendo los colores y apenas sé nombrarlos y no trato de hacerlo. Los escojo, eso sí, y también los sé reproducir. Pertenecen a otra memoria o a otra parte de la memoria, como los olores. La atención es la herramienta que utilizo. En la tesis que estoy escribiendo digo que es más importante aprender de Newton su atención con la manzana, que su ley de la gravedad y me esfuerzo en comprender cómo se aprende esta atención en mi pintura, mientras me lavo los dientes, doy un paseo o miro un rostro.

«El color es con lo que comprendo qué sucede»

«Los colores pertenecen a otra memoria o a otra parte de la memoria, como los olores»

– Tu obra plástica se mueve entre la abstracción, como la serie «Estudios Histéricos del Color» y la figuración donde trabajas retratos…
Creo que la separación entre abstracción, figuración, realismo, naturalismo, pop, expresionismo, conceptual… hace mucho daño cuando quieres hacer arte. Para mí acogerse a esta clasificación es como ser burrito blanco cuando se juega. No te mojas, no haces trampas, no transformas, porque de antemano te has situado en una posición cómoda en la que todo el mundo te reconoce. Actúo de la misma manera cuando pinto “Los estudios histéricos de color” que cuando pinto retratos, que cuando decido preparar una performance o cuando doy la clase de los jueves. Me sucede lo mismo en la barriga. Entonces, decido parar cuando han llegado a un punto que creo que es lo que determina mi sentir-pensar-miento o también, si ya es la hora de irse.

Mis amistades dicen que hago una tortilla sensacional, cuando me dispongo a hacerla siento los mismos nervios que cuando comienzo un cuadro. En cambio, cuando tenía que escribir un examen que me sabía a la perfección, se me ponía un nudo en la garganta porque me entraba una pereza tremenda, ya sabía que iba a sacar un diez. Me sentía culpable de esa pereza. Es cierto que luego, cuando comenzaba a escribir trataba de hacerlo con mucho estilo y entonces me divertía. No me gusta sentirme culpable, necesito los nervios de la duda, de la incertidumbre para pasarlo bien desde el principio, lo que no implica que me lo pase bien después…

«La separación entre abstracción, figuración, realismo, naturalismo, pop, expresionismo, conceptual… hace mucho daño cuando quieres hacer arte»

«No me gusta sentirme culpable, necesito los nervios de la duda, de la incertidumbre para pasarlo bien desde el principio»

– Recientemente has presentado parte de tu serie «Estudios Histéricos del Color» en APPA Art Gallery dentro de la exposición colectiva «Resistencia Cromática» comisariada por Andrea Perissinotto y compartiendo espacio con los artistas María Hi San, Greta Hammond, Luis Sanz, Alejandro Muñiz y Miguel de Unamuno ¿qué ha supuesto para ti esta exposición?
Disfrutar de compartir un espacio estupendo con gente con la que me gusta estar porque me río mucho con ella ha sido la gran satisfacción de formar parte de “Resistencia Cromática”.

– En la inauguración y junto a la artista María Hi San presentaste la performance «Diálogos con el cuerpo» con éxito de público y de participación, ¿cómo fue el desarrollo de la performance y cómo te sentiste?
Me encantó inaugurar agosto junto a Maria Hi San con la performance «Diálogos con el cuerpo». Esta performance que desarrollé en la plaza de Matadero Madrid como una acción artística educativa abierta al público y que duraba más de tres horas, fue primero un taller sobre la relación entre el dibujo y el cuerpo en mi estudio Fosforita Madrid, taller que me pidió una alumna a la que le atraía experimentar con el trabajo de la artista Heather Hansen.

En APPA Art Gallery participaron muchas gentes que sin saber por qué se tiraban al suelo y retozaban con carbocillos en las manos para dejar en el lienzo y en el papel huellas de esos movimientos tímidos al inicio. A medida que avanzaba la acción los movimientos se hacía más amplios y la confianza permitía que los cuerpos se tocasen, se manchasen, y cuando se invitó al público a jugar con globos de agua rellenos de tinta china, a explotarlos encima de las artistas, a lanzarlos contra la escenografía, la acción se aceleró tanto que hubo incluso una conmoción en cuanto a si era correcto o no, si tenía sentido o no, si se disfrutaba ensuciándose o no… Duró una hora aproximadamente.
Me preocupa mucho el tiempo en las performances. En ésta, me interesaba conseguir que los cuerpos palpitasen al unísono, que fuese contagioso, algo muy abierto y en la calle, bajo estas ideas trabajé junto a María para prepararla, fue un placer colaborar con ella.

«Me preocupa mucho el tiempo en las performances. En ésta, me interesaba conseguir que los cuerpos palpitasen al unísono, que fuese contagioso, algo muy abierto y en la calle»

– Próximamente presentas una serie de nuevos retratos bajo el nombre «Caritas» dentro de la programación del Hybrid Festival , donde también retratarás en vivo a quien quiera asistir ¿cómo estás enfocando este trabajo?
Lo afronto como siempre que me pilla el toro: mucho trabajo, mucho empacho. Sin embargo, es difícil que deje de comer y de dormir muy bien junto a mi amado Javi.
Para “Caritas” decidí continuar con un proyecto que comencé hace tres años y que se llama “Domesticación”, en el que experimento e investigo con los tiempos del trabajo del arte y de la cotidianeidad a través de la escultura, el dibujo, la pintura, la performance, el vídeo, la intalaciuón, etc… «Caritas» es el trabajo que presento para esta edición de Hybrid Open Studio. Son retratos del natural de las personas a las que quiero gustar mucho, mis caritas, mis amores.

También creo que “Caritas” es una continuación de otro proyecto al que llamo “¡Ilústrate!”, que comenzó hace un montón, cuando en el Mercado de Motores hacía retratos en directo. Luego, lo he seguido haciendo en otros lugares y sobre todo en Fosforita Madrid. A mí me gusta pintar del natural, sin embargo, a partir de estos retratos la gente me fue encargando que ilustrase a sus seres queridos a partir de fotografías y yo los he hecho. Necesito dinero, siempre necesito dinero y sobre todo he hecho encargos de pintar a personas de su imagen en una foto. Para esta ocasión quería que me posasen, pasar al menos tres horas en su compañía, compartiendo el calor de nuestros cuerpos.
Es imprescindible mencionar que mi compañero de estudio y artista Le Frère también expondrá su ironía y buen hacer con una serie de retratos de personas famosas por diferentes cosas, a las que mezcla, sabotea, deja en paños menores o hace que brille más su estrella. ¡Así que el 14 de septiembre a las siete esperamos que toda criatura curiosa se acerque por Fosforita para saludarnos en la inauguración!

«A mí me gusta pintar del natural, sin embargo, a partir de estos retratos la gente me fue encargando que ilustrase a sus seres queridos a partir de fotografías y yo los he hecho»

– Tu taller Fosforita Madrid se encuentra en el corazón del barrio de Lavapiés en Madrid ¿cómo es tu día a día allí?
La verdad es que es un lugar que ha pasado por diferentes fases y personas, tiene mucho hueso. Lleva más de seis años en pie y hemos construido en él de todo, siempre desde un estar decididamente artístico: conciertos, performances, exposiciones, clases, charlas, proyecciones, talleres, comidas, cumpleaños, festivales, siestas, mercadillos, subastas… Aunque desde que me he puesto en serio con la tesis doctoral, que precisamente versa sobre este espacio artístico, paradojas de la vida, he pasado menos tiempo de lo que deseaba en él.
Sin embargo, a partir de este inicio de curso del 2019 y junto a mi compañero Le Frère, tenemos la intención de poner en marcha la asociación, de hacer más eventos artísticos, de disfrutar de nuestros vecinos, vecinas y vecines y de toda la gente que nos ha seguido y a la que queremos mucho también… ¡Y de salir a explorar otros universos!
Mientras tanto, en el día a día nos saludamos y nos ponemos cada cual a lo suyo, en mi caso, casi siempre a pintar.

«Fosforita Madrid lleva más de seis años en pie y hemos construido en él de todo, siempre desde un estar decididamente artístico: conciertos, performances, exposiciones, clases, charlas, proyecciones, talleres, etc»

– A finales de julio participaste junto al artista Le Frère en el montaje de la ópera Pimpinone de Teleman, una ópera de cámara que se presentó en el Teatro Principal de Zamora ¿cómo fue esta experiencia?
¡Sí! ¡Fue fabuloso pintar un telón barroco de seis por seis junto a mi compi de faenas mientras sucedía la ópera en el escenario!
Marta Eguilor, que es una directora de escena de Ópera nos lo propuso y respondimos un sí rotundo. Así que nos disfrazamos de soldados rasos de las SS para esta interpretación, y a las órdenes de nuestro oficial, el cantante, que adora a Telemann nos ponemos a participar en una meta ópera sobre Pimpinone, junto a él y su criada judía, hasta que de repente, todo se tuerce y se para, como una muerte súbita, roja y perversa. Ha sido fantástico conocer cómo se trabaja en la Ópera, conocer a la cantante y al cantante, a la pianista y hacerlo en Zamora, en su lindo teatro principal, puesto que es la ciudad que vio nacer a mi padre. ¡Tenemos muchas ganas de más!

«¡Fue fabuloso pintar un telón barroco de seis por seis junto a mi compi de faenas mientras sucedía la ópera en el escenario!»

