«La filosofía está en todos los rincones de la sociedad.»

Ger Groot es filósofo y ensayista. Fue profesor de filosofía en la Universidad Erasmus de Rotterdam durante más de 20 años y publica regularmente en periódicos y revistas de los Países Bajos.

Acaba de publicar en castellano La emancipación del yo en Abada Editores, un libro que indaga en paradojas de la existencia humana desde Descartes hasta nuestros días: ¿cómo ha llegado el hombre a ser quien es? ¿cómo puede pretender ser un animal racional y al mismo tiempo dejarse guiar por sus emociones? ¿cómo puede reivindicar su autonomía y a la vez anhelar una identidad colectiva?. Una historia de la filosofía de los últimos cuatro siglos que han sido el teatro de la lenta aceptación de la muerte de Dios.

Con un lenguaje accesible, Ger Groot muestra en este libro que la filosofía está en todas partes, en todos los rincones de la sociedad, y no solo en los libros y las bibliotecas; también puede encontrarse en el arte, en los anuncios publicitarios, en la pornografía e incluso en los grafitis callejeros.

– ¿En qué momento comenzó tu interés por la filosofía y cuándo decidiste que fuera tu área de investigación?

En los primeros años del instituto quería estudiar físicas. Pero a los 16 años me hice miembro del coro del instituto. Cantábamos todos los fines de semana en una iglesia de Ámsterdam. Yo, ya no era creyente, pero lo que pasaba en esa iglesia (progresista) era para mí increíblemente inspirador. Eso despertó mi interés por las cuestiones existenciales y por la filosofía.

– Has sido profesor universitario durante más de 20 años en Rotterdam, ¿qué trataste de inculcar a tus alumnos?

Siempre he intentado transmitir a mis alumnos que la filosofía no está separada del mundo. Todos los filósofos, por extraño que a veces nos pueda parecer su pensamiento, han intentado dar respuesta a los problemas de su época. Solo si se tiene esto en cuenta, se puede comprender lo que realmente querían decir y por qué lo dijeron.

«Siempre he intentado transmitir a mis alumnos que la filosofía no está separada del mundo.»

«Todos los filósofos, por extraño que a veces nos pueda parecer su pensamiento, han intentado dar respuesta a los problemas de su época.»

– Se acaba de publicar tu último libro La emancipación del yo en Abada Editores traducido al castellano ¿cómo surgió la idea de escribir este libro?

La emancipación del yo es el resultado de un curso de «antropología filosófica» que impartía cada año a estudiantes de primero. En esa asignatura, la pregunta central es: ¿qué ser es realmente el ser humano? Esta cuestión fundamental se podía desglosar en otras más específicas, como: ¿de dónde provienen realmente las ideas que tenemos sobre nosotros mismos? ¿Por qué pensamos que somos individuos, más que miembros de una colectividad? ¿Por qué creemos que tenemos derechos inalienables? ¿Por qué consideramos tan importante que las personas sean creativas? ¿Y por qué creemos que lo que nos diferencia de los demás es más importante para nuestra identidad de lo que tenemos en común?

Si miramos la historia, vemos que muchas de esas ideas no son tan universales como tendemos a pensar. A menudo son bastante recientes y surgieron en circunstancias muy específicas. Solo se pueden comprender si se conoce bien su historia.

– ¿Puedes darme algún ejemplo?

Tomemos la famosa frase de Descartes «Cogito ergo sum» («Pienso, luego existo»). A menudo se la considera el inicio del pensamiento moderno. Descartes busca en ella una afirmación que sea absolutamente cierta, sobre la que basar todo el pensamiento filosófico y científico. Encuentra esa verdad en el hecho de que piensa. Y con ello comienza una forma de filosofía que sitúa al ser humano, al sujeto, en el centro del mundo.

Pero, ¿por qué buscaba Descartes tal certeza? En su época, los antiguos marcos de pensamiento medievales habían quedado obsoletos; chocaban constantemente con los descubrimientos de la nueva ciencia. Esto había dado lugar a un ambiente general de escepticismo. ¿Podemos saber algo con certeza? Descartes quería combatir esa duda, y la forma en que lo hizo tuvo un enorme impacto. No solo porque se empezó a poner al ser humano en el centro, sino también porque esa afirmación, en todas sus variantes, se ha convertido en parte de la cultura popular.

En mi libro hago referencia a una escena de la película de ciencia ficción Dark Star, en la que un astronauta, recurriendo a Descartes, logra que una bomba inteligente no explote, gracias a que le hace dudar de su propia existencia.

«¿Podemos saber algo con certeza? Descartes quería combatir esa duda, y la forma en que lo hizo tuvo un enorme impacto.»

«No solo porque se empezó a poner al ser humano en el centro, sino también porque esa afirmación, en todas sus variantes, se ha convertido en parte de la cultura popular.»

– La filosofía a veces se ha vuelto una disciplina muy críptica y tu libro está escrito de manera muy accesible para todo tipo de lectores, ¿cómo has conseguido explicar conceptos filosóficos complejos de manera sencilla y qué respuesta has tenido por parte de los lectores?

