«El paisaje no es un lugar, es un punto de vista»

Fernando Puche es fotógrafo de naturaleza y escritor sobre estética y creatividad de la fotografía.

Sus imágenes y artículos han aparecido frecuentemente en publicaciones de renombre como FV, La Fotografía Actual, Iris, Contrastes, Arte y Naturaleza, Film Und Foto, la revista escandinava Camera Natura o las estadounidenses Black & White Magazine y Focus. Ha estado representado por la galería Espacio Foto (Madrid) y sus obras se han expuesto en muestras en Rusia, Argentina y en Estados Unidos, en la Mountain Light Gallery de Bishop (California, USA).

Tiene diez libros publicados: Fotografía y naturaleza: más allá de la luz (2003), El Paisaje Interior (2005), Un Viaje Imaginario (2007), Crónicas de un fotógrafo desconfiado (2009), Así trabaja el fotógrafo Fernando Puche (2009), Diario de un fotógrafo amateur (2012), Una historia verdadera (2014), Barayo (2015) y Algún día tú también harás un viaje parecido (2018), El fotógrafo que no sabía mirar (2024).

Con sus fotografías enfrenta lo visible con lo que imaginó su mente y cuestiona no solo esa estética realista tan presente en la fotografía de paisajes, sino también los propios límites de la representación del paisaje. Para él, el paisaje es una búsqueda, «La búsqueda de algo que no necesariamente ha de estar presente en el lugar que se ha elegido fotografiar» y no es un lugar, «es un punto de vista».

– ¿Cuándo empezaste a interesarte por la fotografía?

En realidad me interesé por ella a partir del momento en que mis padres me regalaron una Yashica FX-3 con 18 años. Hasta entonces no le había prestado atención, pero desde ese momento la fotografía se convirtió en una pasión.

– ¿Qué es la fotografía para ti?
 
Esta es una pregunta que vas respondiendo a lo largo de los años y cuya respuesta va enriqueciéndose con el paso del tiempo. Además, esa respuesta no es la misma en cada momento de tu vida. El significado de la fotografía es algo que cambia con las circunstancias, el grado de maestría, las expectativas o la edad.

La fotografía ha significado para mí muchas cosas, y algunas seguro que aún no las he descubierto. En primer lugar fue una manera de probar mis habilidades: una herramienta desconocida, un proceso extraño, una disciplina nueva. Fue un banco de pruebas donde comprobar mis aptitudes y mi compromiso.

Luego se convirtió en un medio para destacar: la publicación en revistas, los concursos, las exposiciones.

Ha sido también un viaje de autoconocimiento (qué buscas, cómo lo haces, con quién lo compartes) y una manera de forzar mi proceso creativo.
Paralelamente me ha servido para expresarme, para ganar confianza en mí mismo, para refinar y consolidar la escritura, para vivir experiencias alucinantes y para conocer a personas maravillosas.

«El significado de la fotografía es algo que cambia con las circunstancias, el grado de maestría, las expectativas o la edad.»

«la fotografía me ha servido para expresarme, para ganar confianza en mí mismo, para refinar y consolidar la escritura, para vivir experiencias alucinantes y para conocer a personas maravillosas»

– Todos tus proyectos fotográficos giran en torno a la naturaleza y al paisaje ¿por qué elegiste este tema en concreto?

No tengo claro si yo elegí la naturaleza o ella me eligió a mí. De pequeño salía al campo y eso me marcó. Además, cuando ya tuve una cámara propia probé un montón de cosas (paisaje, bodegón, retrato, fotografía deportiva, etc) y lo que más me gustó fue salir al campo con la cámara.
No tenía que pedir permiso, no tenías que interactuar con personas, no tenías que sugerir nada. El paisaje y tú, ya está. Fue algo natural, nada forzado, la cámara me fue llevando al mundo natural y yo cada vez me sentí más cómodo. Luego, como cualquier pareja, firmamos un acuerdo (que no sé donde estará) y así hasta ahora.

«No tengo claro si yo elegí la naturaleza o ella me eligió a mí»

«Fue algo natural, nada forzado, la cámara me fue llevando al mundo natural y yo cada vez me sentí más cómodo»

 – ¿Cómo decides qué fotografiar y en qué condiciones lo haces?

Decido fotografiar en función de las ideas que van apareciendo por mi cabeza. Hay cosas que no controlas, porque no puedes saber qué ideas te rondarán dentro de un mes o dentro de un año. Lo primero fue imitar a mis fotógrafos de referencia y luego fui cogiendo de aquí y de allá. Mezclas con tus circunstancias y posibilidades, añades algo de tu cosecha, y decides dónde ir y cuándo.

Luego, una vez en el lugar, entonces buscas lo que llevas en la cabeza, pero sabiendo que en muchas ocasiones has de adaptarte a lo que hay.

Las condiciones depende de lo que busque. Cada idea, cada proyecto, requiere de unas condiciones concretas: sol, nublado, bosque, desierto, temprano, mediodía, frío… He fotografiado a todas las horas del día, en todas las estaciones y en infinidad de paisajes. El proyecto es el que manda.

– ¿Es para ti fotografiar un acto privado y quizás solitario?

Desde el principio consideré la fotografía como una experiencia íntima. Un diálogo entre el paisaje y yo que provenía de un diálogo anterior entre mis deseos y mis necesidades. Así que busqué una manera de fotografiar que me permitiese cierta soledad, cierto aislamiento.

De hecho, me pongo nervioso cuando estoy haciendo fotos y tengo gente alrededor. Me siento raro cuando intento hacer una foto y hay gente mirándome. Es como si no pudiese concentrarme. Ahora que soy más mayor ya no me tiemblan las manos (es broma), pero prefiero estar solo cuando tengo que mirar a través de mi cámara.

Para lograr ese aislamiento me acostumbré a fotografiar entre semana y a horas del día en que suele haber mucha menos gente. Nada de fines de semana, nada de puentes, nada de vacaciones escolares. De nuevo, solos el paisaje y yo. Egoísmo puro, claro que sí.

«Desde el principio consideré la fotografía como una experiencia íntima.»

«Un diálogo entre el paisaje y yo que provenía de un diálogo anterior entre mis deseos y mis necesidades»

– ¿Cuáles son las fotografías en las que sientes que has descubierto algo?

Una vez pasada la fase de imitación (aunque estoy convencido de que nos pasamos la vida imitando), busco descubrir nuevas maneras de captar lo que ya he visto en mis fotos o en fotos de los demás. Tiene que ver con no repetirte, con buscar nuevos puntos de vista, con imaginar esos mismos elementos con otras estéticas, con experimentar, con probar diferentes técnicas, con estrujarte la cabeza.

En realidad, siento que he descubierto algo cuando la foto me sorprende. Y esto supone una sensación maravillosa y adictiva. Es que hacer la misma foto toda tu carrera es muy desolador, ¿no?.

«siento que he descubierto algo cuando la foto me sorprende»

«esto supone una sensación maravillosa y adictiva»

– Publicas habitualmente libros sobre fotografía y estética, el más reciente es El fotógrafo que no sabía mirar, una recopilación de cuentos sobre la fotografía, el acto de fotografiar, la búsqueda que supone la fotografía y también el mundo de la crítica ¿qué motivó que escribieras este libro?

Me remito a la respuesta anterior: no repetirme demasiado. Ya había publicado recopilaciones de artículos, fotolibros e historias varias alrededor de la fotografía y la vida. Era un reto publicar ficción y, como no soy novelista, el relato corto fue la solución.

Cuando te gusta escribir no te da demasiada pereza probar cosas nuevas, aunque no inventes nada. Es solo el placer de ser capaz de realizar distintas cosas a lo largo de tu carrera. En realidad ese libro es una especie de filosofía de la fotografía disfrazada de libro de cuentos.

– Algunos de tus libros los has autopublicado ¿has buscado independencia con ello? 

La autopublicación ha surgido como una solución ante la enorme dificultad de acceder al mundo editorial, que tiene sus propios intereses y criterios. Pero no solo ha sido una solución para mí, lo ha sido y lo es para muchos artistas a lo largo de la historia que han podido mostrar su obra y llegar al público sin la necesidad de depender de la decisión de intermediarios. Alguna vez he tenido la suerte de que una editorial ha encontrado atractiva alguna propuesta mía y se ha decidido a publicarla. Pero en general me pago todos mis libros. El único consuelo es que, de esta manera, hago lo que me da la gana. Con la ayuda, eso sí, de mi hermano Miguel que es quien me maqueta casi todo lo que publico.

Al final lo hago un poco por orgullo, porque me daría una lástima tremenda tener todos esos proyectos metidos en un cajón. Así que la consigna es clara: te autopublicas, imprimes pocos ejemplares y a por el siguiente. Una vez que te acostumbras es como comer, llega un momento en ya no lo piensas, el propio cuerpo te lo pide.

«en general me pago todos mis libros. El único consuelo es que, de esta manera, hago lo que da la gana.»

«Lo hago un poco por orgullo, porque me daría una lástima tremenda tener todos esos proyectos metidos en un cajón.»

– Impartes talleres para fotógrafos sobre creatividad y qué aspectos suelen frenarla ¿por qué pensaste en este tema en concreto y qué problemas suelen presentarse a los fotógrafos a la hora de comenzar proyectos?

Empecé a impartir talleres porque quería compartir lo que yo mismo había aprendido sobre el proceso creativo. Cuando me di cuenta de que estaba buscando las imágenes de otros, de que visitaba los mismos lugares o parecidos, de que buscaba ciertas estéticas y huía de otras o de que mis fotos se parecían demasiado, entonces quise aprender por qué sucedían estas cosas, cómo funciona el cerebro, cómo trabaja la memoria y de dónde vienen las ideas.

Entendí mejor lo que estaba haciendo con la cámara y pensé que no era mala idea compartirlo con más personas. Así, además, gano algo de dinero extra para ayudarme a pagar los libros que me autopublico. También se llama supervivencia.

«Empecé a impartir talleres porque quería compartir lo que yo mismo había aprendido sobre el proceso creativo»

«Entendí mejor lo que estaba haciendo con la cámara y pensé que no era mala idea compartirlo con más personas.»

– Desde tu experiencia ¿cuáles son los pros y los contras del mundo de la fotografía? 

Conozco el mundo de la fotografía con la suerte de no tener que depender ni de la fotografía ni de este mundo económicamente. La mayor ventaja es que controlo el proceso de cada proyecto principio a fin, y la mayor desventaja es que te fundes los ahorros haciendo fotos o colgando exposiciones. No pasa nada, ¡ojo!, porque es una pasión y encuentras mucha satisfacción en el hecho de ser capaz de realizar fotografías que te emocionan. Eso es un premio, aunque siempre añoras algo de calderilla para pagar los aperitivos y el vino de tus exposiciones.

Otra ventaja es que no estás dentro del fango, no tienes que pelearte con nadie. Apareces y desapareces a tu antojo. Pero claro, te tiras la vida haciendo un esfuerzo económico muy importante para financiar los proyectos. Y luego en invierno hace mucho frío. En fin, hay que asumir que la perfección no existe, pero el hecho es que se pueden sacar adelante los proyectos.

– Recientemente has publicado varios artículos sobre fotografía e Inteligencia Artificial en el blog Acerca de la fotografía de Valentín Sama ¿qué reflexiones te provoca este cambio en la imagen? 

Me atrae sobre todo la parte humana de la cuestión, es decir, cómo nos vamos a relacionar con esas imágenes generadas por un algoritmo y si dejaremos de salir a la calle para enfrentarnos al mundo a través de nuestros sentidos y nuestro cuerpo. Mi fotografía depende mucho de cómo percibo ciertos lugares y ciertas realidades (atmósferas, luces, contrastes, colores), y me pregunto si dejaremos de percibir el mundo con nuestros sentidos para dejar que un algoritmo decida por nosotros.
Aunque, al final, te das cuenta de que tú te irás y la tecnología seguirá avanzando. Cada persona tendrá que intentar elegir la dosis adecuada.

– ¿Qué proyectos estás preparando en este momento?

Estoy preparando la segunda parte de El fotógrafo que no sabía mirar (que tendrá otro título, por supuesto), un libro de fotos en blanco y negro, y una nueva serie sobre mi proceso creativo para el blog de mi querido amigo Valentín Sama, que me deja generosamente su blog para publicar buena parte de lo que escribo.

– ¿Qué consejo darías a alguien que quiera comenzar un proyecto fotográfico?

Sólo puedo aconsejar desde mi experiencia, desde mis proyectos. Estos tienen que ver con mi vida, con las cosas que me suceden y las fotos que me gustan. Mi consejo sería que lo hagan, que no piensen en qué opinarán los demás, que busquen, investiguen y fotografíen hasta lograr algo que les emocione. Si a los demás no le gusta, pues a por el siguiente. Además, hay concursos, salas, editoriales, festivales. Como dijo alguien cuyo nombre no recuerdo: si no lo intentas ya has fallado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

Que me financien algún libro. A ser posible uno con fotos, que son más caros de producir. Pero vamos, no voy a decir que no si me pagan uno sin fotos. (Y ahora voy a encender una vela) (risas)

«Deseo que me financien algún libro. A ser posible uno con fotos, que son más caros de producir»

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«Me interesa el periodismo constructivo, el que busca un enfoque de soluciones»

Ana Palacios es periodista y fotógrafa documental especializada en comunicación integral de proyectos con impacto social vinculados al tercer sector.

Se licenció en Ciencias de la Información en la Universidad de Navarra y estudió cine y fotografía en la Universidad de California en Los Ángeles (EE.UU.). Durante quince años trabajó en la producción de cine internacional con figuras de la talla de Ridley Scott, Milos Forman, Tony Kaye, Michael Radford, Jim Jarmusch o Roman Polanski. Siendo muy reconocida en su profesión, esta no terminaba de llenarle. A través de un proyecto fotográfico que realizó para una comunidad muy humilde en la India descubrió cómo sus imágenes podían transformar la vida de esas personas y desde entonces se dedica profesionalmente a documentar visualmente temas relacionados con los Derechos Humanos, el medio ambiente y los derechos de los animales.

Es además fundadora de La Mirilla de Malasaña, un estudio y lugar de encuentro donde ofrece mentorías personalizadas y talleres específicos sobre fotografía.

Descubrimos a esta profesional honesta, sensible y versátil que desarrolla un fotoperiodismo que busca soluciones y sensibilizar sobre vulneraciones invisibles.

– Eres licenciada en Periodismo por la Universidad de Navarra. ¿Qué motivó que eligieras esta carrera?

De pequeña quería ser directora de cine. Pero mis padres no estaban muy de acuerdo con eso de que su hija se metiera en el mundo de la farándula, así que hicimos un pacto: estudiaría una carrera que me permitiera encontrar un trabajo “de verdad”, y ya después, podría estudiar cine. Elegí periodismo porque tenía partes que me interesaban mucho como conocer a personas interesantes, quizá viajar, contar historias y sumergirme en mundos muy distintos al mío.

– Posteriormente te formaste en dirección de cine y fotografía en Los Ángeles y trabajaste en producción durante 17 años para grandes producciones en Hollywood. ¿Cómo fue esa etapa para ti? 

Sí, el cine siempre fue mi vocación y cuando me licencié en Ciencias de la Información, pude estudiar cine en la Universidad de California en Los Ángeles durante dos años. Fue una etapa muy divertida, sentía que estaba cumpliendo mi sueño americano y que yo misma vivía en una película. El choque de realidad vino cuando me di cuenta de que dirigir no era lo mío… pero, la buena noticia, fue que se me daba bien la producción, así que intentaría trabajar en ese departamento. Durante 17 años me dediqué a trabajar como coordinadora de producción en grandes producciones internacionales con directores como Ridley Scott o Roman Polanski. Disfrutaba mucho mi vida trepidante en el mundo del cine, siempre estaba entre rodaje y rodaje, en distintas ciudades, con gente maravillosa pero, con el tiempo… algo no terminaba de encajar.

– Hay un momento concreto en que la fotografía entra en tu vida y decides cambiar de profesión. ¿Qué ocurrió para que se diera ese cambio y cómo fue esa transición para ti?

Sí, llegó un momento en el que lo que hacía ya no me llenaba, no me hacía feliz como antes lo había hecho. Entonces empecé a sentir que quería hacer algo que le diera más sentido a mi vida. La fotografía siempre ha sido mi segundo amor. Entonces decidí irme a India en 2010 y allí estuve haciendo fotos al trabajo que hacen allí las Hermanas de Santa Ana, misiones que son proyectos de cooperación internacional en distintos puntos del país. Cuando volví del viaje, al contar las historias y enseñar las fotos de lo que yo había visto, me di cuenta de que mis compañeros de cine querían “echar una mano”, participar y ser parte del cambio.
En ese momento entendí la fuerza que puede tener una fotografía para cambiar las cosas y descubrí su poder de transformación. Fue cuando se empezó a diluir mi interés profesional por el cine y empecé a abrirme camino en la fotografía documental vinculada a los derechos humanos. Hasta 2014 estuve combinando ambas cosas y ya en 2015 me dediqué plenamente a la fotografía.

«Cuando volví del viaje, al contar las historias y enseñar las fotos de lo que yo había visto, me di cuenta de que mis compañeros de cine querían “echar una mano”, participar y ser parte del cambio.»

«En ese momento entendí la fuerza que puede tener una fotografía para cambiar las cosas y descubrí su poder de transformación.»

– ¿Qué motiva cada proyecto fotográfico y cuál es tu método de trabajo?

Con los proyectos que realizo como periodista y fotógrafa documental, intento documentar en profundidad lo que ocurre en las ‘esquinas de rotas del mundo’. Esos lugares que habitan comunidades vulnerables, muchas veces con pobreza estructural, que nunca son noticia salvo que ocurra una catástrofe puntual. Esas historias no interesan a los medios de comunicación y las muestran de una manera estereotipada y simplista. Con mis proyectos trato de visibilizar y sensibilizar sobre esas realidades “desde otro lugar”, siempre abordando las historias con mucha investigación previa y el máximo rigor posible.
Mi método de trabajo es lento y reposado. Procuro ser honesta con la realidad que encuentro. Me interesa el periodismo constructivo, el que busca un enfoque de soluciones para luchar contra la fatiga informativa, el sensacionalismo y la desinformación que inunda las redes sociales.