– Además de esta colaboración ¿en qué otros proyectos de artes escénicas has participado y cómo es tu relación con este medio?
María Folguera, dramaturga, escritora, directora de teatro, actual directora del Teatro Circo Price y amiga sabia que me transmite mucha confianza, me propuso participar en su obra “La guerra según Santa Teresa” junto a la actriz Julia de Castro y el actor Carlos Troya. De esto hace más de seis años, la última vez fue en el Festival de Otoño del año pasado en el Teatro Pradillo. Con esta obra me siento en escena como una especie de médium, de tercer elemento discordante, como una bola adivinatoria que anticipa o transcribe los antojos del tiempo. Me sitúo en un rincón y pinto, también me levanto y digo alguna frasecilla de Santa Teresa de Ávila… También he participado en otras obras de teatro organizadas por estudiantes como como actriz o he participado en una varieté junto a mi prima y actriz Rut Castronuovo que se llamó “La tremenda”, y también sola, en fiestas.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?
Sobre todo compartir mi vida con todas la lindas criaturas a las que amo y amaré, mis caritas.
Luego depositar la tesis doctoral y mientras esto va sucediendo pintar y organizar la actividad artística educativa de Fosforita Madrid. A largo plazo, escribir un libro, plantar un árbol… seguir haciendo lo que hago, no mejor porque es imposible y cobrando muchísimo más (risas).

«Seguir haciendo lo que hago, no mejor porque es imposible y cobrando muchísimo más (risas)»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad
No tener miedo a quedarme sin dientes.

«Deseo no tener miedo a quedarme sin dientes»

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Instagram Eva Zaragozá @eva.ezm

Eva Zaragozá en Hybrid Art Festival

Fosforita Madrid

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«Me interesa el poder del arte para sanar y transformar»

Sonia Li nació en Taiwán y creció en diferentes países. Finalmente se estableció en la ciudad de Nueva York, donde se hizo un nombre como artista visual y de instalación. Vivir en diferentes países la convirtió en una persona fuerte e independiente, rápida en adaptarse a cualquier entorno.

Sonia hace arte del yo, inspirada por las etapas que ha experimentado en su transformación personal. Sus trabajos en video e instalación utilizan elementos de la naturaleza para representar metafóricamente estos cambios internos. Ella crea imágenes viscerales y experiencias que resultan al espectador exuberantes e intoxicantes. Al trabajar con tecnología interactiva, sus instalaciones inmersivas ofrecen un espacio para que los visitantes reflexionen sobre sí mismos.

Sonia es inteligente, alegre y cálida, una artista con tantos matices como su trabajo.

– Naciste en Taiwán, pero te mudaste a Nueva York cuando eras muy joven. ¿Qué significó este cambio para ti?

Me mudé a Nueva York dos veces. La primera vez que estuve fue durante dos años, mientras estudiaba secundaria. Luego en 2001 volví a mudarme para ir a la universidad, y he vivido en Nueva York desde entonces. Me crié entre varios países y los desafíos han hecho que me pueda adaptar a las situaciones rápidamente, desarrollando un fuerte sentido de mí misma desde muy joven. No fue nada fácil crecer en el extranjero, pero me acostumbré a estar sola la mayor parte del tiempo.

«Los desafíos han hecho que me pueda adaptar a las situaciones rápidamente, desarrollando un fuerte sentido de mí misma desde muy joven»

– ¿Cómo influyen la danza y la psicoterapia en tu vida y trabajo?

La vida es una caja de sorpresas y una serie de coincidencias que me acabaron llevando a la danza. Recuerdo claramente cómo hace dos años en una de mis primeras clases sentí que me había encontrado con un ser superior. Sabía que esa intensa espiritualidad venía de conocer a mi verdadero yo por primera vez, y nunca sentí tanta certeza y claridad en mi vida. Estar en contacto con mi verdadera identidad conduce a cambios inmensos en mi sistema de creencias: dejar de lado las cosas que ya no me sirven, pensar menos y hacer más. Gracias a este proceso puedo cultivar la fuerza interior mediante el acto de de crear mis propias realidades. Veo que confío cada vez más en mi intuición y juicio práctico.

Mi trabajo es una extensión de mí misma y refleja metafóricamente las diferentes etapas de mi transformación personal. Lo observo como una demostración visual de mis cambios internos.

«Mi trabajo es una extensión de mí misma y refleja metafóricamente las diferentes etapas de mi transformación personal»

La danza es un lenguaje que estimula a nuevas células que se interconectan creando nuevas vías neuronales. La plasticidad del cerebro se adapta constantemente a los cambios físicos del cuerpo afectando a la percepción, la comprensión y a la memoria. Veo mi trabajo como una evidencia visual de mis cambios internos. En las imágenes en movimiento que capto después de bailar, está claro que mi cerebro forma nuevas vías neuronales según las actividades físicas que realizo.

Fotogramas tomados cada 10 segundos. Cada elemento se mantuvo dentro de su propio parámetro y no cambia mucho. Esto fue hecho cuando estaba haciendo más trabajo corporal somático interno

Fotogramas tomados cada 10 segundos. Los elementos cambian rápidamente y salen de sus propios parámetros. Esto fue realizado cuando comencé a tomar clases dinámicas de baile.

Me interesa el poder del arte para sanar y transformar. Investigué entornos multisensoriales (MSE), espacios terapéuticos especializados para personas con discapacidades cognitivas para permitirles tener interacciones emocionales y físicas. Las experiencias artísticas que diseño mezclan investigación MSE en terapia sensorial, neurología y psicología.

«Me interesa el poder del arte para sanar y transformar»

– En el momento de crear, ¿cómo es tu relación con la tecnología?

La tecnología es una herramienta muy maleable. Activa conceptos artísticos que en el medio tradicional de bellas artes solo se pueden alcanzar metafóricamente. Aunque los conceptos de mi trabajo están muy enraizados en la expresión de las bellas artes, la tecnología hace que la experiencia de mi obra cobre vida para que los visitantes puedan experimentar y participar a nivel intuitivo.

«La tecnología hace que la experiencia de mi obra cobre vida para que los visitantes puedan experimentar y participar a nivel intuitivo»

Trabajar en el ordenador puede ser duro para el cuerpo y trato de estirar y moverme cada dos horas. Incluso así, noto claramente la factura que le pasa a mi cuerpo. Espero que en el futuro haya soluciones más saludables para los que trabajamos con el ordenador.

– ¿Qué artistas son una referencia para ti?

Mi educación ha sido en Bellas Artes. Me interesa el trabajo de Louise Bourgeois, quien infundió a sus obras femeninas y surrealistas de metáforas sobre la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el subconsciente. Me encanta la energía en bruto de las pinturas de El Greco. Siempre he disfrutado con el expresionismo alemán, la arquitectura gótica y el arte.

– En varias piezas, como en la instalación de Whale, se busca la participación del público, ¿cómo integras su participación en el trabajo?

El arte se crea para devolverle su reflejo al espectador. Yo creo experiencias interactivas con la tecnología. En ese sentido, son las experiencias de los visitantes las que hacen el trabajo. Pienso en estas instalaciones como una vía para que cada individuo se ponga en contacto con su ser interno. Los visitantes conectan con estas experiencias en sus propios términos y crean conexiones emocionales personales.

«Pienso en estas instalaciones como una vía para que cada individuo se ponga en contacto con su ser interno»

Whale es una instalación de sonido interactiva multicanal. Está inspirada en el trabajo positivo que estaba haciendo en psicoterapia, y quería hacer una experiencia que capacite a cada individuo. El visitante se tumba en una cama vibratoria subsónica, experimentando ondas de vibración a través del cuerpo. Al hablar por el micrófono, la voz del usuario activa sonidos de ballenas. El sonido es un material en el contexto de la escultura. Al usar técnicas para esculpir y espacializar el sonido se crea un campo de sonido expansivo en el que el visitante se siente «envuelto» e «inmerso». Cuando entrevisté a los visitantes, cada uno tuvo una experiencia muy distinta, desde meditativa, feliz, pacífica hasta poderosa, intimidante y de otro mundo. Cada una de estas descripciones es muy personal y muestra mucho de cada visitante y su propia psique.

– Aunque vives en un entorno urbano, su trabajo contiene muchos elementos de la naturaleza: lluvia, flores, animales o sonidos de pájaros, ¿representan mejor tu interior y su transformación?

La naturaleza es tranquilizadora para mí y siempre de manera inconsciente tengo tendencia a ir hacia ella. Me gusta su carácter universal y cómo todo el mundo puede relacionarse con ella a su manera. En Drawing Rain, una instalación de performance inmersiva, elaboré un ambiente mediante el acto de dibujar y los sonidos de lluvia como metáfora de mi espacio emocional interno. El dibujo digital en vivo genera los aspectos visuales orgánicos de lluvia y los sonidos de lluvia espacializados.

– Has creado piezas de video arte que integran danza  y también has elaborado instalaciones, ¿alguna vez has hecho presentaciones en vivo?

He hecho dibujo en directo como artista visual, pero todavía tengo que actuar en danza frente al público. Estoy perfeccionando mi cuerpo para poder bailar más eficazmente y sin esfuerzo, pero por ahora prefiero bailar para mí sola.

– De la experiencia de tus trece años viviendo en Nueva York, ¿cómo es el ambiente de arte contemporáneo en la ciudad? ¿ha sido determinante para ti desarrollar tu trabajo?

Nueva York tiene una próspera escena artística en todas las categorías artísticas. Tengo la suerte de haber visto muchas exposiciones y obras importantes que llegan a la ciudad. Ver muchos tipos diferentes de obras me permitió desarrollar una comprensión innata de la expresión artística que me resulta genuina como mi propia voz.

«Ver muchos tipos diferentes de obras me permitió desarrollar una comprensión innata de la expresión artística que me resulta genuina como mi propia voz»

– Es la tercera vez que has estado en España, ¿qué impresión tienes de nuestro país?

