«En el Teatro de la Zarzuela el público está descubriendo los tesoros de nuestro patrimonio»

Isamay Benavente es directora del Teatro de la Zarzuela. Su sólida experiencia profesional se ha forjado en diferentes áreas de las artes escénicas, como gerente del primer Ballet Flamenco de Andalucía, pasando por la producción y distribución en la Exposición de Sevilla de 1992, la dirección artística del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera o la creación de certámenes y festivales para el mismo. Afronta la dirección con la serenidad que le ha dado su experiencia gestionando diferentes presupuestos y dificultades, creando equipo y escuchando y aprendiendo siempre de los profesionales que la rodean.

Isamay Benavente nos abre las puertas del Teatro de la Zarzuela para explicarnos el éxito de crítica y público.

– Eres Licenciada en Derecho por la Universidad de Sevilla pero tu carrera profesional se orientó a la gestión cultural ¿cuándo comenzó a interesarte esta área y en particular las artes escénicas?

Comencé a hacer teatro en el colegio, un colegio público, y continúe en grupos aficionados porque el teatro se convirtió en mi vocación. Ya en Sevilla comencé a gestionar mi propia compañía y la de otros grupos.

– Fuiste técnica de producción y distribución en la Exposición de Sevilla de 1992 ¿cómo recuerdas ese momento tan significativo para España y qué te enseñó?

Para mí, la Exposición de 1992 se convirtió en un auténtico máster. No solo vimos lo mejor de las artes escénicas nacionales e internacionales, sino que desde la Consejería de Cultura abordamos numerosas producciones, giras por toda Andalucía, me acerqué a numerosos géneros, conocí a grandes artistas y profesionales.

«Para mí, la Exposición de 1992 se convirtió en un auténtico máster»

«abordamos numerosas producciones, giras por toda Andalucía, me acerqué a numerosos géneros, conocí a grandes artistas y profesionales»

– Has sido directora de producción y posteriormente directora artística del Teatro Villamarta de Jerez de la Frontera ¿cómo fue tu desarrollo profesional en este teatro y qué sensaciones te trae?

La reapertura del Villamarta de Jerez, trabajar al lado de su primer director, Francisco López, un gran gestor con una gran visión, poner en marcha un espacio, equipos, hacer el público. Otro gran aprendizaje para mí. En mi etapa como directora afronté dos grandes crisis que casi acaban con el Teatro. Al final todo esto te hace más resiliente, más fuerte.

«En mi etapa como directora afronté dos grandes crisis que casi acaban con el Teatro»

«Al final todo esto te hace más resiliente, más fuerte»

– En el Teatro Villamarta has llevado adelante diferentes iniciativas como el proyecto Centro Lírico del Sur, el ciclo Otoño Lírico Jerezano, Concurso de voces para repertorio español y el Festival de Jerez. La gestión cultural exige formación constante y creatividad para llevar a cabo los proyectos, en este sentido ¿qué exigió cada uno de estos proyectos y cómo los llevaste a cabo?

Todos estos proyectos parten del diseño de programación original para el Teatro. Son proyectos bien fundamentados para que el Teatro tuviese su propia personalidad, jugase un papel en y para la ciudad y también para aportar al tejido de la industria cultural en nuestro país (artistas, creadores, etc.). Pero sobre todo son proyectos que creen en nuestro patrimonio, la zarzuela, el flamenco. Estos proyectos han ido creciendo cada año (es fundamental la continuidad para un proyecto cultural) y la ciudadanía los hizo suyos.

– Presentaste tu candidatura a la dirección del Teatro de la Zarzuela, siendo tu proyecto elegido entre otros 22 ¿en qué se fundamenta tu proyecto y qué líneas de acción sigue?

Mi proyecto apostaba por la continuidad en cuanto a calidad del Teatro y aportaba una propuesta para difundir el género nacional e internacionalmente. Incluir más Danza a la programación (especialmente la Danza española y el Flamenco). También quiero apostar por ampliar la nómina de mujeres creadoras al teatro y reivindicar a todas las artistas y creadoras que nos han precedido. Temas como los derechos culturales, la participación intergeneracional o la sostenibilidad de lo que hacemos formaban parte de mi proyecto.

«Mi proyecto apostaba por la continuidad en cuanto a calidad del Teatro y aportaba una propuesta para difundir el género nacional e internacionalmente»

«quiero apostar por ampliar la nómina de mujeres creadoras al teatro y reivindicar a todas las artistas y creadoras que nos han precedido»

– Te trasladaste a Madrid ¿cómo fue este cambio de vida personal y profesionalmente
para ti?

Fue un gran cambio, aunque ha sido muy agradable reencontrarme con amigos y ser tan bien acogida por la ciudad y por el equipo de profesionales del Teatro. Disfruto todo lo que puedo de la maravillosa oferta cultural que tiene esta ciudad.

«ha sido muy agradable reencontrarme con amigos y ser tan bien acogida por la ciudad y por el equipo de profesionales del Teatro»

«Disfruto todo lo que puedo de la maravillosa oferta cultural que tiene esta ciudad»

– Eres la primera mujer en dirigir el Teatro de la Zarzuela ¿cómo te sientes en este aspecto? ¿notas más presión en el cargo?

No quiero sentir presión añadida por ser mujer. Es un cargo que asumo con responsabilidad y trataré de dar lo mejor de mí a este Teatro emblemático. Sí es verdad que tiene una gran visibilidad todo lo que hacemos.

– ¿Qué crees que aporta tu experiencia al Teatro de la Zarzuela y cómo definirías tu manera de trabajar?

Llego a la Zarzuela con experiencia de gestión en lírica y desde un teatro con muchas dificultades económicas, todo eso me ha dado un bagaje para afrontar los retos actuales con herramientas y serenidad. Me gusta trabajar en equipo y escucho mucho a los magníficos profesionales que he encontrado aquí. Nunca he tenido problemas de ego por preguntar y escuchar mucho, creo que es la manera de aprender y crecer.

«Llego a la Zarzuela con experiencia de gestión en lírica y desde un teatro con muchas dificultades económicas, todo eso me ha dado un bagaje para afrontar los retos actuales con herramientas y serenidad»

«Nunca he tenido problemas de ego por preguntar y escuchar mucho, creo que es la manera de aprender y crecer»

– El Teatro de la Zarzuela está teniendo un  gran éxito de público, tanto en entradas libres como abonos ¿cómo habéis conseguido generar tanto interés?

Creo que el público está descubriendo los tesoros de nuestro patrimonio, la calidad de las producciones que hacemos y la diversidad de géneros que encierra la zarzuela. En general diría que la zarzuela es nuestro musical y que transmite «buen rollo». 

– ¿Qué consejo darías a una persona que quiere seguir tus pasos dentro de la gestión cultural?

Que se prepare mucho, que vea mucho y que mime mucho todo lo que haga. ¡Ah! Y que respete lo que se encuentra. Todo aquello que se ha hecho antes de su llegada. Desconfío mucho de los gestores estrellas que se cargan todo lo anterior.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Me encantaría encontrar muchos coproductores internacionales para nuestros proyectos de futuro; eso significaría que la zarzuela cada vez es más conocida y apreciada.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.

Que seamos conscientes y defendamos nuestro rico y diverso patrimonio.

«Que seamos conscientes y defendamos nuestro rico y diverso patrimonio»

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«Dirigir una orquesta es comunicar, es la posibilidad de emocionar a través de la música»

Lara Diloy es Directora de Orquesta. La música siempre ha estado presente en su vida y cuando tuvo que elegir dedicarse a una carrera profesional, se dio cuenta de que era la materia a la que quería dedicar todo su tiempo. Encaminó sus pasos como intérprete profesional de trompa. Posteriormente la curiosidad le llevo a estudiar la rama de dirección de orquesta como un medio para completar sus estudios, pero finalmente ese interés se convirtió en su verdadera pasión.

Y esa pasión es la que la ha llevado ya a los principales escenarios nacionales como el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional o el Teatro Monumental de Madrid entre otros para dirigir diferentes orquestas. Ahora prepara su próximo reto, dirigir la Oviedo Filarmonía el próximo mes de febrero.

Lara Diloy es una profesional inteligente con las ideas claras que viene pisando fuerte, con una seguridad que no le resta una enorme cercanía en el trato personal.

El pasado mes de septiembre fue elegida I Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YanMag y le dedicamos esta entrevista, donde nos descubre su pasión por su profesión y por la música.

– ¿Cuándo y por qué tuviste claro que querías dedicarte a la música?

Desde que empecé a estudiar música en la escuela de mi ciudad se convirtió en una parte muy importante de mi vida. Participaba en todas las agrupaciones: banda juvenil, banda grande, grupo de metales, coro, orquesta… y era muy feliz en ellas. Comencé pronto los estudios superiores, a los 16 años, y los compaginé con Bachillerato de Ciencias con la idea de estudiar Arquitectura en un futuro. Pero a los 18, momento en el que tuve opción de ir a la universidad, supe que quería dedicarme profesionalmente a la música y para ello necesitaba todo mi tiempo.

«Supe que quería dedicarme profesionalmente a la música y para ello necesitaba todo mi tiempo»

– Eres intérprete profesional de trompa, pero al terminar la carrera, te decantaste por los estudios de Dirección de Orquesta ¿qué te llevó a tomar esta decisión?

Al principio fue una forma de seguir aprendiendo. Quería ampliar mis conocimientos musicales y me pareció la especialidad más acertada para ello, pues la orquesta es un lugar en el que siempre me he sentido muy cómoda y conocerla desde otra perspectiva me podía ayudar a ser mejor músico. Esa curiosidad se convirtió en mi pasión y, unos años después de terminar la carrera de dirección de orquesta, decidí que era mi camino.

«La orquesta es un lugar en el que siempre me he sentido muy cómoda»

«La curiosidad por la dirección de orquesta se convirtió en mi pasión»

– ¿Qué es para ti la dirección de orquesta? ¿tienes una visión diferente de la profesión al haber sido también intérprete?

Dirigir es comunicar, es la posibilidad de emocionar a través de la música, es dar con las claves de la partitura que tienes delante, transmitirlo y sacar lo mejor del grupo. Esto genera un reto constante que me motiva a mejorar y aprender continuamente. Le doy un gran valor a poder dedicarme a algo que me apasiona.

Ser instrumentista y haber tocado en orquesta es una ayuda cuando estás al otro lado, porque puedes ponerte rápidamente en el lugar de los músicos y entender qué necesitan de ti. Te permite conectar y empatizar con ellos.

«Le doy un gran valor a poder dedicarme a algo que me apasiona»

– Has sido directora asistente de los maestros Óliver Díaz y Ramón Tebar en grandes producciones que se han presentado en el Palau de les Arts de Valencia, el Teatro de la Zarzuela en Madrid o el Teatro Principal de Palma de Mallorca entre otros. También has sido asistente del maestro Andrés Zarzo con la orquesta del Real Conservatorio Superior de Madrid. ¿cómo es trabajar con estos profesionales y qué particularidades tiene esta labor?

Trabajar con ellos ha sido una gran oportunidad para continuar aprendiendo y entender cómo funciona el mundo profesional. Es verdad que el periodo de formación en el conservatorio supone la adquisición de conocimiento, pero la parte práctica está en cierta medida alejada de la realidad, y ser asistente ayuda a suplir esta carencia. Son grandes maestros y trato de absorber todo lo que admiro en ellos en cada ensayo y en cada momento de trabajo.

La labor de asistente, aunque desconocida, es importante, especialmente en producciones líricas. El director musical tiene una gran responsabilidad y muchas cosas de las que estar pendiente. Los asistentes somos su mano derecha, así como sus oídos fuera, y nos hacemos cargo de los ensayos cuando, por alguna causa, han de ausentarse.

– ¿Cómo fue el tránsito laboral al decidirte a trabajar profesionalmente como directora de orquesta y qué ha cambiado en tu vida?

Hace tres años que cambié de rumbo y fue una revelación. Las circunstancias me ayudaron a tomar una decisión difícil, pues el cambio de vida fue total. Dejé mi trabajo como docente para dedicarme de lleno a la dirección de orquesta con todo lo que conlleva: pasar de un horario y unos ingresos fijos a ser tu propio jefe, ponerte tus horarios y afrontar tus propios retos. Aunque a veces da vértigo, tengo que reconocer que estoy muy contenta de estar viviendo esta aventura.

«El cambio de vida fue total: pasar de un horario y unos ingresos fijos a ser tu propio jefe, ponerte tus horarios y afrontar tus propios retos.»

«Aunque a veces da vértigo, tengo que reconocer que estoy muy contenta de estar viviendo esta aventura»

– ¿Qué aspectos suelen ser decisivos para ser elegida como directora de una formación?

Supone una suma de factores, pero hay uno que considero esencial: que seas lo que el grupo necesita. Cada orquesta tiene su proyecto artístico, su idiosincrasia y su propia esencia. Somos muchos directores y cada uno tenemos nuestra personalidad, nuestra forma de hacer las cosas, una manera de liderar y unos valores. Que director y agrupación se encuentren en sintonía es clave.

– Has sido directora titular de la Orquesta Madrid Sinfónica, y también has dirigido la Bilbao Sinfonikoa Orkestra, la Joven Orquesta Nacional de España, la Varna Philarmonic Orchestra o la Barbieri Symphony Orchestra ¿cómo afrontaste estos retos?

Cada nueva meta me hace acumular experiencia y eso es algo extremadamente valioso en nuestra profesión, ya que no disponemos de una orquesta con la que practicar en casa. En cada proyecto me implico al máximo, estudio la partitura, hago una planificación de los ensayos y durante los mismos intento extraer lo mejor de los músicos. Cuando termina el periodo de trabajo hago un análisis de mi rendimiento, una autoevaluación que me ayuda a afrontar la siguiente parada con más herramientas, conociéndome mejor y conociendo mejor la música.

«Cada nueva meta me hace acumular experiencia y eso es algo extremadamente valioso en nuestra profesión, ya que no disponemos de una orquesta con la que practicar en casa»

– Has dirigido en lugares tan emblemáticos como el Teatro Real, el Teatro de la Zarzuela, el Auditorio Nacional, el Teatro Monumental de Madrid, el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián o el Teatro Calderón de Valladolid ¿cuál ha sido más especial para ti?

En todos ellos se respira música, y se siente gran responsabilidad al salir a dirigir. La primera vez que lo hice en el Teatro Monumental fue muy emotiva, pues en mi adolescencia acudía regularmente a los conciertos de la Orquesta de Radio Televisión Española, disfrutaba descubriendo repertorio sinfónico y me imaginaba subiendo a ese escenario. La Zarzuela también es un teatro con el que tengo un vínculo especial y dirigir allí es maravilloso.

– La dirección de orquesta es una profesión que ha sido tradicionalmente ocupada por hombres ¿qué transformación se está produciendo y de qué manera se adaptan las orquestas a los cambios?

Socialmente hay una gran evolución y mucha mayor conciencia, está más claro que nunca que una niña puede ser lo que quiera ser: piloto de avión, deportista de élite, directora de orquesta… Las orquestas profesionales son un reflejo de ello y empiezan a incluirnos en sus programaciones y, aunque el camino es lento, a ofrecernos titularidades. Un mundo musical con mayor diversidad, más enfoques y distintas formas de interpretar, enriquece la profesión y ayuda en su progreso. Desde ese punto de vista, nosotras tenemos mucho que ofrecer y muchas ganas de mostrarlo. Hemos venido para quedarnos.

«Las directoras de orquesta tenemos mucho que ofrecer y muchas ganas de mostrarlo. Hemos venido para quedarnos»

– ¿Qué impresión buscas crear con tu trabajo con la orquesta en el público?

Captar la esencia de la obra y transmitirla es una de nuestras razones de ser. Si conseguimos conectar con el público y tenerlo atrapado en la música, experimentando emociones con la misma intensidad que nosotros las vivimos en el escenario, habremos logrado nuestro propósito.

– ¿Cuánto tiempo dispones para preparar cada concierto?

Un concierto sinfónico se trabaja durante una semana con la orquesta, una producción lírica habitualmente alrededor de tres semanas o un mes… Pero detrás de esos días intensos de ensayos, hay meses de preparación.

«Detrás de esos días intensos de ensayos, hay meses de preparación»

– ¿Cómo te sientes en el momento de dirigir?

Me siento conectada a la música, concentrada. Es un momento de entrega en el que se mueven emociones y muchísima energía. Al terminar tengo una sensación de plenitud difícil de describir. Son momentos que compensan toda la parte dura que tiene esta profesión.

– También eres directora y fundadora del Coro Sinan Kay, un proyecto en el que te has involucrado de manera muy personal ¿cuáles son tus funciones y que supone para ti este proyecto?