Creo que mi origen tiene algo que ver con ello. Soy el primero de mi familia que ha cursado estudios secundarios y universitarios. Por eso, desde muy joven tuve que explicar en casa lo que había aprendido en la escuela. Así que muy pronto tuve que idear trucos para explicar cosas cada vez más complicadas de una manera comprensible y gráfica. Creo que eso me ayudó a ser claro y comprensible más tarde en mis clases.
Además, desde mi época de estudiante he escrito mucho en periódicos y revistas dirigidos a un público amplio. No podía permitirme utilizar un lenguaje especializado y críptico. Tenía que ser lo más comunicativo posible.

«Desde muy joven tuve que explicar en casa lo que había aprendido en la escuela.»

«Así que muy pronto tuve que idear trucos para explicar cosas cada vez más complicadas de una manera comprensible y gráfica. Creo que eso me ayudó a ser claro y comprensible más tarde en mis clases.»

– Tu libro está repleto de imágenes de obras de arte o fotografías de la vida cotidiana. En la página web correspondiente se pueden escuchar canciones o piezas musicales, o fragmentos de películas y óperas. ¿Era necesario?

Si la filosofía intenta dar respuesta a preguntas que preocupan a la sociedad en general, esas preguntas y sus respuestas también deben encontrarse en la cultura en su conjunto. Cuando empiezas a prestar atención, ves que la filosofía no es solo una cosa de libros antiguos y pensadores oscuros, sino que, literalmente, se puede encontrar en todas partes. En mis clases, empecé reproduciendo algunas canciones que el joven Nietzsche había escrito. Pensé que de esa manera los estudiantes tendrían una imagen más completa de la persona de Nietzsche. Luego descubrí en una ópera de Mozart un personaje que es la personificación perfecta de la actitud intelectual de la Ilustración, así que también mostré esa escena. Y así fui añadiendo más y más cosas: películas, pinturas, vídeos, deportes, lo que se me iba ocurriendo. De este modo, la filosofía no solo se vuelve más concreta, sino que su historia se hace mucho más interesante y más divertida.

«Si la filosofía intenta dar respuesta a preguntas que preocupan a la sociedad en general, esas preguntas y sus respuestas también deben encontrarse en la cultura en su conjunto.»

«Cuando empiezas a prestar atención, ves que la filosofía no es solo una cosa de libros antiguos y pensadores oscuros, sino que, literalmente, se puede encontrar en todas partes.»

– Utilizas el arte para ilustrar los pensamientos filosóficos. Pero, ¿las artes tienen algo que decir por sí mismas, algo que la filosofía por sí sola no puede expresar de esa forma?

La vocación de la filosofía es expresarse en un discurso claro. Por lo tanto, prefiere trabajar con conceptos lo más exactos y definidos posible. Esto favorece la transparencia del razonamiento, pero, como señaló Nietzsche, también distorsiona la realidad. Porque las cosas y las situaciones del mundo que nos rodea no son tan fáciles de definir. Las situaciones suelen tener diferentes facetas, las cosas pueden denominarse de maneras muy diferentes. No es lo mismo llamar a una mesa antigua «Chippendale» o madera para «leña», como ocurre en un cuento de Roald Dahl que cito en mi libro. En el primer caso se trata de un mueble valioso, en el otro, de leña para la chimenea. Y, sin embargo, se trata de la misma cosa.
Esa ambigüedad e indefinición se expresa mucho mejor en las artes que en la filosofía. Las artes recuerdan a la filosofía (y a la ciencia en su conjunto) que su deseada claridad tiene un reverso. Un diálogo en una novela puede ser mucho más sutil que un razonamiento filosófico, porque en él suenan varias «voces» que iluminan los diferentes aspectos de la verdad.

«La vocación de la filosofía es expresarse en un discurso claro. Por lo tanto, prefiere trabajar con conceptos lo más exactos y definidos posible.»

«Las artes recuerdan a la filosofía (y a la ciencia en su conjunto) que su deseada claridad tiene un reverso.»

– En tu libro Adelante, ¡contradígame!, que también se ha publicado en español (Ediciones Sequitur), ya hiciste hincapié en el pensamiento dialógico.

Ese libro consiste en una serie de conversaciones que mantuve con conocidos filósofos: Richard Rorty, Gianni Vattimo, Julia Kristeva, Charles Taylor, Fernando Savater y otros. La frase del título proviene de mi conversación con Gadamer, quien en su filosofía concede un lugar muy importante al intercambio de ideas. «¡Contradígame!», me dijo. Solo así se inicia realmente una conversación.

Eso no tiene por qué conducir siempre a un acuerdo total. Es mucho más importante que hayamos comprendido lo que piensa el otro, por qué lo piensa y en qué aspectos puede que tenga un poco de razón. Por supuesto, cuando se trata de una cuestión política, concreta y urgente, en algún momento hay que tomar una decisión, y esta nunca podrá satisfacer todos los deseos y puntos de vista. Pero entonces es importante ser consciente de que hay otras caras del problema que quizá no se puedan resolver.
Una de las ideas más importantes de la esencia de la democracia es que no se trata del principio de que «la mayoría decide», sino de que esa mayoría siempre debe tener en cuenta a la minoría. Lamentablemente, parece que esta forma de concebir la democracia está disminuyendo en el mundo occidental, empezando por Estados Unidos.

– Empiezas La emancipación del yo con una escena muy divertida de la película La vida de Brian, en la que Brian grita a sus seguidores: «¡Todos vosotros sois individuos!». A lo que ellos responden al unísono: «¡Sí, todos somos individuos!». Pero un hombre grita: «Yo no». ¿Ahí se ve el deseo moderno de ser una persona independiente e individual y, por otro lado, de formar parte de una comunidad?