Disfruto muchísimo de España y de la gente, y aquí bailo mucho. Madrid me recuerda mucho a cómo crecí en Taiwán. Fui a Toledo y me sentí feliz de haber visto las Visiones de El Greco en la vida real. La comida es increíble, ¡me encanta el atún y las aceitunas españolas!

«Madrid me recuerda mucho a cómo crecí en Taiwán»

«Disfruto muchísimo de España y de la gente, y aquí bailo mucho»

– ¿Cómo es un día normal en tu vida y en tu trabajo?

Bailo por las mañanas y trabajo por la tarde. Vivir la vida como bailarina y artista significa que mi vida diaria está dedicada a la práctica estructurada y disciplinada de estas formas de arte.

«Vivir la vida como bailarina y artista significa que mi vida diaria está dedicada a la práctica estructurada y disciplinada de estas formas de arte»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar y dónde te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Actualmente estoy investigando sobre Inteligencia Artificial y trabajando en Movement, una instalación interactiva en la que los bailarines generan la experiencia, incorporando video inmersivo, sonido y sensaciones corporales. Toma elementos prestados de Whale, usando una configuración y técnica parecida para moldear y espacializar el sonido y generar sensaciones viscerales. El video-arte que hago regularmente después de bailar retiene la energía de una óptima conexión mente-cuerpo, y sus imágenes se usan como parte del movimiento. Mi trabajo es a gran escala y lo veo en lugares como museos, festivales y lugares donde las personas se reúnen para compartir experiencias. Siempre estoy interesada en escuchar ideas para colaborar de todo tipo de personas.

Voy a dar una charla de artista el 5 de mayo a las 5pm (hora de Nueva York) en Brooklyn Research, un espacio de innovación tecnológica (más información abajo). Moviment formará parte del FILE Festival en Sao Paulo, Brasil, en la SESI Gallery of Art, del 3 de julio al 12 de agosto de 2018 ¡es un honor formar parte del festival de new media más grande de Sudamérica!

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Me gusta ir a museos y galerías, pasear por el parque, jugar con perros y hacer grabaciones de video y sonido. En verano me encanta ir a la playa.

– Un sueño que te gustaría hacer realidad

La paz mundial

Traducción: María Romler

Más información

Sonia Li

Conferencia en el Brooklyn Research

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«Intento que la distancia entre mi yo y mi trabajo no sea tan grande»

Juan Yuste es artista plástico nacido en Bilbao. Su vida dió un giro en el momento que decidió estudiar arte dramático y fotografía.
Se trasladó a Madrid, donde sintió que ya no tenía que buscar otro lugar para poder desarrollar sus ideas. Una ciudad que sólo cambia por Berlín, donde actualmente reside y da a conocer su obra.
Su trabajo fotográfico y de performance se desarrolla alrededor del cuerpo y de intimidad de los espacios privados. El cuerpo que muestra en sus obras aparece desnudo, con un rostro que cada vez se oculta más para que  podamos sustituirlo por el nuestro. La naturaleza siempre está presente, enredándose en el cuerpo o acogiéndolo, iluminándolo con una luz fría y melancólica.
Una obra que pretende ser bella y atemporal sin estar sujeta a las presiones de las modas y tendencias del arte contemporáneo, con la que todos podamos sentirnos identificados.
Juan nos descubre a un artista íntegro y honesto con su trabajo, que no tiene prisa, pero cuyos pasos dejan huella.

– Naciste en Bilbao, ¿cómo fue tu vida allí?
Bastante tranquila. Crecí en un pueblo muy pequeño a las afueras de la ciudad con muy pocos habitantes. Era un niño tranquilo y estaba bastante a gusto estando a solas y no tenía muchos amigos. Me gustaba leer y siempre estaba dibujando. Ahora mismo que estoy acostumbrado a vivir en grandes ciudades (Madrid y Berlín) y el tema del transporte cuando voy allí lo llevo fatal, tardar 30 minutos a una hora para hacer cualquier cosa. De hecho en la ciudad ya casi me desplazo únicamente en bicicleta. También llevo bastante mal el clima del norte, la lluvia y el no ver el sol (aunque sorprendentemente en mi trabajo prefiero ese tipo de luz tamizada). Y ahora vivo en Berlín, para que veas cómo me contradigo (risas).
Ahora cuando regreso, la verdad es que para unos pocos días sí que me gusta estar en esa paz, subir al monte, hacer fotos, la tranquilidad, el silencio de los árboles y las montañas. Pero siempre acabo agobiándome y necesito volver a la ciudad.

«Era un niño tranquilo y estaba bastante a gusto estando a solas y no tenía muchos amigos. Me gustaba leer y siempre estaba dibujando»

– Te trasladaste a Pamplona, donde cursaste estudios de Comunicación Audiovisual pero los abandonaste para volver a Bilbao y estudiar Arte Dramático ¿qué supuso para ti esta decisión?

Pues según estaba haciendo el primer año de carrera me fui percatando que aquello no me motivaba ni me emocionaba nada, y es una universidad carísima. Me apunté a talleres de danza, teatro y canto por las tardes y estaba en el grupo de teatro de la universidad, todo muy light y amateur, pero me fui dando cuenta que esas clases y talleres me estimulaban muchísimo más que las clases en la universidad así que poco a poco fui plantando la idea en la cabeza de mis padres, que fueron extremadamente generosos y me dieron su apoyo en la decisión. Los años de la carrera de teatro en la escuela de teatro de Getxo fueron de los más felices de mi vida, especialmente los dos últimos, gracias al equipo de docentes y mis compañeros. Además todas las tardes iba al estudio de ballet, a danza contemporánea, clases de canto lírico y cantaba en un coro. Y si encontraba algún taller o master class los fines de semana me apuntaba. Me levantaba a las 6 am y llegaba a casa entre las 10 y las 11pm. No tenía mucha vida fuera de los estudios pero era muy feliz.

«poco a poco fui plantando la idea en la cabeza de mis padres, que fueron extremadamente generosos y me dieron su apoyo en la decisión. Los años de la carrera de teatro en la escuela de teatro de Getxo fueron de los más felices de mi vida»

– Posteriormente cambiaste tu residencia a Madrid para ampliar tu investigación en artes escénicas y artes plásticas ¿qué ha significado y significa Madrid para ti?

Siempre digo que Madrid es el amor de mi vida, con la que tengo una relación abierta, sólo para Berlín. Cuando llegué a Madrid, esa inquietud, esa necesidad y urgencia desapareció. Ya no sentí que tuviera que estar en otro lado. Estaba en casa y no tenía que ir con pies de plomo.
A nivel formativo también supuso la constatación de lo que yo era y lo que hacía. Asenté las bases de cómo hacer lo que hacía y empecé a dar forma a mi propio lenguaje. Todo lo que aprendí, en especial en los talleres de Performance con Antonio Ramírez-Stavibo, que fue quien me enseñó a enseñarme a hacer. Sin dirigirme me hizo de guía y dejó que yo fuera descubriendo sin juicio.

«Cuando llegué a Madrid, esa inquietud, esa necesidad y urgencia desapareció. Ya no sentí que tuviera que estar en otro lado. Estaba en casa»

– Llevas trabajando desde hace años el autorretrato, tanto del rostro como de cuerpo entero, en un estudio montado en tu casa ¿por qué decidiste trabajar sobre ti mismo?

Por una serie de razones. En primer lugar, porque yo soy lo que tengo «más a mano». Viniendo del mundo de las artes escénicas, estoy acostumbrado a trabajar con el cuerpo y
es lo que mejor se utilizar, cómo puedo explotarlo y qué puedo esperar de él. Y mi cuerpo es el que mejor conozco. Además siempre tiendo a hacer cosas desde el punto de vista autobiográfico, aunque sean medios o lenguajes distintos, y creo que a través del cuerpo es más fácil porque se personaliza.

– Siempre muestras el cuerpo desnudo, el de tus modelos y el tuyo propio
Me sucede que la ropa me molesta, especialmente en el medio fotográfico, donde se tiene que contar todo a través de una única imagen, y todo lo que aparece en la misma cuenta, por lo que muchas veces me encuentro que la ropa es una interferencia no deseada en el resultado.

– Tu entorno más íntimo aparece en tu obra: tu habitación, tu cama, las sábanas, el suelo o la ventana ¿un lugar con el que todos podemos vincularnos? Desde luego, y una vez más, regreso al tema de la cercanía y la conveniencia. Si quiero hablar de mí y de lo que siento, para mí tiene más sentido a través de lo que conozco y me es familiar, como aquello que me rodea a diario y mis espacios de intimidad.
Me ocurre además que como con la ropa, el paisaje urbano está lleno de interferencias y colores que tienen la función de crear muchos estímulos que en mi fotografía son contraproducentes, aunque estoy empezando a utilizarlos en un nuevo proyecto, por ello me siento más a gusto fotografiando espacios donde puedo controlar qué aparece y qué no.
Así como la urbe y la luz del sol me encantan en mi vida, en mi arte no tienen mucha cabida, y quizás así esté mostrando la otra cara de la moneda.

– ¿Cómo decides qué fotografías mostrar como trabajo final y cuáles descartar después de todo el proceso?

Por general ya tengo una idea de lo que voy buscando antes de tomar las fotos, en líneas generales. Luego me siento con todo junto y voy eligiendo las fotos que más se asemejan a la idea original que yo tenía o aquellas que a través de la serendipia me han llevado a terrenos más interesantes o que superaban mi idea inicial. Después con todas esas imágenes intento crear series que tengan una lógica sucesión orgánica, o alguna relación formal o semántica.
Anteriormente trabajaba mucho a través de imágenes únicas, pero cada vez me siento más a gusto en el medio de las series ya que te permiten más errores y más posibilidades.