Trabajar con niños y jóvenes es algo que me fascina, y Sinan Kay, un proyecto coral que nace para dar cabida en el escenario a los más pequeños, es un lugar de crecimiento para mí y para los chicos. Mi labor al frente es artística y didáctica. Aparte de hacer música juntos, trabajamos capacidades y valores que son un aprendizaje fundamental en cualquier campo de la vida. Los niños son el futuro, y a través de la música podemos conseguir cosas increíbles. El vínculo que tenemos es muy grande.

«A través de la música podemos conseguir cosas increíbles»

– ¿De qué manera te gustaría ver tu trabajo en el futuro y qué formaciones te gustaría dirigir?

Me gustaría ver que trasciende, que va siendo más certero y profundo con el paso del tiempo. ¿Formaciones para dirigir? Ahora estoy centrada en mi próximo reto, dirigir la Oviedo Filarmonía en el mes de febrero, y me gustaría seguir desarrollando mi carrera artística en España e impulsarla en otros países. Quiero disfrutar de cada paso en mi carrera.

«Quiero disfrutar de cada paso en mi carrera»

– ¿Cómo ves el mundo de la Música Clásica?

La cultura en general y la música clásica en particular son fuentes de inspiración para el ser humano, desarrollan nuestra creatividad y el sentido crítico, y mueven emociones.

En nuestro caso, estamos encontrando nuevos caminos para hacernos más presentes en la sociedad, aunque aún creo que debemos dar pasos de gigante para llevar la música clásica al alcance de todos.

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

¿Tiempo libre? No hay mucho… (risas) Me gusta pasarlo con mi familia, pareja y amigos, entre cultura: teatro, cine… Sin olvidar la lectura, a la que me gustaría dedicar más tiempo. La naturaleza y la gastronomía son otro pilar fundamental. Y algo que llevo dos años haciendo, clases de danza.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que levantemos más la vista de las pantallas. Que disfrutemos de la compañía de los demás, de aquello valioso que nos ofrece la vida. Y, por supuesto, que pongamos cultura y música en ella.

«Que levantemos más la vista de las pantallas. Que disfrutemos de la compañía de los demás, de aquello valioso que nos ofrece la vida. Y, por supuesto, que pongamos cultura y música en ella»

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Lara Diloy

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«La experiencia se gana, la pasión hay que llevarla dentro»

Iván Jiménez Berbés, Dirección Artística, Contratación y Control Financiero

Detrás de los pequeños y grandes eventos musicales a los que asistimos como público y de los discos que escuchamos, hay personas que dedican muchas horas de trabajo para que percibamos la esencia de cada artista. Éste es el caso de Iván Jiménez Berbés, director artístico y manager especializado en contratación y con amplia experiencia en control financiero.

La trayectoria profesional de Iván impresiona: estudios de Marketing, Finanzas y Derecho en España y Reino Unido; controlador financiero del sello discográfico Domino Records en Londres y Nueva York, formando parte del equipo que encumbró a la banda escocesa Franz Ferdinand a varios discos de platino y consolidó la carrera de Arctic Monkeys; manager y booker de bandas musicales españolas y mejicanas además de organizador de conciertos míticos como “Juntémonos con Bowie” para Shows on Demand de la Agencia Tangoº, entre otras muchas cosas.

Conversamos con él en su céntrica casa en Madrid entre risas y anécdotas. Esta charla es para nosotros un placer porque Iván es una persona cercana que transmite sencillez y una pasión por su oficio que resulta contagiosa, pasión que nunca oculta su profesionalidad y su sólida experiencia en el sector.

-Estudiaste Admimistración de Empresas y Finanzas, pero esta no era tu primera opción, ¿por qué optaste por esta carrera?
La verdad es que no era la primera sino la tercera, ¡de jovencito quería ser forense! Me apasionaba el cuerpo humano, veía todos los programas de operaciones que entonces echaban por la tele y devoraba libros de anatomía…engullía todo lo que tuviese que ver con la vida en el planeta. Me parecía fascinante la profesión, el examinar un cuerpo para conocer por qué murió. Finalmente no me llegó la nota de esa cruel selectividad para entrar en medicina y tuve que ponerlo a un lado.
Mi segunda opción mental era Arquitectura. De bien peque y gracias a la afición de mi padre a coleccionar cómics y pintar cuadros, empecé a pasar incontables horas dibujando. Todo el mundo en mi familia paterna pinta o dibuja. Sea dicho que se me daba muy bien y hasta gané un concurso que organizó La Caixa allá por 1989 con el que me llevé a mis padres 9 días de viaje a Miami, cortesía de los banqueros y uno lápices de colores. Cuando empezaron a enseñarme en el colegio dibujo técnico empecé a sentir mucho gusto por la Arquitectura, gusto el cual tampoco se materializó porque en Zaragoza no existía la opción de estudiarla, Pamplona era carísimo y el resto de opciones hicieron que el globo se deshinchase y asumiese felizmente que, en el futuro, tiraría lineas y diseñaría magníficos edificios para mí y mis amigos.
Y así se me presentó una buena oportunidad para estudiar ADE en una muy buena universidad, y acepté. Tras entender para que me podría servir en el futuro me pareció un buen y útil camino por donde empezar a aprender. Me di cuenta de que nunca me iba a venir mal entender aspectos de presupuestos, derecho y dirección de empresas, que siempre podría aplicar a prácticamente cualquier proyecto. El hecho de estar todo COU montando fiestas para todo el colegio en distintos bares de Zaragoza creo que, quizás, también tuvo algo que ver con mi pasión por ver a la gente disfrutar, escuchando música y bailando (risas).

«El hecho de estar todo COU montando fiestas para todo el colegio en distintos bares de Zaragoza creo que, quizás, también tuvo algo que ver con mi pasión por ver a la gente disfrutar, escuchando música y bailando»


- Estudiaste y trabajaste en Londres y Nueva York durante varios años ¿cómo fue esta experiencia?
Sigo teniendo a Londres como mi casa, muy dentro en el corazón. Visito la ciudad con mucha frecuencia por placer y trabajo y es poner un pie allí y sentirme realmente en mi entorno. Me ha dado mucho…muchísimo, y aunque es una ciudad dura por su clima y la cantidad de gente que allí vive e intenta hacer cosas, siempre me ayudó a cumplir sueños y encontrarme a mí mismo. Me permitió y ayudó a hacer cosas bellísimas, me educó culturalmente de una forma muy abierta y completa, me quitó cualquier complejo que pudiese tener y me enseñó a pensar sin fronteras. Completó e hizo aflorar partes de mí mismo que no sabía que tenía ahí dentro. Me hizo crecer y creer que prácticamente, todo es posible….¡como para no tenerle cariño!

Nueva York me fascinó siempre, desde la primera vez que pase tres días en la gran manzana allá por el 1997, me cautivó. Es tan gigante y hay tantas cosas y gente por conocer que si quieres, tienes para hacer absolutamente todo lo que quieras. También es una ciudad que siempre me trató muy bien, conocí gente increíble y nunca me estresó o hizo que me sintiese fuera de lugar. Quise hacer un programa de radio donde presentar y hablar de artistas españoles y lo tuve en un abrir y cerrar de ojos en el East Village Radio, quise montar un grupo de jingles en castellano y dimos más conciertos de los que jamás hubiésemos imaginado, e hice grandísimos amigos y amigas. En lo laboral fue un viaje, ya que coincidió con uno de estos cambios de “liderazgo” que suceden cada 5-6 años entre el Reino Unido y US en cuanto a la creación musical se refiere, y justo en ese momento, le tocó a USA. Más concretamente, a Nueva York. Poder compartir momentos con artistas como Animal Collective y Dirty Projectors además de la invasión de las Américas por parte de Arctic Monkeys hicieron todo muchísimo más entretenido.

 
- ¿Qué te llevó a dedicarte al sector musical?
Una pasión por la música, a veces, de hacérselo mirar (risas). Desde muy pequeño estuve muy cerca de muchos estilos de música en casa. Admiraba y compraba vinilos y cassettes con la paga semanal de mis padres desde los 12 años. En casa se cantaba y se bailaba mucho mientras hacíamos las tareas del hogar los fines de semana. De bien chico me pusieron a aprender inglés y solfeo, y creo que eso aceleró mucho mi interés por las canciones, las letras y sus mensajes, los discos y los grupos con todo lo que les rodea.
Esa pasión hizo que en otoño de 2002, todo cambiase, y podríamos decir, encontrase su recompensa. Vivía en Londres y tenía todo listo para irme a vivir a París con mi novia, que era una top chef y se acababa de trasladar allí desde Suecia. Como hacía con frecuencia, un día me metí en la página web de Domino Records para ver sus nuevos lanzamientos y conciertos y vi que buscaban un Controlador Financiero. No me lo pensé. Mandé el currículum y una carta de presentación y terminaron dándome el puesto. Eso supuso un bye bye París y un ejercicio de comprensión superlativo por parte de mi compañera, con quien a día de hoy aún comparto una tremenda amistad.
He de reconocer algo que creo nunca he dicho, y es que me dieron el trabajo más por mi pasión por la música y el sello en sí -la filosofía de la empresa- que por mi experiencia en el puesto (tenía 25 años), detalle que luego me enseñó que la pasión y el amor por algo es un aspecto tanto o más importante que lo cualificado que puede parecer que estés. Lo vieron claro, la experiencia se gana, la pasión hay que llevarla dentro.

«la pasión y el amor por algo es un aspecto tanto o más importante que lo cualificado que puede parecer que estés»


- ¿Qué funciones desempeñabas en Domino Records y cómo fue para ti laboral y personalmente?
Personal y profesionalmente fue una experiencia maravillosa. A día de hoy, los años que estuve trabajando en Domino Records son los mejores años de mi vida. Terminé mis estudios en la Hull Business School de Hull (Inglaterra) en el 1999, especializándome en Marketing y Finanzas internacionales. Entre el año 2000 y el 2006 viví en Londres y del 2006 al 2008 en Nueva York. La mayor parte del tiempo estuve trabajando para Domino Records a cargo del Control Financiero del grupo, que eran 6 empresas en total. Principalmente me ocupaba de elaborar y mantener cashflows indomables, la negociación de contratos con artistas y managers, distribución de discos mundial, supervisión de royalties, presupuestos de giras, vídeos y grabaciones y la contabilidad general. Entré en Domino a primeros del 2003, justo antes de que Laurence Bell, dueño de Domino Records, fichase a Franz Ferdinand y seguido, a Arctic Monkeys. Fue una explosión salvaje, una locura y una experiencia y aprendizaje inigualables. A día de hoy, cuando nos vemos, resulta inevitable recordar el milagro que fue que el  “Good Ship Domino” saliese vivo y a flote de esa primera época pre-Franz Ferdinand, con sólo 5 marineritos y 3 marineritas apelotonados en un piso de una habitación con garage.
Fue maravilloso en especial el poder haber tenido trato, conocido y trabajado con gente tan excepcional, algunos de ellos ahora grandes artistas como Jon Hopkins, que pasó unas semanas de becario en la oficina hacia 2006, Alexis Taylor de Hot Chip, cuyos textos para la web del sello eran un delicia para los sentidos y por supuesto, todos los artistas con los que trabajé, desde Franz Ferdinand a Pavement, Will Oldham, The Kills, TorocoRot, Clinic, Smog o Arctic Monkeys.
Las 8 personas de la oficina teníamos una media de 25 años de edad, y cada día era un día especial, un reto, un logro…mucho sudor y mucha tensión…pero sobre todo mucha motivación que se compartía sin pudor para un fin que todos y todas teníamos presente desde primera hora. Una dedicación que rozaba la locura, un amor que no entendía de horarios y una pasión por la música que a día de hoy, aún mueve montañas.

Y no puedo contenerme de contar al menos una pequeña anécdota, con la que muchas y muchos seguro se identifican cuando persiguen un sueño y no les da miedo intentar cualquier cosa por conseguirlo: era 2003, llevaba unos meses en la oficina y mis días transcurrían entre dos teléfonos sonando constantemente con proveedores preocupados, haciendo lo imposible por mantener la hucha intacta y poder grabar el primer álbum de Franz Ferdinand. Y llegó el momento…y no había dinero suficiente. Así que con un plan financiero con la mejor cara que se le pudo poner, un dossier de los de Glasgow cuando aún no habían dado nada mas que un concierto en el Centro Africano de Covent Garden y un CDR con las demos de su disco, me fui a intentar convencer a la directora de la oficina del Barclays Bank de Wandsworth de que nos tenía que abrir una línea de crédito de cierta magnitud amén de sacar ese disco…ESE disco («Franz Ferdinand» 2003). La respuesta fue, con cara de madre, siempre que no (risas). Tocó por tanto remangarse, asumir otra línea más de teléfono que no de crédito, y decirle a todo el mundo que “everything is going to be ok…wait until the album is out…it´s going to be a hit!”. Y lo fue.

En Domino siempre fui Controlador Financiero. En los casi 5 años que estuve en la oficina de Londres el trabajo fue mucho más extenso, ya que desde ahí se controlaban las oficinas de Nueva York y Berlin además de los subsellos Geographic Music, Certificate 18 y Double 6 y Domino Publishing. Recuerdo con cariño como el primer año fue algo épico en cuanto a la necesidad de organizar y reorganizar todo un departamento administrativo y financiero de la nada, ya que pasamos de hacer estractos de royalties en hojas de Excel a necesitar una impresora de papel continuo, de 8 a 60 personas, de vender 100.000 discos al año a 5 millones y de ahí a 10 millones. Recuerdo como llegó un momento en el que mi compañera Clare y yo nos mirábamos y nos sonreímos durante semanas al ver como Franz pasaba el millón de copias vendidas y llenaba las principales salas de Europa una tras otra. Había cosas que nunca se perdieron a pesar de crecer tanto como empresa, como que cada vez que salía un single de Hot Chip o cualquier otra banda que nos gustase toda la oficina íbamos a HMV o Virgin a comprar una o varias copias para regalar y dar saltos por la calle de vuelta a la oficina esperando que entrasen en el Top40. Esto se puede interpretar de muchas maneras, pero para mí eso es amor.

«Recuerdo como llegó un momento en el que mi compañera Clare y yo nos mirábamos y nos sonreímos durante semanas al ver como Franz pasaba el millón de copias vendidas y llenaba las principales salas de Europa una tras otra»



- Posteriormente te trasladaste a Méjico ¿qué motivó este cambio?
Tras varios años en Domino sentí que había adquirido un conocimiento en el manejo de un sello en expansión y un entendimiento de la industria de la música y el trato con los artistas excelente y que era hora de aplicar todo ello a un proyecto propio. Fue estando en Nueva York que conocí, vía ese primer Myspace, a Christian Michel, un desde entonces gran amigo de Puebla (Méjico) que se entusiasmó con la idea de que hubiese alguien promoviendo música española en USA. Nos conocimos, hablamos y nos pusimos a trabajar para hacer que eso diese su fruto en Méjico. Un ejercicio de triangulación nada sencillo, pero nada despreciable y tremendamente apasionante. Por aquel entonces no había ni la mitad de bandas españolas tocando en Méjico, y tras dos giras con Mendetz decidí que ese iba a ser mi siguiente paso. Y nos pusimos a construir un puente entre Méjico y España que facilitase un acercamiento real, con comunicación constante y partners en Méjico con quienes desarrollar las bandas. Trabajamos durante varios años artistas de y en ambos países y todo fueron unas experiencias inolvidables, logrando un posicionamiento que a día de hoy perdura por toda latinoamérica como es Dorian, Manos de Topo y el de Austin TV, banda mejicana, en España y Reino Unido.