«Con mis proyectos trato de visibilizar y sensibilizar sobre esas realidades “desde otro lugar”, siempre abordando las historias con mucha investigación previa y el máximo rigor posible.»

«Me interesa el periodismo constructivo, el que busca un enfoque de soluciones para luchar contra la fatiga informativa, el sensacionalismo y la desinformación que inunda las redes sociales.»

– ¿Cómo es la relación con las personas a las que fotografías y qué impacto personal tienen en ti?

Lo más importante para mí es la empatía y el respeto hacia mis protagonistas. El motor para querer compartir su lucha o su abandono institucional. Me hace falta tiempo para poder crear cierta confianza, conocer las causas y las consecuencias de lo que les sucede y conseguir hacer un análisis en profundidad.
Eso es lo que me interesa y me emociona, sentir que puedo ser un agente de cambio para su transformación al relatar su historia.

«Lo más importante para mí es la empatía y el respeto hacia mis protagonistas.»

«Eso es lo que me interesa y me emociona, sentir que puedo ser un agente de cambio para su transformación al relatar su historia.»

– Tu trabajo se muestra tanto en importantes medios de comunicación, ONGs y exposiciones, en ámbitos periodísticos y de defensa de los derechos humanos pero también en ámbitos de arte contemporáneo ¿cómo es cada contexto y de qué manera se percibe tu trabajo?

Me gusta que mi trabajo esté presente en ámbitos muy distintos, para acercarme a públicos diferentes. Mi objetivo como periodista visual es acercar las vulneraciones que viven mis protagonistas y conseguir la máxima difusión posible y por eso hay que sacarlas de sus espacios habituales. Las personas que entran a una ONG y ven una exposición ya tienen interés en los temas sociales. Por eso hay que sacar nuestros contenidos a otras salas, centros de arte, museos, galerías, a la calle… y así acercar estos temas a una audiencia que a priori no habrían ido a ver mi exposición.

«Me gusta que mi trabajo esté presente en ámbitos muy distintos, para acercarme a públicos diferentes.»

«Mi objetivo como periodista visual es acercar las vulneraciones que viven mis protagonistas y conseguir la máxima difusión posible y por eso hay que sacarlas de sus espacios habituales.»

– Trabajas con grandes medios de comunicación como National Geographic o The Guardian entre muchos otros.

Sí, esto nace de la misma búsqueda de ser altavoz y dar visibilidad a mis proyectos. Desde que empecé en 2010 a hacer proyectos documentales, he querido publicar también en medios extranjeros, y con el tiempo han llegado grandes nombres como National Geographic, The Guardian o CNN. Es emocionante ver mi trabajo en estos medios de tanto prestigio, la verdad.

– Has abierto tu propio estudio, La Mirilla de Malasaña. ¿De qué manera has ideado y desarrollado este proyecto y qué tipo de formación ofreces en este momento? 

Siempre había soñado con este espacio dedicado a la fotografía y, verlo ahora hecho realidad, me hace muy feliz. Es un lugar de encuentro alrededor de la fotografía en el que hago mentorías personalizadas, además de talleres, charlas, etc. La fotografía es el eje central de todo lo que hacemos.

– En La Mirilla de Malasaña también ofreces otros servicios para fotógrafos. ¿Cuáles son las necesidades que cubres?

Es un coworking para tres personas del mundo de la gestión cultural y la comunicación. También se convierte en un pequeño plató que alquilo para producto o retratos individuales.
Pero, sobre todo, organizo talleres sobre temas prácticos: cómo montar una exposición, cómo publicar en medios de comunicación, cómo exponer en PHotoESPAÑA, etc. siempre de la mano de grandes profesionales como ponentes. Hacemos uno cada dos meses, en fin de semana y son de tres horas para un máximo de siete personas. Todo muy boutique y privado, porque creo que frente a tanto curso en Domestika o talleres online… es necesaria la alternativa de ofrecer atención personalizada y presencial. Se generan sinergias interesantes entre los asistentes y eso me encanta. Hemos tenido asistentes de la talla de Sofía Moro, Benito Román, Rosa Muñoz o Beatriz Gaspar y esto enriquece muchísimo los encuentros también. No tenemos web pero en Instagram cuento todo lo que se cuece en este pequeño gran espacio.

– ¿Qué proyectos tienes en marcha próximamente?

Mi plan para el 2025 es aprender a teletransportarme, a viajar en el tiempo y salvar al mundo de todos sus males. Si este año tampoco lo consigo, trataré de bregar con la vida como vaya viniendo, evitando el Tranquimacín en la medida de lo posible. Y, para alimentar el cuerpo y el alma, estoy haciendo un proyecto sobre rescate y adopción de mascotas de la mano de Salvando Peludos que a mediados de marzo verá la luz. Más a medio plazo, estoy trabajando en varios temas vinculados a salud, uno de ellos me llevará a mi querida África próximamente de la mano de una universidad inglesa.

– ¿Qué consejo darías a una persona que siguiera tus pasos iniciándose en la fotografía humanitaria y de derechos humanos?

Le diría que este oficio es una forma de entender el mundo y de querer contribuir a mejorarlo. La constancia, el rigor y la ética son los mejores aliados para conseguirlo y que se arme de paciencia, de creatividad y de energía, porque esto es una carrera de fondo.

– Un sueño que te gustaría se hiciera realidad.

Dormir del tirón toda una noche.

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«La cultura te configura el cerebro y te da una riqueza tremenda»

María Antonia García de la Vega es fotógrafa. Su formación es muy amplia y variada, desde la licenciatura en Geografía e Historia en la rama de Antropología o la música hasta el doctorado en Derecho.

Ha desarrollado proyectos fotográficos relacionados con la naturaleza como Memorandum natura y también con el retrato, como Ucrónicos y Pasajeras. Este último se presenta en una gran exposición en el Centro de Arte de Alcobendas el próximo 12 de diciembre.

Sus fotografías se inspiran en los grandes clásicos de la pintura, pero cada una de sus imágenes muestra una mirada propia y profunda, descubriéndonos una realidad diferente e hipnótica.

– Eres licenciada en Historia, en la rama de Antropología. ¿Qué es lo que te llamaba la atención de estos estudios y cómo te han influido en tu trabajo creativo?

Sí, soy licenciada en Geografía e Historia en la rama de Antropología y visto ahora, con la perspectiva del tiempo, creo que la elegí por el conocimiento general que da sobre el género humano y quizás ese afán sea el que me ha llevado al retrato en fotografía.

«Creo que elegí Antropología por el conocimiento general que da sobre el género humano»

«Quizás ese afán sea el que me ha llevado al retrato en fotografía»

– También eres doctora en Derecho ¿cómo llegaste a esta disciplina y qué te aportó?

Me pareció interesante completar mi formación con Derecho, muchos antropólogos han sido también juristas. Te aporta un saber, por un lado general y, por otro, práctico, de las instituciones de tu país.

– En tu familia había un ambiente cultural y especialmente musical ¿cómo se vivía la cultura en casa?

Tuve la inmensa suerte de nacer en una familia con un ambiente cultural intenso y especialmente musical, mi padre fue músico y, como es natural, desde muy pequeña estudié en el conservatorio de Madrid y doy gracias por todo ello, aunque yo no siguiera esos derroteros. Todo esto te configura el cerebro y te da una riqueza tremenda.

«Tuve la inmensa suerte de nacer en una familia con un ambiente cultural intenso y especialmente musical»

«Doy gracias por todo ello»

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por la fotografía y a desarrollar proyectos?

El primer acercamiento a la fotografía me llegó en la juventud, a través de amigos que la practicaban y teníamos laboratorio en casa.
Pero realmente cuando comencé con la fotografía fue hacia el año 2003, de forma autodidacta. Posteriormente asistí a diversos cursos y talleres de fotografía digital y analógica para completar mi formación.

– Has trabajado en una trilogía de paisaje denominada Memorandum natura que dio origen a la publicación de un primer libro en el año 2015 dedicado a los bosques ¿de qué manera se originó el proyecto?

Mi interés primero se dirigió al paisaje y, al principio, sin una idea clara de tener un proyecto. Después sí lo vi claro y desarrollé una trilogía de paisaje, que denominé Memorandum natura, dedicada a los bosques, a la montaña y a los elementos relacionados con el agua. Publiqué un primer libro en el año 2015 dedicado a los bosques, que luego pude exponer, igual que la montaña, dedicada fundamentalmente a Picos de Europa, en diferentes lugares con ocasión del centenario de la Declaración de Parque Nacional. Espero algún día poder publicar los otros dos libros de la trilogía.

«Mi interés primero se dirigió al paisaje y, al principio, sin una idea clara de tener un proyecto»

«Después sí lo vi claro y desarrollé una trilogía de paisaje, que denominé Memorandum natura, dedicada a los bosques, a la montaña y a los elementos relacionados con el agua»

– En 2016 comenzaste un proyecto de retratos de estudio que denominaste Ucrónicos ¿cómo fue el proceso creativo y el trabajo con los modelos?

En esos años ya había comenzado a tener mucho interés por el retrato, hice algunos talleres para aprender, sobre todo, iluminación en estudio y me lancé a crear un pequeño estudio propio. De ahí fue naciendo la idea de Ucrónicos hasta convertirse en un proyecto en el año 2016. Son retratos realizados en estudio e inspirados en gran medida en el Renacimiento y en la Ilustración. Los modelos son hombres de la cultura, fotógrafos, pintores, escultores, arquitectos.

Recurrí a la pintura para la elección del atrezzo, según lo que me inspiraba cada modelo y también relacionado con sus profesiones o aficiones. Ha sido un viaje en el tiempo y la manifestación del yo, o algo de él, a través de las máscaras y disfraces que, a veces desvelan más que ocultan.

Esto culminó en un libro en el año 2020, denominado Ucrónicos, con prólogo de Javier Barón que fue presentado en diferentes lugares y sedes.

«Son retratos realizados en estudio e inspirados en gran medida en el Renacimiento y en la Ilustración»

«Ha sido un viaje en el tiempo y la manifestación del yo, o algo de él, a través de las máscaras y disfraces que, a veces desvelan más que ocultan»

– Tu siguiente proyecto también está relacionado con el retrato ¿cómo lo ideaste y lo desarrollaste?

A continuación me planteé continuar este trabajo con las mujeres, relacionadas con la cultura, en cierta forma, era de obligado cumplimiento.

La idea fue hacerlo también en estudio, con atuendos más intemporales que, generalmente, traían las modelos y con algún objeto que hablara de ellas, de sus aficiones, profesiones…

Y así ha sido como se ha gestado este nuevo proyecto hasta desembocar en la publicación de otro libro en 2024, presentado en la primavera pasada, con prólogo de Estrella de Diego que lo ha titulado Pasajeras. Pasajeras hace alusión sin duda al viaje. Al pasaje de la vida que cada una lleva consigo. Pero con unos equipajes muy livianos, esos pequeños objetos con los que se quieren acompañar, que, como dice Estrella de Diego “son el testimonio que en el futuro nos recuerde al pasado, los pasados que otras pasajeras han ido atesorando en sus viajes, los anteriores, los que trenzan las narrativas de las mujeres que andan en tránsito, pasajeras por la historia”.

Este trabajo se va a exponer en el Centro de Arte de Alcobendas desde el 12 de diciembre hasta el próximo 26 de enero de 2025. Va a constar de 135 retratos en diferentes formatos y tamaños.

«A continuación me planteé continuar este trabajo con las mujeres, relacionadas con la cultura, en cierta forma, era de obligado cumplimiento»

«Pasajeras hace alusión sin duda al viaje. Al pasaje de la vida que cada una lleva consigo. Pero con unos equipajes muy livianos, esos pequeños objetos con los que se quieren acompañar»

– En todos tus proyectos has apostado por la autoedición, siendo todos los trabajos de una altísima calidad ¿por qué te decidiste por este tipo de publicación y qué pros y contras encuentras?

Hasta ahora sí que he apostado por la autoedición, fundamentalmente por la libertad que te proporciona para elegir, diseño y maquetación, tipo de impresión, etc. El inconveniente de
este sistema es la distribución y, si quieres difundirlo y venderlo, tienes que hacerlo con tu esfuerzo.

«He apostado por la autoedición, fundamentalmente por la libertad que te proporciona para elegir»

«si quieres difundirlo y venderlo, tienes que hacerlo con tu esfuerzo»

– En la actualidad eres Presidenta de la Sección de Fotografía de El Ateneo Científico, Artístico y Literario de Madrid ¿qué actividades realizáis en torno a la disciplina?

Las actividades que llevamos a cabo son básicamente, presentaciones de libros de fotografía, charlas-coloquios relativas a cuestiones de interés fotográfico o artístico, pues colaboramos con otras Secciones del Ateneo, como la de Artes plásticas o Arquitectura, entre otras.

– ¿Qué consejo darías a alguien que quiera dedicarse profesionalmente a la fotografía?

– El consejo que daría a alguien que quiera dedicarse profesionalmente o con seriedad y rigor a la fotografía es creer en uno mismo y en las propias intuiciones y perseverar en ello.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Me gustaría que la fotografía tuviera un lugar más destacado en las instituciones y en la sociedad en nuestro país.

«Me gustaría que la fotografía tuviera un lugar más destacado en las instituciones y en la sociedad en nuestro país«

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Tienda de sus fotolibros

Pasajeras en el Centro de Arte de Alcobendas (del 12 diciembre 2024 – 26 enero 2025)

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«Para mí crear es una necesidad»

Iria Martínez es artista visual, fotógrafa, escultora e interiorista. En su trabajo profundiza en el espacio, el volumen y la luz que atraviesa y transforma diferentes materiales con los que trabaja. Sus piezas se exponen tanto en ferias de arte contemporáneo como ARCO a muestras de diseño como Madrid Design Festival. Una obra reflexiva, abstracta y brillante, con diferentes lecturas y matices que replantea la forma desde el corazón de su propia materia.

Conversamos con esta artista con infinidad de recursos y múltiple evolución.

– Eres una persona creativa e interdisciplinar en el ámbito de las artes y el diseño, pero te licenciaste en Administración y Dirección de Empresas ¿en qué momento decidiste que querías desarrollar profesionalmente tu faceta creativa?

Siempre quise dedicarme a algo creativo, estaba entre Diseño de Moda, Historia del Arte o Arquitectura. Devoraba las revistas de moda, me fascinaban las fotografías de Peter Lindberg, Avedon o Tim Walker. Mis padres eran coleccionistas de arte y visitaba a menudo estudios de artistas y también acompañaba a mi madre a sus proyectos de decoración y reformas. Pero tuve bastante presión para que estudiara ADE ya que “tenía más salidas” y con el tiempo fui reconduciendo mi camino, como dicen “la cabra tira al monte” y para mí crear es una necesidad.

«tuve bastante presión para que estudiara ADE ya que «tenía más salidas»»

«con el tiempo fui reconduciendo mi camino»

– Desarrollas y combinas tres facetas profesionales: escultura, fotografía y interiorismo ¿cómo se relacionan y de qué manera trabajas en ellas en tu día a día?

En todas trabajo con el espacio y por mi forma de ser y crear, me ayuda poder moverme de un lado a otro libremente. Afortunadamente estamos viviendo un momento de mayor aceptación de lenguajes híbridos, y se van diluyendo las etiquetas entre disciplinas. Ahora podemos hablar de creadores y creadoras.
Los materiales que conozco y uso en interiorismo me permiten explorar en la escultura, empleando retales, muestras descatalogadas y reciclando.
En la escultura construyes en el espacio y eso me lleva a explorar composiciones y mezcla de materiales que luego puedo extrapolar los proyectos de interiorismo.

Y la fotografía es mi punto de partida, de referencia.

«Afortunadamente estamos viviendo un momento de mayor aceptación de lenguajes híbridos»

«se van diluyendo las etiquetas entre disciplinas»

– Te formaste como fotógrafa en EFTI en fotografía profesional, en fotografía de arquitectura y fotografía contemporánea, ¿cómo fue esta etapa para ti y cómo has desarrollado tu carrera como fotógrafa?

En EFTI, fueron dos etapas, una primera en la que tomé contacto con la parte más técnica de la fotografía, la postproducción, la iluminación. Y la etapa del Máster en la que era todo mucho más visceral, ahondar en uno mismo, un trabajo muy personal, una búsqueda interna para tener un punto de partida más integro desde el que crear. Esta etapa que me ayudó a reencontrarme con el collage y de ahí pasé a las 3 dimensiones de la escultura.

– Como interiorista ¿qué caracteriza tus diseños y qué buscas transmitir en ellos?

Como en todo mi trabajo hay una preocupación por la sostenibilidad, por el reciclaje y por la síntesis. En el estudio (Ramona Estudio), trabajamos proyectos residenciales, por lo que es muy importante conectar con los clientes para lograr un espacio lo más armonioso posible. También al igual que en mis esculturas, la iluminación es fundamental, quizás es lo que más cuesta que entiendan los clientes dentro de un proyecto, una buena iluminación lo cambia todo así como una mezcla de materiales bien estudiada.

«es muy importante conectar con los clientes para lograr un espacio lo más armonioso posible»

«una buena iluminación lo cambia todo»

– ¿Qué importancia tienen los biomateriales en tu trabajo y por qué decidiste especializarte en ellos?

Es algo en lo que estoy investigando desde el último año y medio. Primero necesitaba entender un poco cómo funcionan, cómo se trabajan, y desde ahí estoy buscando la manera de integrarlos en mis procesos.
Me resulta muy interesante la manera en la que se pueden construir con organismos vivos como el micelio. O la cantidad de materiales nuevos que salen a partir de desechos de agricultura como el mango o el plátano dando lugar a textiles súper interesantes.