– En tus últimos proyectos las figuras, incluida la tuya, no muestran el rostro, bien porque aparece a contraluz, tapado por las manos o porque la figura aparece de espaldas…

A pesar de trabajar ampliamente el autorretrato, todos empezamos en algún lugar y vamos descubriendo nuestras limitaciones y nuestro potencial, por lo que paulatinamente mi cara fue desapareciendo o fue desdibujándose de las imágenes para dejar paso a algo más ambiguo y misterioso. Me interesa mucho el misterio en el arte.

El rostro, así como la ciudad, tiene excesiva capacidad narrativa y expresiva así que, consecuentemente, al cubrirlo, nos damos una mayor libertad en la interpretación, despersonalizamos a la figura de la imagen, que ya no tiene rostro y le podemos poner el nuestro. Así mismo, cuando empecé a tomar fotos de otras personas, apoderarme de su imagen me hacía sentir muy incómodo y poco merecedor, por lo que al cubrir el rostro me daba más tranquilidad para poder trabajar con la persona sin sentir que le estaba robando algo de forma ilegítima.

«Me interesa mucho el misterio en el arte»

– La naturaleza es un elemento muy importante en tu obra, en la que aparecen bosques, lagos, árboles y plantas, como un entorno, pero también se enreda en el cuerpo o realizas con ella paralelismos entre las cicatrices del cuerpo y las marcas sobre troncos de árboles o piedras.
El trabajo sobre las cicatrices, fue un experimento que si bien estéticamente ahora mismo no tiene mucho interés y es un tema sobre el que se ha incidido ya (posteriormente he visto trabajos similares, aunque ahora sólo lo tomo como un ejercicio), sí que me sirvió para varias cosas. En primer lugar, tomar fotografías a otras personas, y a espacios o rincones sin necesidad de un cuerpo humano, pero que asemejara ciertas características de lo humano, me ayudó a empezar a sentirme cómodo saliendo de mi zona segura del autorretrato y el cuerpo. Aprendí también mucho sobre como formar series y la importancia de la secuencia, y la conversación entre dos o más imágenes en un mismo soporte. La naturaleza, me da todo eso que el paisaje urbano obvia, la paz y el equilibrio. Es casi imposible hacer una mala foto, una foto donde algo chirríe o nos saque de contexto si esta es sacada en un espacio natural, por lo que me dan el control necesario en mis imágenes y no siento que nada sobre.

– En tus últimas fotografías siempre trabajas con luz natural y casi siempre fría, como un día nublado constante ¿fue una decisión estética tomada desde el comienzo de la creación o una conclusión a la que llegaste después de observar todo el trabajo en conjunto?
Más bien lo segundo. Vas probando y vas viendo cuáles son tus fuertes, y cuáles son las imágenes que más te remueven o te atraen hacia sí, para seguirlas por su camino. Trabajar con luces fuertes es complejo, la intensidad de los colores y las dinámicas de luces y sombras se disparan y me hacen muy difícil el camino al resultado que busco. Poco a poco fui dándome cuenta de que los extremos en la foto me eran muy difíciles de controlar y opté por algo más calmado, reflexivo o melancólico a diferencia, otra vez, de mi vida, que es extrema y caótica.

«opté por algo más calmado, reflexivo o melancólico a diferencia, otra vez, de mi vida, que es extrema y caótica»

– Te preocupa que tu obra tenga un criterio ético ¿cómo tratas de aplicarlo?
Básicamente, intentando ser buena persona. He conocido muchos artistas donde lo más importante era su arte y su carrera, y yo admiraba mucho su trabajo, pero luego resultan ser personas despreciables y para mí su arte deja de tener valor en el momento en el que ves como son y que no están a la altura de la grandeza de su trabajo. Todos tenemos nuestras taras, pero intento que la distancia entre mi yo y mi trabajo no sea tan grande. ¿Qué sentido tiene realizar una obra para el bien mayor, pontificando sobre derechos sociales y humanos cuando en casa uno se comporta como un desalmado? Yo soy persona antes que artista, porque precisamente de mí mismo es de donde sale mi arte.

«intento que la distancia entre mi yo y mi trabajo no sea tan grande»

– También para ti, tu obra artística debe ser accesible y tener un criterio estético ubicable en cualquier momento ¿buscas la atemporalidad?

Sí, y creo que también esto actúa en mi perjuicio, porque el mundo del arte y más en la actualidad todo está muy sujeto a tendencias, a “lo que se lleva” y puede que eso perjudique la salida que pueda tener mi trabajo en mercado. Se me ha criticado de “bonitismo” porque yo soy un esteta y quiero que todo sea bello, y con esto no estoy diciendo que las obras que se llevan ahora carezcan de criterio estético, pero sí que existen “booms” en ciertas corrientes que se acaban disipando, y yo quiero que lo que haga sea bello aquí y ahora y en Saturno dentro de 5000 años. Creo que es importante hacer el trabajo que uno quiere hacer, independientemente de las corrientes o las modas.

– ¿De qué obra te sientes más orgulloso hasta el momento?
A nivel fotográfico aún no me siento plenamente orgulloso aún de ninguno en particular, siempre a uno le gustan más los últimos porque se aproximan más al momento en el que uno se encuentra, pero todavía es un medio que creo que sigo investigando y asentándome en él. Me gusta el trabajo que estoy realizando NOLA en el que hablo de la ruptura y la imaginación, cuando alguien se imagina su vida y el futuro con otra persona pero esa relación se acaba y todas esas imágenes que uno había creado en su cabeza, la ilusión, ¿dónde van? Yo ahora busco reproducirlas, aunque el trabajo aún está en inacabado y en proceso.

Me gustó también El verano interminable como concepto, pero a nivel estético es el trabajo con el que soy más autocrítico. Mi último fotolibro The cure también me hace bastante feliz aunque se trata de un trabajo sencillo que hice con la cámara de mi móvil mientras estaba ingresado en el hospital y a nivel plástico no es muy “yo”, no es mi estilo más reconocible, pero sí que ha tenido muy buena acogida entre el público.

Aunque no es individual, el trabajo que hice con Irene Cruz y María JL Hierro titulado Lurra, sí que me hizo bastante ilusión, porque fue un trabajo muy conjunto donde todos tuvimos voz en el proceso y quedé muy contento con el resultado.

De las cosas que sí me siento orgulloso son de mis trabajos en teatro experimental y performance, aunque en este momento no esté desarrollándolos tanto, porque en ellos también podía aplicar mi escritura poética y en la escena sentía que podía hacer lo que me diera la gana, y es un medio donde me movía como pez en el agua. Tal vez mis primeras obras Que teme a la madrugada y Quiero ser un monstruo son las más especiales, porque tuvieron mucho tiempo de incubación y fueron evolucionando a través de su recorrido, amén de ser las primeras.

– Trabajas en colaboración con la artista Irene Cruz ¿cómo es tu relación con ella y qué puntos en común en la obra habéis encontrado para llegar a colaborar?

Irene ante todo es mi amiga. Ella me enseñó Berlín por primera vez, que me trajo aquí para exponer Lurra y hacer una performance. Realmente teníamos poco en común salvo estar en el circuito de arte contemporáneo. Coincidimos en una feria en Galicia y me dijo que le gustaban unas fotos que había hecho y que le gustaría hacer algo conmigo, y al ser una persona a la que admiraba estaba incrédulo. De ahí nació Lurra. Nuestra relación fue creciendo de forma natural y gradual y de compañeros pasamos a amigos. Admiro mucho su ética de trabajo, su mente para los negocios privilegiada y el amor que tiene por lo que hace, y como persona es aún mejor.

– Las performances y los poemas que escribes ¿qué vínculo tienen con las fotografías y en qué se diferencian?
Para mí es todo lo mismo, son diferentes extremidades de un mismo cuerpo. Todo es poesía, en la escena es tridimensional y orgánica y está viva y en movimiento y en la fotografía es una imagen o una serie de imágenes que forman el poemario.

– Después de temporadas cortas has trasladado tu residencia a Berlín, una ciudad muy importante para ti ¿qué ha supuesto para ti esta cambio?

Llevaba mucho tiempo en un sitio y supuse que necesitaba un cambio en mi vida para sacudir mi mundo creativo y darle un empujón. Llevaba años soñando con vivir aquí, por lo que después de dejar mi trabajo de tres años en una escuela de negocios internacional -sí, los artistas tenemos otros trabajos para sufragar nuestro arte, sorpresa… (risas)- sentí que era el momento. Quizás me quede aquí seis meses, quizás un año, quizás toda la vida, pero planeo volver a Madrid con frecuencia por trabajo, y porque la echo de menos. Ojalá poder escindirme cual ameba para poder estar en ambos sitios.

– Desde tu experiencia ¿qué opinión te merece el mundo del arte contemporáneo? ¿se puede vivir del arte en España? ¿qué problemas has encontrado?

El mundo de arte contemporáneo es como una mala pareja, la quieres y la necesitas pero a veces te planteas dejarlo. Conozco a pocos artistas que vivan 100% del arte y ventas. Casi siempre alternan trabajos relacionados o derivados del propio arte como la docencia o una aplicación más comercial a la disciplina (fotografía comercial, diseño, ilustración, redes sociales…). El mayor problema es que socialmente y en consecuencia institucionalmente, no está considerado como un trabajo a tiempo completo, sólo algo que se hace en el tiempo libre o como complemento al trabajo de uno. Por eso no hay sistemas de apoyo ni existe una idea generalizada de que el arte también se puede comprar para que el artista pueda comer. Sólo venden suficiente como para poder vivir aquellos que están en los niveles más altos del mercado.
Dicho esto, creo que la diversificación también es conveniente. Dedicarme a una única cosa no es para mí.