«sentí que había adquirido un conocimiento en el manejo de un sello en expansión y un entendimiento de la industria de la música y el trato con los artistas excelente y que era hora de aplicar todo ello a un proyecto propio»



- De tu experiencia, ¿cómo es trabajar en Reino Unido, Estados Unidos, Méjico y España y qué diferencias has encontrado?
¡Gran pregunta! Que en mi opinión, es la clave de muchas cosas. Trabajar en el sector musical en el Reino Unido o Estados Unidos es una maravilla. Por un lado porque es una industria respetada a todos los niveles, desde el familiar y educativo al gubernamental. Por otro lado está la cooperación. Existe un nivel y facilidad de cooperación y colaboración entre los artistas, sus casas discográficas y una sólida red de espacios que aquí no tenemos. Hay una visión que lleva dibujando un camino desde hace siglos, y es un camino que siguen fielmente y que les ha llevado a ser los número 1 del mundo en talento musical. Tienen muy claro que si a todos les va bien, todos ganan, pues la industria que entre todos crean es mas sólida y robusta y así siempre podrás alcanzar un éxito mucho mayor.
Méjico es una industria rara y complicada, muy cerrada en monopolios y con unas formas de trabajar muy concretas. La comunicación a veces no es todo lo fácil que se querría, pero al menos en mi experiencia, he tenido la suerte de formar equipos con gente maravillosa, talentosa, con ingenio y muy buena cabeza para las joint ventures y el desarrollo de artistas a largo plazo, que es indispensable. Méjico por otro lado es un país donde hay un nivel de creatividad elevadísimo, hay una energía allí única y muy potente. Lo más destacable además del talento son sin duda sus fans. Son lo más fiel que he visto nunca, entregadísimos y entregadísimas, son pura pasión. Y ya pueden pasar 5 años desde tu última visita, que ahí estarán siempre.
España es para mí sin duda el sitio más complicado donde trabajar. Tenemos una industria excesivamente ombligista, a la que le cuesta colaborar para un fin común una barbaridad y que en muchos casos, prefiere que algo no se lleve a cabo si no es como una de las partes exige que se haga. Suena fatal, pero el dicho de “yo me saco un ojo amén de que tu te quedes ciego” está presente demasiado a menudo. El nivel de desconfianza que llevo viendo los últimos 6 años es algo nuevo para mí. Somos incapaces de explotar el momento festivalero que tenemos en nuestras manos a la par que conservar un circuito de salas que es el pan y agua de nuestro presente y futuro talento. Siempre predominará el beneficio rápido sin que importe la repercusión a medio o largo plazo…un poco como el fútbol si me permites. Talento hay, mucho y muy bueno como diría el señor presidente del gobierno, pero la industria y el gobierno no facilitan su desarrollo.
De la misma forma, también veo grandes diferencias en la actitud de los artistas de cada país. Supongo que parte de ello tiene un trasfondo educativo, desde el colegio y desde la industria, de como nos muestran y hacen percibir el arte y la cultura. Esto hace que parezca lógico pensar que las cosas son así tal y como nos las presentan y en muchos casos las bandas que van emergiendo tienen una idea que difiere mucho de la realidad. Es como con todo, no hay como viajar a otros lugares y ver como hacen las cosas para darte cuenta de que hay más mundos ahí fuera y que raro será que tu forma de hacer las cosas sea ni la única, ni la mejor.

«hay más mundos ahí fuera y que raro será que tu forma de hacer las cosas sea ni la única, ni la mejor»


- Volviste a España y te asociaste como codirector en la agencia creativa Plural Form y la galería de arte contemporáneo Iam Gallery Madrid junto a otros tres socios ¿cómo orientastéis la empresa y cuáles eran sus objetivos?
Me uní al equipo de Plural en el año 2011. Dada mi experiencia y contactos trabajando en UK y USA desarrollando artistas me ofrecieron trabajar en el desarrollo de la banda británica de Hip Hop y Electrónica Foreign Beggars, llevando a cabo su booking y management. Empecé como mero colaborador en la parte de booking y tras romper todos los records con una gira de 28 fechas en España en 2012, me ofrecieron ser socio de la empresa.
Decidimos utilizar mi background en finanzas y ADE para crear un departamento de administración, hasta entonces inexistente, así como una estructura financiera y de reporting que ayudase al crecimiento de la empresa.
La agencia Plural Form ya llevaba un largo recorrido en lo referente al Arte y la Cultura Urbana, todo un referente en este campo a nivel internacional así como en el trabajo mano a mano con marcas para el desarrollo de campañas de lanzamiento y presentación de producto. Esto me sirvió para poner en práctica conocimientos que hasta entonces no había podido desarrollar como el desarrollo de ideas y su implementación para acciones de activación. Éramos realmente un think tank.
Éste fue mi primer paso en el mundo de la publicidad y las agencias y se llevaron a cabo acciones realmente preciosas y de gran impacto para marcas como Converse, Vueling y Absolut, siempre llenas de arte y música.
Ademas de eso, dentro de Plural Form, teníamos otra empresa, Ink and Movement (Iam), a través de la cual se desarrollaban las carreras de artistas del grafitti y post grafitti. Tuve el placer de trabajar con artistas como Okuda San Miguel, Rosh33, Suso, Herbet Bagglione, Spok, Miss Van y muchos más. Un día le preguntamos a varios artistas que les parecería si abríamos una galería donde enjaular al tigre que es el grafitti y todos ofrecieron su apoyo. Y así nació Iam Gallery Madrid, que vio exposiciones de artistas como Okuda San Miguel, Conrad Roset, Suso, Herbert Bagglione, Neko y decenas más. También dirigimos la curaduría de las 2 primeras ediciones del Festival MulaFest de Madrid, creando hitos como la intervención del mural más grande España, aún visible en Ifema.
Con toda esta estructura decidimos centrarnos mucho en el desarrollo de artistas de electrónica, arte urbano y contratación nacional de Djs de electrónica para los principales clubes y festivales de España. Ésta era más mi parte, que luego pasaba a ser una pieza muy atractiva para marcas ya que veían en nosotros, ademas de un foco de creatividad inmenso, un partner muy fácil del que obtener todos los elementos necesarios para realizar sus campañas.

«Empecé como mero colaborador en la parte de booking y tras romper todos los records con una gira de 28 fechas en España en 2012, me ofrecieron ser socio de la empresa»



- En los últimos dos años has sido Director Artístico y Financiero de Shows on Demand para la Agencia Tangoº ¿cómo fue el proyecto a desarrollar con ellos?
Este proyecto es sin duda uno de los mas ambiciosos en los que he formado parte en los últimos años. Tomé la Dirección Artística y la Planificación Financiera de la plataforma Shows on Demand en Mayo del 2015. Shows on Demand es una plataforma digital que hace posible que la voz de los consumidores de música en directo sea tenida en cuenta a la hora de organizar giras. Además de eso, también es una herramienta muy interesante y beneficiosa para managers y agentes de contratación así como para marcas, que quieran llegar a su target a través de la música con una recompensa clara; la realización del concierto deseado. Un formato de sponsoring no al uso, muy interesante.
Shows on Demand es una creación de Tangoº, una gran agencia de publicidad y creatividad. Esto me sirvió de gran experiencia en el sector de la publicidad, los patrocinios y la generación e implementación de ideas para que una marca tenga presencia en la música en directo sin tener que abusar de los elementos clásicos como logos o presencia de producto. A día de hoy sigo en contacto con ellos y colaboramos a nivel consulting y de contratación para artistas concretos.

Con ellos desarrollé Juntémonos con Shows on Demand. Una joint venture con Diageo a través de su marca J&B. Esto supuso un rebrandeo integral de la plataforma original para adoptar el claim de la marca (Juntémonos) y sus colores. El reto fue inmenso, incontables reuniones tanto aquí como en el Reino Unido hicieron que poco a poco se ganase notoriedad y llegásemos a hacer conciertos tan increíbles y únicos como los Juntémonos con Bowie.

– ¿Y cómo fue la organización de este evento justo después de la muerte de David Bowie? En él participaron los propios productores de Bowie y figuras nacionales como Eva Amaral, Iván Ferreiro o Annie B Sweet, ¿qué tal fue la experiencia?
Fueron dos homenajes a David Bowie que contaron con 7 productores y músicos del gran Duque Blanco que viajaron desde Nueva York para encontrarse con 16 cantantes nacionales y cantar y tocar, una vez más, 21 canciones del recientemente fallecido artista británico. Los conciertos fueron benéficos e hicieron que todos y todas soltasen alguna lagrimita de emoción en algún momento de la semana que compartimos juntos entre ensayos y conciertos. La marca logró capitalizar el triple de lo esperado, con presencia en todos los telediarios, prensa escrita y cobertura en radio. La noticia alcanzó incluso Billboard Magazine, la prestigiosa revista de música e industria musical americana y los conciertos fueron reconocidos por la familia de Bowie.
Shows on Demand y Juntémonos con Shows on Demand fue un ejercicio de creatividad y publicidad muy bonito que tuvo su colofón con un lleno total en el concierto de Leiva en el Palacio de los Deportes de Madrid el 30 de diciembre 2016…¡difícil pedir un final mejor!

Juntémonos con Bowie es el concierto y concepto mas bonito y “grande” en el que he trabajado nunca. Todo empezó porque teníamos que sacar un concierto impactante y único para presentarnos en sociedad como Juntémonos. Triste fue la coincidencia de que David había fallecido recientemente, pero dado que teníamos la ocasión y el presupuesto para hacerlo se nos ocurrió a Daniel Terry de Tangoº y a mí hacer un homenaje, pero no un homenaje cualquiera. Lo único que no teníamos era tiempo (la publi es así) y disponíamos de escasas 3 semanas para darle forma y armarlo.

Pasé una semana recopilando de internet la info de contacto de todos y todas las artistas que habían colaborado con Bowie, y cuando digo todos y todas es tal cual, ¡desde el primer disco al último! Contacté primero con la banda que grabó «Darkstar», y me dijeron que aunque la idea les parecía brillante (juntar músicos y productores de Bowie con casi dos decenas de artistas nacionales) no podían hacerlo. Me pusieron en contacto con Henry Hey, Director Musical del musical de Bowie Lazarus y teclista de dos de sus discos. Henry abrazó la propuesta con mucho cariño, y reunió una banda de ensueño. Mark Plati, Catherine Russel, Brian Delaney y el inmenso Everett Bradley son músicos mayúsculos, gente que gira y ha trabajado con los artistas más grandes del planeta como Bruce Springsteen, Bowie, Lou Reed, Iggy Pop…y el mismo Bowie.
La experiencia fue increíble para absolutamente todo el mundo que participó. Había una magia en esas tablas que creo ninguno de nosotros habíamos jamás experimentado…fue eso…algo realmente mágico. Quizás Eva, de Amaral, me mate al contar esto, pero jamás olvidaré cuando, entrando en la sala principal de La Riviera durante los ensayos previos con ella, ésta se paró en secó tras dar 10 pasos mientras sonaba Under Pressure (cantada por Asier Etxeandía y Catherine Russell) y se puso a llorar. Dijo algo así como “Pero Iván…suena como si fuesen ellos…”. Le respondí “sí Eva…¡lo son!”
En lo personal cumplió algo que para mí es vital para seguir vivo; facilitar que personas que tienen mucho en común tengan la ocasión de hacer algo juntos, de conocerse y de forjar nuevas lineas de colaboración y amistad.

«Juntémonos con Bowie es el concierto y concepto mas bonito y “grande” en el que he trabajado nunca»

«cumplió algo que para mí es vital para seguir vivo…el hacer que personas que tienen mucho en común tengan la ocasión de hacer algo juntos, de conocerse y de forjar nuevas lineas de colaboración y amistad»

– Has desarrollado la contratación y dirección artistica de Mulafest Festival – Madrid, MBC Festival Sagunto, Mass Bass – Privilege Ibiza entre otros muchos ¿qué linea estilística sigues a la hora de realizar una programación de artistas?
Más que una linea estilística me gusta seguir una linea de trabajo para los clientes y empresas que me contratan o desean incorporarme a sus equipos de trabajo. Mi interés principal es que los proyectos de los clientes salgan bien y obtengan, mínimo, el éxito esperado. Para llegar allí siempre he pensado que lo correcto es escuchar al cliente, qué quiere, dónde quiere llegar, como le gustaría hacerlo, qué público está buscando y de que dispone para llevarlo a cabo. Con esas piezas trazo varias propuestas que cumplan todos los requisitos, elaboro planes de negocio y les planteo varias opciones, tanto artísticas como organizativas, de producción, logística y comunicación. No soy de presumir, pero siempre me dicen que debo hacerlo un poquito a la hora de decir que si bien mi especialidad es la Dirección Artística y la Contratación, puedo proveer de un valioso input y experiencia en supervisión a otras áreas como la financiera, de producción, marketing, comunicación y marcas.
Los estilos los marca el cliente, llámese festival, promotor, agencia de publicidad, artista, casa discográfica o manager y yo les ayudo a ampliar el rango de artistas a considerar y valorar distintas opciones artísticas dentro de su idea o necesidad.
Mi pasión por la música ya hace mucho tiempo que se quitó los estilos e hizo posible que me interese todo tipo de música, si bien es cierto que hay artistas o estilos con los que siempre evité y evito trabajar, por razones principalmente de calidad artística y éticas.

«siempre he pensado que lo correcto es escuchar al cliente, qué quiere, dónde quiere llegar, como le gustaría hacerlo, qué público está buscando y de que dispone para llevarlo a cabo»



- Impresiona la lista de artistas con los que has trabajado: Four Tet, Arctic Monkeys, Bonnie Prince Billy, La Roux, Franz Ferdinand, Austin TV, Dirty Proyectors, Animal Collective, Bingo Players, Flux Pavillion, Krewella, The Wild Beasts, Pavement, Sebadoh, The Horrors, Future Islands, Ash, Carl Barat, Modestep, 2Many Djs, wAFF, Wilkinson, Art Department, Optimo, Tiga, Dirtyphonics, Zomboy, Kill the Noise, Noisia, Foreign Beggars, Bassnectar, Iván Ferreiro, Amaral, Sidonie, Standstill, El Columpio Asesino… ¿con quiénes has trabajado mejor y qué recuerdo tienes de ellos?
¡Pues esos son sólo unos pocos…! (risas). Trabajar con artistas como estos y otros muchos con los que he tenido el placer de hacerlo es mágico. Recordaré siempre el primer día que los Arctic Monkeys vinieron a la oficina. Yo andaba atacado con algo y tenía el teléfono agarrado en pinza entre mi cuello y mi mejilla. Mientras, escribía como loco en un papel. De repente mi compañera me miró y señaló con la vista hacia mi izquierda. Me giré y ahí estaba Alex, Matt y Cookie. Les di la mano y la bienvenida con un pulgar en alto y un guiño de ojo…¡no sabía que eran ellos! Al poco tuve el placer de viajar a Manchester con Alex a un concierto de la gira NME y pude decirle lo feliz que estábamos todos y todas de que formasen parte de la casa…que tímido era Alex entonces ¡Dios mío! (risas). Recuerdo también pasar 4 meses administrándole el dinero a un gran artista indie, un tanto maldito, pero genial, para evitar que lo mal invirtiese en acelerar su marcha del planeta. Y recuerdo incontables conciertos y backstages con gente de un talento enorme, abrazos de alegría y éxito, pues estábamos haciendo un cachito de historia en nuestro pequeño mundo musical.
Como aún no he sido papá te puedo decir que creo que una de las mayores alegrías y mejores experiencias que he disfrutado en mi vida es el ver como un artista o banda pasa de traer una demo a la oficina a llenar recintos de 15.000 personas por todo el mundo en año y medio. El cómo montas un concierto y se llena de gente y de cómo miras a esa gente desde la esquina del escenario y ves unos rostros de felicidad increíbles. Ése es el recuerdo, a mayor o menor escala, que tengo de todos y todas ellas. Mucho trabajo, grandes recompensas y momentos únicos.

«El cómo montas un concierto y se llena de gente y de cómo miras a esa gente desde la esquina del escenario y ves unos rostros de felicidad increíbles. Ése es el recuerdo que tengo de todos y todas ellas»



- Como manager también has trabajado y trabajas con figuras tan importantes como Nawja Nimri, Austin TV, Foreign Beggars o Borgore en España y de Dorian y Manos de Topo en Méjico ¿cómo es llevar la carrera de un artista consagrado?
Trabajar como manager de un grupo lo es todo. Grandes o pequeños, consagrados o en desarrollo, estar en el día a día de un artista o una banda es un viaje a nivel personal y a nivel creativo. Es una tarea compleja como pocas, ya que estás tratando con personas, en primer lugar, que tienen ademas un poder creativo inmenso y una visión de muchos aspectos de la vida muy diferentes. Hay una sensibilidad extraordinaria que hay que cuidar.
En la escuela Domino Records me enseñaron bien a respetar al artista sobre todas las cosas, a escuchar, a prestar atención y a nunca nunca nunca cortarle las alas de la creatividad: deja que el artista cree, piense, dibuje en el aire y te entregue su arte. Debes estar ahí con él o ella para que lo pueda hacer, ayudándole a conseguir lo que no sabe como conseguir, a motivarle, a guiarle y a darle buen consejo y opinión. Una vez un artista te entrega su pieza sigue la labor del manager de saber que hacer con ese arte, y de hacerlo bien. Hay que ser comprometido, no tener miedo y no tener muchas veces un horario fijo, pero es que el arte nunca se ha regido ni regirá por horarios ni calendarios. Es apasionante.