«estoy buscando la manera de integrarlos en mis procesos»

«Me resulta muy interesante la manera en la que se pueden construir con organismos vivos»

– Tu obra ha evolucionado desde el collage hasta la escultura a través de diferentes técnicas y materiales ¿qué motiva la creación de cada pieza y cómo ha sido este camino?

Fue un proceso natural, empecé a incorporar materiales a los collages, Pvc, pequeños fragmentos de metacrilatos, mallas de pladur, tornillos. Trabajando siempre con imágenes. En un momento de exploración dejé la imagen y probé a usar solo los materiales, mezclando según sus texturas, colores o capacidad de reflejar la luz.
Hay una parte del proceso que viene marcada por la disponibilidad de materiales, lo que me encuentro en la calle, lo que me regalan, lo que recojo de reformas, al final la gente se acuerda de mí y me llaman para darme materiales que de otra manera terminarían en la basura. Y hay otra parte de que la marca el presupuesto disponible.

– ¿Cómo son los coleccionistas de tu obra?

Estoy muy contenta con las personas que adquieren mi obra. Siempre ha sido porque les ha movido un amor a primera vista. Y me hace mucha ilusión que me manden fotos de las piezas en sus casas, y saber todo lo que les gusta convivir con ellas.

«Siempre ha sido porque les ha movido un amor a primera vista»

«Me hace mucha ilusión que me manden fotos de las piezas en sus casas, y saber todo lo que les gusta convivir con ellas»

– Tus piezas se exponen en ferias de arte contemporáneo como ARCO o muestras de diseño como Madrid Design Festival ¿cómo te desenvuelves en ambos mundos y por qué tu obra encuentra su espacio en ambos?

Afortunadamente, como decía anteriormente, se están diluyendo las etiquetas. Ahora, el diseño, el arte y la artesanía, están experimentando lugares comunes, para mí esto es muy positivo.

– En tu obra, como has mencionado, el estudio de la luz y la sombra son fundamentales ¿de qué manera piensas en ella a la hora de crear?

La mezcla de materiales, sus opacidades y transparencias son primordiales cuando trabajo en mis piezas. Hay algo mágico en los reflejos cuando la luz las atraviesa y es la intención, que se expandan y que te atrapen, que vayan cambiando a lo largo del día.

«Hay algo mágico en los reflejos cuando la luz las atraviesa y es la intención»

«que se expandan y que te atrapen, que vayan cambiando a lo largo del día»

– Fundaste y gestionas el Estudio Naranja-Azul, un espacio de pensamiento creativo en Carabanchel ¿qué define a este estudio y cómo está siendo su trayectoria?

Los comienzos fueron complicados ya que coincidió con la pandemia. A pesar de ello, lo conseguimos mantener y ahora es un espacio con diferentes creadoras y creadores multidisciplinares. Abrimos el estudio varias veces al año e intentamos participar en eventos importantes como en Madrid Design Festival.

– Has recibido numerosas menciones y premios por tu trabajo ¿de cuáles te sientes más orgullosa?

La verdad es que estoy muy contenta de todo, y todas las oportunidades que he tenido y que valoren tu trabajo y guste es un lujo.

La oportunidad de exponer en ARCO invitada por Javier Díaz Guardiola en el stand de ABC Cultural el año pasado fue una gran experiencia.

– ¿Qué consejo darías a una persona que quisiera seguir tus pasos?

Que siga su intuición y dedique tiempo a escucharse y comprender dónde quiere ir, desde qué lugares quiere crear, que haga un ejercicio de honestidad consigo misma, y sobre todo que siga adelante a pesar de los miedos (que forman también parte del proceso).
Trabajar y trabajar mucho, en el estudio o el espacio que tenga cada uno, hay que dedicar tiempo. Encontrar ese lugar en el que estás seguro, que es solo tuyo, donde eres libre para experimentar.
Y rodearse de personas que te apoyen, respeten, ayuden y compartan.

«Que siga su intuición y dedique tiempo a escucharse»

«Rodearse de personas que te apoyen, respeten y te ayuden en el camino también es muy importante»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

Creo que parte de mí está creando todo el rato, absorbiendo información, colores, texturas,  la luz de un espacio, etc.  Y que todo nos influye y nos puede llegar a inspirar. 

Intento pasar más tiempo en la naturaleza huyendo del asfalto, estar con mi perra,  ir a un buen concierto de Rock o ver exposiciones de arte diseño allá por donde voy. 

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Poder seguir creando y vivir de ello el resto de mi vida.

«Poder seguir creando y vivir de ello el resto de mi vida»

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Fotografías y vídeo de obra (C) Iria Martínez

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La entrada Iria Martínez – Artista Multidisciplinar e Interiorista se publicó primero en YANMAG.

«La vulnerabilidad es un nuevo superpoder»

Elisa Miralles es fotógrafa y docente. Para ella la fotografía es su arma, su escudo y su mayor acto de sinceridad y así trabaja en cada una de sus obras. En ellas ahonda en lo incómodo para concretarlo y replantearlo, investiga en la representación de los cánones para desmontarlos y transformarlos, desde una visión personal pero para llevarlo también a un acto colectivo. Plantea la fotografía como un arma para una nueva forma de mostrar, en especial, el cuerpo femenino.

La potencia de su obra no deja indiferente a quien la contempla y esa fuerza nos invita a sumarnos a su revolución de la imagen y también de la vida, a la que accedemos a participar sin dudar.

– Eres Ingeniera Química ¿en qué momento apareció la fotografía y cómo cambió tu vida?

– De chiquita iba a clases de pintura, me gustaba mucho dar color, copiaba láminas de mis artistas favoritos, luego les poníamos un marquito y mi madre los colgaba en casa. De más mayor comencé a preparar el examen de ingreso a Bellas Artes con una pintora majísima que se llamaba María, me pasaba las tardes con ella oliendo a aguarrás en su taller, las horas volaban.
Pero en el momento de decidir qué carrera hacer, la presión social me influyó mucho, yo era muy buena en ciencias, me gustaba la química y ser Ingeniera parecía lo más sensato y más seguro para gozar de un futuro prometedor. Así que me matriculé en Ingeniería Química. No era lo mío, obviamente, pero había que terminarlo. Por el camino hice muy buenos amigos, un máster en Mus y mi cabeza quedó científicamente amueblada. Me gusta pensar que esto me sirvió para desarrollar mis capacidades de organización, coordinación y producción que hoy me son muy útiles.
La fotografía llegó en mis últimos años de carrera tras la Erasmus en Roma. Mi amigo Darío me enseñó a manejar en manual la reflex analógica de mi padre y salíamos a hacer fotos los findes para practicar. Aprendí a revelar con Deneb Martos en la Casa Encendida y a partir de ese momento la fotografía me absorbió del todo. Me permitía expresarme y se me daba mejor que la pintura. Cuando acabé la carrera decidí rechazar un trabajo ingenieril y tomarme un año para decidir qué hacer con mi vida. Estudié técnica fotográfica e iluminación y al año siguiente me matriculé en el Master de EFTI. Ya estaba decidido, quería que la fotografía fuera mi forma de vida. Esto fue en 2006.

«La fotografía llegó en mis últimos años de carrera tras la Erasmus en Roma»

«Ya estaba decidido, quería que la fotografía fuera mi forma de vida. Esto fue en 2006»

– ¿Cómo es tu proceso de trabajo?

– Ha ido cambiando a lo largo de los años. Al principio era puramente intuitivo, hacía fotos de lo que me movía de una forma más ligada a la fotografía documental, tratando de dar mi visión personal sobre lo que tenía delante.
Después mi práctica fue evolucionando y se volvió más transversal, ahora me baso en “la realidad” para hablar sobre un concepto que me parece importante, algo que me cuestiono o que no logro entender bien. Utilizo la fotografía para arrojar un poco de luz sobre mis propias obsesiones, es una herramienta que me permite hacerme preguntas, que me ayuda a comprender el mundo un poco más.

En una primera fase de mi proceso creativo el motor es más emocional, parto de la intuición y luego pienso sobre las imágenes resultantes, qué hay de mí en ellas y porqué las he hecho de ese modo, busco referentes inspiradores en otras disciplinas. En una segunda etapa y con los conceptos más claros, construyo el ecosistema de la sesión, elijo las personas, el lugar y la luz, pero sin cerrar la imagen, sólo acotándola para dejar espacio al azar y la improvisación, creo que las fotos más interesantes han surgido de hallazgos inesperados.
También me gusta mucho el proceso de selección y edición de imágenes, pienso de qué manera se puede articular un relato y qué materiales me apetece utilizar para comunicar la idea de la mejor forma posible. La toma y la edición caminan en paralelo, trabajo a la vez en las dos cosas y con tiempos muy prolongados. Disfruto mucho del proceso, de probar las distintas posibilidades que ofrece este lenguaje intentando abrirme a la experimentación.
Últimamente estoy acercándome a la performance y a generar imágenes más volumétricas.
El proceso es lo más importante para mí, la palabra proyecto me da un poco de pereza, creo que es porque conlleva una estructura con un principio y un final.

«las fotos más interesantes han surgido de hallazgos inesperados»

«El proceso es lo más importante para mí»

– Las mujeres son casi siempre el centro de tus proyectos ¿qué está ocurriendo en nosotras en este momento concreto de la historia?

– Creo que hay una enorme diversidad, el mundo es gigante y seguro que hay comunidades de mujeres con preocupaciones muy distintas en este momento concreto de la historia.
Puedo hablar de lo que me ocurre a mí, y desde ese lugar, existe la conexión con un colectivo de mujeres cercanas a mi generación, mi clase social y mi lugar de origen.
Estoy viviendo un periodo de despertar, se me están cayendo las vendas de los ojos, me estoy permitiendo emociones que antes estaban prohibidas y no era capaz de desbloquear, como la rabia o el deseo. Entiendo las cosas de otra manera, la parte racional ya no es tan importante, la vulnerabilidad es un nuevo superpoder y el cuerpo está ganando terreno a la mente. Por mi educación esto es algo bastante revolucionario. Estamos desarrollando nuevas formas de comunicarnos, de tejer redes desde un lugar distinto al masculino. El nuevo reto es buscar el equilibro dentro de la hiperproductividad y manejar tiempos más lentos y espacios sin llenar.

«Estoy viviendo un periodo de despertar, se me están cayendo las vendas de los ojos»

«me estoy permitiendo emociones que antes estaban prohibidas y no era capaz de desbloquear, como la rabia o el deseo»

– Uno de tus proyectos es Recuerdos sin Memoria un trabajo que realizaste sobre tu abuela ¿qué lo motivó?

– En ese momento estaba estudiando el máster y fue mi primer proyecto personal. Partió de la necesidad de hablar de mi relación con mi abuela enferma de Alzheimer. La fotografía me permitió acercarme a ella y a lo que sentía al ver cómo la enfermedad avanzaba y cómo iba afectando a mi entorno. Vivíamos juntas, con toda mi familia, mi madre es médico y se encargó de todos los cuidados hasta el final.

Hacer este proyecto fue ir elaborando un duelo anticipado, tratar de comprender una enfermedad que generaba un vacío enorme, y una dependencia cada vez más grande. De alguna forma la cámara fue un escudo, una protección emocional, una manera de acercarme menos dolorosa. Documenté su día a día durante los 2 años que estuvo viva. Hubo momentos muy felices y otros desoladores. Hoy me alegra mucho haber hecho este trabajo, es un testimonio de ella y de mi familia.

«Hacer este proyecto fue ir elaborando un duelo anticipado, tratar de comprender una enfermedad que generaba un vacío enorme, y una dependencia cada vez más grande»

«la cámara fue un escudo, una protección emocional, una manera de acercarme menos dolorosa»

– WANNABE es un trabajo que realizaste sobre los roles culturales a través de retratos de muñecas y mujeres de carne y hueso en Japón ¿cómo desarrollarse la idea y qué reflexiones generó?

– Todo empezó en mi primer viaje a Japón allá por el 2003 cuando aún no era fotógrafa. Mi novio de entonces trabajaba en Tokio y fui a visitarlo. Quedé fascinada por la cultura japonesa y atónita al descubrir las muñecas sexuales que vendía Orient Industry.

Muchos años después, en 2012, decidí volver a Japón. Seguía dando vueltas al impacto que me causaron las muñecas, había visto el trabajo de Elena Dorfman y leído La casa de las bellas durmientes de Kawabata. En este primer viaje fui a ver qué me encontraba y a fotografiar de la forma más libre posible. Desde mi profunda subjetividad y con las influencias que llevaba, las mujeres que me cruzaba por la calle me parecían muñecas vivientes, era como si las muñecas de 2003 hubieran cobrado vida. La idea me pareció irresistible y aterradora al mismo tiempo, me absorbió por completo. Fotografié a estas mujeres en actitudes que me parecían autómatas, carentes de voluntad. Fui acercándome más a ellas en cada viaje (un total de 4) buscando planos cada vez más cerrados, sin contexto, con fondos negros para crear retratos más sicológicos que centraran la atención en la expresión. En el cuarto viaje pude acceder al showroom de love dolls en Tokio gracias a la ayuda del fotógrafo Ricardo Garrido, que lleva años viviendo en la ciudad y habla japonés además de ser un hombre. A mí sola siendo una mujer no me dejaban entrar, debía ir acompañada de un hombre que hablara japonés. Ricardo concertó una visita y pude ver en vivo y en directo a estas muñecas. Me impresionaron más de lo que creía, sobre todo las muñecas-niñas. Eran tan parecidas a las mujeres reales… mismo peso, estatura media, pelo real, esqueleto flexible, piel transparente de una silicona blandita…

Paralelamente fotografiaba peces de forma obsesiva, luego observé que siempre era el mismo tipo de pez, el pez globo (fugu), y cuando me documenté sobre este tipo de pez todo cobró sentido. Es un pez venenoso y hay que tener una licencia especial para prepararlo retirando meticulosamente su veneno. La muerte por fugu es lenta, afecta al sistema nervioso paralizando tu cuerpo hasta que mueres por asfixia. Utilicé esta metáfora para hablar de la presión social, de la imposición de unos ideales de belleza inalcanzables que obligan a las mujeres a cumplir unos estereotipos desde que son muy jóvenes.

Pensé el proyecto en forma de libro cuya cubierta fuera de plástico siliconoso para generar
la misma sensación que tuve al tocar a una muñeca, y su olor. Dentro se puede encontrar una secuencia de retratos de mujeres reales intercaladas con muñecas de forma que a veces cuesta distinguirlas. Como telón de fondo aparecen esos peces globo simbolizando el inconsciente, lo que hemos mamado de nuestra educación y que nos impide desarrollarnos libremente.

El libro fue publicado por la editorial La Fábrica en 2017 y el proyecto se expuso en el Canal de Isabel II dentro de la colectiva Un cierto panorama comisariada por Jesús Micó. Luego ha viajado por diferentes sedes internacionales.
Me gustó mucho desarrollar el formato expositivo del trabajo, usar distintos materiales, incorporar dos piezas de vídeo y experimentar con la iluminación, esta parte fue la más divertida.

«Utilicé esta metáfora para hablar de la presión social, de la imposición de unos ideales de belleza inalcanzables que obligan a las mujeres a cumplir unos estereotipos desde que son muy jóvenes»

«Como telón de fondo aparecen esos peces globo simbolizando el inconsciente, lo que hemos mamado de nuestra educación y que nos impide desarrollarnos libremente»

– En este momento y desde hace años estás desarrollando Loba ¿cómo surgió y en qué consiste este trabajo?

– En WANNABE parto de la necesidad de visibilizar la objetualización de la mujer, y de ahí deriva otra necesidad: la de expresar las emociones que ese tema me ha despertado. Por eso nace Loba, para hablar de la conexión con nuestro instinto más profundo, el que siempre ha estado contenido y dominado por la cultura, la religión y las convenciones sociales. Vivimos dentro de una membrana o segunda piel que contiene nuestra parte más animal. Quiero despertar ese instinto, liberar la ira y el deseo. Experimentar la metamorfosis de la mujer en bestia, abrazar esa sombra, derribar los tabúes, conectar con lo sensorial y lo orgánico para ceder espacio al cuerpo y superar la vergüenza y los juicios externos.
El primer germen de Loba apareció durante una residencia artística en Graniti (Sicilia), apoyada en las leyendas licántropas del pueblo, hice un documental ficticio sobre el hombre lobo de Graniti. Meses después, en un intento de continuar el trabajo en España a través de la leyenda del hombre lobo de Allariz, comencé a sentir una falta de vinculación con la manera documental de abordarlo y con la propia figura protagonista. El hombre debía dejar de ser hombre para ser mujer, una mujer loba. Esto me daba pie a trabajar de forma autorreferencial a través de la metáfora.
Las fotografías que componen este trabajo son retratos y cuerpos de mujeres que se mezclan, contorsionan, hibridan, mutan… A través de estas imágenes exploro la relación entre cuerpo, identidad, sexualidad y monstruosidad como metáfora de la liberación.
Utilizo de nuevo un telón de fondo, en este caso el volcán como vínculo entre cuerpo y naturaleza. El volcán es un contenedor de emociones y cuando entra en erupción produce una alteración en el paisaje que es irreversible.
Para entender estas emociones y canalizarlas ha sido importante tomar contacto con mi cuerpo, al que siempre había juzgado de forma cruel porque debía mejorar, ser más joven, más delgado, más grácil, más elegante… Nunca lo he mirado de forma amable y quería entender porqué me pasaba esto, darle contexto histórico a lo que estaba sintiendo.
Y lo estoy logrando poco a poco, gracias a un nuevo proyecto que se llama #serlobas y nace en pandemia como fruto de la unión del trabajo Ser Otra de Lurdes R. Basolí, y mi proyecto Loba. En los 2 últimos años #serlobas ha ido creciendo e incorporando nuevas miradas, Lurdes y yo lo cuidamos, nos encargamos de comisariar y diseñar las exposiciones y también de desarrollar talleres.