«El mundo de arte contemporáneo es como una mala pareja, la quieres y la necesitas pero a veces te planteas dejarlo»

– Has presentado tu trabajo en numerosas ferias de arte contemporáneo como Art and Breakfast, We Are Fair, Room Art Fair, Cuarto Público o muy recientemente en Hybrid, con el espacio La Ecléctica, creado por María JL Hierro que también formó parte del proyecto Lurra ¿cómo te sientes en este ambiente en contacto con el público que ve tu obra? ¿qué comentarios te hacen sobre ella?
En efecto. Me gustan las ferias, aunque en muchas ocasiones estar en ellas no sale rentable a nivel económico (no olvidemos que las ferias son para vender y comprar arte), pero siempre es gratificante y recompensa con respecto a la visibilidad que le dan al trabajo de uno, el networking y las sinergias que pueden crearse con otros artistas, colectivos o espacios. Al principio no me sentía plenamente a gusto interactuando con gente al hablarles de mi obra, pero gracias a que tengo buenos amigos y maestros que me animaron a hacerlo, me he ido acostumbrando a presentarme a la gente y explicarles mi trabajo, que siempre es una buena forma de acercarles y darte a conocer, y ellos suelen apreciarlo.

– ¿Qué diferencias encuentras en la apreciación del arte en España y en Alemania?
Creo que en Alemania el trabajo del artista está más socialmente aceptado y hay muchos más beneficios o apoyos institucionales y fiscales para los que nos dedicamos a esto. También hay una cultura mucho menos del “aprovechamiento” o directamente del abuso, que en España. Ahora bien, sólo puedo hablar por Berlín, que es una ciudad históricamente rica en cultura pero pobre, donde quizás la gente no compra tanto arte, pero sí que acude a muchos más eventos y actividades culturales por costumbre, lo cual genera una educación y un respeto generalizado al trabajo del artista.

«en Alemania el trabajo del artista está más socialmente aceptado y hay muchos más beneficios o apoyos institucionales y fiscales para los que nos dedicamos a esto»

– ¿Qué consejo le darías a un artista que comienza?
Que no lo haga…(risas). No, bueno, ahora en serio. Que haga lo que haga, siga haciéndolo de forma constante, aunque tenga que depender de otros trabajos o modos de vida, porque si de verdad es lo suyo, las ganas de crear van a seguir emergiendo por cualquier lado. También que no tenga prisa en exponer y salir al mercado, que se pase unos años creando y buscando y equivocándose. Todos tenemos muchas ganas de cuando empezamos a crear algo nuevo sacarlo en seguida, mostrarlo, porque de ahí viene la gratificación del reconocimiento, pero cuando uno mira atrás se percata de que la mayoría de estos trabajos eran de baja calidad, estaban incompletos, o no estaban bien integrados en el cuerpo creativo del trabajo y eran meras pruebas.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?
Por lo pronto me gustaría volver a hacer algún trabajo escénico, pero es algo para lo que me tengo que centrar mucho, y necesito un espacio donde mis condiciones vayan a ser respetadas. Tengo alguna cosa en el cajón que todavía me parece relevante y me gustaría desempolvar.
Ahora mismo estoy planificando un par de series nuevas de fotos, pero no puedo adelantar mucho más salvo que seguirán mis líneas temáticas habituales, y que serán a través del hombre y el paisaje urbano nocturno.

– ¿Dónde te gustaría ver tu obra expuesta dentro de unos años?
Me gustaría tener una galería que me represente y que lleve mi trabajo a ferias de arte internacionales. También me encantaría mostrar mi trabajo en una expo individual en un centro de arte. Yo creo que con el tiempo y el trabajo llegará, pero no tengo prisa.

– Un sueño que te gustaría se hiciera realidad
Poder vivir del arte, que no se me acaben las ideas…viajar y vivir en paz.

«Poder vivir del arte, que no se me acaben las ideas,…viajar y vivir en paz»

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Juan Yuste

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La entrada Juan Yuste – Artista Plástico se publicó primero en YANMAG.

«Un cuerpo que no expresa sino que revela,
un cuerpo que danza lo que es,
un cuerpo que danza lo que está.” 

Cecilia Gala – Bailarina y performer

Cecilia Gala es bailarina y performer. Después de una carrera profesional enfocada a la danza contemporánea y al jazz, una experiencia personal cambió su manera de pensar el movimiento. Comenzó a interesarse por la danza japonesa Butoh, disciplina en la que profundizó en La Maison du Butoh Blanc en Francia y en Japón con los maestros Tenko Ima y Yoshito Ohno. Este movimiento busca ser antes que imitar y nace de los paisajes interiores y vivencias.
Cecilia es una persona sensible y cercana, habla despacio analizando y pensando cada detalle. Aquí nos habla sobre qué supone para ella la danza y cómo está relacionada con la vida.

“La bailarina del futuro será aquella cuyo cuerpo y alma hayan crecido juntas tan armónicamente que el lenguaje natural de ese alma se convierta en el movimiento del cuerpo…No bailará al modo de una ninfa, ni como un hada, ni como una coquette, sino como una mujer en su expresión más alta y pura…danzará la vida cambiante de la naturaleza de la naturaleza descubriendo cómo cada parte se transforma en otra”.


 Isadora Duncan.

«Soy pared, agua y mosquito, no veo la diferencia entre lo que soy y lo que pasa, eso bailo.  No sé si es Butoh lo que hago, lo que sé es que el Butoh fue el medio que me cambió la forma de mirar, y que buscando profundizar en ese mirada, llegué un día hasta Japón. Me gusta un cuerpo vacío, disponible, lleno de direcciones y de huecos que se dejan invadir por el espacio y que conforman el espacio mismo. Un cuerpo que encarna sueños, que suena, que se sorprende. Un cuerpo que no expresa sino que revela, un cuerpo que danza lo que es, un cuerpo que danza lo que está.»

Cecilia Gala.

 – ¿Cuándo comenzó tu interés por la danza? ¿influyó el ambiente familiar de alguna manera?


Cuando tenía  tres años, vi a un grupo de danza bailando una jota y me puse a llorar desconsolada por lo tantísimo que quería participar…al año siguiente estaba subida en ese mismo escenario  vestida de enanito. Desde entonces, he  seguido bailando.
 Creo que de un modo incidental sí, la mayor parte de mi familia tiene profesiones relacionadas con el arte, es lo que me ha rodeado desde pequeña e imagino que ha determinado  mi atención de algún modo. Mi padre, además de peinarme con una coleta en la coronilla y la otra en la oreja, darme sugus para merendar, y hacerme dar “vueltas a la manzana” dentro de casa y rodeando a la fruta sobre una mesa circular, se ha ocupado de hacerme ver que tener agua, pasear  y  conversar, es  de lo más importante, y también, de llevarme a sitios que aunque en ese momento  yo no llegara a entender, de un modo u otro  siempre me han sorprendido.  De su mano, pude ver por primera vez a La Ribot.

«Mi padre se ha ocupado de hacerme ver que tener agua, pasear y conversar, es de lo más importante»

– ¿En qué estilos te has formado?

Comencé estudiando Teatro Musical con Víctor Ullate Roche en su estudio de Madrid, y al terminar, marché a Niza para seguir formándome en danza jazz porque allí en ese momento, la mayoría de estudios de danza contemporánea y jazz estaban de algún modo más consolidados que aquí y  eran reconocidos como oficiales. 
Cuando volví a Madrid hice el Grado en Artes Visuales y Danza en la Universidad Rey Juan Carlos. Supongo que como ocurre en todas las disciplinas, la carrera me mostró muchas puertas y luego cada uno se tiene que encargar de abrir y profundizar en las que más le inquieten.

– ¿Qué hizo cambiar tu percepción del movimiento y  tu manera de bailar?
Lo tendría dentro, pero una vivencia con mi madre fue el claro catalizador para ello.
Ella sufrió un derrame en el cerebro que le hizo perder  sus capacidades. Ahora está mucho mejor. Cuando empezó a recuperarse, tuvo que aprender de nuevo a construir su vida a partir de otros límites y recorridos desconocidos en su cuerpo y en su percepción tanto de lo interno como de lo externo. Tenía un nuevo contexto y se planteaba  absolutamente, un nuevo escenario.
Yo en ese momento estaba muy triste y en cierto modo bloqueada, y tampoco me podía mover como lo había hecho hasta entonces. Era incapaz de seguir una coreografía con un tempo pautado o una forma determinada,  mi cuerpo no quería seguir algo que no  partiera de una escucha a su propio ritmo, a su inercia natural.
En ese momento, apareció la danza Butoh.

«mi cuerpo no quería seguir algo que no  partiera de una escucha a su propio ritmo o a su inercia»

– ¿Qué es el Butoh para ti?
Creo que el Butoh son muchas cosas … es un modo de percibir, un medio de danzar tu propio cuerpo, los paisajes internos y externos, una vía para apreciar lo que tengo y lo que está.
– ¿Cómo fue tu primer contacto con el Butoh?
A la edad de siete años, con Wendell Wells.
Vi por la ventanita de la escuela a la que iba a bailar los fines de semana, a un cuerpo retorcido con la cabeza totalmente afeitada y tatuada, y con el iris de los ojos escondido; ojos blancos. Me encantó.
Nos proponía caminar suavemente por un suelo hecho de papel de arroz y embriagarnos sin estarlo. Yo en ese momento no sabía qué era estar borracha pero le entendía.
Salías borracho de ti.