«En la escuela Domino Records me enseñaron bien a respetar al artista sobre todas las cosas, a escuchar, a prestar atención y a nunca nunca nunca cortarle las alas de la creatividad: deja que el artista cree, piense, dibuje en el aire y te entregue su arte»



- ¿Y cómo planteas el trabajo con grupos jóvenes que comienzan y a los que eliges representar? ¿cómo les orientas?
Oriento de la mejor forma que sé y asumiendo que no suele haber un solo camino para llegar a Roma. Siempre intento basarlo todo en casos reales, pasados y presentes, y experiencias. En cierto modo trabajo de la misma forma que con un cliente (festival, promotora, agencia…) donde lo primero que intento hacer es escuchar, escuchar todo lo que me puedan y quieran decir así como hacer una buena labor de investigación y creatividad con sus composiciones y arte. Así puedo llegar a entender dónde están, donde querrían llegar y con que contamos para hacerlo. A partir de ahí todo es planificar e ir haciendo poco a poco para crecer de una forma sólida, creando un equipo de trabajo. Intento ser muy realista en cuanto a describir el entorno presente, en el cual es muy difícil hacerse ver y destacar. Es una lucha muy romántica que por supuesto, o amas la música y el arte o mejor ni te asomes.

«Es una lucha muy romántica que por supuesto, o amas la música y el arte o mejor ni te asomes»



- Con las bandas realizas labores de producción controlando todos los aspectos de contratación para las giras ¿qué es lo que más te gusta de tu trabajo?
Lo que mas me gusta de todo es lo que contaba antes sobre el público: que un artista y su equipo, después de un show, vengan a agradecerte todo lo hecho, aunque sólo sea con un brillo en la mirada o un abrazo y un hasta la próxima. Verlos contentos, con todo lo que precisan para hacer su trabajo, haya venido mucha o poca gente, se hayan vendido diez millones o cinco discos. Esas miradas dicen mucho y para mí, lo son todo.
En general, que todo salga bien, que todo esté a punto, para que puedan desarrollar su show. El respeto es clave, como decía antes, sean grandes o pequeños todos merecen respeto y atención.



- También te has introducido en el sector cinematográfico como productor asociado de la película mejicana «Me quedo contigo» de Artemio Narro ¿por qué decidiste vincularte a este proyecto?
Artemio Narro es una de las personas que más admiro, de las que más aprendo y más a gusto paso el tiempo del mundo. Además de eso es el Rolls Royce del arte mejicano, que no es poco, y fue quien me introdujo de la mano en la industria musical y del arte de Méjico. Artemio tiene mucho amor y una cultura en su cabeza incalculable. Cuando me presentó el guión de la película no pude decir que no. Desearía haber podido contribuir más pero en cualquier caso estamos muy orgullosos del resultado. Las críticas han sido inmejorables, se ha editado en varios países y mostrado en decenas de cines en EEUU, Alemania, Francia y Holanda y ganado varios premios en Montreal, Shanghái y Roterdam. Aquí en España esta disponible en Film In y estuvo seleccionada para el Festival de Sitges, aunque de fantástico tiene más bien poco (risas).

Una película que con un presupuesto ínfimo, una sola cámara y un guión de 11 páginas, ha causado sensaciones y reacciones muy diversas, intensas y abierto debates en personas de todos los lados del mundo.
También me pareció que contenía un mensaje muy necesario de airear, como es la violencia de género y los juegos de poder. La historia transcurre en Méjico, pero el mensaje es aplicable a cualquier rincón del mundo donde aún existen diferencias de cualquier tipo según el género.


- ¿Cómo es tu ética del trabajo y qué pides a las personas que te rodean?
Me gusta ser claro con las contrataciones y condiciones en las que se va a trabajar. No me gusta inflar cachés para cobrarle a un cliente -sean una sala de conciertos, un promotor o un festival- el doble.
Como manager de artistas me gusta ser honesto con la realidad de cada uno y una de ellas, en el sentido de que si pienso de verdad que lo que hacen no tiene sentido artístico o comercial para mí o que no voy a saber que hacer con su creación, se lo tengo que decir. Si lo que planteamos va a ser muy difícil sacar adelante, se lo tengo que decir y plantear vías para llegar a ello de otra forma o cambiar de rumbo. Y no sólo eso, sino trabajar para que lo entiendan, rebatan, y al final lleguemos a un punto en común ya que estamos trabajando juntos para un bien mayor.
Sólo pido colaboración, claridad y responsabilidad. La puntualidad la verdad es que me gusta mucho, y que la comunicación sea fluida, constante y honesta es vital para que todo problema tenga solución y todo salga, como la seda.

«que la comunicación sea fluida, constante y honesta es vital para que todo problema tenga solución y todo salga, como la seda»


- ¿Qué proyectos tienes en este momento y cuáles te gustaría realizar en el futuro?
Ahora mismo estoy realizando la contratación de una serie de eventos/sesiones de electrónica en Bilbao (FUNI SUNDAYS) muy enfocadas a un público joven que tiene hijos e hijas. La sesión en si es de electrónica (electrónica fina como suelo decir) y tiene muchos elementos educativos y sociales, colaborando con protectoras de animales y realizando talleres para peques y mayores con el ánimo de concienciar sobre la tierra y los animales.
También tengo el enorme placer de estar trabajando el management y contratación de un artistazo  español increíble y una persona que es un amor. Estamos ahora mismo en pleno proceso de creación de su primer disco. Este verano nos encerramos todo el equipo en una casa en la sierra de Madrid para terminar de darle forma, cerrar las canciones y pasar a estudio a finales de año. El 2018 va a ver a mucha gente enloquecida bailando sus canciones…¡estoy seguro! Creo que vamos a hacer algo muy grande y bonito juntos y eso hace que me levante todos los días un buen rato antes de que me suene el despertador.



- ¿Cómo es tu tiempo libre?
¡Fabuloso y de alto disfrute! Devoro cine, algo que llevo haciendo desde que gateo (todo culpa de mis padres), leo lentamente, compongo canciones a la guitarra y al piano, viajo sin descanso y sigo preparándome para hacer, cuando tenga tiempo, un Master en Musicología.
También tengo siempre proyectos caseros. Ahora mismo estoy plastificando y enmarcando la colección de carátulas de cine que mi padre y yo hicimos durante más de una década. Tendremos unas 10-15 mil carátulas de películas de todos los tiempos. El otro día me propusieron hacer una exposición con ellas así que el día menos pensado, lo llevaremos a cabo.


- Un deseo que te gustaría se hiciera realidad
Que la gente dejase de ser tan envidiosa, que aprovechemos que alguien lo está haciendo muy bien para colaborar y aprender de esa persona en vez de destruirla para tomar su posición. La raza humana, y en particular los hombres, no tienen límite en cuanto a su ambición y hay incontables ciegos sin remedio en este territorio que impiden que se hagan más cosas, que más artistas crezcan, que tengamos una industria de la música y el arte, ni mejor ni peor, empecemos por tener una.
Mi sueño es que entre todos y todas le podamos dar forma y vivir de ella. Crecer como personas en el mundo, y no sólo en nuestro ombligo…respetar y sumar fuerzas. Así me enseñaron a trabajar en esto, y cuando te pones, funciona.

«respetar y sumar fuerzas. Así me enseñaron a trabajar en esto, y cuando te pones, funciona»

Más información:

Iván Jiménez Berbés

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La entrada Iván Jiménez Berbés – Dirección artística, contratación y control financiero se publicó primero en YANMAG.

«Lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias» David Díaz Soto – Doctor en Filosofía

David Díaz Soto es Doctor en Filosofía, historiador del arte, investigador y profesor universitario. En su formación, como bien dice «se dejo la piel» y constancia de ello son los tres galardones que recibió por su carrera otorgados por el Ministerio de Educación y la Universidad Complutense. Sus estudios de posgrado le llevaron a Baltimore (EEUU) y Berlín, ciudad a la que se siente muy ligado por su impresionante actividad cultural y a la que regresa siempre que encuentra la oportunidad.

Impartir clases en tres universidades españolas le ha hecho conocedor de defectos y virtudes de los diferentes programas educativos públicos y privados. En esta entrevista nos desgrana de su trayectoria profesional, su opinión sobre la situación actual de las humanidades y de la escena cultural en Europa y Estados Unidos.

Hablar con él siempre es un placer por la precisión y rigurosidad en la que se acerca a cada tema, pero también por la calidez y cercanía que transmite a su interlocutor.

– Eres Doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y también Licenciado en Geografía e Historia -rama Historia del Arte- ¿qué son para ti el Arte y la Estética y qué hizo que te decantaras por estos estudios?
Si me tomo literalmente tu pregunta, debería proponer ahora toda una definición, tanto del Arte como de la Estética. Pero hacerlo implicaría ofrecer toda una justificación teórica; y no sé si será ésta la ocasión apropiada para ello… En un plano más personal y menos pedante, diré que siempre, desde mi infancia, me fascinó el arte, o para ser más exactos, la expresión gráfica. Recuerdo, por ejemplo, que siempre que me cambiaban de colegio, o de grupo de clase, y tenía que entrar en contacto con gente nueva, inmediatamente me fijaba en la persona del grupo que destacaba por su habilidad para el dibujo, y trataba de hacerme amigo suyo. Y también intentaba emularle; pero generalmente eso era más bien para mi frustración, pues, a día de hoy, no creo haber sido agraciado por ninguna facilidad de ese tipo. Luego me llegó el interés por el cómic (en parte debido a la época: eran los inicios de los 80, y con la apertura cultural post-transición, aparecieron entonces muchas revistas especializadas, algún salón o feria dedicado al cómic, y se hacían esfuerzos mediáticos por difundir el gusto por el cómic y la historieta entre el gran público adulto, y por reivindicar su valor cultural ante las instituciones); aunque luego ese interés disminuyó por mi parte. El interés por la pintura, escultura y demás «Bellas Artes», se me despertó sólo después, ya de adolescente. Sin embargo, como ya dije, nunca estuve dotado para ninguna de ellas (muchos años después, asistí unos pocos años a una academia de dibujo y pintura bastante singular; aunque no pude sacar gran cosa, porque el planteamiento pedagógico allí era muy lento y exigente, y también muy caro para costeárselo). Para ser honestos quizá por eso llegué a plantearme cursar Historia del Arte como carrera universitaria; contra toda sensatez, pues en principio, en entorno familiar se suponía que yo estudiaría Derecho o Económicas para asegurarme un futuro estable y una vejez tranquila… En realidad, los estudios que cursé eran de Geografía e Historia, según un antiguo plan en el que sólo el cuarto y quinto año tenían una rama especializada de Historia del Arte (los tres primeros cursos se orientaban principalmente a la Historia político-diplomática generalista). Así llegué incluso a iniciar un doctorado en Historia del Arte, que luego no terminé.

«siempre, desde mi infancia, me fascinó el arte, o para ser más exactos, la expresión gráfica»

  Lo cierto es que ese primer periplo universitario me dejó insatisfecho; el interés por las artes que esos estudios promovían era de carácter «anticuario», como diría Konrad Fiedler. Cierto que pasé entonces por profesores, muy distintos entre sí, que considero que me han dejado huella; como Valeriano Bozal, Ángel González… Pero en general, aquello difícilmente respondía al tipo de inquietudes que yo tenía por las artes, a las preguntas que yo me hacía sobre ellas. Recuerdo también con desazón la desorientación que teníamos los de mi promoción de estudiantes al iniciar luego los estudios de Doctorado (era en un Departamento de Historia del Arte Contemporáneo, que entonces era el que ostentaba mayor ambición teórica entre los departamentos de Historia del Arte de la Facultad) para abordar la lectura de cualquier texto de incluso un mínimo grado de complejidad: ¡no dábamos una a derechas! (Dicho sea de paso, mi experiencia posterior como docente universitario no me indica que la presunta «revolución docente» de las pedagogías activistas implantadas por el EEES haya mejorado esto ni un ápice; lamento contrariar a los militantes del activismo pedagógico). Mi decisión de embarcarme en una segunda licenciatura en Filosofía fue en parte «reactiva»: fue por reacción a mi insatisfacción con mis estudios precedentes. Lo que yo buscaba, tenía que ir a encontrarlo en otro sitio.

«Mi decisión de embarcarme en una segunda licenciatura en Filosofía fue en parte «reactiva»:  fue por reacción a mi insatisfacción con mis estudios precedentes. Lo que yo buscaba, tenía que ir a encontrarlo en otro sitio»

  Fue así como inicié mi segunda andadura  universitaria de los estudios en Filosofía, ya con algo más de madurez y conocimiento de causa (y haciendo las cosas mejor, creo yo…). En principio, pensaba que de ese modo tendría ocasión de profundizar en la Estética. Pero luego no resultó así; al menos no durante el período de licenciatura, pues en la Facultad de Filosofía de la Complutense la orientación principal no es hacia ese área científica, sino que son otras las que predominan, digamos, más «clásicas»: Metafísica, Epistemología, Lógica (a diferencia, por ejemplo, del Departamento de Filosofía de la Autónoma de Madrid, donde precisamente hacia fines de los años 90 se decidió expandir el área de Estética…). Pero no importa; porque eso me dio, en cambio, la ocasión de descubrir muchas otras cosas, incluso ciertos intereses míos que yo mismo no sospechaba que pudiera tener. Así que, pese a todo, aquello fue para mí una experiencia intelectualmente apasionante. Y también algo agotadora, pues por entonces ya había comenzado el baile de San Vito de los cambios en los planes de estudios que hoy seguimos padeciendo, y éstos tenían ya una considerable hipertrofia de carga lectiva (aunque haya quien afirma taxativamente que los estudios en la Universidad española anterior al EEES eran una especie de paraíso de pasividad para vagos; de ningún modo era así, doy fe de ello). Luego, en los estudios de Doctorado que nuevamente inicié, sí tuve ya vía libre para dirigir mi atención a la Estética, aunque muy por mi cuenta y riesgo. En particular, me centré en cuestiones relativas a los fundamentos metodológicos de la Historia del Arte, vinculadas a los orígenes de una corriente en Teoría del Arte llamada «Formalismo»; pero también ligadas a la proto-historia de la Fenomenología austríaca y alemana, del Gestaltismo, y a otras cuestiones en las que no creo oportuno entrar ahora.

«eso me dio, en cambio, la ocasión de descubrir muchas otras cosas, incluso ciertos intereses míos que yo mismo no sospechaba que pudiera tener. Así que, pese a todo, para mí una experiencia intelectualmente apasionante»

  Ahora bien, por intentar responder propiamente a tu pregunta (no vaya nadie a pensar que pretendo escurrir el bulto), aunque sea a título provisional y de modo algo precario, propondría lo siguiente. De la Estética, diría que se ha entendido de tres maneras principales: 1) como reflexión filosófica sobre la Belleza (más tarde, cuando pasa a concebirse la belleza en términos subjetivos, como categoría estética, esa reflexión se extiende a las demás categorías estéticas, sean de valencia positiva o negativa: lo sublime, lo feo, lo abyecto…); 2) como Filosofía del Arte, es decir, como reflexión teórica sobre ciertos productos culturales que tienen rasgos (siempre objeto de debate) que permiten caracterizarlos como «artísticos»; 3) como reflexión sobre la experiencia sensible, o más exactamente, sensorial (la que acontece a través de los sentidos; ya que respecto a la componente de reacción afectiva o emotiva, sería la primera acepción de la disciplina, en una concepción «subjetivizada» y típicamente moderna, la que tendería a tematizarla), lo cual respondería a la etimología del término aisthesis. A mí me interesan sobre todo las dos últimas concepciones. Pero estas tres maneras de entenderla no son las únicas, pues «Estética», como presunto nombre de una disciplina, es un término cargado de ambigüedad. Y sobre el Arte, tomado así en términos tan genéricos… sería realmente difícil pretender entrar ahora a definir el concepto: esa es nada menos que la pregunta fundamental de la Estética entendida como una Filosofía del Arte. Digamos que «arte» son una serie de productos culturales humanos, que tienen rasgos considerados «artísticos» y/o se presentan en contextos institucionales artísticos (con esto último no pretendo para nada suscribir la llamada «teoría institucional del arte, que prácticamente viene a identificar el arte con las instituciones sociales de carácter artístico; pero sí creo imprescindible recoger este aspecto en la caracterización). Los rasgos que se cuentan como «artísticos» son muy diversos, y no todos se encuentran siempre reunidos en todo objeto artístico: por ejemplo, el suscitar en el sujeto que lo contempla cierto tipo de placer (o más bien, varios tipos de placeres, vinculados a las «categorías estéticas» arriba aludidas, empezando por el «placer estético» que suscita lo bello); o el expresar los sentimientos del autor, la forma de pensar de su época, etc; o el transmitir contenidos de valor ético universales (esto sería difícilmente aplicable al arte moderno) o ideas (esto sería muy típico de cierta neo-vanguardia contemporánea); o el carecer de una funcionalidad práctica o social clara (aquello de la «finalidad sin fin» kantiana, que difícilmente puede aplicarse, por ejemplo, al arte medieval, o al arte del diseño industrial funcionalista); o el resultar original, innovador, o romper expectativas previas (esto es específico del arte moderno); o el elevar el grado de conciencia del sujeto e instarle a la crítica de la realidad dada; o simplemente, el proponer una experiencia sensorial que construye y explora un mundo de cualidades sensibles. Y tal vez estos no sean todos los rasgos posibles…

– También tienes formación profesional en música, tanto en clásica como en jazz. ¿qué te ha aportado esta formación a tus estudios de estética?
Pues como periplo académico de formación reglada, en ese preciso sentido me aportó poca cosa: fue decepcionante… (Como ves, la historia de mis estudios académicos, tanto universitarios como no-universitarios, en general, es más bien la de un desencuentro con la Estética). Mis clases de Estética y de Historia de la Música en los estudios de música se redujeron a que un simpático profesor de Percusión se sentaba en una silla, abría (según el caso) los manuales de Fubini o de Jay Grout, y nos leía la parte del texto que tenía ahí subrayada. Luego los alumnos entregábamos semanalmente nuestros propios resúmenes de esos mismos libros (¿»métodos de pedagogía activa…»?), y así se nos evaluaba y calificaba. No parece que el intento de aplicar los postulados del EEES a la educación musical en España ha mejorado esto posteriormente: por lo que sé, ahora, en ciertos conservatorios, las clases de Estética Musical consisten en la proyección de vídeos, sobre los cuales luego los estudiantes y el profesor debaten ad libitum. lo cual no creo que les lleve a ninguna parte. Colmaría todas mis aspiraciones el poder intervenir yo mismo en esta situación, ejerciendo como docente de esa asignatura en conservatorios. Pero por desgracia, eso es imposible: terminé el Grado Medio de música y obtuve este título, pero nunca llegué a obtener el título de Grado Superior; con lo cual, según la normativa actual, tengo entendido que no se me consideraría apto para presentarme a concursos de plazas de ese tipo. Después de haber practicado cuatro, cinco, seis y hasta ocho horas diarias de instrumento durante varios años de mi vida… Oficialmente, por lo que se ve, yo «no sé música». O, lo que me resulta casi más ofensivo, soy un mero «bachiller musical» (esta designación considero que es malintencionada por parte de las autoridades educativas, o de quien sea que, en su momento, la puso en circulación).