#serlobas quiere ampliar el imaginario del cuerpo de las mujeres a través de una fotografía coral y colaborativa. El canon de belleza femenino nos oprime todavía de múltiples formas y su herramienta más poderosa es la imagen. Para salir de esta cárcel narrativa, estamos construyendo un universo polifónico en el que las mujeres nos desplazamos de un lugar pasivo de cosificación a un lugar activo de autorrepresentación. El proyecto se nutre de talleres-encuentro con fotógrafas y no fotógrafas. Durante 3 días trabajamos dentro de un círculo simbólico que entiende la duda y la vulnerabilidad como potencial creativo, transitamos entre ser musas y ser fotógrafas. Construimos un nuevo relato en torno a nuestros cuerpos, ahora contado por nosotras, deslegitimando valores antiguos e incorporando valores propios. Las fotografías resultantes de estos encuentros pasan a formar parte de una exposición viva que va cambiando con el paso del tiempo, como lo hacen nuestros cuerpos.

«Para entender estas emociones y canalizarlas ha sido importante tomar contacto con mi cuerpo, al que siempre había juzgado de forma cruel (…) quería entender porqué me pasaba esto, darle contexto histórico a lo que estaba sintiendo»

«Para salir de esta cárcel narrativa, estamos construyendo un universo polifónico en el que las mujeres nos desplazamos de un lugar pasivo de cosificación a un lugar activo de autorrepresentación»

– Estáis exponiendo el proyecto #serlobas en la Sala América de Vitoria-Gasteiz ¿qué acogida ha tenido por parte de los visitantes?

– Es una sala fantástica, enorme y con muchas posibilidades de diseño. Hemos tenido la suerte de experimentar distintos formatos y materiales, partiendo de una selección de las fotografías de los encuentros realizados en Terrassa, Madrid, Córdoba, Valencia y Rubí entre noviembre de 2021 y octubre de 2023.

Somos actualmente 37 coautoras, todas las imágenes que se generan en los encuentros son de autoría compartida. Queremos poner en entredicho la figura del artista único y genial y poner el valor de la creación en comunidad. Este hecho ha despertado bastante debate entre las personas que han visitado la sala. Después de varias visitas guiadas hemos comprobado también la necesidad que hay de contemplar cuerpos reales que no son delgados, que están heridos o que son viejos. La forma en que se muestran puede generar una incomodidad en quien lo mira, y por tanto un cuestionamiento.
La exposición combina copias en pared con retratos impresos sobre telas de gran formato de diferentes tejidos y una fotografía con relieve acompañada de audioguía para personas ciegas. También cuenta con una sala oscura que acoge una pieza experiencial creada expresamente para la ocasión, ambientada con música compuesta por Eneritz Furyak y Oriol Flores.
La coordinación es digna de mención, nada de esto habría ocurrido sin Rocío López, presidenta de la Sociedad Fotográfica Alavesa.

«Queremos poner en entredicho la figura del artista único y genial y poner el valor de la creación en comunidad»

«hay de contemplar cuerpos reales que no son delgados, que están heridos o que son viejos. La forma en que se muestran puede generar una incomodidad en quien lo mira, y por tanto un cuestionamiento»

– Has creado tu propia escuela ¿qué cursos ofreces y qué tratas de inculcar a tus alumnas/os?

En 2009, en plena crisis, nació la escuela MADPHOTO de la que fui socia fundadora. Allí aprendí a dar clases, crear planes de estudio, coordinar talleres y abordar encargos comerciales. En 2021 la pandemia aceleró mi decisión de poner fin a esta etapa.
Este año 2024 será mi tercer año desarrollando mi propio proyecto docente en solitario. He añadido un apartado de formación a mi web y he diseñado una serie de cursos, en su mayoría anuales con la premisa de ser presenciales e interdisciplinares.
Tenía muchas ganas de hacer talleres donde la fotografía se mezclara con otras artes y de invitar a dar clase a artistas a quien admiro. La forma de trabajar ahora es mucho más horizontal porque no hay una gran estructura detrás, es un espacio pequeño y amable donde se fomenta el intercambio. Para mí es importante el contacto personal con asistentes y profes, conocernos y charlar es muy nutritivo también para mí, me hace evolucionar como creadora.
Cuando se controla la técnica fotográfica lo que viene después es apasionante. Tantas formas de contar como personas, y un lenguaje lo suficientemente abierto para crear un gran abanico de significados posibles. Podemos hablar de lo que queramos como queramos. Lo difícil es saber qué queremos decir, y eso tiene que ver con el autoconocimiento. Pararse a pensar, revisar nuestro archivo y hacernos preguntas resulta incómodo, pero creo que es una parte fundamental para crear un trabajo personal que sea honesto y resulte interesante. Es importante averiguar cuáles son nuestras motivaciones
para trabajar en un tema, por eso trato de que las personas que vienen a los cursos se hagan estas preguntas y las compartan en clase. El hecho de poner en común una idea hace que se potencie y se multipliquen las posibilidades de abordaje, crea conexiones personales que empujan para que el proyecto se expanda.
También me gusta jugar con disparadores creativos acudiendo a disciplinas diferentes a la fotografía como puede ser la filosofía, el collage, la poesía, la escultura, el teatro o la danza.
Es muy liberador poner en funcionamiento otros códigos por el placer de experimentar y sin ninguna presión por llegar a ningún resultado. Se bajan barreras y se activa lo lúdico, es un proceso muy inspirador.

«El hecho de poner en común una idea hace que se potencie y se multipliquen las posibilidades de abordaje, crea conexiones personales que empujan para que el proyecto se expanda»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no trabajas?

– Estoy siempre trabajando! (risas). La fotografía siempre ocupa mi cabeza de algún modo, mi vida está totalmente vinculada a ella en cualquiera de sus formas.
Pero cada vez más, necesito tiempo de calidad con mi gente, ver a menudo el mar y que no pase mucho tiempo sin subir al volcán Stromboli, donde tuve la experiencia de mayor conexión con la tierra. Me encanta probar nuevos vinos, el silencio, un baño caliente y una peli o un libro que me explote la cabeza.
Tengo la suerte de poder disfrutar de todo esto.

«La fotografía siempre ocupa mi cabeza de algún modo»

«mi vida está totalmente vinculada a ella en cualquiera de sus formas»

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– Que el tiempo fuera elástico

«Que el tiempo fuera elástico«

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«Me siento cómodo haciendo cosas en las que creo y con gente que confía en mí»

Rubén H. Bermúdez es creativo en todas sus formas. Es fotógrafo, director de cine y diseñador gráfico entre muchas otras cosas. Ha publicado el fotolibro Y tú, ¿por qué eres negro? (PHREE, 2023), ha dirigido la película A todos nos gusta el plátano con la que ha ganado tres premios del Festival Documenta Madrid y es cofundador del Espacio Afro en Madrid. Como él dice «limitamos las cosas al definirlas«, así que describir todas sus capacidades va a ser siempre una labor fallida porque todavía quedan muchas por descubrir al ser un artista que está en constante movimiento descubriendo y adaptándose a todo tipo de formatos.

Conocemos en esta entrevista a este profesional creativo y brillante que habla con gran honestidad de su recorrido vital y profesional.

– Tienes experiencia trabajando en diferentes áreas creativas, desde la fotografía, al diseño, publicidad y comunicación ¿en qué momento empezaste a interesarte por ellas y en cuáles te sientes más cómodo?

No estoy seguro. En el colegio o en el instituto no tenía una especial sensibilidad hacia las asignaturas de plástica o artes, tampoco se me daba bien dibujar. Ya de mayor, mientras estudiaba Informática me apunté a un curso del paro de Diseño Gráfico y me cautivó. Además tenía la sensación de que se me daba bien y me resultaba reconfortante.

Me siento cómodo haciendo cosas en las que creo y con gente que confía en mí. Me gusta controlar todo el proceso e intento delegar en todo lo que puedo.

«El Diseño gráfico me cautivó. Además tenía la sensación de que se me daba bien y me resultaba reconfortante»

«Me gusta controlar todo el proceso e intento delegar en todo lo que puedo»

– Naciste en Móstoles ¿cómo era tu entorno y qué diferencias has encontrado en tu vida allí y posteriormente en Madrid?

Bueno, nací en Madrid y crecí en Móstoles. Mi entorno era y es muy bueno. Chavales de barrio con nuestras inquietudes y nuestras cosas. Muchos vivimos ahora en Madrid, otros en Móstoles y otros en diferentes lugares. Con algunas personas te ves más, con otras menos.

Yo no veo gran diferencia entre vivir en Madrid y Móstoles. Es una cuestión de distancias, tiempo en trasporte y quizá, para mí, de mayor libertad y anonimato en la gran ciudad.

– También residiste una temporada en Berlín ¿qué supuso para ti esta ciudad y esta experiencia?

Después de ese curso del paro vinieron muchos otros cursos en torno al diseño y la imagen. De repente un día me vi en una oficina haciendo publicidad de gimnasios. Me apunté a un curso de fotografía como válvula de escape y cuando acabé me fui a Australia e intenté ser fotógrafo. No me fue mal. Tenía libertad, podía sobrevivir en lo económico y no tenía responsabilidades. Conocí a una chica y nos fuimos a Berlín. Solo tengo buenos recuerdos de todo esto.

A veces me invitan a dar clases a escuelas de foto y casi siempre digo que es muy guay ese tiempo en el que intentas hacer algo. Recuerdo hacer retratos con una cámara Mamiya y un flash con generador, que pesaban como un demonio, en parques o playas. Recuerdo esa energía y ese entusiasmo.

«es muy guay ese tiempo en el que intentas hacer algo»

«Recuerdo esa energía y ese entusiasmo»

– En determinadas épocas has trabajado en otro tipo de profesiones no creativas ¿qué han supuesto para ti y qué te han aportado? ¿nos identificamos demasiado a través del trabajo? ¿hay victorias y fracasos?

Mi primer trabajo fue de reponedor, en el Alcampo de Parque Oeste. Cuándo éramos muy jóvenes casi todos mis amigos y yo trabajábamos en centros comerciales o fábricas, con contratos temporales. Somos hijos e hijas de gente trabajadora y creo que nunca podemos perder esa perspectiva.

En mi caso hay un miedo al fracaso, al no poder sostenerme en lo económico. Y vivo tiempos en los que solo me sostengo gracias a la ayuda de amigos y familiares. Es difícil escapar de la sensación de fracaso en esa posición. También he tenido temporadas de trabajos de media jornada que me permitían no estar muy cansado y poder hacer mis cosas. La verdad es que algunos trabajos eran un poco horror pero, vistos desde ahora, siempre he intentado montármelo de la mejor manera posible y también son todo buenos recuerdos.

«Cuándo éramos muy jóvenes casi todos mis amigos y yo trabajábamos en centros comerciales o fábricas»

«Somos hijos e hijas de gente trabajadora y creo que nunca podemos perder esa perspectiva»

– Obtuviste una Beca en la escuela EFTI de fotografía ¿cómo fue esta etapa para ti y cómo desarrollaste tu mirada como fotógrafo?

Muy guay, increíble. Iba por las tardes después del trabajo de diseñador. Tenía mucha energía y me flipaba todo lo que veía. Además te haces un grupo de gente amiga y el entusiasmo me desbordaba. Para mí era como estar en la serie Fama.

Miguel Oriola nos decía que si no sabíamos qué hacer que empezáramos. Era un época de hacer fotos de muchos tipos, de creerme Rineke Dijkstra, Thomas Ruff o Bleda y Rosa. Trabajé en algunas cosas de publi, alguna vez con famosos, lo pasaba fatal. Luego monté una empresa con unos amigos, sobrevivimos tres años e hicimos cosas chulas y cosas terribles. Fue una época de intentar e intentar.

– Eres autor del libro Y tú ¿por qué eres negro?, un proyecto que surgió a través de un blog que escribías ¿cuál fue el proceso creativo y qué acogida tuvo una vez publicado?

Empecé el proyecto porque me apunté a un curso de fotolibros, alguien me enseñó el The Dissappeared de Verónica Fieiras, y empecé a fantasear con hacer el mío. El proceso creativo fue muy intenso, en ocasiones doloroso, pero también muy satisfactorio. Primero tuve una etapa de acumulación, donde me interesaba todo lo que me iba encontrando y, finalmente, ante la fecha de entrega de la beca que conseguí, hubo una etapa de toma de decisiones.

La respuesta del público es maravillosa. Cada mes me escriben algunas personas, de alguna parte del mundo, que han descubierto el libro y me dicen cosas bonitas. No esperaba que mis historias le interesasen a casi nadie y está siendo un viaje que me da muchas alegrías.

«El proceso creativo fue muy intenso, en ocasiones doloroso, pero también muy satisfactorio»

«No esperaba que mis historias le interesasen a casi nadie y está siendo un viaje que me da muchas alegrías»

– También has dirigido la película A todos nos gusta el plátano un proyecto que desarrollaste también con una beca y que puede verse en FILMIN ¿cómo fue el rodaje y cuál fue tu criterio a la hora de escoger y montar el material? ¿por qué crees que ha suscitado reacciones tan opuestas en el público?

Sí, una vez que conseguí una beca importante luego me fue más fácil conseguir más. Gracias al Centro de residencias artísticas de Matadero pude hacer una película. La cosa fue hacer algo colectivo, con un grupo de gente amiga, y de hacer algo que nos gustara ver.

No fue un rodaje tradicional. Básicamente unos amigos y unas amigas grababan su intimidad para luego compartirla conmigo y con el público. Fue una cosa muy orgánica. Hablábamos de pelis, de sensaciones, de qué contar, de cómo, con algunas personas más, con otras menos. Me mandaron sus cosas, me encerré en una casa y vi todo de una vez. Lo volví a ver y algunas cosas me impactaron o emocionaron. Desde ahí construí un montaje.

A ver, la peli es un poco turras. La amas o la odias. Los comentarios en Filmin están muy polarizados, o la ponen un 10 o la ponen un 0. Algunos escriben furiosos y otras gentes me dan amor. No sé, mola. Es una cosa diferente al libro y para algunas personas es “como comerse un mango”. Se ve en cines de verano, filmotecas, universidades, museos, festivales de cine. Orgulloso.

«No fue un rodaje tradicional. Básicamente unos amigos y unas amigas grababan su intimidad para luego compartirla conmigo y con el público. Fue una cosa muy orgánica»

«Los comentarios en Filmin están muy polarizados, o la ponen un 10 o la ponen un 0. Algunos escriben furiosos y otras gentes me dan amor. No sé, mola»

– ¿Qué artistas y personalidades han sido y son referentes para ti?

Bueno, todo, ¿no? Al final son muchos estímulos y los vas filtrando un poco. Lo que intento hacer es pensar en la “cadena de toma de decisiones” de otras personas que hayan hecho cosas que me gustan.

A la hora de hacer el libro pensaba mucho en Daniela Ortiz, Spike Lee o Agnes Essonti. Y luego estaba toda la escena del fotolibro, Verónica Fieiras, Olmo González. En esa época leí a Ta Nehisi Coates y me flipó.

Con la pelí me sentía cerca de Claudia Claremi y me interesaba el concepto de ‘voz colectiva’. Recuerdo ver ‘El Futuro’ de Luis Lopez Carrasco y sentirme cineasta.

«Al final son muchos estímulos y los vas filtrando un poco»

«Lo que intento hacer es pensar en la “cadena de toma de decisiones” de otras personas que hayan hecho cosas que me gustan»

– ¿Qué relación tienen para ti el arte y la política y qué peso tiene la política sobre el arte a la hora de crear y financiar proyectos?

Bueno, ¿toda también, no?

Pero bueno, luego cuando hago mis proyectos intento dejar las cosas todo lo abiertas posibles para que el espectador o espectadora ponga su parte. Intento hacer cosas estimulantes y que hagan sentir bien. No me gusta hacer panfletos o decir que lo que hago, que es cultura, está a disposición de un proyecto político. Me gusta pensar que es algo más.

Los circuitos para la financiación de proyectos artísticos y culturales son un poco terribles a veces, sí. Ahora, con este ayuntamiento, Matadero tiene un paisaje muy diferente, por ejemplo.

«cuando hago mis proyectos intento dejar las cosas todo lo abiertas posibles para que el espectador o espectadora ponga su parte»

«No me gusta hacer panfletos o decir que lo que hago, que es cultura, está a disposición de un proyecto político. Me gusta pensar que es algo más»

– Tu obra siempre gira en torno a la identidad ¿por qué consideras que es tan relevante trabajar en este tema en este momento concreto?

Bueno, no sé. En 2014 inicié el proyecto Y tú, ¿por qué eres negro? a partir de una pregunta que me era repetida en muchas ocasiones. Desde entonces he publicado un libro y he hecho una película. Hay varias generaciones de hijas e hijos del camino, como diría Lucía Asué Mbomío, que queremos hablar de nuestras cosas y lo hacemos.

La verdad es que me genera cierto rechazo cuando alguien dice que el libro o la película son “otra mirada” o algo “necesario”…

– ¿En qué momento estás ahora creativamente y qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Creo que muy bien. Tranquilo, disfrutando. Me apunté a un grado a distancia, de humanidades, y estoy leyendo, haciendo algún trabajo y así. Me tiene entretenido y me acerca al mundo académico. Me genera curiosidad y me mantiene el coco activo.

No tengo un plan a corto plazo. Tengo encargos comerciales, sobre todo me da mucho trabajo el Centro Cultural Espacio Afro, y me van saliendo encargos de diferente tipo. Me ronda la idea de hacer un videojuego, ya me compré un cuaderno hace tiempo pero lo tengo parado. Espero que se cruce con lo del grado y a ver qué pasa.

– ¿Qué consejo darías a una persona que comienza a trabajar en entornos creativos en España?

Pf, yo qué sé. Que haga ejercicio y que tenga en cuenta que las fechas de entrega siempre son negociables, que no llevamos ambulancias.