Esa escena es tan ingeniosa porque el único que grita que no es un individuo independiente resulta ser el único realmente autónomo. Con esa escena quiero mostrar lo contradictorias que son muchas de nuestras ideas modernas sobre nosotros mismos. Por ejemplo, creemos que somos seres racionales, mucho más que las personas de otras épocas o culturas. Pero cuando se trata de cosas que realmente afectan a nuestra existencia, como el amor, gritamos con fuerza: «¡Escucha a tu corazón!». Y no a tu razón.
La contradicción entre el deseo de individualidad y el de comunidad es otra característica de la época actual. El pensamiento liberal nos ha enseñado que no solo debemos encontrar nuestro propio camino en la vida, sino que también debemos anteponer nuestros propios intereses. Como resultado, los vínculos tradicionales de la sociedad se han ido debilitando cada vez más. Si bien esto nos ha liberado de ataduras opresivas, tampoco nos ha hecho muy felices. La soledad se ha convertido en uno de los mayores problemas de la sociedad moderna. Así nos hemos topado con los límites de la modernidad, en la que el individualismo, el racionalismo, etc. han marcado la pauta. Ahora nuestra tarea es encontrar un nuevo equilibrio entre todos esos dos extremos.

«El pensamiento liberal nos ha enseñado que no solo debemos encontrar nuestro propio camino en la vida, sino que también debemos anteponer nuestros propios intereses. Como resultado, los vínculos tradicionales de la sociedad se han ido debilitando cada vez más.»

«La soledad se ha convertido en uno de los mayores problemas de la sociedad moderna. Así nos hemos topado con los límites de la modernidad, en la que el individualismo, el racionalismo, etc. han marcado la pauta.»

– En el libro recorres la historia de la filosofía moderna, que ha pasado de situar el centro de su pensamiento en Dios como ente todopoderoso y creador al hombre que lo ha sustituido como creador mediante el progreso científico-técnico, ¿en qué momento nos encontramos ahora y dónde se sitúa el centro del pensamiento filosófico?

Considero la modernidad como un largo intento de resolver el problema que surgió con el anuncio de la muerte de Dios. Hasta entonces Dios había sido el centro absoluto de todo. Si desaparece, desaparece también el principio organizador del mundo. La modernidad ha intentado compensar esa pérdida colocando al hombre en el lugar de Dios. Pero el hombre no es omnipotente y, sobre todo, no es omnisciente. Por lo tanto, ese intento estaba condenado al fracaso.

En la segunda mitad del siglo XX surgen ideas filosóficas que ya no sitúan al ser humano en el centro del mundo. El estructuralismo hace de él un punto dentro de una red; Heidegger exhorta al hombre a escuchar al Ser en lugar de situarse por encima del mundo e intentar someterlo a su voluntad.

Este problema se hizo más visible con la crisis climática. Con ella queda claro que el ser humano no puede controlar el mundo como si fuera su juguete. No está fuera, y mucho menos por encima, como un dios, sino que forma parte del universo y, por lo tanto, depende de él. El ser humano ya no es el dueño del mundo, sino uno de los actores que lo componen.

Hemos superado la modernidad, pero aún no sabemos qué vendrá después ni cómo será ese nuevo equilibrio. Solo podemos constatar que hemos tenido que despedirnos del sueño de ser Dios.

– Recientemente se ha publicado también La emancipación del yo en chino y has realizado una gira por ese país presentando el libro, ¿cómo ha sido la experiencia?

Lo que más me sorprendió fue que el libro se tradujera al chino, porque no trata en absoluto sobre China ni sobre el pensamiento oriental. Pero allí tienen mucho interés por la historia de la filosofía occidental. Y creo que el dilema al que llega el libro puede encontrar muchos puntos de conexión con las ideas de la tradición oriental, en la que el ser humano y el mundo no se enfrentan con la dureza con que lo hace en la modernidad occidental. Quizás un diálogo entre Oriente y Occidente pueda enseñarnos a encontrar un nuevo equilibrio.

«Creo que el dilema al que llega el libro puede encontrar muchos puntos de conexión con las ideas de la tradición oriental, en la que el ser humano y el mundo no se enfrentan con la dureza con que lo hace en la modernidad occidental.»

«Quizás un diálogo entre Oriente y Occidente pueda enseñarnos a encontrar un nuevo equilibrio.»

– Estás muy ligado a España y viajas a nuestro país con frecuencia. ¿Cómo percibes la cultura española desde tu vida en los Países Bajos? En tu opinión ¿qué nos diferencia y qué nos acerca a españoles y neerlandeses en la forma de pensar y actuar?

Puede sonar a cliché, pero la mayor diferencia entre ambos países la veo en que uno es de cultura protestante mientras el otro es de cultura católica. Esto no tiene que ver con las ideas religiosas ni con la fe en ellas. Yo mismo, educado en el catolicismo, soy ateo desde muy joven. Pero no descubrí hasta qué punto difieren entre sí las culturas que ambas variantes del cristianismo han engendrado hasta que vine a vivir a España por un largo periodo de tiempo (hace ya 45 años). Lo que más me llamó la atención de la cultura española, y con lo que me sentí maravillosamente a gusto, fue la sutil conciencia de la relatividad de las cosas y la importancia de lo terrenal. En este sentido, probablemente soy más «español» en cuanto a carácter que muchos de los holandeses que me rodean.
Al mismo tiempo, es evidente que ambos países se están acercando, sobre todo gracias a su pertenencia a la UE. Yo mismo, a caballo entre ambas culturas, me siento muy privilegiado, aunque a veces resulte difícil explicar a unos las extrañas costumbres de los otros y viceversa.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad.