Cosa muy distinta es lo que me han aportado mis estudios de música, y en general, mi relación con la música, para mi comprensión de las artes y de la Estética. La experiencia directa de la práctica de un instrumento; la práctica de la escritura musical en diversos formatos, armónico-melódica, o a varias voces; la mera experiencia de escuchar acordes, identificarlos y probar a combinarlos; o el análisis auditivo de piezas musicales: todo ello me ha traído a conciencia que las artes, ya sea en la creación o en la recepción, implican siempre profundamente la dimensión sensorial. También me ha hecho consciente de la importancia de los procesos creativos específicos de cada disciplina artística, que son distintos en cada una de ellas. Todo eso puede parecer obvio, pero no siempre nos percatamos de ello (también hay quienes lo niegan, o lo toman como objetivo crítico-polémico; me refiero a los artistas conceptuales). Es una experiencia que difícilmente pueden reemplazar quienes se acercan a la Estética desde una perspectiva, digamos, libresca e intelectual, o quienes sí llegan a ella desde un interés cultural por las artes, pero sin haber practicado nunca ninguna de éstas (como suele ser el caso de quienes han cursado estudios de Historia del Arte: en general, en los planes de estudio que han realizado no suele haber nada que disponga la experiencia de una relación práctica semejante con ninguna disciplina artística concreta; es más, tampoco parece que a nadie le llame la demasiado la atención esta ausencia…). Y la relación que uno tiene con la disciplina de la Estética cuando hay de por medio alguna experiencia de ese tipo, obviamente, no pude ser la misma. Creo que lo ideal sería tener uno mismo experiencia propia en la práctica de aquellas artes de las que uno se ocupa desde la perspectiva teórica; yo, personalmente, sin eso, me siento un poco diletante. Hubiera querido procurarme una formación en dibujo, y también una en cine y vídeo, y de hecho, intenté hacerlo con ambas; pero circunstancias personales me lo impidieron. Por eso, de todas las artes, es la música la que me resulta más cercana.

«me ha hecho consciente de la importancia de los procesos creativos específicos de cada disciplina artística, que son distintos en cada una de ellas. Todo eso puede parecer obvio, pero no siempre nos percatamos de ello (…) Es una experiencia que difícilmente pueden reemplazar quienes se acercan a la Estética desde una perspectiva, digamos, libresca e intelectual, o quienes sí llegan a ella desde un interés cultural por las artes, pero sin haber practicado nunca ninguna de éstas»

– Durante tu carrera te han otorgado tres importantes premios: el Primer Premio Nacional de Licenciatura del Ministerio de Educación (especialidad de Filosofía), el Premio Especial de Licenciatura de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense (2003) y el Premio Especial de Doctorado en Filosofía de la Universidad Complutense (2008-2009) ¿qué han supuesto para ti estos reconocimientos?
Bien, pues en honor a la verdad, fue bastante gratificante. No sé si yo habré sido el más inteligente, el más brillante o el más creativo de mi promoción, ni de mi generación. No puedo atreverme a afirmar ninguna cosa semejante. Antes bien, recuerdo a compañeros  míos de estudios muy brillantes, pero que por las circunstancias que fueran (ya sea porque en su familia había problemas, o atravesaban ellos mismos problemas personales; o porque no tenían dinero y se tenían que costear sus estudios  trabajando en un horario laboral inhumano; o porque compartían piso con un montón de gente o vivían en una residencia muy ruidosa y no tenían dónde poder concentrarse tranquilamente…) hicieron sus estudios malamente como pudieron; y algunos, incluso, ni siquiera los terminaron, sino que abandonaron por el camino. Pero el hecho es que, como estudiante, me dejé la piel en mis estudios de Filosofía; y a todos nos gusta que nos reconozcan nuestro esfuerzo. Luego, además, a veces haber recibido esas distinciones me ha ayudado para mi vida profesional. Aunque tal vez menos que lo que se podría imaginar; y a la hora de abrirse camino en el mundo universitario, son otro tipo de cosas las que más cuentan…

«el hecho es que, como estudiante, me dejé la piel en mis estudios de Filosofía; y a todos nos gusta que nos reconozcan nuestro esfuerzo»

– Has sido profesor en diferentes universidades españolas, como la Universidad Europea de Madrid, la Universidad de Extremadura o la Universidad de La Rioja, ¿cómo es la relación con tus alumnos y qué buscas transmitir en cada clase?
Son tres universidades muy diferentes, sobre todo la Europea de Madrid (ya que ésta es un centro privado, mientras que las otras dos son públicas); además, inicié mi andadura profesional en ellas en una época en que la institución universitaria experimentaba fuertes y rápidos cambios, en España y en toda Europa; así que, como es lógico, la experiencia y la relación con los alumnos fue muy distinta en cada caso. En Extremadura, trabajé en un Departamento de Historia del Arte y Geografía; los nuevos Grados del EEES todavía estaban empezando, y aún quedaban licenciaturas antiguas en marcha. Todos, profesores y alumnos, teníamos muchas incógnitas respecto a cómo las novedades se iban a poner en práctica, había un poco de desconcierto… En general, encontré allí una audiencia receptiva y también comprensiva y tolerante hacia mi poca experiencia (además de ser mi primera docencia, impartí allí asignaturas que yo mismo jamás había cursado en mi itinerario universitario, pues no existían entonces como tales). La Europea de Madrid es muy distinta; allí la relación alumnos-profesor tiene algo de… cómo decirlo, de «colegial»; no hay más que ver el Plan de Acción Tutorial en que involucran a sus docentes, donde éstos tienen que rendir cuentas ante los padres de los alumnos. Cuando empecé a trabajar allí, el centro había cambiado de propietarios no hacía mucho tiempo; a las (pocas) asignaturas de filosofía que allí se impartían, se le había dado una orientación distinta (a modo de barniz humanístico para un centro ya totalmente orientado a producir titulados en carreras de las denominadas «profesionalizantes»); y en el momento en que yo llegué, se notaba que tenían muy poco claro qué querían hacer con esas asignaturas, lo cual no facilitaba nada mi tarea. Mi materia tenía poco peso en la Facultad donde la impartí, que no era de carácter humanístico para nada, y mi audiencia era muy poco receptiva. Les interesaba poco el contenido de mi asignatura (la veían como un cuerpo extraño a su plan de estudios), y en general, todo lo que tuviera que ver con las Humanidades, o que no tuviese una relación obvia y directa con su carrera, su profesionalización, su empleabilidad. Además, estaban acostumbrados a obtener notas altas con cierta facilidad, y se irritaban mucho si eso no sucedía. Posteriormente, en la Universidad de la Rioja (me refiero a la pública; no he trabajado nunca en la UNIR, que es privada), mi área científica se incluía en un departamento de carácter muy interdisciplinar. Un departamento donde, respondiendo a las dimensiones modestas de la Universidad, se había concentrado a muchas áreas de disciplinas humanísticas, pero en realidad muy diversas entre sí; y eso en cierto sentido tenía ventajas. Pero también me planteó dificultades, pues tenía que impartir clase a cuatro o cinco titulaciones distintas y, según el credo de los ideólogos del EEES en España, supuestamente debía adaptar mi asignatura a los intereses profesionales e intelectuales propios de mis estudiantes. Lo cual es bien difícil con titulaciones tan dispares, más aún si encima los alumnos están concentrados en grupos masivos donde se entremezclan estudiantes de todas esas titulaciones; y no digamos ya si a los estudiantes se les adoctrina en la idea falsamente «profesionalista» de que lo que no sirva claramente para el futuro profesional correspondiente a su titulación está de sobra (con independencia de que, a la hora de la verdad, se diseñen los planes de estudio conforme a ello o no se haga así; y sin entrar en la cuestión de si es deseable o siquiera posible mantener esa idea). Con lo cual, los estudiantes a veces traen expectativas previas que no les hacen nada receptivos.

«a los estudiantes se les adoctrina en la idea falsamente «profesionalista» de que lo que no sirva claramente para el futuro profesional correspondiente a su titulación está de sobra (…) Con lo cual, los estudiantes a veces traen expectativas previas que no les hacen nada receptivos»

  Yo por mi parte, y con independencia de la situación, lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; la aventura intelectual que implican incluso los desarrollos conceptuales aparentemente más abstractos y abstrusos; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias. Y lo he intentado transmitir siempre en y a través de los propios contenidos de mi asignatura; porque de éstos es de lo que se trata (es decir, que soy lo que los pedagogos actuales llaman, con desdén, un «esencialista pedagógico»). Y no a pesar, en contra de, o indiferentemente a dichos contenidos, como parecen estar empeñados en pensar los teóricos de la «revolución pedagógica» del EEES, que parecen creer que los contenidos y su transmisión son lo de menos, dado que, según ellos, supuestamente andan flotando por ahí en alguna nube del espacio virtual, fácilmente accesibles ya de antemano para cualquiera en el ciberespacio. Ellos presuponen que esos contenidos, tomados en sí mismos, carecen de capacidad para suscitar ningún interés, y que, por tanto, la tarea de la enseñanza consiste en utilizar alguna artimaña metodológica, sazonada con ingredientes tecnológicos, para intentar atraer a los alumnos, a su pesar, hacia esos supuestamente antipáticos contenidos (y por ello, afirman que todo aquél docente que no emplee tales tácticas anda repitiendo lo mismo que ya hacían los copistas de los monasterios medievales o los Dozenten de las universidades alemanas de inicios del XIX en sus Vorlesungen, leídas literalmente de un papel de cabo a rabo; con lo que su docencia resultaría superflua, además ser él mismo un mal profesional, carente de ética).

«lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; la aventura intelectual que implican incluso los desarrollos conceptuales aparentemente más abstractos y abstrusos; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias»

– ¿Qué consecuencias crees que tiene para la sociedad la sucesiva eliminación de las humanidades en el sistema de educación pública?
Pues ¡qué quieres que te diga!; evidentemente, creo que tiene consecuencias nefastas. Creo que el tópico de que un pueblo más ignorante es también un pueblo más manipulable, no por ser tópico es menos verdadero (aunque por otra parte, también soy escéptico hacia la presunción de que el conocimiento sea suficiente para hacernos libres, o de que el saber histórico vacune contra los errores cometidos en el pasado: baste mirar los movimientos neonazis en Alemania y Austria, donde, más que menos, llevan desde la post-guerra machacados por el peso de su propio pasado, intentando rumiarlo). Esta eliminación de las disciplinas de Humanidades es un corolario del modo de pensar que se ha hecho dominante hace tiempo, y que algunos vinculan con el neo-liberalismo económico: lo que no rinda dividendos, es perjudicial para la sociedad y no tiene razón de ser, de modo que es un lujo costoso o una veleidad perjudicial, y debe desaparecer. En el caso particular de la Filosofía, este modo de pensar se ha convertido en una verdadera campaña de descrédito a nivel social, político e institucional («¿Pero a qué es a lo se dedican esos señores, los profesores de Filosofía, y para qué sirven?»), que me temo ha arraigado en amplios sectores de la opinión pública. Y esto no se arregla con buscarle a la Filosofía una especie de justificación a tono con las exigencias del momento. Es precisamente así como se ha «patrimonializado» la Historia del Arte, llevándola a los terrenos propios de los estudios de Turismo y Gestión Cultural. Y así se ha querido también justificar la persistencia residual de la Filosofía a nivel institucional y educativo, sosteniendo que su importancia consiste en que «inculca valores» o en que «sirve para fomentar el pensamiento crítico» (lo cual implica una preconcepción muy particular, más bien chata y bastante interesada, de qué son los «valores» y en qué consiste el «pensamiento crítico»). Todo eso no son más que cuentos de caminos: la Filosofía no consiste en ninguna de esas dos cosas. Cuestión distinta es que ahora interese reciclar a unos señores que parecen haber quedado sin función útil, para que desempeñen estos roles. También es cierto que la Filosofía (si uno no entiende por tal cualquier cosa; a diferencia de cuando se usa «filosofía» como sinónimo de la noción más vaga de «pensamiento», por ejemplo, al hablar de «pensamiento oriental», «pensamiento maya», etc., donde se está hablando de algo distinto…) es una formación cultural y discursiva muy particular, que no siempre ha existido, ni necesariamente continuará existiendo siempre. La filosofía es algo que surgió y se desarrolló en unas condiciones materiales y culturales peculiares, que la hicieron posible; esas condiciones podrían estar desapareciendo ahora, y con ellas, bien podría desaparecer la Filosofía.

«Esta eliminación de las disciplinas de Humanidades es un corolario del modo de pensar que se ha hecho dominante hace tiempo, y que algunos vinculan con el neo-liberalismo económico: lo que no rinda dividendos, es perjudicial para la sociedad y no tiene razón de ser, de modo que es un lujo costoso o una veleidad perjudicial, y debe desaparecer. En el caso particular de la Filosofía, este modo de pensar se ha convertido en una verdadera campaña de descrédito a nivel social, político e institucional»

– Perteneces al comité editorial de la Revista de Filosofía Bajo Palabra desde 2009, ¿cómo se orienta la revista y a qué público va dirigida? ¿falta difusión de la filosofía para público no especializado?
La Revista Bajo Palabra surgió como iniciativa de un grupo de estudiantes, mayormente de la Universidad Autónoma de Madrid, que eventualmente se constituyeron en la Asociación a la que está vinculada la Revista. Ésta tomo así un carácter más formal, en su Segunda Época, y se convirtió en una revista propiamente académica, que cumple todos los requisitos formales de rigor que hoy se exigen a este tipo de publicaciones, y que poco a poco está consiguiendo establecerse en los índices internacionales de calidad de revistas científicas; en buena parte gracias al esfuerzo de Delia Manzanero, que hoy continúa dirigiéndola, y de los colaboradores del equipo editorial, entre los que me cuento. Su  temática es principalmente filosófica, con alcance general, por lo que acoge aportaciones de todas las disciplinas de la Filosofía, y de todas las corrientes (tanto las «analíticas» como las «continentales», si se quiere usar esta distinción); y así, el índice de contenidos cambia mucho de un número a otro. Pero además, desde el comienzo ha tenido una vocación interdisciplinar, de modo que ha acogido también trabajos sobre diversos campos de Ciencias Sociales y Humanidades; la única condición es que tengan un enfoque de cierto calado teórico, y que cumplan unos estándares de calidad exigidos. Cierto es que también refleja las diversas inquietudes de los que estamos vinculados a su equipo editorial: Delia Manzanero, por ejemplo, es especialista en Filosofía Jurídica, y otros miembros trabajan temas de Pensamiento Español; de modo que tienen muchos contactos en esas áreas científicas, por lo que recibimos muchas propuestas de publicaciones sobre esos temas. Yo, por mi parte, a veces he elaborado y publicado ahí traducciones de trabajos de temática estética de autores que, por su calidad, creí que merecía la pena acercar a los lectores de lengua española. En cuanto al lector al que nos dirigimos, es un lector de intereses amplios y diversos; aunque hay que decir que se dirige a un público académico o universitario, más bien que al gran público general, ya que no es una revista de divulgación, ni una revista cultural de tipo general, «de quiosco», sino una revista científica, ligada al medio universitario.