«Nos proponía caminar suavemente por un suelo hecho de papel de arroz y embriagarnos sin estarlo.»

  – ¿Y después de eso…?
Diecisiete años más tarde, con veinticuatro años, más causal que casualmente, justo después de que mi madre se recuperara un poco del acontecimiento, mi hermano me alentó para ir a visitarle unos días a París. Así, hice una búsqueda bastante absurda en Google: “danza en París agosto” y apareció el nombre del maestro de Butoh Masaki Iwana.
No lo asocié a lo que había hecho de pequeña, en aquel momento ni siquiera sabía que lo que aquello había sido, pero me gustaron sus textos, las imágenes, y el hecho de estar diez días en mitad de la nada completamente abstraída en la danza.
El primer ejercicio que nos propuso fue “danzar en el vientre de tu madre”.
Se me abrieron los ojos como platos…o se me cerraron… sentí que estaba donde tenía que estar.

– ¿Cómo fue tu investigación  y qué te aportó esta experiencia?
La idea de convertirse en algo en lugar de hacer de algo, no imitar lo propuesto sino que el cuerpo se convierta en ello. También aprecié mucho el indagar en la esencia de las cosas mediante la observación, la escucha, la espera…

Fue muy interesante la convivencia; la danza no nacía sólo en el estudio, sino que se iba formando con cada conversación que se mantenía al cocinar, limpiar, en los paseos…
También mucho silencio.
Trasladándolo a la danza en concreto, hay una frase de Robert Wilson que sintetiza muy bien esta percepción:  «La creatividad puede ser cualquier cosa, hacer pan, poner la mesa, organizar las sillas, u ordenar las flores. La manera en cómo vives, cómo caminas, cómo escuchas.»

«La idea de convertirse en algo en lugar de hacer de algo, no imitar lo propuesto sino que el cuerpo se convierta en ello»

 – ¿La Maison du Butoh Blanc ha sido tu principal referente en cuanto al Butoh?
Creo hay tantos Butohs como personas que lo hacen y he tenido la fortuna de poder conocer  el de muchos maestros  como Yuko Kaseki, Natsu Nokono, Valentin Tzsin, Yumiko Yoshioka, Isak Emmanuel, Minako Seki…pero sí, mis principales referentes y con los que he compartido en más tiempo y lugares, han sido Masaki Iwana y Moeno Wakamatsu.

«hay tantos Butohs como personas que lo hacen»

  – Te trasladaste a Japón durante un año para conocer el lugar de procedencia de esta danza, ¿cómo fue tu experiencia?
Quería estar allí, impregnarme de sus olores, de los colores de cada estación…
Miré miles de becas para poder trasladarme y en todas había que tener nociones de japonés, por aquél entonces yo no sabía nada, así que me decidí a presentarme al casting para para Shima Spain Village. Lo conseguí y me fui allí (los shows más freaks que he hecho en mi vida).
Todo allí es loco, por más que creas entender, hay muchas cosas que escapan a nuestra lógica, o por lo menos a la mía…maravilla.
En cuanto al Butoh, sorprendentemente me costó encontrar lugares y personas con las que compartirlo. La mayoría de artistas ahora residen en Europa, principalmente en Berlín que es donde encuentro que  la escena está más viva.
Allí tuve la suerte de encontrar a Yumiko Yoshioka en la prefectura de Mie, a Tenko Ima en Kyoto, y a Yoshito Ohno en Tokio.
Ohno es AMOR.  Su estudio está repleto de los vestuarios que empleaba su padre para las performances, de fotos con Pina Bausch…un sueño. Había preparado cena para que pudiéramos charlar y compartir después de la danza.

Al irnos, nos obsequió con un pedacito de algodón. Me lo puso en las manos y  dijo : “Tócalo, mira qué suave es…pero ahora, intenta romperlo, tira de los extremos ¿a que no puedes?…y es que la suavidad no está reñida con la fuerza y la resistencia”.
Conservo su regalo rodeando mis gafas dentro de la funda para que esta idea, me procure un buena visión ^.^

«la suavidad no está reñida con la fuerza y la resistencia»

– ¿Cómo preparas tus piezas, olvidas tu formación de danza más académica o la intentas incorporar a la creación?
Es imposible deslindarme de ella, forma parte de mí. Sigo yendo a tomar clase de contemporáneo y ballet clásico con una profesora maravillosa.
Sigo en esta dicotomía procurando que se den la mano, entendiendo que conviven y que una parte engrandece a la otra… Aún así, el encuentro no ha estado resultando tan evidente.
Creo que las nociones más “académicas” de danza que tengo,  facilitan y dotan de cierta  estructura al gesto de un modo inconsciente, mientras que el Butoh  da peso (físico también, ya que el centro del cuerpo se suele mantener muy bajo) profundidad, y muchas veces sentido.
Es una especie de oxímoron, probablemente en la aceptación de esta coexistencia encuentre el camino.

«Sigo en esta dicotomía procurando que se den la mano,  entendiendo que conviven y que una parte engrandece a la otra…»

– El Burlesque ha sido una fuerte influencia para ti a la hora de crear, y además lo combinas en ocasiones con la danza Butoh ¿qué relación encuentras entre los dos estilos?
Mi tía es trapecista, de pequeña estaba bastante tiempo con ella en el circo, me encantaba. Con uno de ellos, el Circo Raluy, hicieron temporada larga en Madrid. En la compañía también estaba una chica a la que llamaban Rouuusita, bastante “burlescosa”, y cuyos brillos hicieron que me fascinara con ella tal como lo hacen los mosquitos con la luz.
Trasladándolo al momento actual, me remito al  trabajo de fin de grado que versaba en torno al posible encuentro entre el Butoh y el Burlesque, di vueltas y vueltas en relación a los límites internos y externos que procuraban cada uno y el posible encuentro entre los mismos. Ahora, tras haber buscado y rebuscado, creo que lo que me seduce de ambos, es que en mí, comparten un motor completamente visceral.
La idea, quizás más visual o formal, es apoyarme en las aristas que dibuja el Butoh para que, si ha de hacerlo, surja lo curvo del Burlesque.

«lo que me seduce de ambos, es que en mí, comparten un motor completamente visceral»

– ¿Estás trabajando ahora en alguna pieza tuya?
Sí, en un conjunto de piecitas pequeñas ligadas por cinta de carrocero que se presentarán como una única obra. Hay nuevas, y también extractos de otras que he ido haciendo, de Ofelia y de Print en concreto, presentadas este pasado año en Espacio Labruc y la Galería La Isla, espacio con el que sigo colaborando para el proyecto de performance Fuego en el Jardín junto con cinco chicas más.

–  Además de tus proyectos individuales, ¿colaboras con otros colectivos?

Sí, Layers of Nakedness, un dúo con Tudi Deligne, artista plástico y bailarín de Butoh que vive en París. Fueron en su origen dos solos que, por circunstancias, se convirtieron en dúo. Hemos presentado la pieza en La Maison du Butoh Blanc y en Tenri, la asociación cultural franco-japonesa de París, y ahora estamos procurando residencias artísticas para poder seguir trabajando en él y salvar las distancias que impone irremediablemente la geografía.

Por otra parte, aquí en Madrid, formo parte del colectivo de Soundpainting Relate.
El Soundpainting es un lenguaje de signos para la composición multidisciplinar en vivo en el que participan artistas de diferentes ámbitos así como la danza, música, teatro y artes visuales. Para mí, el formar parte de este colectivo supone una oportunidad maravillosa para confluir con otras disciplinas así como lo considero una herramienta didáctica muy valiosa.

También formo parte en Madrid de un nuevo proyecto de la Cía. Svalbard, sobre el que estamos trabajando en el Centro de Danza Canal.

Sigo trabajando actualmente en la ópera Bomarzo que se estrenó a finales del mes de abril en el Teatro Real De Madrid.

 – Y en cuanto a la docencia, ¿te la has planteado alguna vez?
Sí. He estado trabajando algunos meses en una asociación de personas con diversidad funcional donde mi labor fundamental  era la de impartir clases de danza y de entrenamiento cognitivo.
Antes hablábamos acerca de qué era el Butoh o qué me parecía a mi…bueno, esto es  lo más Butoh que he hecho en mi vida. El trabajo con ellos es VERDAD.
Por ser necesaria, la escucha y la espera son constantes, y muy al contrario de lo que acostumbraba a vivir en otros ámbitos no ya profesionales sino de la vida cotidiana, éstas, se convierten en virtud.
Se ha descubierto para mí, y por ahí, una senda apasionante por la que no quiero más que continuar…

 – Un deseo…
Dar  gracias.

…e incluir un texto maravilloso de Lucas Condró y Pablo Messiez…

“Que baile todo conmigo cuando bailo.
Que bailen mi pasado y mi futuro.
Todas las veces que no pude bailar
que bailen cuando bailo.
Que bailen mis recuerdos con mis huesos,
que bailen los recuerdos de mis huesos
y mi dolor que también baile con mi dicha.
Que baile todo conmigo cuando bailo.”

Asymmetrical- Motion.

«la escucha y la espera son constantes, y muy al contrario de lo que acostumbraba a vivir.

Se ha descubierto para mí, y por ahí, una senda apasionante por la que no quiero más que continuar…»

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Cecilia Gala

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La entrada Cecilia Gala – Bailarina y Performer se publicó primero en YANMAG.

«Bailo ya que estoy viva e interactúo con los que están en el mismo espacio y tiempo porque no puedo ignorar a otras vidas que me rodean, tanto personas como la luz, el viento, la tierra, el olor»

Makiko Sese

Makiko Sese es bailarina japonesa afincada en España desde 2009, crea performances en las que la naturaleza siempre está presente y donde la interacción con el público es clave.