Por supuesto, tengo grandes deseos, como todo el mundo. Que por fin haya paz en todos esos lugares donde ahora domina la guerra: Sudán, Gaza, Ucrania, por nombrar algunos. Pero, aparte de eso, desearía que se acabara el actual clima de polarización que se ha apoderado de casi todos los países. Que quienes ahora se gritan y tuitean como sordos vuelvan a prestar atención a lo que quiere decir el otro, pues quizá también tenga un poco de razón. Lo mismo ocurre con otras culturas y tradiciones. No se trata de relativismo, porque mi opinión sigue siendo mi opinión, pero a veces puede ser un poco más abierta, menos segura, menos cerrada, en definitiva, más tolerante.

«Desearía que se acabara el actual clima de polarización que se ha apoderado de casi todos los países.»

«No se trata de relativismo, porque mi opinión sigue siendo mi opinión, pero a veces puede ser un poco más abierta, menos segura, menos cerrada, en definitiva, más tolerante.»

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Ger Groot – LinkedIn

La emancipación del yo – Abada Editores – Presentación del libro en La Central del Museo Reina Sofía

Adelante ¡contradígame! – Editorial Sequitur

La entrada Ger Groot – Filósofo y Ensayista se publicó primero en YANMAG.

«El arte es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros»

Charo Crego es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, ensayista y crítica de arte. Ha impartido conferencias en instituciones como Museo Thyssen-Bornemisza, Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes entre muchas otras. Ha publicado cinco ensayos sobre estética en Abada Editores: Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura (2004), Perversa y utópica. La muñeca, el maniquí y el robot en el arte (2007), Lo que no te conté de Francis Bacon (2015), De Stijl. El espejo del orden (2020) y recientemente Dentro. La intimidad en el arte (2023) que presentará estas semanas en Madrid.

Conversamos con la autora que nos descubre a través de sus investigaciones una manera profunda y diferente de mirar el arte.

– Eres licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma ¿por qué dentro de la filosofía te decantaste por los estudios de estética y por qué el arte es importante para ti? 

Cuando empecé a estudiar en la Universidad me interesaba tanto el arte como la filosofía, por eso, fue algo natural que me inclinara hacia la estética, pues en esa disciplina se conciliaban perfectamente ambos intereses. Además, gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda.
El arte no es solo un cuadro o una escultura, una instalación o una performance, un vídeo o una sinfonía. El arte es algo más que esos objetos físicos. Es una forma de hablar sobre el mundo y sobre nosotros. Sea cual sea su forma concreta, el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes.

«gracias a la filosofía, y en particular a la estética, adquirí un aparato conceptual que ha sido fundamental para poder entender el arte de una forma más profunda»

«el arte nos permite descubrir, con otros medios y de una manera totalmente diferente al discurso racional, cuestiones palpitantes»

– Has vivido en diferentes ciudades como París, Ámsterdam y Bruselas, y actualmente alternas estancias entre Bruselas y Madrid ¿qué representa cada ciudad en cada momento de tu vida y cómo han influido en tu obra y en tus investigaciones? 

Llegué a París en 1978, una vez acabada la Universidad en Madrid. El Gobierno francés me había concedido una beca para hacer el doctorado. París fue para mí una iluminación. Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra. Viví un París resplandeciente. No notaba ni la lluvia ni los días grises ni el frío, para mí todo brillaba. Después, en todas mis visitas posteriores a París, nunca he vuelto a tener esa sensación. Descubrí un mundo en el que se me abrían las puertas y todo parecía posible. Aunque es muy probable que todo eso fuera una ilusión, aprendí mucho en París, viví experiencias muy ricas, divertidas, novedosas. No hice el doctorado, pero me hice, sin saber cómo, mucho más sabia, más madura, diríamos.

«París fue para mí una iluminación»

«Salía de una España, que, aunque ya no era tan oscura, yo la veía negra»

A Ámsterdam llegué tres años después de París. Primero recalé dos años en Madrid y un año en Jerez de la Frontera donde di clases de filosofía en un instituto. Mi marido es holandés, así que después de tres años en España decidimos probar suerte en Holanda. La experiencia de Ámsterdam fue mucho más dura que la de París. Yo ya no era una estudiante, sino una profesional que tenía que ganarme la vida y buscar trabajo. Y antes de nada, tenía que aprender neerlandés, un aprendizaje que en algunos momentos se me hizo cuesta arriba. La ventaja fue que tenía mucho tiempo, así que me dediqué a hacer, lo que no había hecho en París, la tesis doctoral. Como estaba en Ámsterdam, elegí centrarla en el grupo holandés De Stijl.
Después, en 1986, fui a vivir a Bruselas, pues había sacado unas oposiciones de traductora en las instituciones de la Unión Europea. Mi situación profesional cambió radicalmente. Tenía un trabajo fijo y bien remunerado. Todo fue mucho más fácil. Pero, lo importante fue que el trabajo profesional no me impidió seguir con mis estudios. En 1991, presenté la tesis y después continúe investigando y publicando.