– ¿Qué es Espacio Afro y qué vínculo tienes con este proyecto?

Soy cofundador de Espacio Afro. Me cuesta mucho definirlo, a veces pienso que limitamos las cosas al definirlas, pero, en pocas palabras, es un centro cultural donde «lo afro está en el centro».

Ya llevamos 7 años haciendo cosas y es un espacio que comparto con gente a la que admiro mucho como Esther Mayoko, Amal Hussein, Yeison García, Moha Gerehou, Ana Bibang o Lucía Mbomío.

«a veces pienso que limitamos las cosas al definirlas»

«pero, en pocas palabras, es un centro cultural donde «lo afro está en el centro»

– Eres padre de dos niñas ¿cómo ha influido esto en tu vida y en tu trabajo? ¿qué asuntos te preocupan en su educación y en su futuro?

Lo cambia todo. De repente un día eres padre y todas tus prioridades cambian. Es una experiencia bastante poderosa.

La verdad es que voy partido a partido, cada día es increíble, e intento no preocuparme mucho.

– ¿A qué dedicas tu tiempo cuando no trabajas?

Me gusta estar en casa, en familia, cocinar, hacer algo de deporte, leer, ver series, películas, jugar a videojuegos. Esas cosas.

También me gusta estar con amigos, claro, cada día soy más de planes tranquilos. Soy todo un señor (risas).

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad.

Me gustaría mucho que el Atlético de Madrid ganara la Champions League.

«Me gustaría mucho que el Atlético de Madrid ganara la Champions League»

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Y tú, ¿por qué eres negro?

A todos nos gusta el plátano

Espacio Afro

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«El cambio ha enriquecido mi vida»

Rebecca Uliczka es fotógrafa alemana-mexicana afincada en México. Su vida ha transcurrido entre culturas completamente opuestas, la alemana y la mexicana, un fuerte contraste que ha transformado su manera de mirar, de captar las sutilezas en las maneras de vivir y de entender el espacio y el tiempo en cada territorio. A través de sus fotografías investiga, con toda la libertad que le da el medio, su propia identidad y también la de los lugares donde ella aparece, espacios que han cambiado su naturaleza y función a través de los años.

Ella nos muestra en esta entrevista cómo el cambio ha sido una oportunidad constante para su vida y en su trabajo.

– Naciste en Alemania (Berlín) pero desde los 9 años te criaste en México y actualmente resides en San Luis Potosí ¿qué supuso este cambio para ti culturalmente?

Ante todo puedo decir que el cambio ha enriquecido mi vida en muchos sentidos. He tenido la fortuna de conocer dos países, dos culturas, la vida cotidiana de lo que queda de una historia que ha impactado ambos territorios y cómo está esta historia, si sigue presente en los hogares y los valores de las comunidades. También supuso momentos complicados de adaptación y de entender la importancia de tener una mente abierta y sensible con respecto a creencias y costumbres de los mundos tan diferentes que se viven en estos países.

«supuso la importancia de tener una mente abierta y sensible»

– Te licenciaste en Administración de Empresas en Berlín pero decidiste dar un vuelco a tu carrera profesional dedicándote a la fotografía de autor ¿cómo tomaste esta decisión y de qué manera ha transformado tu vida?

La decisión de estudiar administración de empresas fue una cuestión meramente práctica. En su momento era la profesión que se acerca más a una carrera profesional que parecía que debía ser mi futuro.
Al momento de adquirir el Bachelor of Arts y terminar de estudiar esta carrera me sentía incompleta de alguna forma, veía que aún había tanto por aprender y tenía aún muchas inquietudes que quería explorar y de alguna manera desarrollar mi personalidad creativa, aportar algo más a mí misma y eventualmente a otros, tenía la necesidad de vivir algo más. Las circunstancias en ese momento fueron inesperadas, porque tomé la decisión de estudiar fotografía en Europa cuando parecía que había vuelto a instalarme en México, para dedicarme a la empresa familiar.

«tenía aún muchas inquietudes que quería explorar y de alguna manera desarrollar mi personalidad creativa, aportar algo más a mí misma y eventualmente a otros, tenía la necesidad de vivir algo más»

«tomé la decisión de estudiar fotografía en Europa cuando parecía que había vuelto a instalarme en México, para dedicarme a la empresa familiar»

La decisión de que fuera fotografía tenía diferentes motivaciones. En primera instancia siempre sentí una necesidad muy fuerte por ayudar a quien lo necesitara, cuando fuera posible.
En un viaje que hice a Nueva York, tuve oportunidad de entrar en las instalaciones de las Naciones Unidas, donde vi una exposición de fotografía. En las imágenes se mostraban niños africanos que padecían de Kwashiorkor (enfermedad en la que niños padecen de desnutrición, con una deficiencia de proteínas en la dieta, la cual provoca esta inflamación). Ahí pensé que podría dedicarme a viajar a estos lugares y convertirme en fotógrafa documentalista de lugares que estuvieran viviendo conflictos armados. Por otro lado la fotografía directamente siempre me pareció una herramienta muy atractiva, para acercar la verdad a las personas lejanas a los lugares dónde ocurrían los hechos (pensamiento que a lo largo de los años he desechado, pero ese es otro tema).
Finalmente también cambié mi pensar en cuanto a la vertiente fotográfica que quería desarrollar, por diversas situaciones; principalmente mi personalidad. En resumidas cuentas, me percaté de que si me dedicaba a viajar a lugares donde se presenciaban conflictos bélicos, no tendría el carácter de documentarlo sin actuar antes de fotografiarlo. Con este análisis me abrí nuevamente a otras opciones de desarrollar la fotografía.

«pensé que podría dedicarme a viajar a estos lugares y convertirme en fotógrafa documentalista de lugares que estuvieran viviendo conflictos armados»

«me percaté de que si me dedicaba a viajar a lugares donde se presenciaban conflictos bélicos, no tendría el carácter de documentarlo sin actuar antes de fotografiarlo»

– ¿Qué es para ti la fotografía de autor?

La fotografía de autor para mí es aquella en la que la imagen fotográfica se convierte en el medio de expresión para dar a conocer tu propio punto de vista acerca de algún tema en específico. En esta creación no veo como indispensable que la herramienta sea una cámara de fotografía, sino lo que considero es el resultado final, el soporte que se elige para dar a conocer el proyecto o imagen que se puede definir como fotografía o simplemente como he visto últimamente en ferias que se refiere al modo de producción, «tintas pigmentadas sobre ….» . Los soportes se convierten en una parte del lenguaje artístico. Hoy en día contamos con una infinidad de alternativas de reproducción. Estos mismos soportes también generan un impacto en el espectador por lo tanto de la obra de autor.

– Tu obra se centra en tus vivencias personales y en el diálogo y los choques entre tus raíces culturales ¿cómo se materializa todo esto en tu obra?

Esto ha surgido de una manera muy particular en la que intento definirme y buscando parte de mi identidad. Son temáticas que surgen a raíz de una necesidad a manera de terapia, pero también porque hubo un momento en mi vida que sentí la necesidad de dejar de hacer cosas por agradar, o por cumplir expectativas. Resultaba algo agotador de hacer constantemente y al final muchas veces tampoco era valorado o en ocasiones ni siquiera parecía que alguien lo notara. De una o de otra forma esta necesidad se convirtió en una oportunidad de crecimiento personal y de análisis de mi entorno y las costumbres y hábitos de otras personas a nivel social y como grupo comunitario dentro de un rango de tiempo en el cual se están viviendo estos agentes socio-culturales.

«hubo un momento en mi vida que sentí la necesidad de dejar de hacer cosas por agradar, o por cumplir expectativas»

«esta necesidad se convirtió en una oportunidad de crecimiento personal y de análisis de mi entorno y las costumbres y hábitos de otras personas»

– Tu vida se desarrolla entre ciudades tan diferentes como San Luis Potosí, Madrid y Berlín donde realizas numerosos proyectos y muestras ¿cómo te adaptas a cada entorno y cada ambiente de trabajo?

Las tres ciudades me representan un reto constantemente, porque cada vez que tengo oportunidad de presentar mi obra o de desarrollar un proyecto en alguno de estos lugares las circunstancias han cambiado. He aprendido a buscar las oportunidades de manera muy genuina porque lo que finalmente me interesa es mover mi obra entre personas que también valoran y creen en mi trabajo profesional. Colaboro con personas que se han integrado en mi vida personal y profesional, que me han aportado numerosas vivencias que siempre generan sinergias, y para mí he aprendido que cuando sigues tomando acción en tu vida eso genera un ritmo natural y orgánico que sigue creciendo en forma de círculo virtuoso.

– El tiempo es también un elemento importante en tu última obra publicada Mazapanes en Agosto ¿es diferente la percepción del tiempo en Alemania, en México y en España?

El tiempo siempre implica una consideración importante en todos los sentidos. En la mayoría de las ocasiones no es solo el tiempo propio, sino el tiempo de los demás. A pesar de que las culturas también tienen una relación muy diferente entre ellas para tomar en cuanta fechas de ejecución, también está la parte circunstancial que en efecto se ha mostrado como un factor importante que en todas las culturas, en cada país aplica de forma individual. Sin embargo en este trabajo hablo de esta parte de aprendizaje, de adaptación a saber como funciona el sentir de un individuo sobre el tiempo ajeno ante una situación de interpretación que no siempre se puede dar por entendido verbalmente, sino que requiere de un conocimiento en cuanto a culturas y formas de vivir el tiempo ajeno. El «ahorita» que es muy ambiguo y vago que se usa mucho en el lenguaje mejicano, el poner una una fecha indeterminada como «la próxima semana», o «en un mes», que no tiene porqué ser exacto en cuanto a días ni horarios. Esto en España, si bien se vive ocasionalmente, dependiendo del evento, en Alemania suele ser de rigurosa precisión.

«El tiempo siempre implica una consideración importante en todos los sentidos»

«no es sólo el tiempo propio, sino el tiempo de los demás»

– En tu obra te autorretratas en lugares abandonados o que han cambiado su función ¿cómo es tu proceso creativo eligiendo los espacios y de qué manera tu presencia transforma el entorno y la imagen?

Mi proceso creativo se ha desarrollado desde mi obra La Divina Comedia. En esta serie empecé a retratarme de forma performática, alimentando este proceso por la necesidad de la búsqueda de identidad. Al tener la libertad de expresión en mi obra por medio de mi propio cuerpo que queda reflejado en estas imágenes me da la oportunidad de experimentar conmigo misma, se genera una dinámica de sorpresa, de un subconsciente que se ve reflejado en el resultado de una imagen capturada con un disparador y una cámara sobre un trípode y en el cual finalmente aplico un análisis particular.

Los espacios son muy singulares, me interesan mucho estos lugares abandonados o en transición porque generan un lenguaje de adaptación constante, del paso del tiempo, de la historia que cuentan y de los impactos que han sufrido, que al final son eso que me interesa comunicar, porque así como lo han logrado estos espacios, también lo hice yo en su momento y lo hacemos los seres humanos constantemente. Me interesa mucho el juego de la luz natural, la cual también es protagonista en mi obra así como intervenir los espacios de una forma muy sutil, intentando respetar la esencia y originalidad de estos.

«Al tener la libertad de expresión en mi obra por medio de mi propio cuerpo que queda reflejado en estas imágenes me da la oportunidad de experimentar conmigo misma»

«me interesan mucho estos lugares abandonados o en transición porque generan un lenguaje de adaptación constante»

– Tu obra se puede adquirir en forma de fotolibros e impresiones numeradas ¿qué relación se establece con los coleccionistas que compran tu obra?

Las obras y fotolibros seriados son una forma de mostrar seriedad y respeto a aquella persona que decida adquirir alguna obra mía. Esto lo he aprendido a lo largo de mi formación y también el valor que esto genera a la obra en sí.
Para mí es importante llevar el control de mis obras que son adquiridas por coleccionistas o compradores esporádicos.
Por lo tanto se convierte en un modo de trabajo que genera confianza y muestra profesionalidad a las personas que deciden comprar mi obra.

«Las obras y fotolibros seriados son una forma de mostrar seriedad y respeto a aquella persona que decida adquirir alguna obra mía»

«se convierte en un modo de trabajo que genera confianza»

– Dentro de tu formación en Fotografía de Autor, destacan las diplomaturas en Escola Superior d’ Imatge i Disseny (IDEP) y en Escuela de fotografía Too Many Flash además de los másteres que has realizado en PHotoESPAÑA y en Gestión y Análisis de Arte Contemporáneo Universitat de Barcelona ¿qué te aportaron y cómo cambió tu forma de ver la fotografía contemporánea?

Para mí la formación continua es la mejor forma de inversión (además de viajar). Cada curso aportó conocimientos muy diversos, si bien todos enfocados a la fotografía, al haberlos cursado en diferentes etapas de mi vida, puedo decir que cada formación ha marcado mi carrera y además me han impulsado.

En IDEP aprendí las bases de la fotografía, aquí esta herramienta se convirtió en mi medio de expresión. Tuve muy buenos profesores, hice amistades que aún conservo y además esa etapa en mi vida fue muy intensa. Cuando llegué a Barcelona me enamoré de la ciudad, tuve una familia que no era mi familia de sangre, la convivencia con culturas diferentes que surgieron por medio de amistades que llegaron de otros países me contagiaron con sus inquietudes e intereses y tenía mucha sed de aprendizaje, tenía mucha curiosidad de descubrimiento y de generarme nuevos horizontes.

Cuando volví a Berlín después de casi tres años de haber vivido en Barcelona, inicié el Máster en la UB. Esto principalmente me interesaba para conocer mejor el funcionamiento del mercado del arte contemporáneo. Cuáles eran los parámetros que se consideraban importantes en ese momento. En esa etapa de mi vida dejé de producir obra y me dediqué a trabajar en espacios de arte, en los cuales pude ir aplicando lo que estaba aprendiendo y además analizar las posibles alternativas para la presencia de artistas en el mundo profesional del arte contemporáneo.

El curso que realicé en Too Many Flash fue un antes y un después. Porque si bien siempre existió la duda de las posibilidades que podría yo encontrar en la calidad de mi obra, en este programa trabajé potencialmente en aprender a posicionarme, a desarrollar un discurso, a formalizar mi presencia profesional en el mercado y a comunicar mi trabajo por medio de un análisis de mi obra y estrategias que los agentes del mundo del arte generalmente esperan de un profesional.

Por último, el Máster de PhotoESPAÑA ha sido de gran valor para mí. Desde que tuve conocimiento de este programa me pareció de gran potencial, sin embargo al ser presencial no tenía oportunidad de cursarlo. Con la pandemia lanzaron una modalidad virtual que me facilitó cursarlo desde México. Me ha aportado una cantidad de información muy importante, tuve docentes de gran calidad humana y profesional. Tengo una lista muy larga de sugerencias literarias y de nombres que se vinculan de alguna manera al mundo de la fotografía o del mundo profesional del arte fotográfico. Fue muy enriquecedor y me ha traído oportunidades diversas a nivel colaborativo.

«la formación continua es la mejor forma de inversión (además de viajar)»

– Varios de tus trabajos los has realizado en colaboración con dos artistas españolas, Irene Cruz y María JL Hierro ¿qué motivó estas colaboraciones y qué te ha aportado trabajar en equipo?

Sí, es correcto, he colaborado con ellas a diferentes niveles.

Hemos expuesto juntas en forma de colectivo, en forma de exposición colectiva y siempre ha sido un placer. La realidad es que en general el trabajo en equipo es algo que disfruto mucho. Siempre aprendo mucho de cada exposición, de cada colaboración. Son experiencias que aportan en muchos sentidos.

Con María JL Hierro, una de las últimas colaboraciones fue un libro de artista en conjunto, en el que ella ha hecho una interpretación de mi obra con sus Tipoemas. Para mi fue muy interesante poder contar con su arte porque eso genera una evolución de mi obra que va más allá de lo que yo hubiera podido desarrollar por mi parte.

Con Irene Cruz además de los años que tenemos trabajando juntas, también forma parte de un curso (diplomado) que lanzamos hace tres años. Se centra en la enseñanza de herramientas que son de importancia para aquellos artistas que están buscando posicionarse en el mercado del arte. Se llama Posicionamiento de Fotografía Emergente. Es un programa muy completo en el que participan docentes de primera calidad, con toda la generosidad de sus conocimientos y además con una larga trayectoria en la docencia.

Puntualmente puedo decir que en todas las oportunidades de colaboración se generan siempre situaciones que nos permiten crecer como artistas y como profesionales. Reforzamos ideas y conocimientos, además de disfrutar y tener una amistad a un nivel personal.

De otras colaboraciones en general puedo decir que es algo que suelo buscar puntualmente porque soy de la opinión que es una forma de enriquecer mi trabajo.

«en todas las oportunidades de colaboración se generan siempre situaciones que nos permiten crecer como artistas y como profesionales»

«Reforzamos ideas y conocimientos, además de disfrutar y tener una amistad a un nivel personal»

– ¿De qué proyectos te sientes más orgullosa?

Creo que no podría hablar de uno en particular porque cada proyecto es un reto.

La Divina Comedia porque fue el primero que desarrollé y publiqué y con esto se vuelve un proyecto muy especial a nivel personal y en mi carrera.

Cash F[o]llow es un proyecto que no he mostrado con la misma frecuencia al público, sin embrago también tiene un nivel de producción que me representó una nueva forma de trabajar en cuanto a que colaboré con una persona adulta, que incluyo en las imágenes que por primera vez no era yo misma. Esto fue una situación nueva en la que la modelo, aunque siguiendo mis indicaciones también aporta a la obra, ya que la energía de cada ser es única y el lenguaje corporal cambia y se refleja.