Traductora de literatura japonesa, alterna también esta actividad con presentaciones de Teatro Kamishibai para familias en las que acerca la cultura japonesa a través de relatos.

En 2011 se dio a conocer internacionalmente con el proyecto 1000 gruyas que llevó a cabo con colaboradores que buscaba la recuperación de Japón después del terremoto que asoló el país. Ahora centra su actividad en la danza y ha presentado recientemente trabajos en el Centro Conde Duque de Madrid y en Berlín.

Caminar con ella por las calles del barrio de Lavapiés de Madrid es descubrir nuevas sensaciones pues hace reparar a su interlocutora en todos los detalles y las personas que les rodean. En esta entrevista nos habla de su vida en España y su trabajo de performance.

Creciste en Kawasaki, muy cerca de Tokio, una zona rodeada de mucha naturaleza, ¿cómo fue tu vida allí?
¡Feliz! Solía jugar con mis compañeros después del colegio. Por suerte, teníamos mucho contacto con la naturaleza entre bosques, montañas, templos etc. No necesitábamos juguetes. Aunque dedicaba mucho tiempo a estudiar y practicar el clarinete desde secundaria, siempre allí está la naturaleza. Ahora se ha convertido en una zona residencial con muchas casas, pero gracias a los templos antiguos mantenemos zonas verdes y se puede disfrutar de grandes cerezos en flor, que son una maravilla en primavera.

«Solía jugar con mis compañeros después del colegio. Por suerte, teníamos mucho contacto con la naturaleza entre bosques, montañas, templos etc. No necesitábamos juguetes.»

Después de la visita a una amiga en Zaragoza, decidiste vivir en España, ¿cuál fue el motivo por el que decidiste trasladarte?
Por un plato que probé en un bar de esta ciudad, concretamente judías verdes con jamón, cuando la visité. Me atrajo la comidica, pero no fue ése el momento de tomar la decisión. Fue casi más de diez años después cuando vinieron unos amigos españoles a Japón. Me sorprendieron mucho porque ellos seguían el estilo de vida de España en Japón, o sea comer a las 14:00 y decidir asuntos improvisadamente… Y reconocí el “¡Viva la vida!”, ya que en aquella época yo era una pieza de una gran rueda, la de la vida en Tokio.

¿Qué choques culturales tuviste al comenzar a vivir en España?
“Las palabras se las lleva el viento”, y esto ocurre en varios sentidos. Desde luego, depende de la foma de ser cada uno. En español no suelen usar el adjetivo “pesado” o “ligero”, en japonés, sí y es importante. Es decir, las palabras pesan una vez que salen de la boca. Por eso, es mejor callar si no estás convencido 100 % en tu interior. A medida que iba adoptando el código español, aprendía cómo improvisan desde los proyectos hasta cosas cotidianas, como quedar un domingo para ver una película. Estoy descubriendo otra manera de organizar las cosas y el tiempo. El poder de improvisación en este país me sorprende. Como dice un refrán japonés, “si se termina con una sonrisa, todo vale”. Bueno, se necesita tener un corazón un poco más fuerte para disfrutarlo como una japonesa. En Japón casi todo va con más antelación y la certeza de realizarlo. La perfección de la realización con los detalles ya es un arte…
En cambio, me gusta el horario español. En el primer año, intentaba añadir un par de horas más para vivir. Comer a las 14:00 y quedar a cenar a las 21:00, por ejemplo. Mi conclusión es que en España hay dos días en un día. Así tienes tu tiempo libre antes o después de trabajo con tus amigos.

«En Japón casi todo va con más antelación y la certeza de realizarlo. La perfección de la realización con los detalles ya es un arte»

«El poder de improvisación en este país me sorprende.»

Al volver a Japón ¿qué características de la cultura española perciben en ti tu familia y amigos?
Soy así desde que nací, abierta y alegre, que son quizá prototipos característicos de España. Me ven en mi salsa. Parece que ahora hablo en voz más alta. Y toco mucho a la gente. La última vez que estuve en Japón, en la despedida abracé a mi papá y a mi hermano. Y se quedaron pretificados. Fue muy bonito. Y también me dicen que estoy morenita, ya que no me pongo crema solar diariamente ni para ir a la playa, ya que no me gusta su olor y bañarme con ella en la querida “gran mare”. Allí en Japón las chicas con la piel blanca se consideran guapas.

Llevas más de 5 años en Madrid, ¿qué te gusta de esta ciudad para haber decidido quedarte?
Me gusta Madrid, concretamente mi barrio, Lavapiés. Siempre que sales de casa te encuentras con alguien del barrio y te pones a hablar con ellos. Hay mucha diversidad. Puedes escuchar varios idiomas diferentes y ver colores vivos por aquí. Además hablando del olor, puedes disfrutar paseando por las calles, adivinando qué están cocinando tus vecinos. Siendo un barrio de las ciudades grandes, aún mantiene el encanto de “pueblo”. Por ejemplo, en el edificio donde vivo, tenemos el grupo de vecinos y a veces nos reunimos para tomar algo y hablar de la posibilidad de mejorar nuestro ámbito. Si alguien necesita una aspiradora o cubitos de hielo, pide por el grupo de WhatsApp. Compartimos comida, fruta y hasta los pisos.
Y para variar, me están atrayendo otros sitios con mucha naturaleza de verde húmedo como Islas Baleares, Galicia, Asturias, Cantabria o País Vasco… y vivir con el fuego y el agua cerca.

«Me gusta Madrid, concretamente mi barrio, Lavapiés. Siendo un barrio de las ciudades grandes, aún mantiene el encanto de “pueblo”.»

Trabajas como profesora de japonés, ¿has encontrado mucho interés de los españoles por la cultura japonesa?
De hecho, estoy cerrando la etapa de profesora de idioma japonés, ya que tengo varios proyectos aparte en adelante. He disfrutado mucho compartiendo la esencia de la cultura japonesa con mis alumnos. Estoy muy agradecida. Seguiré trasmitiéndolo de manera diferente. Noto que cada vez más hay demanda de clases, incluso en nivel avanzado. No paro de recibir preguntas sobre las clases.

También eres traductora de literatura japonesa, ¿es complicado traducir las diferencias y sutilezas culturales para que las entendamos los españoles?
No es fácil. Afortunadamente, tengo la oportunidad de poder trabajar con nativos españoles. Mi rol es sacar la profundidad de las obras y ser fiel a los autores. Traduzco el texto japonés al español. Y luego mis compañeros lo corrigen y lo corrijo nuevamente si las ideas están muy bien expuestas. Por ejemplo, en japonés no se aclara mucho “el sujeto”, así que hay que añadir claramente quién se está dirigiendo a quién. También los refranes son muy graciosos para trabajar. Hay algunos que no se entienden cuando se traducen así que los traducimos tal y como están para que los lectores descubran otro punto de vista en ciertas situaciones.

«Cuando traduzco, mi rol es sacar la profundidad de las obras y ser fiel a los autores»

En este momento te estás centrando más en tu faceta como creadora: bailas, interactúas con el público ¿cómo es tu trabajo y cómo lo preparas?
Empecé a bailar hace cinco años cuando conocí a Shigemi Iida, que fue asistente de Kazuo Ohno, uno de los fundadores de Butoh, y de su hijo Yoshito. Llevaba mucho tiempo deseando bailar, pero no sabía qué bailar. Iida estaba en Madrid para un taller llamado Body Magic y participando en él, reconocí que bailar es bailar, es decir, no hay género si quieres bailar. La Vida es tu maestra y tu coreógrafa. Bailo ya que estoy viva e interactúo con los que están en el mismo espacio y tiempo porque no puedo ignorar a otras vidas que me rodean, tanto personas como la luz, el viento, la tierra, el olor etc.

«La Vida es tu maestra y tu coreógrafa»

Mientras bailo, van y vienen varios sentimientos e imágenes y los apunto. Luego, cuando estén bien fermentados, me pongo a crear una historia y más tarde pongo unas piezas musicales de la lista de mi música favorita.
Cada día es una preparación para las próximas performances o más bien, cada día es como tu propia representación. Como decía Yoshito Ohno en su clase, eres ya una obra desde que naciste. ¿Cómo te presentas en un escenario? Con una flor es más bonito… Soy como una antena que es receptiva a todo: conversaciones en el metro, las cafeterías, los programas y la música de la radio, sonidos de la ciudad, las palabras desde las personas cercanas y lejanas. La experiencia y los recuerdos de los viajes que he hecho también me aportan para ir creando. Allí encuentro ese «tilín”.

«Soy como una antena que es receptiva a todo: conversaciones en el metro, las cafeterías, los programas y la música de la radio, sonidos de la ciudad, las palabras desde las personas cercanas y lejanas. La experiencia y los recuerdos de los viajes que he hecho también me aportan para ir creando. Allí encuentro “el tilín”.»

¿Tienes artistas de referencia?
Los niños, los pasajeros por las calles, mis amigos… las plantas, los árboles, las luces entre las hojas, las rocas, las olas, el viento etc. En mi día a día siempre encuentro algo que me enseña a bailar.