En cuanto a las publicaciones divulgativas sobre filosofía para el público general, como haberlas, sí que las hay, pero lo poco que conozco de ellas no es muy esperanzador. En general, parecen traslucir una especie de confusión entre filosofía y temas paranormales, o misticismos orientales mal asimilados por un público occidental, o una indebida identificación de la filosofía con cierto tipo de idearios «humanistas» de implicaciones ideológicas muy particulares.

«La Revista Bajo Palabra (…) desde el comienzo ha tenido una vocación interdisciplinar, de modo que ha acogido también trabajos sobre diversos campos de Ciencias Sociales y Humanidades»

– Obtuviste una beca para estudiar en la Johns Hopkins University de Baltimore (Maryland, U.S.A) durante 9 meses, ¿cómo fue para ti esta experiencia?
Fue una experiencia muy peculiar: difícil al principio, pues Baltimore es una ciudad «dura», oscura, de fuertes contrastes sociales, conflictos raciales y cierta peligrosidad (en tiempos, encabezó el ranking de las ciudades más peligrosas de EE.UU., hasta que otras le arrebataron el dudoso privilegio). Y eso se notaba: había una cierta hostilidad ambiental… También me chocó la ritualidad del medio académico anglosajón en las relaciones con los profesores, las diferencias jerárquicas entre los alumnos de diversos niveles (donde sería difícil ver a un graduate student conversando de tú a tú con un undegrad, o a un sophomore perdiendo el tiempo con un novato; cada cual a lo que aspira, en todo caso, es a intentar relacionarse con el nivel jerárquico superior, con vistas a entrar en él…). Son cosas que entonces en la universidad española no había (me temo que también aquí el EEES ha contribuido a introducir algo parecido). Pero tenía que ir allí: mi tesis la escribí sobre un historiador y crítico que es uno de los más egregios profesores de la Johns Hopkins University de Baltimore; así que estando allá, pude conocerle en persona y verle en acción, y eso me vino muy bien. También en el lado positivo, las bibliotecas de allá tienen un equipamiento que está a años luz de avanzado; era realmente confortable trabajar en ellas, y yo pasaba mis días ahí metido. Al ladito del campus de Hopkins estaba el Museo de Bellas Artes de Baltimore, con la impresionante colección de Matisse de las hermanas Cone. También encontré interesante la escena musical de la ciudad (donde está el Peabody Conservatory, uno de los mejores del país, además de varias universidades públicas y privadas con sus programas de estudios de música, y eso se nota…). Había un sitio llamado An die Musik, con un programa de conciertos de jazz a la altura de muchos festivales europeos, incluyendo propuestas arriesgadas y de vanguardia; un auditorio con una orquesta sinfónica excelente, y conciertos a precios asequibles para estudiantes; un teatro de ópera… Hay allí una escena importante de música experimental y de libre improvisación, en torno a una asociación que tiene un local (la «Red Room») en la trastienda de una librería, y que organiza un importantísimo festival internacional anual. Y los legendarios estudios de grabación Orion, que ofrecen conciertos de rock progresivo y de vanguardia internacional, con la presencia del sello Cuneiform Records, que tiene su sede cerca, así que se veía al director del sello por ahí a menudo. En cambio, me llamó la atención el desconocimiento que reina allí de la música clásica de vanguardia europea: pocos saben quién es Helmut Lachenmann, y a Pierre Boulez sólo lo conocen como director de orquesta; te hablo de gente universitaria, con inquietudes, que en cambio, suelen tener gran familiaridad con el cine de vanguardia, la performance, el arte europeo reciente, o el jazz de vanguardia americano; así que no es por mera falta de interés personal por lo que desconocen otras cosas. Allí esa música hoy día apenas se interpreta; no es extraño que la gente no la conozca.

«me chocó la ritualidad del medio académico anglosajón en las relaciones con los profesores, las diferencias jerárquicas entre los alumnos de diversos niveles»

– Viajas con frecuencia a Berlín, ciudad en la que también has vivido por una estancia post-doctoral en el Kunsthistorisches Institut de la Freie Universität ¿qué significa para ti esta ciudad y qué te aporta?
Berlín es una ciudad muy importante para mí. Académicamente, para cuando obtuve la beca que me hizo posible la estancia, ya era un poco tarde: la gente que había estado allí investigando sobre el tema de mi interés (mayormente vinculados a un grupo de investigación francés, con un proyecto internacional financiado) habían terminado ya su período de trabajo y se habían ido. No obstante, yo me dediqué a lo mío: aproveché los fondos de la biblioteca de la Universidad Humboldt, que por su antigüedad posee colecciones completas de fondo antiguo de los autores y temas que yo trabajo. También aproveché para frecuentar algunos seminarios que me interesaron y les saqué partido. Más allá de lo académico, la importancia de Berlín para el mercado internacional de las artes plásticas es conocida desde los años 90; pero quizá no todo el mundo sea consciente del enorme centro para las artes escénicas que es esa ciudad: cuatro teatros de ópera, varios teatros dedicados a ofrecer un programa internacional de avanzada (además del teatro contemporáneo típico que se hace allí, que a mí me decepciona un poco, pues me parece algo narcisista, chillón y presa de ciertos manierismos), diversos festivales… Sobre todo, tuve la oportunidad única de descubrir la impresionante escena de música experimental berlinesa, que algunos llaman Echtzeitmusik (aunque muchos de sus miembros negarán que exista una tal «escena», por temor a que les encasillen; pues en efecto, no se trata de ninguna corriente estilística en particular, sino que es una comunidad de artistas vinculados por intereses compartidos, dentro de la cual reina la mayor pluralidad). Que nadie se confunda: no se trata de la conocida escena del Techno berlinés, que nada tiene que ver; aunque algunos artistas muy conocidos de esa otra escena sí tienen vínculos con la comunidad de la Echtzeitmusik, como también lo tienen algunas conocidas figuras del Free-Jazz berlinés, que, de nuevo, es otra cosa muy distinta. Un aspecto muy señalado de esa escena es el liderazgo femenino; muchas de las figuras más renombradas son mujeres; a diferencia, por ejemplo, de la escena del jazz de vanguardia, que sigue dominada en general por figuras masculinas. Yo creo que he conocido esa escena quizá en uno de sus últimos momentos de expansión y esplendor, porque las condiciones de vida en Berlín están cambiando, y es posible que en poco tiempo esa escena desaparezca, o que tenga que trasladarse a otro lugar.

«tuve la oportunidad única de descubrir la impresionante escena de música experimental berlinesa. (…) Yo creo que he conocido esa escena quizá en uno de sus últimos momentos de expansión y esplendor, porque las condiciones de vida en Berlín están cambiando, y es posible que en poco tiempo esa escena desaparezca, o que tenga que trasladarse a otro lugar.»

– Habiendo asistiendo a la vida cultural en todas sus manifestaciones -arte contemporáneo, música, artes escénicas- de cada país en el que has estado, ¿cómo es tu visión de la escena internacional en las artes?
Pues eso depende. Depende, sobre todo, de qué disciplina o práctica artística hablemos. Es un panorama muy complejo y también muy variado; aunque, dentro de esa variedad, es casi obvio que hay dos niveles: un nivel de lo mainstream, de las tendencias predominantes, que a través de una fuerte presencia en la escena y un acaparamiento de los medios de difusión y de los canales comerciales y oficiales, ocupan casi totalmente los gustos y preferencias del público mayoritario. Dentro de esto, hay ámbitos (como el de la música o el del cine) donde el mainstream se compone mayormente de producciones industriales, de carácter y finalidad claramente comercial, realizadas siguiendo unas claras líneas de marketing.; mientras que en otras prácticas artísticas, incluso en el mainstream,  este carácter comercial de masas, sin que por ello deje de existir en cierto modo, no es tan obvio. Y junto al anterior nivel del mainstream, hay otro nivel de lo independiente, underground o como se lo prefiera llamar, que se desarrolla de forma mucho menos visible, con poco o casi ningún apoyo mediático e institucional, escaso impacto comercial, y que es prácticamente desconocido para los grandes públicos (téngase en cuenta, para evitar equívocos, que esta contraposición mainstream/underground no coincide con la ya trasnochada contraposición entre popular culture (o midbrow) y high culture, aunque pueda parecerse a ella). Creo que, a grandes rasgos, las cosas vienen a funcionar de este modo para el conjunto del arte actual desde hace ya muchas décadas. Pero sería necesario matizar y distinguir, porque en cada práctica o disciplina artística las cosas funcionan de un modo algo distinto.

– Y en particular ¿cuál es en tu opinión sobre el estado del arte contemporáneo actual?
En las llamadas artes visuales o plásticas, en general veo una escena muy sometida a las presiones del mercado internacional del arte, al mandato de las grandes bienales y de los comisarios de exposición estrella y de las instituciones artísticas, y a ciertos discursos teóricos imperantes, muy oficiales y oficiosos, por más que a veces se pretendan «críticos» (no es de extrañar que una variante de arte conceptual, el de «crítica institucional», sea tan preponderante: es el tipo de arte que puede entusiasmar a comisarios y conservadores de museos). Es una escena muy intelectualizada, pero al mismo tiempo bastante comercializada, porque aquí el mercado del arte es un factor determinante; una escena donde hay mucha pose y mucho divismo, en parte porque es imprescindible para los artistas nuevos desarrollar esas habilidades para llamar la atención en el mercado artístico internacional. Pero, como decía antes, junto a la escena mainstream hay también otra escena menos domesticada, donde puede haber más honestidad artística, con independencia de que la calidad mayor o menor de lo que en cada artista y caso particular se presenta.

«veo una escena muy sometida a las presiones del mercado internacional del arte, al mandato de las grandes bienales y de los comisarios de exposición estrella y de las instituciones artísticas, y a ciertos discursos teóricos imperantes, muy oficiales y oficiosos, por más que a veces se pretendan «críticos» (no es de extrañar que una variante de arte conceptual, el de «crítica institucional», sea tan preponderante: es el tipo de arte que puede entusiasmar a comisarios y conservadores de museos).»

«junto a la escena mainstream hay también otra escena menos domesticada, donde puede haber más honestidad artística, con independencia de que la calidad mayor o menor de lo que en cada artista y caso particular se presenta.»

– Hablas y escribes con fluidez en cuatro idiomas: inglés, francés, alemán e italiano ¿se transforma el pensamiento con cada lengua?
Bueno… hablo y escribo con mayor fluidez en unos idiomas que en otros, dependiendo de si he estado recientemente en el país en cuestión, o si estoy realizando algún curso de mantenimiento, etc. El caso es que sí: hay ideas que son muy sencillas de formular en un idioma y para decir eso mismo en otro hace falta dar muchos más rodeos, o no existe una expresión que corresponda exactamente, y es necesario tirar de paráfrasis. Y desde luego, salvo para quienes son bilingües de nacimiento o desde la infancia, o casi, pensar en la lengua nativa se hace con mayor fluidez y naturalidad. Con las lenguas aprendidas, hay que lidiar y luchar con/contra ellas; y cuando deja de ocurrir así, supongo que es señal de que uno se ha vuelto bilingüe. Al menos esta es la impresión que yo tengo, aunque no es algo que a mí me haya sucedido todavía (es decir, que no soy bilingüe en ninguna de las lenguas extranjeras que he aprendido).

– Has realizado servicios de traducción alemán-español para el Goethe Institut Madrid, la Fundación Oteiza de la Universidad Pública de Navarra, y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid ¿se siente un peso extra de responsabilidad al trabajar con estas instituciones?
Pues sí; pero no ya solamente por el hecho de que sean las instituciones que son, sino porque es un trabajo que, si luego se va a publicar y muchos lo van a ver, leer, consultar, o van a tener que usarlo para desempeñar su propio trabajo (como sucede, por ejemplo, con el texto de un catálogo de exposición o con un artículo de revista científica que uno ha traducido), va a ponerse en juego tu capacidad, va a estar a la vista de todos para ser juzgada (inclusive a la vista de lectores muy exigentes), y hay quien va a depender de que sepas hacer bien tu trabajo para poder hacer bien el suyo. Esto lo he tenido también presente cuando he traducido textos por iniciativa personal para la propia revista que yo codirijo, que no tiene quizá la envergadura institucional del Museo Thyssen ni del Goethe Institut, y que yo mismo tuve la iniciativa de traducir sin que nadie me remunerase por ello (ya que, al igual que la labor de realizar la propia revista, se trata de ofrecer un servicio a la comunidad académica, por el que no cobra un duro ninguno de los implicados).

«hay quien va a depender de que sepas hacer bien tu trabajo para poder hacer bien el suyo»

– Los conciertos, las artes escénicas, el cine y las exposiciones copan todo tu tiempo libre, ¿cómo eliges qué ver en cada momento? ¿cuáles son los artistas de referencia para ti en este momento?
Bueno, tengo prioridades, naturalmente. Puesto que, por diversas razones, me siento especialmente comprometido con la música, y dentro de ella, con la música de vanguardia (si aceptamos ese término), pues eso es lo que va en primer lugar. Ya te hablé antes de mi experiencia berlinesa; no es extraño que algunos de los artistas que más aprecio ahora sean de allá, como Andrea Neumann, Christian Kesten, Thomas Ankersmith, Brian Eubanks o Lucio Capece (estos dos últimos vienen de fuera, pero están establecidos allí); también en Berlín hay otra serie de proyectos interesantes, con músicos como Kalle Kalima, Tony Buck, Markus Pessonen, etc. Peter Ablinger es un compositor austríaco, que a veces me resulta muy interesante. Un grupo de rock que he visto repetidas veces y me ha causado impresión es Secret Chiefs III; también me impresionaron Zu, Meshuggah y Dillinger Escape Plan, así como varios grupos franceses como Poil o Ni, algunos de los cuales están vinculados al sello Dur et Doux. He solido seguir las coreografías que han ido estrenando Sasha Waltz o Toula Limnaios, por ejemplo. En teatro, Krystian Lupa, que murió hace poco, era uno de los directores de escena más interesantes de la actualidad; también me sorprendió lo que he visto del Natural Theatre of Oklahoma, del Vivarium Theatre de Philippe Quesne, o de Teatr Zar, tres compañías muy actuales, aunque no podrían estar estéticamente más en las antípodas unas de otras. Recientemente vi un montaje de Blick Theatre (una compañía francesa, de Toulouse) y me pareció formidable. Esto, sólo por mencionar unos pocos nombres que me vienen ahora un poco al acaso; porque tu pregunta es un poco enorme; no me siento capaz de sintetizar el liderazgo creativo actual en las escenas de todas las prácticas artísticas con una lista de unos pocos nombres. Quizá me falte perspectiva; o quizá sea hoy más difícil que en otras épocas lograr tenerla, porque hay mucho de todo, tanto cosas relevantes como irrelevantes, y es casi imposible asimilarlo todo.