– En tu libro De Stijl. El espejo del orden haces un estudio detallado del grupo de artistas holandeses que formaron la revista De Stijl, entre los que se encontraba Mondrian ¿qué te interesaba de ese movimiento?

Este libro recoge mi tesis, aunque la adapté para que fuera accesible a un público general. Desde un punto de vista estético, el grupo neoplástico era muy interesante. Yo estaba convencida de que Mondrian no había pintado esos cuadros de líneas y colores porque le gustaran las línea y colores, sino porque de esa forma quería decir algo. Las lecturas formalistas no sirven para entender a Mondrian. Desde el primer momento yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios. Contaba para ello con los escritos de Mondrian y de los demás miembros del Grupo. Los estudié e intenté dilucidar a través de ellos lo que había detrás de esas producciones artísticas. Y concluí que ahí había mucha filosofía, mucho idealismo y mucha utopía, que con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo.

«yo quería saber qué quería decir Mondrian, qué era lo que le había llevado a depurar la pintura hasta dejarla en líneas, planos y colores primarios»

«con sus cuadros, esculturas y obras arquitectónicas intentaban construir en el arte lo que anhelaban que se hiciera realidad en el mundo»

– En tu obra Geografía de una península. La representación del rostro en la pintura ahondas en una línea que pasa por El Bosco, Goya, Munch, Picasso, Bacon, De Kooning o Nebreda ¿por qué consideras en este libro que estos artistas son los heterodoxos de la historia de la representación del rostro?

En la historia de la representación del rostro hay dos líneas y eso es lo que trato de sostener en este texto. En él intento hacer una geografía del rostro, con su topografía, orografía, etc. Al estudiar el rostro me di cuenta de que hay dos «accidentes geográficos» fundamentales: la boca y los ojos. Si nos centramos en la primera o en los segundos, la representación cambia radicalmente. Esas son las dos líneas. La representación que se centra en la boca, como la que vemos en algunas tablas medievales o en El Bosco apela a una concepción del hombre instintiva e irracional, mientras que la que se centra en los ojos, como los retratos de Van Eyck o de Velázquez, incide en una imagen del hombre racional. La línea que va por el Bosco, Goya, Munch, Bacon o Nebreda es la línea que se centra en la boca y que ha sido relegada en la historia. A partir del siglo XX la boca vuelve a adquirir importancia, aunque ahora ya no es el órgano deglutidor medieval, sino la fuente del grito, del malestar y de la locura. Es cierto que en la historia del arte ha dominado la representación centrada en los ojos y en la confianza del hombre en su dominio el mundo, pero la otra línea siempre ha estado ahí, aunque cueste más descubrirla.

«La representación que se centra en la boca (…) apela a una concepción del hombre instintiva e irracional»

«la que se centra en los ojos (…) incide en una imagen del hombre racional»

– Perversa y utópica es una obra en la que investigas sobre la muñeca, el maniquí y el robot ¿por qué se te ocurrió abordar este tema?

Al estudiar la pintura y la escultura de principios del siglo XX en Europa, me di cuenta de que en ellas aparecía un nuevo personaje, una figura que se situaba entre los hombres y los objetos, tomando a veces la forma de un maniquí o de una muñeca y otras la de un robot o un autómata. Me pareció un tema muy intrigante, por eso se me ocurrió que valía la pena dedicarle un libro. La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta. Son sus dobles: representan, por una parte, el lado monstruoso, la cara oscura, sombría y perversa del hombre; pero, por otra, señalan la vía de la utopía, clara, limpia y perfecta. Artistas como Hans Bellmer, Kokoschka o Cindy Sherman recogen ese lado oscuro, mientras que Schlemmer, Léger o Robert Graham se situarían con sus autómatas en la representación del hombre rígido, mecánico, ajeno a las pasiones.

«La muñeca, el maniquí o el robot expresan la crisis de identidad del hombre, pero a su vez constituyen una respuesta»

– Uno de tus libros más conocidos es Lo que no te conté de Francis Bacon, una recopilación de cartas que escribiste a tu hija Clara en torno al arte ¿cuándo surgió la idea y qué acogida tuvo entre tus lectores?

Este es mi libro más personal. La idea surgió de una forma muy espontánea. Con dieciocho años, Clara se fue a estudiar fuera de casa, a Lovaina. Para mantener una relación que no fuera la típica de madre-hija, pensé «le voy a mandar correos sobre temas de arte», sobre las cosas que a mí siempre me habían interesado, pero que durante su infancia y primera juventud no le había contado para no atosigarla. Así empecé a escribirle correos sobre temas relacionados con arte: sobre una exposición que había visitado o un libro que había leído o una excursión a algún lugar interesante. No tenía en mente escribir un libro. En un primer momento era estrictamente personal. El título: Lo que no te conté de Francis Bacon remite a una anécdota divertida. Cuando en 2009 fuimos a ver juntas la exposición de Francis Bacon en el Prado, Clara se mostró totalmente escandalizada. Durante la visita, me preguntaba insistentemente qué hacíamos allí, cómo me podían gustar esos cuadros que a ella le parecían horrorosos. Entonces no le expliqué nada. Pensé que darle una clase de estética sobre lo sublime y la belleza no le iba a interesar. Ahora, sin embargo, podía, por fin, explicarle por qué mirábamos con interés esas pinturas, por qué Francis Bacon era un pintor que merecía la pena.

Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena. El hecho de que fueran capítulos cortos —no olvidemos que son correos—, me permitió tratar temas muy variados, como, por ejemplo, la arquitectura de Nueva York, la falsificación o la destrucción del arte, el color azul o el mercado del arte, y un largo etcétera. El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor. Mucha gente se sintió muy cerca de este planteamiento y, según me dijeron, disfrutaron mucho leyéndolo.

«Esta forma de tratar el arte de una manera sencilla y accesible tuvo una acogida muy buena»

«El género epistolar, además, conseguía que el lector participara de una manera más activa, como si él fuera el interlocutor»

Clara, hija de Charo Crego, habla en este vídeo sobre las cartas que le envió su madre, las obras y lugares de los que trata en el libro y su creación

– Después de todos estos años de investigación ¿qué te gustaría que los lectores descubrieran sobre el arte a través de tus libros y publicaciones?

Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte. Cuando miras un cuadro en un museo es fundamental saber de qué trata, quién lo pintó, en qué contexto fue pintado, por qué vicisitudes pasó, qué materiales ha utilizado el pintor y de qué forma, etc. Pero todo eso, no significa nada, si al mismo tiempo ese cuadro no te emociona, no te hace vibrar y ver el mundo de otra manera. Es muy difícil describir esta sensación, pero yo creo que es básica en nuestra relación con el arte. Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos.

«Lo importante para mí es aportar no solo conocimiento, sino también emoción y amor por el arte»

«Facilitar esta emoción es lo que más me gustaría aportar a través de mis escritos»

– Acabas de publicar Dentro. La intimidad en el arte, un libro sobre la representación de los interiores en el arte ¿cómo has profundizado en este aspecto y en qué autores te has centrado?

Los cuadros de interiores me interesan desde hace mucho, quizá se deba a mi relación con Holanda y el arte holandés. Pero no solo me atrae la belleza de esos interiores de Vermeer o De Hooch, sino también el ambiente de calidez que saben crear. Son interiores íntimos. Así surgió mi interés por la noción de intimidad y por estudiar cómo se había desarrollado este sentimiento a través de la historia. Tras los holandeses, el artista danés Hammershøi creó unos interiores perfectos, elegantes, bellísimos, paro ya no eran los espacios cálidos de los holandeses, sino fríos y sin color. Los interiores del suizo Vallotton, sin embargo, son muy calientes. Él no cierra las puertas de sus habitaciones para proteger a sus habitantes, sino para que no se vea lo que ocurre dentro. Son interiores secretos. El americano Edward Hopper ha creado los nuevos interiores del siglo XX. Los interiores de los no lugares: habitaciones de hotel, cafeterías o compartimentos de tren, muy lejanos del interior doméstico. Más tarde los surrealistas recrearon el interior onírico, en el que todo, las paredes, los suelos o los muebles, se disloca.

En la casa hay dos lugares en donde se condensa la intimidad: el cuarto de baño y el dormitorio. A estos dos lugares he dedicado sendos capítulos. He estudiado el cuarto de baño de la mano de Degas y Bonnard en el momento en que se pasó de la palangana a la bañera y se cerraron las puertas de esta estancia. Al dormitorio y, en particular, a la cama le he dedicado el último capítulo con artistas como Sophie Calle, González-Torres, Carsten Höller o Tracey Emin. La cama que era el lugar más escondido e íntimo de la casa se ha convertido en un asunto público, iluminado por los focos del espectáculo. Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo.

«Este es el recorrido que he hecho en el libro, desde la invención de la intimidad con los holandeses hasta su disolución en el arte contemporáneo»

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

¡A quién no le gustaría vivir en el paraíso! Yo me conformaría con que nuestra relación con el planeta fuera más respetuosa, que consiguiéramos atenuar y combatir el cambio climático. Desearía que las relaciones con nuestros congéneres fueran también más respetuosas, que mantuviéramos relaciones pacíficas y humanitarias entre nosotros y que lográramos construir un mundo más igualitario. Hay que combatir la desigualdad. Es un escándalo que en este siglo XXI haya trabajadores pobres.

Pero, bajando a la tierra, me gustaría algo mucho más modesto, por ejemplo, que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte.

«me gustaría que este último libro que acabo de publicar encuentre a sus lectores, y que, además, sepa transmitir emoción, placer y gusto por el arte»

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Presentación de Dentro. La intimidad en el arte

Jueves 25 de mayo, 19.00 h

Librería La Mistral

C/ Travesía del Arenal nº2, Madrid

con la participación de

Javier Maderuelo, Beatriz Blasco, Lucía Jalón y Fernando Guerrero

Firma de ejemplares en la Feria del Libro

Parque del Retiro (Paseo de Coches) Madrid

Domingo 28 de 10.30 a 15.00, caseta 278

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«Cada proyecto en que me implico, sea editorial o curatorial, tiene como finalidad la transformación social»

Por Berta Delgado

Marisol Salanova es crítica de arte, comisaria de exposiciones y asesora de coleccionistas. Mediática y comprometida feminista, se licenció en Filosofía y obtuvo un máster en Producción Artística con especialidad en Arte y Tecnología.

Dirige un proyecto sobre criptoarte ético NFT para la plataforma Arteinformado, escribe para ABC Cultural, participa en programas de televisión y radio con regularidad, impulsando el talento creativo de artistas y otros agentes culturales.