«En mi día a día siempre encuentro algo que me enseña a bailar»

En tus performances tienes siempre muy presente la naturaleza mediante el sonido de la lluvia, las hojas de los árboles ¿qué movimiento del cuerpo generan estos sonidos?
Uf, es difícil de verbalizar. Lo que me sale. Cuando escucho el sonido de la lluvia y las hojas, vuelvo a los bosques o las montañas que estuve anteriormente. Vuelvo a vivir aquellos momentos. Por ejemplo, el momento del acercamiento de los tifones es una sensación frecuente en mi, ya que brotan recuerdos infantiles cuando salía a la lluvia fuerte con los brazos abiertos al cielo para recibirla por todo el cuerpo, riéndome a tope. Este tipo de alegría o excitación lo tengo también en las fiestas locales donde la sangre hierve y la carne baila. Así se dice en japonés. El Baile es algo ritual para conectar con la Vida. Es muy sagrado. Les doy las gracias a ellos.

«El Baile es algo ritual para conectar con la Vida. Es muy sagrado»

Tu trabajo despierta todo tipo de reacciones en los espectadores ¿qué comentarios recibes de ellos después de las presentaciones?
¡Me gustaría entretener a los espectadores! Voy investigando. Para mí los espectadores son una parte fundamental del espectáculo y no trasmito solamente algo placentero, si no despertaría algo en el fondo de cada persona. Así que recibo comentarios variados y de ahí aprendo más. Por eso, me gusta comunicarme con ellos.
Me gustaría seguir bailando con amplitud, claridad y desde luego con el corazón abierto.

¿Qué tipo de interacción quieres crear con el público?
Ser uno en la diversidad. Unos se alegran, otros se ponen nerviosos. Unos se ponen tristes y otros se relajan, pasando por la espiral de la Vida con sus propios cuerpos. ¡Qué terminemos bailando juntos de alguna manera! Y regresemos a casa con esos sentimientos y apliquemos “baile” a la vida cotidiana.

Integras también a los niños en tus performances cuando se encuentran en el público ¿qué relación tienes con ellos y qué te aportan en el trabajo?
Me integran ellos. Me gusta estar con ellos porque son muy directos y juguetones. Viendo el video de la performance que tuve en este diciembre, se nota mucho. Varios niños se me acercan o simplemente se mueven. Me siento vinculada con los niños. No hay separación entre ellos y yo, por lo que estamos jugando juntos.
Lo mismo se puede decir del Teatro Kamishibai que interpreto. Los niños me hablan y me preguntan durante la función. De vez en cuando, te revelan el secreto o la tramoya de los cuentos. De esta manera, podemos jugar juntos para que sea más entretenido.

«Los niños me integran en las performances. Me gusta estar con ellos porque son muy directos y juguetones.»

¿Qué espacios son para ti los más adecuados para mostrar tus trabajos?
Gracias por preguntarlo. Quiero bailar en la naturaleza, como bosques, encima de las rocas, en las playas o los sitios míticos como plazas, los edificios históricos, museos, castillos, etc., donde se junta la buena energía. En el verano pasado, tuve una performance en una plaza delante de un castillo antiguo en Acaya, Italia por Cosmic Vegan Fest. Sentí una conexión profunda con el público; las personas, el cielo, las estrellas, el viento, la tierra… Iré buscando de qué manera se puede conseguir bailar en estos sitios. A lo mejor, participando en los festivales locales y formando parte de las actividades. Estoy abierta a propuestas así que si se os ocurre algo, por favor escribidme. ¡Gracias!

«Quiero bailar en la naturaleza, como bosques, encima de las rocas, en las playas o los sitios míticos como plazas, los edificios históricos, museos, castillos, etc., donde se junta la buena energía.»

Has presentado en Madrid y Berlín la pieza «Umu (Dar a Luz)» con la artista japonesa de caligrafía Juju Kurihara y el intérprete de flauta Shakuhachi Antonio Enzan Olías, ¿cómo fue el trabajo con artistas de otras disciplinas?
Fantástico. Un día Juju me ofreció una entrevista en su blog, Iromegane. Allí descubrimos algo en común: el respeto hacia las palabras. Ella, siendo maestra de caligrafía japonesa, cada día está frente a las letras. Me parece una meditación larga y profunda en su vida. Para mí las palabras son una de las cosas que me motivan para bailar. Así nació la idea de colaborar. A medida que avanzaba el tema, queríamos incluir a alguien al proyecto. Sin duda quisimos que fuera Antonio para la primera vez, ya que es una persona con mucha energía y conocimiento en música a parte de ser nuestro gran amigo en común. Y cada una tuvo la experiencia de colaborar con él anteriormente. Yo tuve la oportunidad de bailar con su música en vivo y fue extraordinario. Desde luego, este intento nos salió maravilloso y tenemos ganas de colaborar más.
En Berlín, participó una violonchelista, Hui-Chun Lin, que tiene mucha experiencia con la improvisación. El día que nos conocimos fue el mismo día de la performance. Ensayamos durante 15 minutos para conocernos. Era suficiente. Nos aportó con su bella música incluso el uso de voz.

También has colaborado como modelo para varios fotógrafos y estás probando en el campo de la interpretación, ¿qué te aportan estas colaboraciones?
La primera oportunidad me la ofreció el peluquero Shimada Kemp. Realizó tres estilismos, con lo cual descubrí mis otras caras. Luego con un chico que se me acercó cuando estaba bailando en el parque de El Retiro, y colaboramos en una foto sesión con sus compañeros que trabajaron como asistente y maquilladora.
Es un trabajo muy creativo y me interesa formar una parte en ello. Es un momento muy íntimo e intenso con las personas del equipo. Al mismo tiempo, sacan caras tuyas que nunca has visto. Colaborar con otras personas en este entorno es algo gratificante.

El pasado diciembre presentaste tu pieza «Ama, Ama, Ama, Ama» en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid ¿cómo fue la experiencia?
Ha sido un gran aprendizaje desde el principio; la comunicación con los responsables del evento, los técnicos y luego cómo aprovechar el espacio al máximo. Tenía suerte de no tener un escenario, es decir podía estar al mismo nivel que el público. He recibido reacciones variadas que me aportan para seguir modificando esta obra. Estoy segura de que “Ama, Ama, Ama, Ama” es un ser vivo que no para y que será la obra de toda mi vida.

Después de la tragedia del terremoto y tsunami que asoló Japón en 2011, iniciaste el proyecto «1000 grullas» para desear una pronta recuperación de tu país.? Participaron miles de personas de todo el mundo, ¿cómo te sentiste con esta acogida y qué respuesta tuviste por parte de tus compatriotas cuando lo conocieron?
Me sentí muy agradecida y me sorprendió el poder del idioma español, ya que recibí innumerables mensajes desde los países latinoamericanos. Como no me esperaba una reacción enorme, me quedé boquiabierta, la verdad. También me alegró mucho haber podido compartir la experiencia con países que suelen tener catástrofes, como México o Chile. Aparte de apoyar a los afectados económicamente, pudimos mostrar el sentimiento de estar juntos haciendo algo con las manos físicamente, como comida, ganchillo, dibujo etc. Y nosotros los japoneses tenemos esta costumbre de hacer mil grullas. Sigo muy agradecida y recibiendo comentarios de los amigos que están en Japón que me dicen que les llena el corazón cuando ven las grullas y los rostros de las personas que las han hecho.

¿Qué proyectos artísticos preparas para el futuro?
De momento, estoy preparando una performance de danza para el sábado 2 de abril en Espacio En Blanco de Madrid. Por casualidad, me surgió una oportunidad de ofrecer clases de danza y a raíz de eso, se nos ocurrió la idea de presentar algo en público al final del curso. En estas clases, intercambiamos ideas y probamos posibilidades que tenemos en el movimiento corporal, música, dibujos y vestuario con mucha intensidad. En esta performance nos centramos en las mujeres, ya que es un tema que cada una de nosotras, mi alumna y yo teníamos pendiente desarrollar en nuestra vida.

Por otro lado, con una bailarina italiana, Cristiana Fusillo, estamos presentando un proyecto a un teatro italiano para uno de los programas de artistas en residencia. Estamos pendientes de la buena noticia, cruzando los dedos. Tengo otros dos bailarines con quien quiero bailar y estoy esperando el momento de fermentación. Todos son bailarines con experiencia y aprendo mucho.
Espero poder seguir colaborando con otros artistas, también músicos como pintores, por ejemplo. Desde luego, seguiré bailando como una flor silvestre con otras plantas diferentes en los bosques.

«Seguiré bailando como una flor silvestre con otras plantas diferentes en los bosques»

Para el Teatro Kamishibai, me gustaría tener una gira por los colegios o las librerías en España y presentar los cuentos japoneses a los niños y también a los adultos.
Por último, el sábado 12 de marzo tenemos una presentación del libro recién publicado, “El Libro de los Cinco Anillos” de Musahi Miyamoto (Satori Ediciones), un auténtico samurái en el magnífico doyo taio donde tienen una programación cultural además de artes marciales. Vendrá mi co traductor Carlos Rubio también para hablar del tema. Se inaugurará con una performance mía dedicada al libro: Tierra, Agua, Fuego, Viento y Aire. Es un nuevo intento de bailar, esta vez basado en un libro siendo su propia traductora.

Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.
Un día me gustaría publicar un libro de poesías como mi abuela. Para ello, necesito más materiales y experiencia profunda en mi vida, ¡creo yo!

Más información

Web

Makiko Sese

Proyecto 1000 grullas

Artistas con los que colabora Makiko Sese

Juju Kurihara – Iromegane

Antonio Enzan Olías

Hui-Chun Lin

Shimada Kemp

Cristiana Fusillo

Festival donde ha presentado su obra

Cosmic Vegan Fest

Traducción

Satori Ediciones

Carlos Rubio

Maestros de Butoh

Kazuo Ohno

Shigemi Iida

Yoshito Ohno

Fotografías de actuaciones

Gerardo García

Daniel Villa

Nacho Sarrais

Ruth Simón

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