«me siento especialmente comprometido con la música, y dentro de ella, con la música de vanguardia»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?
No sé; últimamente hay gente intentando persuadirme de que me meta a organizador de algún ciclo de conciertos de música de vanguardia en la ciudad en que vivo actualmente. Tal vez lo hiciera si se dieran la ocasión y las circunstancias. Pero hoy por hoy no termino de verlo claro; y además, me falta experiencia como organizador, tarea que imagino bastante compleja. Tengo cierta experiencia de tipo algo similar, participando como organizador de algún congreso académico; por eso, sé que es una labor difícil, que es necesario hacer en equipo, contando con otras personas que tengan un saber hacer o habilidades en los otros aspectos más «técnicos» (de coordinación, de gestión económica, etc.), que a mí me son totalmente ajenos. He conocido a muchos que se han metido a organizadores vocacionalmente, y han terminado frustrados, estropeando su relación con sus colaboradores, o con los artistas a quienes involucraban, porque a veces las cosas no salían del modo esperado; o incluso, llegando a perder mucho dinero que ellos pusieron de su propio bolsillo para que pudieran salir adelante sus proyectos. También hay quienes reciben una formación académica y profesionalizante en gestión cultural, y gracias a ello conocen bien esos otros aspectos que yo antes he llamado «técnicos» (organizativos, económicos…); pero a veces ese tipo de gente con formación especializada, el aspecto en el que andan luego más flojos es, precisamente, el más propiamente «cultural» o «artístico» del asunto, porque la formación que reciben es casi puramente gestocrático-empresarial… y a veces, por desgracia, también sus intereses e inquietudes personales se limitan a ese aspecto: son «gestores culturales sin cultura». Por no hablar de las muchísimas veces que los organizadores (ya tengan o no tengan formación especializada) se ven involucrados en proyectos donde se espera de ellos, bajo el pretexto de que la actividad que realizan es «vocacional» y de que se les ofrece una ocasión supuestamente extraordinaria de ejercerla, que trabajen casi de gratis, en precarias condiciones, y sin contar con el necesario apoyo organizativo o de medios: es decir, que se les explota flagrantemente. Yo, por mi parte, estaría en condiciones de aportar a un proyecto de gestión cultural u organización de eventos mis contactos con artistas y mi conocimiento de primera mano de un cierto número de escenas y de tendencias; pero eso sí, lo mío no es la gestión económica, ni la logística. Y en todo caso, de involucrarme en ese tipo de labor, tendría que ser en un área que me sea afín y que conozca, sobre un tema o asunto que me estimule. No me metería a «gestor» de eventos de cualquier tipo, así en plan genérico y técnico, salvo que se diera una ocasión y circunstancias bien apropiadas; es decir, si alguien me hiciera una propuesta laboral sólida para trabajar con una cierta remuneración e integrado en un equipo: entonces sí lo consideraría seriamente. En fin, ya se verá si surge algo de eso…

«los organizadores (ya tengan o no tengan formación especializada) se ven involucrados en proyectos donde se espera de ellos, bajo el pretexto de que la actividad que realizan es «vocacional» y de que se les ofrece una ocasión supuestamente extraordinaria de ejercerla, que trabajen casi de gratis, en precarias condiciones, y sin contar con el necesario apoyo organizativo o de medios: es decir, que se les explota flagrantemente.»

«estaría en condiciones de aportar a un proyecto de gestión cultural u organización de eventos mis contactos con artistas y mi conocimiento de primera mano de un cierto número de escenas y de tendencias. (…) si alguien me hiciera una propuesta laboral sólida para trabajar con una cierta remuneración e integrado en un equipo: entonces sí lo consideraría seriamente.»

– Un sueño que te gustaría se hiciera realidad
Conseguir trabajo estable en algo que me guste y para lo que me sienta capacitado, en un lugar donde me sienta bien, y de modo que pueda ganarme la vida y asentar un poco mis reales. Creo que, hoy por hoy, esto es un sueño muy difícil de alcanzar para muchísima gente. Por desgracia.

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David Díaz Soto

Revista Bajo Palabra

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«Me doy al 100% para conectar con ese público, acercarme, romper la barrera entre el escenario y la audiencia»

Pilar Montoya – Clavecinista, Directora de Orquesta y Bailarina Histórica

Pilar Montoya es una artista pluridisciplinar especializada en música antigua. Intérprete de clave y órgano, combina esta profesión con la dirección de orquesta, la dirección artística de la compañía «Los Comediantes del Arte»,  la investigación y la docencia. Su amplia formación en España y Suiza hace de esta profesional una todoterreno que afronta todas las disciplinas con la rigurosidad que exige cada una de ellas, pero siempre con una mirada abierta a la creación contemporánea.

Pilar nos habla en esta entrevista de su día a día en el trabajo, de la intensidad con la que vive cada una de sus facetas artísticas, siempre con una sonrisa en el rostro que transmite su amor y su entusiasmo por la profesión.

– ¿En qué momento decidiste que la música sería tu profesión?
Fue durante mi etapa universitaria. Me gusta contar esta anécdota. Estaba estudiando un examen de termodinámica química. Delante de los apuntes de repente me paré y me hice esta pregunta: “Pilar, ¿qué haces hoy domingo por la tarde estudiando esto? ¿qué quieres ser?” Y estuve dos o tres segundos pensando hasta que dije: “Músico, ¿no? ¡Pues vamos!”, (risas)…y cerré los apuntes, los guarde en un cajón junto con el resto de los libros, ¡¡ aún siguen ahí !! En los días siguientes estaba un poco nerviosa porque tenía miedo y dudaba de haber tomado el rumbo adecuado pero ahora con la perspectiva de los años y a pesar de que también me gustaba mucho estudiar ciencias puedo decir que acerté y que no me arrepiento ni un instante de aquel momento que recuerdo tan nítidamente. Y quisiera añadir que al  tomar esa decisión conté en todo momento con el apoyo incondicional de mi familia.

«Me hice esta pregunta:  «¿Qué quieres ser?»  “Músico, ¿no? ¡Pues vamos!” tenía miedo y dudaba de haber tomado el rumbo adecuado pero no me arrepiento ni un instante de aquel momento»

– ¿Por qué te decantaste por la música antigua?
Porque este es el  repertorio que más me conmueve y que más cercano siento. Desde que comencé a estudiar música siempre tuve una predilección muy especial por los repertorios de los siglos XVII y XVIII y bueno esto es algo que no se decide, no se elige, sino que simplemente es así. El arte es muy variado, hay un abanico inmenso de posibilidades pero no todos las artes nos llegan ni nos dicen lo mismo. Una cosa es la obra de arte y otra es como uno la recibe. Y en mi caso, a pesar de que cronológicamente está lejos del tiempo que me ha tocado vivir, siento muy cercana, extrañamente cercana diría yo, la música de esos períodos.

– Comenzaste tu carrera como intérprete de piano, pero finalmente te especializaste en clave ¿cuándo comenzó tu interés por este instrumento?

Esto también tiene su historia, una historia bonita que voy a volver a contar y a la que me refiero siempre en estas entrevistas. Recuerdo perfectamente una tarde saliendo del colegio, tendría unos catorce años….pasando por una tienda que había justo enfrente de la casa de mis padres me di cuenta de que había un instrumento muy curioso que podía ver a través del escaparate, parecía un piano pero era de madera de color verde. Guiada por mi curiosidad entré y sin pensármelo mucho pregunté al dueño si me permitía ver el instrumento e incluso tocarlo. El señor muy amable accedió, incluso me puso una banqueta para poder tocar. Esa fue la primera vez que pude poner las manos sobre un clave y la verdad es que fue una experiencia tan fuerte, me gusto tanto el sonido de ese instrumento, me resultó tan atractivo, tan cautivador, vi que la música de Bach sonaba tan hermosa ahí que dije: “bueno, tengo claro que esto es lo mío” y esa fue la razón por la que decidí acercarme al mundo del clave y de la música barroca. A los pocos años pusieron esta especialidad en el Conservatorio de Zaragoza y pude empezar con José Luis González Uriol la carrera de ese instrumento y posteriormente la de órgano. Fue una experiencia para mí muy viva, muy intensa, cierro los ojos y la puedo imaginar, la puedo recrear con todos los detalles. Esa fue la razón.

               «La primera vez que pude poner las manos sobre un clave fue una experiencia tan fuerte, me gusto tanto el sonido de ese instrumento, me resultó tan atractivo, tan cautivador, vi que la música de Bach sonaba tan hermosa ahí que dije: bueno, tengo claro que esto es lo mío»

–  ¿Has encontrado dificultades como mujer en una profesión tradicionalmente de hombres como es el clave?
Realmente no es verdad que el clave sea un instrumento considerado para hombres aunque sí es cierto que hay instrumentos más vinculados al hombre que a la mujer tradicionalmente, quizás los de viento metal o instrumentos muy grandes como el contrabajo, pero ahora para nada esto es así. Yo conozco a muchas mujeres contrabajistas o que tocan la tuba, el trombón, la trompeta, etc. y hombres arpistas,  instrumento considerado en épocas pasadas muy “femenino”. Quizás el mundo de la dirección de orquesta aún sigue siendo preponderantemente masculino aunque también esto va cambiando, de hecho ahora hay mujeres que empiezan a tener un nombre muy sólido en el mundo de la dirección orquestal. Si he encontrado dificultades a la hora de ser mujer en el mundo de la dirección orquestal, ufff…no sabría que contestar a esto. Yo creo que en un inicio, cuando como director empiezas a trabajar con una orquesta, con un grupo de músicos que no conoces, pues evidentemente los primeros instantes son muy importantes porque debes transmitir una imagen de autoridad, pero una autoridad no entendida como antes, basada en la  fuerza, sino mucho más sutil y más efectiva en el fondo. La autoridad que un músico de orquesta requiere es aquella que emana de la sabiduría del director. Éste tiene que demostrar que conoce la obra que va a desgranar para la orquesta, que la conoce en profundidad y que hay mucho estudio, mucho análisis detrás, en definitiva, que tiene claras las ideas. Esa es la autoridad del actual director de orquesta y no la anterior. Y eso es independiente de ser hombre o ser mujer.

                        «La autoridad que un músico de orquesta requiere es aquella que emana de la sabiduría del director. Éste tiene que demostrar que conoce la obra que va a desgranar para la orquesta, que la conoce en profundidad»

– También eres intérprete de órgano ¿tienes preferencia por el repertorio de clave o de órgano?
Para nada, no. Porque incluso hay obras en aquellas épocas que se dedicaban de una manera indistinta tanto a un instrumento como al otro. Se decía “tecla”, “música de tecla” y en la música de tecla estaba incluido el órgano, el clave, el clavicordio o incluso en épocas posteriores el fortepiano con lo cual el repertorio tanto de órgano como de clave en muchas ocasiones era intercambiable, y bueno… yo adoro los dos instrumentos y me siento muy identificada y muy cómoda con ambos. Aunque hay periodos en los que puedo tocar más el clave o el órgano realmente no quiero elegir un instrumento en favor del otro, para mí los dos están a la par y los considero complementarios.

– Otra de tus facetas es el canto, en el que eres Diplomada. ¿Tener esta formación da una visión más amplia de la música?
Evidentemente sí. Creo que todos los músicos, al margen de que tengan buena voz o no, deben cantar porque el canto primero es salud. Saber colocar la voz cuando uno habla, respirar bien, es saludable y además dice mucho de nosotros mismos. Cuando escuchas la voz de alguien, y pones atención en cómo habla, te está mostrando mucho de cómo esa persona es. Pero al margen de esto si se tiene un buen material vocal, puede ser importante el cultivarlo, el estudiar una técnica y sacarle partido. Durante una época compaginé los estudios de canto con los de instrumento e incluso me planteé dedicarme profesionalmente al canto pero bueno al final, no sé si hice bien o no, me decanté por ser instrumentista. Sin embargo reconozco que me ha venido muy bien, me sigue viniendo muy bien, mi formación vocal porque es una herramienta importante a la hora de impartir aulas a mis alumnos y también cuando trabajo con los músicos en una orquesta o con cantantes ya que conozco el mundo de la voz y como he dicho antes, puedo utilizar ese recurso para hacer mis clases más completas y mis ensayos mucho más efectivos.

«Creo que todos los músicos al margen de que tengan buena voz o no deben cantar (…) dice mucho de nosotros mismos. Cuando escuchas la voz de alguien, y pones atención en cómo habla, te está mostrando mucho de cómo esa persona es»

?- Te has formado en Basilea en la Schola Cantorum Basiliensis donde recibiste formación especializada en canto, dirección, danza histórica y géstica barroca.? ¿Cómo fue tu experiencia suiza?
¡¡Fue maravillosa!! Lo volvería a hacer, sin lugar a dudas. Esta oportunidad surgió gracias a una beca que me concedió la Diputación Provincial de Zaragoza por la que se me financiaban los estudios allí. Más adelante recibí también otra beca del Gobierno Suizo. Me siento muy afortunada y agradecida por haber recibido estos dos apoyos que me posibilitaron el ampliar estudios durante cuatro años en la Schola Cantorum Basiliensis, uno de los centros más importantes a nivel mundial en cuanto a la música histórica. Recuerdo la primera semana que estuve allí, me encontraba muy perdida porque apenas hablaba alemán , no entendía nada y bueno no conocía tampoco a nadie…fue una aventura al principio un poquito dura pero enseguida me di cuenta de que tenía muchísima suerte al poder trabajar en ese centro con profesores de fama internacional, tener a mi disposición una biblioteca inmensa, una programación completísima de conciertos, cursos especializados, y además también hice amigos magníficos con los que todavía tengo relación. Me atrevería a decir que es una experiencia vital para un artista.  Una vez que un músico acabe sus estudios oficiales debe salir, conocer otros centros, otros profesores, otras técnicas, otras maneras de hacer música, forma parte esencial de su formación profesional y humana.

«Un músico que acabe sus estudios oficiales debe salir, conocer otros centros, otros profesores, otras técnicas, otras maneras de hacer música, forma parte esencial de su formación profesional y humana.»

– ¿Cómo abordas la preparación de un concierto siendo solista de clave, interpretando una obra con un grupo de cámara  o dirigiendo una orquesta?
Cada concierto tiene una preparación específica adaptada al tipo de programa aunque también existe un protocolo más o menos estandar. Dedico muchas horas de estudio con el instrumento pero antes hay un trabajo sin él, es decir, me acerco a la obra desde un punto de vista intelectual, analizo la partitura, la imagino sonoramente, la memorizo, me informo del compositor, de la pieza, intento profundizar en lo que hay más allá de los signos escritos en el papel. Y esto es una labor realmente de investigación, de búsqueda apasionante. Una vez que ese trabajo está hecho paso al instrumento y en él lo primero de todo abordo aspectos técnicos, aquellos pasajes que requieren un cuidado técnico mayor. En sesiones posteriores paso a la interpretación entendida  como la transmisión emocional, de “afectos” como diría un barroco. Que la música no se quede únicamente en algo técnico sino que vaya mucho más allá, a transmitir, emocionar, comunicar algo a una audiencia. Y para lograrlo, y esto lo decía Carl Philipp Emanuel Bach, para comunicar ese sentimiento tú tienes que sentirlo primero. Es un trabajo de búsqueda dentro de ti, de ir trabajando en tus emociones, un trabajo como haría un actor, por ejemplo. No puedes transmitir un sentimiento de dolor si no sientes ese dolor cuando tocas y eso a veces no es fácil, por eso decía que es muy parecido a lo que un actor hace cuando trabaja en un personaje. Y con respecto a la preparación de un programa como directora de orquesta, es muy semejante con una dificultad añadida  y es que esas emociones tienes que transmitirlas a un grupo de músicos y que ese grupo te entienda y todos sintamos al unísono, todos vayamos a una, en una misma dirección como una bandada de pájaros. Eso para mí es lo más atrayente y valioso pero en esencia es lo mismo. Resumiendo: análisis, técnica y al final transmisión de emociones.

«No puedes transmitir un sentimiento de dolor si no sientes ese dolor cuando tocas y eso a veces no es fácil, es muy parecido a lo que un actor hace cuando trabaja en un personaje.»

– ¿Cómo es la respuesta que recibes de los diferentes públicos a los países a los que acudes a dar conciertos?
Pues yo hasta ahora me he encontrado con públicos muy agradecidos, públicos muy amorosos, simpáticos, cálidos, cercanos, independientemente de la ciudad española o si actuaba fuera de mi país. Es cierto que hay públicos que pudieran ser “más entendidos” pero para mí eso es lo de menos porque hay muchas formas de emocionarse o de disfrutar con la música, muchas maneras de acercarse a  la obra de arte. Entonces para mí, repito, eso es indiferente. Cuando salgo a actuar delante de un público no es sustancial que éste sea entendido o no, sea un público del norte o del sur, de personas mayores o de jóvenes, realmente  me da igual. Yo siempre me doy, me doy al 100% y también intento y eso es importante, conectar con ese público, acercarme, romper la barrera que muchas veces los artistas ponemos entre el escenario y la audiencia, hacer que el acto del concierto sea muchísimo más sencillo, más natural y desde luego que haya ese feed-back, que haya ese intercambio de emociones. Eso es lo que intento.