En esta entrevista descubrimos su especial relación con la escritura, su interesante trayectoria y su postura sobre la actualidad del mundo del arte.

– Eres Licenciada en Filosofía y especialista en Arte y Tecnología ¿qué te llevó a realizar estos estudios y cómo fue tu paso por la universidad?

El paso por la universidad fue intenso ya que formé parte de un sindicato estudiantil, fui delegada claustral y vicedecana de estudiantes, aprendí mucho más de lo que esperaba. Porque trabajaba, estudiaba y dedicaba gran parte de mi tiempo al activismo. La Filosofía me interesó desde el instituto, en concreto la rama de la Estética. Resultó desconcertante llegar a la carrera y ver que se asumía que esos estudios solo valían para ejercer la docencia como en un círculo limitante. A mí me pareció desde el principio que mis estudios servirían para emplearme en lo que quisiera, conseguir herramientas que me facilitasen comprender el mundo en que vivimos y actuar adecuadamente en él. Estudiar filosofía no te convierte en filósofa sino, en el mejor de los casos, en una persona con capacidad crítica. El posgrado en Bellas Artes me llevó a la especialización, pero no me considero experta en nada. Lo que soy es curiosa, tenaz y empática, por eso me adapto a la contemporaneidad y logro aplicar mis conocimientos en el día a día.

«Estudiar filosofía no te convierte en filósofa sino, en el mejor de los casos, en una persona con capacidad crítica»

– ¿En qué momento decidiste que querías dedicarte a la crítica de arte y qué es lo que más te gusta de tu profesión?

Lo que más me gusta de mi profesión es, primero el proceso de escritura, después la conexión con quienes te leen. Me siento muy afortunada por dedicarme a lo que me gusta y escribir para medios que me dejan libertad, sin censuras. Ya de estudiante leía varios suplementos culturales y al ABC Cultural lo consideraba el mejor, así que podría decirse que para mí fue un sueño hecho realidad llegar a formar parte de sus críticos colaboradores. Cumplo cinco años en ese periódico. Escribo además para revistas como Descubrir el Arte, Mirall y Mercurio, he redactado ensayos críticos para Exit Express, Ivorypress, Art Pulse Miami y Arquine México. Desde la crítica también colaboro con televisión, radio y otros formatos. La tarea en que estoy inmersa ahora es una entrevista que he de realizar a Frances Morris, directora de la Tate Modern, para MAV, la asociación Mujeres en las Artes Visuales.

«Me siento muy afortunada por dedicarme a lo que me gusta y escribir para medios que me dejan libertad»

– Comisarías exposiciones y tus proyectos curatoriales siempre guardan relación con el feminismo ¿estás trabajando nuevo comisariado en esa línea?

Acaban de aprobarme un proyecto para un centro público sobre transfeminismo, de hecho. Se trata de una exposición que recoge la representación de las personas trans y no binarias en los medios españoles durante los últimos cuarenta años. Una propuesta para reflexionar, que tiene parte documental, expositiva, talleres de educación no sexista, conferencias, mesas y un club de lecturas transversales. Llevaba un año dándole vueltas, sin saber si un formato así, de exposición viva, cambiante, activa todo el tiempo que dure, y con una finalidad didáctica que considero tan necesaria para sensibilizar sobre las realidades trans, tendría cabida en el contexto de crispación y LGTBIfobia. Desde luego, mi compromiso y el de las personas que participan del proyecto es tan fuerte que nos hemos dejado la piel porque queremos frenar el odio, a menudo presente por ignorancia, educar en la diversidad a través del contexto artístico y creo que vamos a conseguir aportar nuestro granito de arena. Cada proyecto en que me implico, sea editorial o curatorial, tiene como finalidad la transformación social.

«Mi compromiso y el de las personas que participan del proyecto es tan fuerte que nos hemos dejado la piel porque queremos frenar el odio»

– ¿Cuál es la exposición que más te ha marcado hasta ahora y por qué?

Suelo responder a esta pregunta que la retrospectiva de Abel Azcona que comisarié en Pamplona, porque tuvimos muchas complicaciones y amenazas de la extrema derecha. Aunque lo cierto es que cada muestra ha calado en mí desde su singularidad y me ha llevado a la siguiente. De todas formas, ejerzo más de crítica de arte que de comisaria. Comisarío y asesoro puntualmente. Mi ocupación principal es la escritura.

-También asesoras a coleccionistas y últimamente te hemos visto en RTVE hablando sobre NFT, criptoarte y adquisiciones de arte digital, un mercado en torno al que existe cierto extrañamiento ¿cuál es tu postura al respecto?

Me llaman de todas partes para obtener declaraciones en calidad de experta en NFTart o criptoarte. No soy experta, solamente una estudiosa del tema que sí he tenido contacto y sí asesoro en determinadas ocasiones. El momento actual me parece desfavorable a la hora de invertir, vaya por delante. Mi interés en este campo, que ha quedado patente en el proyecto de mi autoría ¿Criptoarte ético? Impulsando la transformación social desde la digital es democratizar el acceso a la venta de obra de cualquier artista por esta nueva vía. Comisarío en la plataforma Arteinformado una de la primeras muestras de arte digital tokenizable, dejando claro que ni las subastas multimillonarias ni la especulación con productos intangibles suponen la verdadera revolución del arte digital ahora mismo.