En Mazapanes en Agosto fue el primer proyecto en el que visité diferentes localizaciones a nivel nacional en México, el hecho de desplazarme y estudiar estos espacios fue muy interesante y enriquecedor. Pero la situación en México con respecto a la seguridad en carretera no está muy bien, por lo que estos viajes no los he podido hacer sola. Conocí lugares en este país que no habría llegado a conocer, de no haber sido con este objetivo. Además trabajé en colaboración con una modelo que tenía en ese momento nueve años de edad. A diferencia de trabajar con una persona adulta es que en la niña hay más naturalidad en su ser, la producción de estas imágenes incluyó una situación divertida y a la vez muy especial también para ella.
También incluyo algunos animales de granja (gansos, gallinas, conejos) que fueron todo un reto, en cuanto a transporte y ‘modelos’

«A diferencia de trabajar con una persona adulta es que en la niña hay más naturalidad en su ser»

«la producción de estas imágenes incluyó una situación divertida y a la vez muy especial también para ella»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Estoy trabajando en dos obras nuevas que aún no tienen título.

Una se desarrolla en espacios ferroviarios de México, algunos abandonados y otros que han adaptado alguna función alternativa. En esta serie abordo la forma en la que se vive la ‘seguridad’ en las calles en México a diferentes niveles, aún estoy trabajando en el statement, así que espero pronto poder compartir más detalles. Se han presentado algunas limitantes en cuanto a la producción de sesiones fotográficas, porque se trata de espacios privados que a los que son difíciles de acceder y de conseguir permisos.

El otro proyecto lo he desarrollado por primera vez en localizaciones al exterior en el altiplano de México e incluyo la presencia de caballos. Son paisajes que han sufrido incendios forestales a causa del calentamiento global, por la ausencia de lluvias que se ha presentado. Este es el proyecto más reciente que aún estoy desarrollando a nivel conceptual.

– Hablando en particular de los caballos, demuestras un amor especial hacia ellos ¿qué relación tienes con estos animales y cómo estás trabajando con ellos en este nuevo proyecto?

Los caballos son seres con los que me identifico mucho. Siempre lo he sentido, pero no fue hasta una edad adulta que tuve oportunidad de convivir de una forma cercana. De momento tengo un caballo que es un ser sumamente sensible y de gran intuición. Me ha enseñado mucho. La monta a caballo es una terapia profunda para mí. La convivencia con él me ha generado unas emociones que no había compartido anteriormente. Entre la sutileza de su lenguaje corporal y el tamaño y fuerza que tienen se vuelven un enigma en muchos sentidos.

Los caballos de momento no han aparecido en mi obra oficialmente, pero estoy trabajando en esta nueva serie en la cual son parte del discurso. Espero pronto poder seguir con el desarrollo de la serie y en un futuro próximo compartir el trabajo en mi sitio web.

«Entre la sutileza de su lenguaje corporal y el tamaño y fuerza que tienen se vuelven un enigma en muchos sentidos»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no lo dedicas al trabajo?

En realidad todo el tiempo que no trabajo se reparte en tiempo compartido con mi pareja y los caballos (porque es una pasión que compartimos), con mi familia y amigos, que si bien muchos están repartidos en el mundo, siempre hay tiempo para un mensaje, llamadas o visitas. Y también viajando siempre que puedo.

– Un sueño que te gustaría se hiciera realidad.

He tenido en mente un proyecto social, que no he podido trabajar en él (por eso podría aún definirlo como un sueño). Me supone un tiempo que de momento no tengo.

Se trata de un centro de equino- y arte-terapia (con fotografía). Soy consiente de que este proyecto también es primordial llevarlo a cabo de forma colaborativa con personas profesionales. Se requiere de un equipo que posea una serie de conocimientos en cada área. Por lo tanto sigo con esta visión, y en futuro próximo lo llevaré a cabo.

«Me gustaría crear un centro de equino- y arte-terapia (con fotografía)»

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«Las artes son la única oportunidad de transformar nuestra vida en algo extraordinario»

Cinzia Newoman es actriz y fotógrafa de moda. Directora de documentales y cortometrajes, ha trabajado como DJ y VJ. De origen italiano y residente en Madrid desde hace seis años, se ha formado en Italia, Argentina, México y España. Como ella misma se define, dentro de esta artista hay mil mujeres diferentes a la vez, profesionales y camaleónicas que se adaptan y aprenden para cada proyecto, dando el máximo en cada uno de ellos.

Cinzia Newoman trabaja desde el interés en el otro, ya sea a través de su cámara o desde la creación de un personaje. Y también con los otros, porque trabaja desde la colectividad y la colaboración, aportando y aprendiendo, tomando y dando.

Es una artista interdisciplinar, inteligente, brillante y sensible que por su profesionalidad, capacidad de aprendizaje, adaptación y resistencia es el V Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG.

– ¿Qué historia hay detrás del nombre Newoman?

Newoman es mi nombre artístico inspirado en Paul Newman. El hombre New-man, y yo mujer New-woman. En principio lo utilicé sólo para las redes sociales, no quería en mi realidad virtual conocer la misma gente que en la vida real, pero poco a poco fue tomando forma y profundidad, hasta el día que me tatué en el brazo izquierdo un corazón alado que en el centro lleva el nombre de Newoman.
Newoman es una nueva mujer capaz de empezar desde cero, de reinventarse y transformarse cada vez, en búsqueda de algo que la haga sentir viva cada día.

«Newoman es una nueva mujer capaz de empezar desde cero, de reinventarse y transformarse cada vez»

«en búsqueda de algo que la haga sentir viva cada día»

– Eres fotógrafa, actriz y te formaste en dirección de cine.

Sí, siempre me he formado y he trabajado en diferentes disciplinas. He realizado un documental sobre experiencias con psicólogos titulado Hechos Reales, y también cortometrajes. He trabajado como Vj para eventos artísticos y de ocio. Soy fotógrafa y actriz -trabajo habitualmente en series, películas y cortometrajes- Dj y quien sabe cuántas cosas más quedan por descubrir. Hay una canción con la que me siento identificada que es muy linda, es de Belén López, una actriz que tuve el placer de conocer personalmente, y que dice:

«Porque soy más de mil mujeres a la vez
Vete dando cuenta de lo que es eso»

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por las artes y qué significado tienen para ti? 

Mi relación con las artes es un camino que he desarrollado a través de las personas que he conocido, de las que he aprendido, con las que he trabajado y que me han abierto la mente en muchos sentidos y en muchas disciplinas.

Empecé a interesarme por las artes con la pintura, recuerdo que tuve un momento de mi vida en que pintaba todo de blanco. La madre de mi ex nos regaló un marco para cuadros muy antiguo de madera oscura que pertenecía a su familia y yo lo pinté completamente de blanco, para darle una nueva vida. A mi suegra casi le da un infarto cuando lo vio.
Después, conocí a un pintor mexicano, Luis Romo, que daba un curso de pintura: El Color que te llama. Él tenía un concepto de arte libre y colectivo, creando murales de forma colaborativa con muchas personas y llenando la ciudad de colores.
En grupo creaban El Papalote (llaman así a las cometas en México), son obras realizadas en un soporte de cartón y arcilla, para liberar la obra de la forma del rectángulo y del marco. Para su creación debe participar toda la comunidad. Esta forma de trabajo colectivo fue una revelación total para mí, acostumbrada a vivir en un mundo tan individualista y egoísta.
Las artes para mí son la única oportunidad que tenemos de transformar nuestra vida rutinaria en algo extraordinario.
Como actriz, por ejemplo, tengo la posibilidad de interpretar diferentes personajes, totalmente distintos entre ellos y vivir muchas historias en una sola vida. Eso para mí supone una gran riqueza personal y como artista. Una manera de entender el mundo.

«Mi relación con las artes es un camino que he desarrollado a través de las personas que he conocido»

«Las artes para mí son la única oportunidad que tenemos de transformar nuestra vida rutinaria en algo extraordinario»

– Naciste en Italia, en Milán y te formaste en Bolonia en Arte, Música, Cine y Espectáculo en el DAMS ¿cómo fue esta época para ti?

Mi carrera como artista empezó tarde. Mi familia es de origen humilde y yo tenía que trabajar, mis padres me dijeron: «Irás a la universidad cuando tengas dinero», y así fue.
Tenía 33 años, los años de la resurrección, estaba trabajando en una oficina de recursos humanos, vestía trajes elegantes y tacones y ganaba mucho dinero, cuando decidí dejarlo todo, cortarme el pelo muy corto ponerme unas mechas color rojo para ir a Bolonia, la principal ciudad universitaria en Italia, a estudiar Dirección de Cine al DAMS (Discipline delle Arti, della Musica e dello Spettacolo).
Para mí estar allí era como vivir en un sueño, todo a mi alrededor eran ideas, proyectos, amigos, creatividad.
Todas las asignaturas eran súper interesantes. Me enamoré totalmente de la Antropología, una asignatura que había dejado para el final porque la consideraba aburrida y acabó siendo un verdadero descubrimiento. Estudiar Historia y Tecnología fue una fuente infinita de información e inspiración. Empecé un estudio experimental de arte visual con música electrónica y descubrí muchas técnicas, un millón de maneras de hacer arte.

«Para mí estar allí era como vivir en un sueño, todo a mi alrededor eran ideas, proyectos, amigos, creatividad.»

«descubrí muchas técnicas, un millón de maneras de hacer arte»

– En Roma y Milán realizaste estudios de Dirección de Cine ¿cuáles eran tus referentes cinematográficos y por qué elegiste esta especialidad?

Heredé el amor por el cine a través de mi madre, en mi casa se veía el cine del neorrealismo italiano de los años 50 como Pane, amore e fantasia y también los spaghetti western de Sergio Leone.
Una de mis películas favoritas es Nuovo Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore. Sería un sueño para mi dirigir algún día una película tan bella, que transmita tanta poesía y tanto amor como ésta.
Monica Vitti, es mi referente de actriz italiana, porque es capaz de interpretar todos tipos de personajes, desde la mujer más vulgar e histriónica a la más elegante y sofisticada del planeta.

Toda esta cultura está en mí y en mi manera de crear, directa o indirectamente.

«Heredé el amor por el cine a través de mi madre»

«Toda esta cultura está en mí y en mi manera de crear, directa o indirectamente»

– Has vivido en Buenos Aires, lugar donde comenzó tu carrera como fotógrafa ¿cómo fue tu vida allí y qué motivó que comenzaras a hacer fotografías?

Mi vida en Buenos Aires fue pura fantasía. La ciudad es un vivero de artistas. Allí realicé unos cortometrajes, pero tenía mucha dificultad a la hora de dirigir a los actores, así que decidí hacer un curso de teatro. Me gustó tanto que me quedé atrapada al otro lado y empecé mi camino como actriz.

Cuando llegué en Argentina no sabía hablar muy bien español. Como extranjera he tenido muchas veces la imposibilidad de expresarme porque no sabía cómo decir algo y fue interesante descubrir que el tango nace justo de la dificultad y la necesidad de comunicarse de alguna manera con el otro.
Empecé a tomar clases de tango y sentir/vivir el poder del abrazo, esta conexión mágica que se genera entre dos personas que no se conocen y comparten el tiempo de una canción unidos en un abrazo. Y mi trabajo como fotógrafa empezó así, sentía la necesidad de retratar abrazos.

En esta etapa me gustaba definirme como fotógrafa de danza, me fascinaba la expresividad e infinita cantidad de emociones que transmite un bailarín. Conecté en seguida con muchos artistas de diferentes estilos y disciplinas y comencé algunas colaboraciones. Realicé unos videos con una artista que estudia el poder del abrazo trabajando con maniquíes y pintura y con unos bailarines de tango estuve filmando, fotografiando y recogiendo mucho material precioso.

Como siempre ha sido en mi trayectoria, conocer a diferentes artistas fue un canal para descubrir y desarrollar otras facetas como la fotografía, la danza y el teatro.

– También has vivido en México ¿qué te atrajo del país y qué proyectos desarrollaste allí?

En México he vivido un año y he colaborado con un grupo de danzantes aztecas que viven según tradiciones muy antiguas y visten atuendos y coronas de plumas. Ellos realizan sus propias vestimentas, de manera artesanal, para evocar a un animal sagrado.
La danza mexica en un acto espiritual. Los movimientos del cuerpo, el canto y la música de los tambores crean un ritual lleno de simbologías que abre las puertas entre los seres humanos y las divinidades.
Los elementos de la naturaleza: el fuego, el viento, el agua y por supuesto la tierra son divinidad y las plumas son antenas de trasmisión entre los dos mundos.
A través de mis fotos he intentado captar la energía, la fuerza y la espiritualidad de los MEXICA, que es el título de la obra. El resultado, gracias a la variedad infinita de colores y la belleza de los rasgos indígenas, es impactante.

– ¿Cómo es tu proceso creativo al trabajar en fotografía y qué te interesa? 

Cuando trabajo con modelos fundamentalmente observo cómo son y encuentro en ellos lo que más me interesa.

Actualmente estoy realizando fotografía de moda, que me fascina y considero un arte en sí misma. El proceso creativo siempre nace de una idea que va asociada a todo mi background y mi formación en cine. En mi primera sesión de fotos realizada para una editorial quise inspirarme por ejemplo en Ghost in the Shell y las reinas de un universo postapocalíptico.

– Como actriz trabajas para producciones de TVE (Servir y proteger), Movistar Plus (La Unidad), Netflix (Warrior Nun) o Amazon Prime Video (Madres, amor y vida) además de participar en películas y cortometrajes ¿cómo han sido estas experiencias para ti y de cuáles te sientes más orgullosa?

Todas las experiencias que he tenido han sido muy enriquecedoras. He tenido la suerte de trabajar siempre con gente que ama el oficio y transmite tanto entusiasmo y pasión.
Sin duda la experiencia donde me he sentido más orgullosa ha sido en Servir y Proteger, porque se trabajaba a diario en un plató y he aprendido muchas cosas prácticas con respecto a los tiempos de producción, la tensión y otras miles emociones que hay que tener en cuenta, y he descubierto mi capacidad de concentrarme y enfocarme cuando la claqueta suena y el director dice «¡Acción!«.

«He tenido la suerte de trabajar siempre con gente que ama el oficio y transmite tanto entusiasmo y pasión»

«He descubierto mi capacidad de concentrarme e enfocarme cuando la claqueta suena y el director dice «¡Acción!»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no lo dedicas a trabajar?

En mi tiempo libre me gusta leer y mirar películas, series y documentales. Soy bastante friki, veo una media diaria de dos películas o una temporada de una serie en un fin de semana. Muchas veces eso me sirve como material para inspirarme y trabajar a la hora de crear un personaje, sobre todo me interesan los documentales porque tratan de la vida de personas reales.
El último documental que vi de Giuseppe Tornatore, sobre la vida y la obra de Ennio Morricone, me fascinó la manera en la que él movía las manos a la hora de pensar, como si estuviera componiendo una melodía o dirigiendo una orquesta.
Hoy en día reconozco inmediatamente si algún actor es músico o no.

– ¿De qué manera preparas cada personaje?

Hay muchas maneras de prepararse un personaje, y lo más importante es que resulte real, creíble. Hay que hacer primero un análisis del texto, saber qué mueve el personaje, cuáles son sus deseos, sus miedos, cuál es el conflicto, entender las circunstancias de su presente y de su pasado, pensar en que Eneatipo podría ser, que carácter tiene, si es un tipo de persona tranquila o agresiva y analizar porqué y el para qué de cada decisión que toma.
Hay que hacerse muchas preguntas e intentar encontrar las respuestas.
La creación de un personaje es parecida a la creación de una obra de arte, al principio hay una idea y no sabes cómo realizarla, pero poco a poco va tomando forma.

«Hay que hacerse muchas preguntas e intentar encontrar las respuestas»

«La creación de un personaje es parecida a la creación de una obra de arte»

Tengo un cariño especial a esta escena que grabé para mi videobook en italiano con Richard Holmes de Realidad Producciones.

Siempre he tenido muchas dificultad para llorar en público, siempre sale una coraza para proteger mis emociones, pero Richard, el director, en un tiempo muy breve supo llevarme y tocar unos puntos clave de mi sensibilidad, me dijo:
«Piensa en una persona a la que quisiste mucho y que ahora ya no está«.

Empecé a llorar sin parar, sin vergüenza, sin miedo a que me vieran de verdad. Fue una experiencia muy intensa y
muy bonita.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Como artista visual y fotógrafa me llama mucho la atención todo el universo digital de NFT y Metaverso.
Tengo unas ideas que empecé a trabajar hace unos años de arte glitch y fluidificación (o modificación digital de imágenes) en las que ahora quiero profundizar y experimentar.

También me gustaría unir más mis dos pasiones, la fotografía y el cine, y trabajar como Foto Fija.

– Eres el V Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG ¿cómo te sientes al haber sido elegida?

Me siento súper feliz y honrada de haber sido elegida para este premio que representa para mí una preciosa oportunidad de conocer extraordinarios artistas.
Quiero agradecer la revista YANMAG y su creadora Berta Delgado es una excelente profesional y una persona maravillosa, con ella todo se convierte en puro Arte.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Realizar una obra de arte que pueda sensibilizar el mundo acerca de problemas colectivos.

«Me gustaría realizar una obra de arte que pueda sensibilizar el mundo acerca de problemas colectivos»

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Cinzia Newoman – Instagram Fotografía – Instagram Actriz – Facebook – LinkedIn

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Lee sobre Cinzia Newoman en 8 x 8 (infinito x infinito)

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«La belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad»

Pamela Aguayo es fotógrafa mejicana afincada en Madrid. Su vida ha transcurrido en Méjico, Estados Unidos y España, y cada país le ha dado vivencias y estéticas diferentes para su trabajo.

Formada en las prestigiosas escuelas de fotografía Blankpaper y Too Many Flash, desarrolla su carrera como fotógrafa de moda. Trabaja con diseñadores independientes, un sector dentro de la industria de la moda en el que existe más libertad para la creatividad.

Con un estilo muy personal e interesante, muestra la belleza sin artificios, algo que va más allá de una simple estética, una conciencia sobre la naturalidad del cuerpo y una crítica al consumo que lo transforma.