«Cuando salgo a actuar delante de un público no es sustancial que éste sea entendido o no, sea un público del norte o del sur, de personas mayores o de jóvenes, realmente  me da igual. Yo siempre me doy, me doy al 100%»

– ¿Qué conciertos tienes próximamente en España?
Bueno ahora el próximo concierto que tengo no es en España, sino en Argentina. El día 8 de noviembre voy a dar un concierto en Buenos Aires con un flautista traverso, Javier Gustavo Gelati  y su mujer la chelista Eloisa Donatone. Vamos a hacer en el museo Fernández Blanco, un sitio precioso, un programa con obras de J. S. Bach y su hijo C. P. E. Bach. También en la capital argentina los días 9 y 10 impartiremos un curso en torno a este compositor sobre todo abordando el repertorio de la suite de danzas. Va a ser un curso teórico-práctico y lo vamos a ofrecer en la Universidad del Arte en Buenos Aires. Además en la capital argentina fui invitada por Mirta Soto a participar en su Encuentro Internacional de Directores de Orquesta. En diciembre tendré mi examen final de Dirección de Orquesta por la Royal de Londres (a través de la Escuela de Dirección del Maestro Navarro Lara).  En enero voy a dar un curso de música barroca para pianistas por la Fundación Eutherpe en León dirigida por Margarita Morais. En febrero viajaré a Castelo Branco (Portugal) invitada por Joao Janeiro a ofrecer cursos y también un concierto de clave con obras de un compositor español no muy conocido, Félix Máximo López que trabajó en la corte de Fernando VII. En marzo actúo en Bologna, dando un concierto de clave para la Associazione Clavicembalistica Bolognese. En abril viajo a Oxford para asistir a un congreso de danza histórica y actúo como bailarina con Fernando Espí, guitarrista barroco, en el Festival “Gaspar Sanz” invitada por Raul Viela y en mayo también otro congreso de danza histórica esta vez en Alemania. Para acabar me gustaría citar mis colaboraciones con la Universidad de Salamanca (Matilde Olarte), Universidad Autónoma de Madrid (Begoña Lolo, Germán Labrador y Ana Vega Toscano), Universidad Complutense (Enrique Oromendía) y el Centro de Estudios Musicales “Musicay” (María y Enrique Blanco).

– Como vemos tu agenda está plagada de actividades diferentes: conciertos como intérprete de clave y de órgano, directora, conferencias,…? ¿cómo abordas un día normal de trabajo al abarcar tantas facetas diferentes?
Pues como una jornada tiene pocas horas, evidentemente no puedo abarcar todas esas facetas en el mismo día. Entonces trabajo mucho por agenda inmediata. Cuando tengo una actuación cercana como clavecinista, mi intención va al instrumento. Termino esa actuación y lo próximo que tengo es de danza o de dirección de orquesta, pues hago exactamente lo mismo, es decir, me concentro en una sola faceta, en la faceta cuya actuación tengo a continuación. De otra manera sería absolutamente imposible. Y aun así a veces no puedes evitar que se solapen proyectos pero fundamentalmente mi manera de trabajo es ésa. Además procuro que en el fin de semana haya un hueco para el ocio, para un ocio constructivo, rico, algo muy importante. Por ejemplo, dar un paseo por un jardín en buena compañía, ir a ver una película, disfrutar de una comida… creo que todas estas cosas redundan mucho en el estado anímico, en el bienestar psicológico de una persona y sobre todo para un artista es importante porque en general somos personas bastante desequilibradas, muy obsesionadas con “nuestro mundo” y se necesita de estos momentos para evitar que al final la música sea nuestro mayor enemigo. Por desgracia conozco casos de existencias muy complicadas y eso, al final tarde o temprano, pasa factura. Por ello veo fundamental ese equilibrio entre la profesión y las aficiones. Me parece importantísimo que dediquemos un tiempo a nuestra vida personal, a nutrirla de cosas bellas y buenas.

«Me parece importantísimo que dediquemos un tiempo a nuestra vida personal, a nutrirla de cosas bellas y buenas.»

– ¿En España se premia ser una profesional multidisciplinar?
Ahora empieza a no estar tan mal visto. Recuerdo que cuando era niña en España, y en el mundo en general pero fundamentalmente en nuestro país, lo que se buscaba era un tipo de profesional muy concreto, muy especializado. Pero de un tiempo a esta parte esto está cambiando y de hecho se da cada vez más la doble licenciatura, una persona que también hable varios idiomas, capaz de dar varios perfiles profesionales y esto me parece importante porque volvemos a no ser esclavos del “unifacetismo”. Desde luego tiene que haber una buena reparación en las distintas áreas  para dar el nivel adecuado y eso no es fácil pero bueno… es lo que la sociedad ahora demanda. Cada vez es más habitual en el mercado laboral musical encontrarte a jóvenes con dobles, a veces hasta triples titulaciones y uno o varios Master. Por otra parte te das cuenta de que hay instrumentos muy cercanos como el clave y el órgano así que tener los dos títulos es algo absolutamente normal o por ejemplo ser musicólogo y músico práctico al  mismo tiempo y podría poner más ejemplos. Por tanto el polifacetismo va tomando cada vez más fuerza en nuestro país. El panorama ha cambiado radicalmente con respecto a los últimos años.

        «El polifacetismo va tomando cada vez más fuerza en nuestro país.  El panorama ha cambiado radicalmente con respecto a los últimos años»

 ??- También eres intérprete de danza histórica y has trabajado con prestigiosas compañías profesionales de danza «Corpo Barocco» y «Esquivel» dirigidas por S. T’Hooft y Mª José Ruiz respectivamente. ¿Cómo fue tu experiencia con estas compañías?
Fueron experiencias muy buenas. Conocí a Sigrid T’Hooft en Bélgica. Durante un tiempo iba habitualmente allí a trabajar con su grupo y a formarme porque para mí eran realmente clases magistrales. Además recuerdo a Sigrid como una mujer muy cariñosa, muy simpática, abierta, muy activa con muchísima energía, nos reíamos mucho en las clases… después de las sesiones agotadoras recuerdo que Johann, uno de los bailarines, decía con frecuencia: “Oh, my poor feet”, (risas). También recuerdo con nostalgia a la Compañía Esquivel. María José me mostró el mundo de la danza barroca española. Estuve asistiendo con regularidad a Madrid y ensayaba con el grupo e incluso tuve un par de actuaciones muy bonitas. Destacaría sobre todo la que ofrecimos en el Monasterio de El Escorial, de noche con antorchas, con  mucho público. Recuerdo esa actuación como una de las más especiales que yo haya podido vivir por el entorno tan fantástico que es el Patio de Carruajes de ese Monasterio.

– Te has embarcado en la dirección de tu propia compañía de danza antigua, Los Comediantes del Arte, ¿qué acogida está teniendo este proyecto?
Esta teniendo buena acogida a pesar de que debido a la crisis es difícil mover un grupo de estas características. Últimamente ofrecemos espectáculos de pequeño formato mucho más económicos y más fácilmente programables. El grupo de danza histórica fue una “locura” mía y surgió  en la servilleta de un bar (risas). Estaba en un bar pensando sola y me pregunté: “Bueno, ¿y por qué no hago esto?” Y empecé a diseñar en una servilleta de papel un esbozo del primer espectáculo que ofrecí con el grupo titulado Amor y desamor que estrenamos en Zaragoza en el año 2002. Después de éste vinieron cinco proyectos más. Tenemos un vestuario precioso, muy cuidado y al público la verdad es que le gusta mucho este tipo de programas en donde no solo se ofrece la música sino también la danza, el teatro, la poesía…En la actualidad sobre todo se demanda un espectáculo integral en el que se fusionen diferentes artes poniendo más énfasis en el aspecto visual. Yo creo que ya hemos trascendido la idea de concierto clásico, en el que salen unos músicos vestidos de negro, que dan un programa a un público, que no hablan, que no interaccionan con los asistentes, que reciben unos aplausos y se van. Bueno pues creo que este tipo de recital ya está en desuso y se impone replantear el formato de concierto que hasta ahora conocemos.

                «En la actualidad sobre todo se demanda un espectáculo integral en el que se fusionen diferentes artes poniendo más énfasis en el aspecto visual»

– Fuiste Directora Artística de la Orquesta Barroca del Conservatorio Superior de Salamanca ¿qué funciones desempeñaste en este cargo?
Trabajé en la orquesta desde el año 1999 hasta el 2013. En este proyecto que creé con mucha ilusión y esfuerzo desempeñé, además de la Dirección Musical, la funciones de Directora Artística que consisten fundamentalmente en elegir el repertorio, coordinar los diferentes conciertos, establecer contacto con las instituciones, organizar los ensayos, el plan de trabajo, etc. Fueron años llenos de experiencias muy positivas que recuerdo con especial cariño. Lo que me llevó a impulsar este proyecto es tener la certeza de que debía existir porque los alumnos de un conservatorio superior han de tener la oportunidad de tocar en orquesta repertorio histórico de los siglos XVII y XVIII como tutti y como solista. Además todos aprendimos mucho y no solamente aspectos musicales sino también la dinámica de trabajo en equipo y esto es muy formativo para un músico. Querría agradecer la labor magnífica y el excelente trabajo en común que compartí en los diferentes encuentros de la orquesta con los profesores Arancha Montoya, Isabel Serrano y Antoine Ladrette, piezas claves en el desarrollo de este proyecto.

– Dentro de la docencia, eres Catedrática de clave, ¿cómo es la relación con tus alumnos?
Es maravillosa, estupenda, yo adoro a mis alumnos. Como te puedes imaginar he tenido muchos desde el año 1996 hasta ahora e incluso sigo manteniendo relación con muchos de mis ex alumnos que se acuerdan de mí, que me felicitan en mi cumpleaños o en mi santo. Cuando vienen a Salamanca o coincidimos en otros sitios, se acercan y me recuerdan con afecto, con mucha gratitud y eso para un profesor como puedes imaginar, es lo máximo. Yo realmente no considero que la profesión de maestro de música sea inferior a la de concertista. Creo que es igual de difícil dar un concierto que dar una clase. Impartir una buena clase para mí es una obra de arte y yo me esfuerzo cada día en mejorar como músico pero también como profesora. Con mis virtudes y defectos los alumnos perciben que me esfuerzo para que salgan bien preparados al final de sus estudios, que sean cuanto antes autónomos, que cada vez me necesiten menos y se conviertan en grandes profesionales como muchos de ellos ya lo son.

                            «Realmente no considero que la profesión de maestro de música sea inferior a la de concertista. Creo que es igual de difícil dar un concierto que dar una clase. Impartir una buena clase para mí es una obra de arte»

– ¿Se conoce lo suficiente nuestro patrimonio en música antigua? ¿Qué percepción tiene de ella el público no especializado?
Se conoce poquísimo, ¿verdad? Hay mucho por conocer y hacer. Primero, ¿qué es música antigua? Pues es un concepto bastante ambiguo y quizás no muy afortunado. Creo que actualmente podemos observar que hay músicos contemporáneos que componen música que se hacía ya en el siglo XVII por ejemplo y viceversa, en el siglo XVII había músicos muy modernos para su época, músicos que trascendían a su tiempo, músicos vanguardistas. Entonces el concepto de lo antiguo y de lo moderno es bastante complicado porque no tiene nada que ver con un orden cronológico. Pero en todo caso puedo decir que estos repertorios de los siglos XVI, XVII, XVIII, incluso XIX o XX,  todo lo que no es música actual, son músicas en general muy desconocidas. Hay algunos compositores, pocos, que son más famosos y de ésos algunas de sus obras logran ser populares. ¿Cuál es la labor de un intérprete, de un musicólogo o de alguien que se dedique a divulgar la música? ¿Cuál es una de las funciones, creo yo, más necesarias? Pues la  difusión, dar a conocer sobre todo obras y compositores inéditos. Y hablando de patrimonio español, hay muchísimo repertorio en absoluto conocido, de primer orden, muy interesante y valioso. Me consta que ya hay personas desempeñando esa labor de recuperación. Yo he hecho un poquito al respecto, me gusta a veces transcribir alguna obra que encuentro en algún archivo para luego interpretarla. Es emocionante ir primero a ese archivo, encontrar manuscritos en general muy bien conservados, que parecen que se escribieron ayer y pasarlos a la notación moderna, tocarlos en el teclado, escucharlos y luego interpretarlos en publico y en fin, ver como esa obra que estaba allí dormida durante tantos años ha hecho ese viaje desde el archivo lleno de polvo pasando por la mesa de trabajo para llegar finalmente hasta la sala de concierto. Y hay que hacer mucho en este sentido porque existe gran cantidad de músicas y danzas no conocidas, esperando a que alguien las estudie y las interprete.

– ¿Eres partidaria de hibridar estilos musicales?
Absolutamente sí. Cuando era joven esto me costaba más, era más purista – si me permites la expresión – pero bueno, en mi evolución como artista estoy viendo que cada vez me resulta más fascinante y me produce menos problema el atreverme a mezclar lenguajes. Y ahora estoy al inicio de esa etapa pero puedo decirte que en breve ofertaré un programa con algún amigo, colega o compañero en el que se pueda ver esa mezcla de estilos porque además el repertorio que yo hago funciona muy bien mezclándolo con lenguajes como el jazz, el flamenco, la música y danza de otras culturas  o la música y danza tradicional o contemporánea. Al haberme quitado ese prejuicio seguramente en breve daré el paso. Por supuesto estoy totalmente de acuerdo si se hace con rigor, con un estudio serio detrás y además es algo que siempre se ha hecho. Los creadores de cualquier época experimentando, siendo en cierto modo audaces y no imponiéndose fronteras posibilitaron el desarrollo del arte.

              «Los creadores de cualquier época experimentando, siendo en cierto modo audaces y no imponiéndose fronteras posibilitaron el desarrollo del arte.»

– ¿Qué proyectos profesionales te gustaría realizar en el futuro?
Bueno yo soy una persona que sueña mucho, siempre digo que soñar es gratis y la verdad es que tengo muchos sueños no sé si alcanzables o no pero ahí están. Por ejemplo me encantaría dirigir las sinfonías de Beethoven o dirigir obras de gran envergadura como una pasión de Bach o un oratorio de Händel o alguna ópera, aunque esto ya lo he hecho en alguna ocasión pero me gustaría seguir por esa línea cuando mi carrera como directora se afiance. ¿Qué me gustaría también? pues algo que ojalá pueda hacerlo en un momento determinado y es crear una Fundación para apoyar a chicos y chicas que no tengan recursos y que a través de la misma puedan estudiar música y formarse como artistas. Donaría mis instrumentos, los trajes de danza, mis libros y partituras…sería como aportar mi pequeño grano de arena para que las jóvenes generaciones puedan disfrutar de todo lo que yo tuve. Es un sueño bonito y creo que realizable, pero bueno tengo muchos más…no sé, me cuesta mucho hasta enunciarlos, son tantos que no sabría cuál escoger.

                 «Me gustaría crear una Fundación para apoyar a chicos y chicas que no tengan recursos y que a través de la misma puedan estudiar música y formarse como artistas. Donaría mis instrumentos, los trajes de danza, mis libros y partituras…sería como aportar mi pequeño grano de arena para que las jóvenes generaciones puedan disfrutar de todo lo que yo tuve.»

– Fuera de la música, ¿cuáles son tus pasiones?
Muchas también. Ir a una exposición,  gozar de una buena película o una obra de teatro, leer un libro, pasear por un precioso parque en buena compañía, conversar, disfrutar de una buena comida, viajar…muchas pasiones, muchos hobbies que me nutren como persona y que son para mí esenciales.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.
Ummm, ¡¡¡qué difícil!!!, no sé qué contestar aquí…(risas), pero ¿a  qué nivel? ¿profesional o personal?

– Ambos, como bien dices, soñar es gratis

A nivel profesional ver que la música y el arte en nuestro país, en concreto la música antigua, se equipare al resto de Europa. Que vaya desapareciendo este desfase que todavía sufrimos, y que yo pueda ver ese proceso aunque sea al final de mi carrera. También que las personas con talento puedan desarrollar sus cualidades y no estén obligados a irse al extranjero, que reciban el apoyo necesario. Que el arte no se piense como algo superfluo, inútil, que se perciba como algo natural y esencial para nuestra formación y para contribuir a nuestra felicidad. Y a nivel personal tener salud y energía para poder seguir evolucionando como artista y como ser humano.

– Muchas gracias por contarnos tu trayectoria profesional y tus inquietudes, es un placer tenerte en YanMag.

Muchas gracias por tu entrevista, muy bonita, y por esas fotos tan maravillosas que me has hecho. Te deseo mucha felicidad en tu vida, suerte y éxitos en tu profesión. Un beso muy
fuerte para ti y para todo el equipo de YanMag ¡¡Hasta siempre!!

«Deseo que las personas con talento puedan desarrollar sus cualidades y no estén obligados a irse al extranjero, que reciban el apoyo necesario. Que el arte no se piense como algo superfluo, inútil, que se perciba como algo natural y esencial para nuestra formación y para contribuir a nuestra felicidad»

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