– Eres fotógrafa de moda y directora creativa ¿cómo comenzó tu interés por la fotografía?

Desde pequeña me gustaba la fotografía, fue un amor heredado por mi padre, cuando cumplí 8 años él me regalo mi primera cámara. Recuerdo que le hacía fotografías a mis compañeros en la escuela con una pequeña cámara instantánea. También fotografiaba a mi familia, tengo algunas imágenes que me gustaría utilizar alguna vez en algún proyecto fotográfico. Me parece muy interesante la visión de un niño.

– ¿Qué tiene la fotografía que te ha seguido atrayendo y se ha convertido en tu medio de vida?

Siempre me gustó la fotografía porque lo considero una forma de preservar recuerdos y emociones, cuando veo una fotografía vuelven a mí esos momentos.
Después lo exploré más como una forma mostrar, expresar mi punto de vista sobre el mundo o las cosas que se viven en la actualidad.

«la fotografía es una forma de preservar recuerdos y emociones»

– Fuiste asistente del fotógrafo José Luis Cuevas ¿cómo fue la experiencia de trabajar con él?

Trabajé con él durante una año. Fue una experiencia muy buena, José Luis es una persona muy agradable, tiene una forma de trabajar muy especial. Cuida todos los detalles y se involucra en todo el proceso. Desarrolla proyectos bastante largos, pueden llevarle años e investiga a fondo en cadatema, por eso tiene un equipo de trabajo grande ya que necesita muchos contactos profesionales para conseguir producir.

Recuerdo una ocasión en la que tuvimos que contactar con médicos para conseguir archivos de pacientes muy antiguos. Los casting que realizaba nunca los entendí del todo, no sabía en qué se basaba para elegir a las personas que fotografiaba finalmente. Pero resultaban muy interesantes.

Con él aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo, lo principal es hacer cada día algo, mantenerte activo porque si lo dejas pierdes el ritmo y el proyecto no avanza. También con él tuve la oportunidad de conocer a mucha gente del medio, aprendí mucho de cada uno de ellos, y me dieron motivación para seguir con mi sueño.

«aprendí que es muy importante trabajar todos los días aunque el avance en el proyecto sea mínimo»

– Tu formación y carrera se desarrolla entre México, Estados Unidos y España ¿qué te ha aportado vivir en cada país?

Me ha cambiado la forma de ver la vida totalmente. Conocer otras formas de pensar, de actuar…es muy diferente a lo que yo estaba acostumbrada. El salir de mi zona de confort me ha hecho madurar en muchos aspectos. A veces es duro, porque no es fácil alejarse de lo cómodo o lo seguro. Pero cuando veo todo el crecimiento que he tenido desde entonces no me arrepiento por nada. Y de forma profesional es igual, aprendo de mis compañeros y me nutro de cada persona que cruza por mi vida.
Incluso visualmente al cambiar de entorno, cambio mi visión. Al no estar en un lugar que era común para mí, me hace ser más observadora. Mi forma de componer al hacer fotografías ha cambiado en cada entorno, y más cuando llegué a España, porque estaba acostumbrada visualmente a la Ciudad de México, que es un paisaje lleno de elementos, y para mi percepción Madrid es mucho más neutro hasta cierto punto.

 «al cambiar de entorno, cambio mi visión»

 – ¿Por qué has decidido permanecer en España y qué te aporta creativamente?

Me quedé en España principalmente por mi pareja, pero creativamente me aporta mucho por las personas que he conocido desde que estoy aquí. Especialmente diferentes fotógrafos en la escuela o en el trabajo que me han inspirado mucho, tanto su visión como forma de ver la vida.

– Aunque tu formación ha abarcado la publicidad y el fotoperiodismo, te has especializado en la fotografía de moda  ¿por qué elegiste este camino?

Porque creo que la fotografía de moda se abre más a la creatividad. Me encanta el surrealismo y en la fotografía de moda es un estilo que puedo adaptar perfectamente.

«la fotografía de moda se abre más a la creatividad»

– ¿Cómo ves el mundo de la moda y del editorial de moda en este momento?

Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria. Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas, creo que su trabajo esta muy desvalorado. La gente prefiere ahora comprar una camiseta por 7€ que les va a durar un par de meses a una camiseta de 20 o 30€ que es de buena calidad, tiene un diseño único y además hay mucho esfuerzo detrás.

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

Mi impresión es que el mundo editorial está muriendo. Algunas revistas online ya no pagan las editoriales, y las que lo pagan son pocas, y el medio está muy cerrado, no dan oportunidad a jóvenes fotógrafos.  Por otro lado la gente ya casi no compra revistas exclusivamente de moda, tienen que estar relacionadas con otros temas, como por ejemplo la relación de la moda con temas de arte, para intentar salir un poco del tema superficial al que estábamos acostumbrados.

También hay un problema de percepción sobre la fotografía, porque estamos constantemente bombardeados de estímulos y ahora las imágenes son más desechables. Tienen que tener mucho más fuerza y estar más trabajadas para que la gente se interese por ellas.

«Me gusta la moda, pero no apoyo el consumismo que hay detrás de la industria»

– ¿Cómo planteas las sesiones de fotos con los estilistas? 

Primero trabajamos en el concepto creativo, después hacemos lo que se llama el moodboard o muro de inspiración, que sirve para definir el estilo de la fotografía y para explicar estas ideas al resto del equipo. En base a los estilismo y maquillaje, elijo el orden en el que se harán las tomas y finalmente preparo todo el material de arte. Procuro cuidar los tiempos de cada estilismo para que la jornada no sea muy larga y no cansar a la modelo.

– ¿Cómo es tu trabajo en el día a día con los modelos? ¿qué buscas cuando fotografías?

En moda me encantan la poses extrañas del cuerpo. Busco que el modelo salga de lo típico, intento buscar naturalidad y rareza a la vez. También la belleza del cuerpo natural y las formas. Realmente edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo.

«edito muy poco las fotografías me gusta mantener la textura natural de la piel y la figura del cuerpo»

«Me gusta apoyar a los diseñadores independientes, más cercano a las piezas únicas»

– Has sido la Coordinadora del Art Showroom en Lanau Espacio Creativo, realizando el comisariado de las exposiciones ¿qué artistas has elegido para este espacio?

Elegí a Lucía e Inés La Mata.

Lucía es fotógrafa, se especializa en retratos e Inés es pintora. 

Las elegí porque me gusta mucho su trabajo, creo que es muy original y las fotografías de Lucía tienen mucha fuerza.

Otra muestra que me gustó mucho fue la de exposición de Sara Batuecas, ella hace retratos de mujeres siendo agredidas por unas manos, en los retratos solo se ve el rostro de las mujeres llorando, angustiadas o tristes, con manos que las rodean de forma violenta. 

Sara es una fotógrafa feminista y casi todos sus proyectos están relacionados con el tema de la violencia hacía las mujeres.

– ¿Qué proyectos estás desarrollando en este momento? 

Estoy trabajando en un proyecto más enfocado a la imagen documental. Es un libro de fotografía y el tema es «la separatidad», un concepto que desarrolló Erich Fromm en su libro El arte de amar. Trata sobre las sensaciones que busca el ser humano desde el momento en que es separado de la madre.

– ¿Cómo influye tu vida en tu fotografía?

En algunos proyectos que tengo planteados para el futuro cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos. Mostrar la cercanía es una manera de impactar de forma positiva en los demás: el afecto y las relaciones personales frente al consumo.

Si nos sensibilizamos más y empezamos con pasos pequeños, como cuidar nuestro entorno más cercano, esto poco a poco cambiará la sociedad a gran escala.

«cuento un poco de mi historia personal, lo importante que es la familia y los lazos que tenemos como seres humanos»

– ¿Cómo te gustaría ver tu trabajo en el futuro?

Me gustaría que mi trabajo genere algo positivo en la gente. Que de alguna forma sea un mensaje y provoque un cambio, como el familiarizarnos más con la belleza de lo natural, ir más a lo real, dejar la tendencia al perfeccionismo vacío.

Ya no estamos acostumbrados ver el cuerpo como es, porque todas las imágenes que vemos en los medios están siempre muy retocadas. Pero la belleza natural tiene el poder de transformar la sociedad y el consumo.

Debemos consumir con responsabilidad, valorar a las empresas que en verdad les importa el planeta y no solo llenarse los bolsillos.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

Me encantaría poder exponer mi trabajo en Arlés (Francia) en un festival de fotografía y también en algún festival de fotografía en México.
Pero sobre todo me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear.

«Me gustaría seguir trabajando en fotografía, es mi sueño, me da la vida aprender y crear»

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Pamela Aguayo

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«El acto de fotografiar es algo eminentemente solitario»

Valentín Sama es especialista en materiales fotográficos, docente de fotografía y fotógrafo profesional. Desde hace mucho tiempo es una referencia en la profesión en nuestro país y fuera de nuestras fronteras, razón por la cual ha recibido recientemente un homenaje y una muestra de su trabajo fotográfico en la Facultad de Bellas Artes de la UCM.

Fundador de la revista impresa FV y la digital Albedo Media, crítico experto sobre los materiales fotográficos, cámaras y lentes, ha viajado por todo el mundo asistiendo a ferias y conociendo los avances de cada marca.

Los alumnos que han tenido la suerte de asistir a sus clases en la Facultad de Bellas Artes y la Escuela EFTI han podido descubrir la historia de la fotografía, sus herramientas, sus materiales y la profesión bajo un punto de vista diferente. Cada detalle técnico, incluso el más complejos y árido se convierten, gracias a él, en motivo de interés al ser acompañados de una anécdota, muchas de ellas relacionadas con su propia vida o su trabajo fuera de las clases.

Un guía fundamental y generoso para sus estudiantes para adentrarse en el complejo mundo de la fotografía.

Conversar con Valentín Sama es un placer: un profesional cercano, con gran sentido del humor y siempre elegante en sus gestos y palabras.

– Eres experto en historia de los materiales fotográficos, docente, editor, óptico y también fotógrafo ¿en qué faceta profesional te has sentido más cómodo?

Prácticamente todas esas actividades las he simultaneado en el tiempo, y más concretamente la de fotógrafo profesional, óptico, docente y editor…¡era una época trepidante en la que todo nos parecía posible y lo era, si de verdad sentías pasión por lo que hacías!

En mi caso, además, todas esas actividades se interconectaban en torno a mi formación como óptico.
Actualmente, añoro en ocasiones mi labor como tal: trabajaba en un centro altamente especializado, en el que –en equipo– resolvíamos casos muy difíciles y el aspecto humano de ese trabajo era muy gratificante.

Pero creo que es las facetas de docente y editor en las que más cómodo me he sentido y todavía me siento.

La actividad como fotógrafo profesional –que hace mucho que no realizo– me proporcionó algunos buenos ingresos, pero sobre todo me permitió crear los cimientos para realizar una docencia basada en la experiencia real, en todas sus facetas. Por eso, aunque el trato con los clientes constituía la parte más oscura, valoro también mucho esa parte de mi experiencia profesional.

Otro tanto puede decirse del mundo de la historia de los materiales fotográficos: siempre se estudia la Historia de la Fotografía a través de los autores, y sin embargo la obra de estos dependía enteramente de la tecnología disponible.

«Las facetas de docente y editor en las que más cómodo me he sentido y todavía me siento»

– En tu familia había un gusto especial por la fotografía ¿cómo se vivía ese interés? ¿cuándo tuviste tu primera cámara?

Mi abuelo paterno, Valentín Sama López –al que no conocí– era, además de médico, un aficionado extremadamente avanzado. Coetáneo de Ramón y Cajal, al igual que éste exponía y revelaba sus propias imágenes en color –¡en 3D! desde el año 1910. Se trataba de las placas Autocromas de los hermanos Lumière.

En palabras de mi padre -que también hacía fotografía familiar con cierta regularidad- refiriéndose a mí, …«eres tan caprichoso como tu abuelo, y siempre andas tras adquirir la última novedad fotográfica».

Mi primera cámara –hacia 1955– fue una Kodak Vest Pocket Autographic, una pequeña «folding» para rollos 127, del año 1914 aproximadamente; había sido utilizada profusamente por mi madre en su juventud para fotografiar su entorno: personas, animales, barcos y escenas de viajes.
Se trataba de un aparato muy sencillo –que aún conservo funcionalmente– con tiempos de exposición de 1/50s, 1/25s, «B» y «T».
Luego, ya más adelante, me dejaron usar «la cámara buena de la familia», una Kodak Retina Ib, una cámara para película de 35 mm, con óptica y obturador ya avanzados; un aparato de enfoque manual y sin exposímetro.

Esas dos últimas características – o más precisamente, la falta de ellas– son las que me permitieron llegar a entender temas tales como la profundidad de campo, el enfoque por estimación y el ajuste «a ojo» de la exposición…que no es sino saber «ver la luz».

– ¿Cuál fue tu primer proyecto fotográfico?

No deja de tener su ironía el hecho de que mi primer proyecto fotográfico…no llegase nunca a término (risas).

Hacia 1958, un grupo de tres amigos decidimos «hacer» un libro sobre trenes, nuestra pasión de entonces, con unos doce años de edad. Para ello, teníamos que hacer fotografías de locomotoras, vagones… Y ese fue el arranque de la necesidad de aprender a hacer fotografías; para poder ilustrar un libro que, como puedes imaginar, nunca llegó a existir.

Pero creo que ese primer proyecto fue la base de mi cariño por la «fotografía aplicada», una forma de fotografiar con un fin técnico y descriptivo muy concreto. Una fotografía «de encargo». En este caso, «de autoencargo». Y por cierto: llegamos a realizar bastantes fotografías…

«Fue la base de mi cariño por la «fotografía aplicada», una forma de fotografiar con un fin técnico y descriptivo muy concreto»

«La actividad como fotógrafo profesional me permitió crear los cimientos para realizar una docencia basada en la experiencia real»

– ¿Qué significó para ti conocer los materiales Kodachrome y Cibachrome?

Mi primer rollo de película en color fue un Kodachrome, un material para diapositivas que tenía una sensibilidad de… ¡11 ISO! (entonces 11 ASA). Recuerdo todavía que mi primera toma la realicé a 1/60 de segundo a f/4 a pleno sol.
Después, guiado por mi curiosidad, flirteé con todo lo habido y por haber, para volver definitivamente al Kodachrome, ya en versiones de 25, 64 y 200 ISO, y ello hasta que se dejó de comercializar y revelar.

De hecho puedo comentar que, tal como yo lo veo, el famoso «último rollo de Kodachrome de Steve McCurry» es –en sentido estricto– una suerte de «cuento chino»: la razón no es otra que los rollos individuales se empalmaban para procesar en largos rollos de al menos 100 metros por tanda.
Personalmente sí que tuve un rollo de Kodachrome en una de esas últimas tandas…

Pero el Kodachrome ofrecía no sólo la máxima acutancia para una sensibilidad ISO dada, sino además, una permanencia en el tiempo del color insuperable.

Los que no han tenido ocasión de emplear el Kodachrome suelen equivocarse al hablar de su paleta de color: no era muy saturada como suele afirmarse.
Se conformaba en torno a una mezcla de colores muy limpios –salvo el verde– acompañados de los negros más profundos que puedas encontrar en una diapositiva en color, sumados a un contraste elevado con una mínima latitud de exposición. Era un color… Kodachrome.

Una paleta de color tan carismática que algún que otro fabricante de cámaras digitales japonesas trata de emular –como opción de ajuste– bajo nombres tales como «Classic Chrome»…

Lo del Cibachrome, es una historia en sí misma. Cuando, por medios extranjeros, descubrí hacia 1977 que existía un material que permitía obtener ampliaciones positivas en color a partir de diapositivas ofreciendo la única «calidad de archivo» museística de la época, decidí que debía aprender a utilizar ese material.

Puesto que en España era totalmente desconocido y no se importaba, cogí mi fiel Seat 1430 y en unión de Eduardo Bueso como copiloto me planté en Ginebra para comprar mis primeros «packs» de papel (poliéster, en realidad) y productos químicos para su procesado.

Aunque ya antes había copiado negativos en color –sobre papel en color nada menos que baritado– lo del Cibachrome era un reto nuevo.
Pronto descubrí que su contraste era muy elevado y a ello se sumaba que por mi parte empleaba una magnífica ampliadora Besseler 23 CII, con una dura luz de condensadores; esos factores, unidos al contraste del propio Kodachrome hizo que entrásemos en rumbo de colisión.

Ello no dejó de ser afortunado, pues la dificultad de alcanzar un buen positivo me hizo dominar el copiado sobre Cibachrome. Baste decir que una copia estándar mía llevaba hasta 17 zonas distintas de exposición, aplicadas con máscaras recortadas en cartulinas negras y cosidas con grapas. Todo el proceso se hacía en oscuridad absoluta, hasta insertar la hoja a procesar en un tanque.

El resto –en tres pasos químicos– se hacía en un tambor rotativo ya a la luz del día. Con esa técnica hice mi primer exposición en color para la galería Spectrum de Zaragoza, junto con fotos también de Luisa Rojo –mi esposa entonces– cuyas copias en Cibachrome positivé y procesé yo exclusivamente.

No se vendían muchas fotos en aquella época, y debo confesar que cuando vendía alguna, casi me daba pena desprenderme de ella…¡tal era el trabajo de llevaban!

De hecho, mi experiencia con el Cibachrome tiene bastante relación con mis principios como docente: me comenzaron a llamar de agrupaciones fotográficas y escuelas para dar talleres de copiado sobre ese material tan especial.

«Mi experiencia con el Cibachrome tiene bastante relación con mis principios como docente: me comenzaron a llamar de agrupaciones fotográficas y escuelas para dar talleres de copiado sobre ese material tan especial»

A no mucho tardar, comenzaron a aparecer laboratorios industriales dedicados al Cibachrome, y así, los artistas y fotógrafos profesionales pudieron encargar sus propios trabajos allí.

Personalmente, seguí haciendo mis propios trabajos en mi laboratorio personal: conocía demasiado el material como para tragarme las diversas «milongas» que te contaban en ocasiones en algunos de esos laboratorios para justificar defectos tales como dominantes o blancos sucios.

– Has trabajado como docente de fotografía en la escuela EFTI y en la Facultad de Bellas Artes de la UCM ¿cómo ha sido para ti la relación con los alumnos?

Se trata de algo muy difícil de definir, pero podría comenzar matizando que había muchas diferencias entre el alumnado de EFTI, la escuela privada donde había comenzado a dar clases antes, y la Facultad de Bellas Artes de la UCM (BBAA), y en parte en eso radicaba la riqueza de las relaciones.

En EFTI, salvo los primeros años, en los que daba talleres (Polaroid, por ejemplo), el resto impartía clases en los Master en las modalidades de Creativo y Documental, al tiempo que en BBAA impartí clases de Foto Básica, Foto 2, Proyectos (los nombres variaban) e «Iluminación», una maravillosa troncal que se extendía a lo largo de todo un curso.

En EFTI los grupos eran de unas 12 personas, mientras que en BBAA llegaban a ser «entre pitos y Erasmus», hasta de 60 alumnos.
Pero en la Facultad, la experiencia era más…inmersiva, digamos. En mi caso, pasaba más tiempo con los alumnos a lo largo del curso, entrando y saliendo del laboratorio o del plató… y por otro lado, al estar el área de fotografía en el Anexo, junto con Escultura, Audiovisuales y Escenografía, te cruzabas con alumnos de otras disciplinas… muy enriquecedor. Pienso que BBAA goza de un «genius loci» muy especial…

Por otro lado en EFTI, a nivel organizativo y de medios, todo rodaba sin atascos y dado lo pequeño de los grupos resultaba más fácil establecer una relación o atención más directa.

Visto en retrospectiva, pienso que –sin ninguna duda– mi experiencia docente ha sido la actividad más enriquecedora de todas las que he realizado hasta ahora, y espero que algo de lo que yo haya aportado lo sea también.

«Mi experiencia docente ha sido la actividad más enriquecedora de todas las que he realizado hasta ahora, y espero que algo de lo que yo haya aportado lo sea también»

Todavía cuando voy de visita a BBAA o a EFTI más de una vez siento la emoción de oír por detrás a alguien que grita… ¡Valentín!
Es un alumno o alumna que ahora es ya «profe» y doctor.
Lo mismo ocurre cuando en RRSS ves –por ejemplo– personas a las que diste clase y que son profesionales que hacen fotografías mucho mejores de las que hacías tú mismo… ¿se puede pedir más?

– Comenzaste a escribir sobre fotografía en la revista Foto Profesional ¿qué tipo de artículos escribías y qué enfoque tenían?

Una noche, Eduardo Momeñe con quien por entonces tenía una cierta relación, me pidió que le acompañase a una fiesta nocturna que se celebraba en los jardines de Cecilio Rodríguez. No estoy seguro, pero es posible que se presentase un libro de Luis Carandell…

Pero el objetivo de la bienintencionada «encerrona» era presentarme a un tal Manuel López, y le recuerdo nítidamente, con un traje de chaqueta blanco o de tono muy claro. Era el director de la revista Foto –un hombre de gran carisma– y necesitaba alguien que se encargase de escribir artículos técnicos y sobre pruebas de producto.

El acuerdo se cerró allí mismo y colaboré con la revista durante aproximadamente cinco años como Editor Técnico, esto es, responsable de todos los contenidos relacionados con aparatos, películas, pruebas, etc.

Yo era un freelance y no disponía de despacho en la sede física de la revista. Aunque lógicamente coordinaba con el equipo de redacción, gozaba de una cierta libertad acerca de qué productos probar, y empleaba mis propios recursos –cámaras, ópticas, laboratorio, microscopios, etc.– para las pruebas.

– Fundaste la revista FV de fotografía en los años 80 ¿cómo era el funcionamiento de las revistas entonces y qué funciones tenías allí?

La revista FV la fundamos entre tres socios: Juan Manuel Varela, Alfonso del Bario y yo mismo. A ese efecto, entre los tres constituimos una Sociedad Anónima (S.A.). Ello significaba un grado de profesionalidad importante frente a otras revistas más amateur.

Es, igualmente, destacar, que se trataba de una revista mensual, y que ello implicaba –»sí o sí», como se dice ahora– estar en los quioscos en los tres primeros días de cada mes.
Se trata de un desafío que no tiene nada que ver con «revistas» impresas que se publican cuando se ha reunido tranquilamente material para cada numero, cada dos o tres meses, o incluso…¡una vez al año!
Publicar una revista impresa de periodicidad mensual era, en la época, una aventura cada mes de varios millones de pesetas de los de hace 40 años.

«Publicar una revista impresa de periodicidad mensual era, en la época, una aventura cada mes de varios millones de pesetas de los de hace 40 años»

La semana anterior al llamado «cierre» del numero, era y sigue siendo épica para las revistas impresas con periodicidad fija, con el director/editor reclamando artículos a los redactores, fotolitos a los anunciantes, calculando pliegos de color y/o blanco y negro y presionando por encima del hombro a «maquetación».

De hecho, esos último días, a falta de Napalm para «oler a victoria», lo que había era «sonido a victoria» cuando las impresoras de agujas emitían su aullido característico mientras imprimían los artículos que los redactores íbamos a depositar triunfalmente –a tiempo– sobre la mesa del Director/ Editor.

Una vez revisados y firmados los «ferros» (una suerte de borrador impreso en B/N en un papel de baja calidad), «la cosa» iba a la imprenta y ya no había posibilidad alguna de corrección de erratas o de otro tipo en las decenas de miles de ejemplares tirados. ¡Igualito que en un medio web actual! (risas)

El compromiso por parte de todos los implicados era grande y yo he vivido el hecho de que –en caso de un retraso por parte nuestra– en la imprenta se trabajaba todo el fin se semana a fin de poder entregar la revista al distribuidor en el plazo fatídico.
Para los que han crecido directamente con los medios digitales, el mundo de las revistas impresas de los años 80 les tiene que resultar difícil de abarcar.

«Para los que han crecido directamente con los medios digitales, el mundo de las revistas impresas de los años 80 les tiene que resultar difícil de abarcar»

Mis funciones allí eran las de «Editor Técnico», similares teóricamente a las de la etapa de Foto Profesional, pero con una implicación total y con unos medios técnicos envidiables, incluyendo un enorme plató totalmente equipado de cámaras técnicas y equipos de iluminación profesionales. También hacía todas las traducciones de los artículos alemanes que publicábamos con autorización de la revista «Color Foto», una de las mejores germanas de la época.

Al tiempo, a Juan Manuel Varela –inspirador del proyecto– se le habían asignado las tareas de Dirección, y a Alfonso del Barrio. –un crack de la informática y de otros temas– todo lo relacionado con materializar los contenidos en un producto capaz de ir a imprenta sin fallo alguno.

– ¿Qué aprendiste en esta etapa? ¿cómo ha sido tu ética del trabajo?

Aprendía un sinfín de cosas nuevas. Pero el aprendizaje ya había comenzado en la época de Foto Profesional. Para entregar mis primeros artículos allí, tuve que aprender –aunque mal– a escribir a máquina.
Primero con una tradicional de cinta textil entintada y luego –lujo de los lujos– con una Brother eléctrica que avanzaba en una pequeña pantalla LCD unos pocos caracteres antes de imprimirlos: ello suponía una astuta capacidad de «corrección» por anticipación.

En esa misma época de Foto Profesional, en 1986, cubrí para la revista mi primera Photokina, junto con Manuel López y Juan Manuel Varela, eso sí ¡pagando de mi propio bolsillo parte del viaje!

Ya en la etapa de FV aprendí, de la mano de Alfonso del Barrio a manejar ordenadores, procesadores de texto e incluso gestión de bases de datos entre otras habilidades. Para el resto del trabajo venía bien formado, pues para entonces ya gozaba de una gran experiencia como fotógrafo profesional.

Para la ética del trabajo, lo tuve muy fácil, pues en FV, desde un principio, el Director, Juan Manuel Varela me dio una gran libertad de trabajo, dejando muy claro que en ningún caso había que edulcorar resultados de prueba de producto alguna, fuesen o no de anunciantes.

«Para la ética del trabajo, lo tuve muy fácil (…) en ningún caso había que edulcorar resultados de prueba de producto alguna, fuesen o no de anunciantes»

Creo que en eso, en los mejores años de la revista, éramos un medio muy distinto. Recuerdo que en los varios lustros que trabajé en nuestra revista FV sólo recibí una llamada de felicitación de una firma y sí en cambio varias «molestas» por los resultados reflejados: todo un honor.

– Posteriormente fundaste la revista digital DSLR Magazine que acabó convirtiéndose en Albedo Media ¿qué quisiste cambiar en ellas con respecto a tu etapa en FV?

Entre los tres socios, y con la muy importante ayuda de colaboradores y personal auxiliar llevamos a la revista a un reconocimiento y éxito comercial notable en unos pocos años.

Bastante más tarde aparecieron organizaciones tales como la EISA y la TIPA, cuyo esquema fundamental es otorgar premios a Los mejores productos fotográficos del año. Las firmas recipientarias de esos galardones adquieren el derecho a usar los logos correspondientes –previo pago de un sustancioso canon económico– en sus campañas de comunicación y packaging. La revista FV se integró en la segunda organización, la TIPA, que este año pasado ha otorgado premios en… ¡40 categorías!

«Llevamos a la revista FV a un reconocimiento y éxito comercial notable en unos pocos años»

Siempre a mi modo de ver personal, tras esa incorporación a la TIPA, con el paso del tiempo el paradigma de la revista cambió de forma sustancial e irreversible. Como consecuencia, ello me hizo sentir cada vez más incómodo y decidí vender mi participación del 40% en la S.A. y abandonar la revista.

Para entonces, ya hacía unos años que tenía mi blog personal «Acerca de la Fotografía» (que sigue activo), y decidí crear «DSLR Magazine», un medio mucho más completo que el blog.

Tenía razonablemente claro que el futuro era de los medios digitales, y aprovechando que tocaba acudir a la feria Photokina (era entonces cada dos años), la cubrí en solitario ya para DSLR Magazine…y casi perezco en el esfuerzo por una pancreatitis, tras celebrar –conmigo mismo– un cierto éxito en una gestión de la mañana, por la noche, en una taberna germana.

Como puede imaginarse, el cambio fue radical: no había un mes (tres semanas) para planificar los contenidos; el «cierre» era cada hora, festivos incluidos.
Más adelante, creé una Sociedad Limitada –Albedo Media– para gestionar correctamente todo los relativo al medio online homónimo: el nombre de DSLR Magazine había quedado una tanto obsoleto.

«Tenía razonablemente claro que el futuro era de los medios digitales»

«El cambio fue radical: el «cierre» era cada hora, festivos incluidos»

– Has recibido un homenaje de la ANEF por tu trayectoria como profesional como profesor en la materia ¿cómo te sentiste ese día?

¡Me sentí mucho más inquieto y nervioso que ante cualquier otra charla, clase o intervención personal realizada en años anteriores! Una cosa es hablar acerca de algo con lo que estoy muy familiarizado, esto es, aspectos técnicos, y otra muy diferente hacerlo acerca de uno mismo. Me daba miedo emocionarme, y conseguí evitarlo… ¡hasta la última imagen, en la que ya fallé!

A ello se sumó que disponía de un tiempo que para mí resultaba muy limitado y ciertos problemas del equipo de sonido. Todo el mundo me comentó que les había gustado mi presentación –¡qué me iban a decir!– pero se me quedaron muchas cosas «en el tintero», entre ellas algunos agradecimientos debidos…

Pero la realidad es que me sentí muy sinceramente arropado por el cariño de antiguos alumnos –algunos se desplazaron desde el extranjero–, profesores, Instituciones, directores de escuelas, personal laboral, firmas comerciales, etc.

«Me sentí muy sinceramente arropado por el cariño de antiguos alumnos –algunos se desplazaron desde el extranjero–, profesores, Instituciones, directores de escuelas, personal laboral, firmas comerciales, etc»

– También has inaugurado una exposición en la Facultad de Bellas Artes de la UCM con tu trabajo fotográfico ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?

La exposición fue un empeño de Manuel San Frutos, colaborador de DSLR Magazine en sus principios y Editor de Albedo Media en la actualidad.
El agradecimiento al esfuerzo de haber materializado esa exposición fue uno de los que se me «escurrió del micrófono» tal como he comentado más arriba.

En un tiempo récord de pocas semanas consiguió el apoyo de la Facultad de Bellas Artes (Vicedecanato de Cultura, Jefatura de Departamento, etc.) para conseguir algo «imposible»: un excelente espacio en un contexto en el que las salas están reservadas –todas– con uno o dos años de anticipación.

Además consiguió financiación para la producción de la obra, y personal para el montaje. Todo ello, con el apoyo de la ANEF, naturalmente, además de la colaboración gentil de laboratorios, productoras de vídeo, etc.

Creo que resultó ameno para el público, el hecho de exponer –además de las obras– aparatos fotográficos y de laboratorio con los que había creado algunas de las imágenes expuestas.

Personalmente, aunque abandoné hace años voluntariamente participar en exposiciones, salvo colectivas benéficas, puedo asegurar que la montada en BBAA ha sido la de maquetación más bella y mejor ejecución de la que he gozado jamás.
La acogida fue excelente, a pesar de que, debido a las dificultades de disponibilidad de espacios, estuvo colgada relativamente poco tiempo.

«Aunque abandoné hace años voluntariamente participar en exposiciones, salvo colectivas benéficas, puedo asegurar que la montada en BBAA ha sido la de maquetación más bella y mejor ejecución de la que he gozado jamás»

– ¿Qué consejo le darías a una persona que comienza en el mundo de la fotografía?

Siempre en términos humorísticos les diría: «exponer a f/16 al sol y a f/5,6 a la sombra» (para un tiempo de obturación de la inversa de la sensibilidad ISO de la película). Eso es clave. (Risas)

Ya más en serio, es preciso tomar decisiones no menos importantes: ¿quieres disfrutar de la fotografía o pretendes que sea la fuente de tus ingresos?

Sinceramente, es muy probable, aunque no imposible, que ambas cosas no sean al 100% compatibles…

En todo caso, formación, formación y formación. Y no sólo sobre fotografía: hay que ver mucho cine, leer muchos libros (no sólo de fotografía); recomendaría consultar la obra de fotógrafos clásicos y contemporáneos y sus biografías, algo que hoy en día, gracias a Internet es fácil y poco oneroso.

«Hay que ver mucho cine, leer muchos libros (no sólo de fotografía); recomendaría consultar la obra de fotógrafos clásicos y contemporáneos y sus biografías»

Ver muchas exposiciones y aprender a separar el valor de la obra del correspondiente al montaje de la misma siempre evaluando las sinergias posibles; aprender a separar el grano de la paja.
También le recomendaría que, además de entrar inevitablemente en lo digital, –si le resulta posible– aprenda a fotografiar con material fotoquímico (analógico o fílmico), con una cámara clásica mecánica, sin exposímetro.

– ¿Cuáles han sido tus referentes en el mundo profesional? ¿y tus compañeros de viaje?

Me he inspirado en multitud de autores a lo largo de mi vida fotográfica, en la que no está tan separada la faceta personal y la profesional.

En lo relativo a paisajes en color Stephen Shore, y siempre admiré a Ansel Adams, pero no como pueda pensarse por sus clásicos paisajes en blanco y negro (que también…) sino por su mucho menos conocido trabajo comercial y la cobertura del campo de concentración para japoneses de Manzanar: ahí deslumbra la honradez y empatía de ese gran fotógrafo.

Pero de entre todas las profesionales, mi favorita fue siempre Margaret Bourke-White: primera fotógrafa occidental autorizada a fotografiar dentro de la Unión Soviética, primera en trabajar para la revista Life, primera corresponsal de guerra autorizada a fotografiar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial…

La calidad y composición de sus fotografías «pincha» tanto como el alambre de espinos en su fotografía sobre los prisioneros en un campo de exterminio nazi, cuando la fotógrafa marchaba junto con las primeras avanzadillas aliadas.

Soy de la opinión –y creo no ser el único– de que el acto de fotografiar es algo eminentemente solitario.
Sin embargo, desde nuestro primer encuentro en una Jornadas Fotográficas Universitarias hace ya medio siglo, he compartido muchas vivencias fotográficas y humanas con el fotógrafo Rafael Roa.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar?

En este momento, mi gran proyecto es hacer las paces conmigo mismo y con aquellos que me han acompañado hasta aquí. Estoy planteándome escribir algo…podría ser un libro. Quizá, a través de esta entrevista, me hayas regalado generosamente un guión para el mismo…

«En este momento, mi gran proyecto es hacer las paces conmigo mismo y con aquellos que me han acompañado hasta aquí»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que se crease un auténtico gran Centro Nacional de Fotografía. Soy consciente de que existen algunos centros, muy respetables, a nivel provincial, pero creo que se me entiende que hablo de…»otra cosa».

Un gran Centro, con diversas salas de exposiciones y bibliotecas con un museo que incluyese cámaras y otros artefactos fotográficos del «arte y oficio» de la fotografía, así como una colección de obra de autores clásicos y actuales.

Para ello, para su creación y sostenimiento, harían falta fondos culturales y generosidad política. No lo veré yo, ni probablemente nadie, en muchas generaciones, ya que esos dos ingredientes principales no se dan en este momento en nuestro país, convertido –en mi opinión– en un reino de taifas.

«Me gustaría que se crease un auténtico gran Centro Nacional de Fotografía»

«Un gran Centro, con diversas salas de exposiciones y bibliotecas con un museo que incluyese cámaras y otros artefactos fotográficos del «arte y oficio» de la fotografía, así como una colección de obra de autores clásicos y actuales»

Más información

Valentín Sama

Acerca de la Fotografía

Albedo Media

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