– Has sido codirectora de Editorial Micromegas, dedicada a la publicación de ensayos sobre artes visuales, desde 2012 hasta 2020 ¿cómo fue emprender un proyecto editorial independiente y qué significó para ti esta etapa?

Emprendí la aventura de Micromegas con Javier Castro Flórez en 2012 porque ambos vimos que el género ensayo caía en picado, las editoriales de pensamiento estaban cerrando y corrían horas bajas para la literatura. Decidimos contribuir porque no había salidas para textos sobre arte contemporáneo de profesionales que buscaban trascender el ámbito académico. Tuvimos una acogida espectacular, participamos en ferias internacionales, conseguimos muy buena distribución y repercusión en medios. Lo que pasa es que se convirtió poco a poco en un proyecto insostenible, quizás lo fuera desde el comienzo, la verdad. Además, ambos directores desarrollamos ideas y caminos diferentes. A partir de 2020 me desvinculé, mientras que Javier continúa con NewCastle Ediciones, su editorial propia que fusionó con Micromegas para continuar publicando.

– Coordinas una colección de libros sobre emergencia cultural para el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, de la que acaba de salir Innovación desde el museo, una compilación de artículos por expertos a los que has convocado a reflexionar sobre la situación de la cultura. ¿En qué consiste el volumen y qué otros volúmenes compondrán dicha colección?

Cubrimos una necesidad, ante la falta de una hoja de ruta clara en materia de cultura para situaciones sin precedentes. En el caso de Innovación desde el museo. Ensayos sobre emergencia cultural partimos de que para agentes culturales e instituciones el periodo 2020-2021 marca un antes y un después. Hubo que repensar estrategias y generar contenidos adecuados a situaciones límite, como el confinamiento por una pandemia o la desescalada, hacia una nueva normalidad. La publicación reúne una serie de voces expertas para tratar aspectos relacionados con dicha problemática: los vínculos entre museo y sostenibilidad, narrativas transmedia, cine, arquitectura, residencias artísticas, domesticidad del centro de arte como lugar cotidiano para el pensamiento, los cuidados, la infancia, las familias diversas y espacio para amplificar la voz de colectivos en riesgo de exclusión. Busco presentar al museo en nuevos formatos, con horizontalidad y cercanía, mejorado y adaptado. La coordino junto a José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y del Centre del Carme Cultura Contemporània. Los otros libros de la misma colección también y cada uno toca un tema distinto, con autores especialistas. En breve se podrá adelantar más información.

«Busco presentar al museo en nuevos formatos, con horizontalidad y cercanía, mejorado y adaptado»

-En marzo de 2021 la editorial Errata Naturae lanzó el libro La Rosalía. Ensayos sobre el buen querer, en el que participas con un texto sobre performance y la relación del fenómeno Rosalía con el arte contemporáneo. ¿Qué resaltarías de la experiencia?

Pues que con el libro sobre Rosalía hemos conseguido absoluta transversalidad y eso es maravilloso. Fans de la cantante que nunca antes habían leído ensayo se han acercado a la literatura para comprender el fenómeno y compartir ideas. Recuerdo familiares mandándome fotos por WhatsApp del libro reseñado en todo tipo de revistas, una locura. Cuando Jorge Carrión, el coordinador del libro, me contó lo que quería hacer no dudé en decir que sí y sumarme. Además, la editorial Errata Naturae es de mis favoritas y la oportunidad de trabajar para ella la agradeceré siempre, tienen unos valores y una manera de cuidar cada paso que dan con que me identifico a tope. Tengo suerte de trabajar con equipos entre los que hay buena sintonía, los resultados se ven afectados en positivo.

– ¿Cómo te sientes cuando escribes y en qué momento del día lo haces?

Me gusta mucho pasar horas leyendo y pensando, antes de ponerme a escribir. Generalmente por la noche. Se me percibe como una escritora rápida, pero nada más lejos de la realidad. El texto puede estar gestándose en mi mente durante días, caigo en pensamientos rumiantes, circulares, hasta que resuelvo un tema. Entro en bucle muchas veces. Es algo de lo que no suelo hablar porque parece que está mal visto, que si no somos productivos todo el tiempo estamos fallando. Por lo tanto, hay escritores que pasan más tiempo escribiendo que reflexionando o leyendo a otros, lo cual me parece un error. Por lo menos en mi caso sería imposible que saliera de esa dinámica un buen artículo.

«Hay escritores que pasan más tiempo escribiendo que reflexionando o leyendo a otros, lo cual me parece un error»

– ¿Por qué lecturas te sueles decantar?

Leo bastante ensayo y novela, algo de poesía a temporadas. Estoy terminando de leer La muerte del artista de William Deresiewicz. Mi ritmo de lectura es lento y pausado.

– Una vez se han publicado tus escritos, ¿qué sensaciones tienes sobre ellos cuando vuelven a ti en forma de comentarios de los lectores?

Cobran sentido cuando son leídos y comentados por los lectores. A veces se viralizan y no soy capaz de responder al total de los comentarios, aunque suelo interactuar mucho a través de las redes. No soy el tipo de escritora que escribe para sí, yo escribo para dar a conocer lo que hacen otros profesionales, para señalar injusticias en mi sector e impulsar el talento creativo. En ocasiones me freno y pienso si voy a conseguir un cambio real con lo que estoy haciendo, entonces me doy cuenta de que, mayoritariamente, si no lo escribo yo no lo va a decir otra persona y lo que ha de ser dicho para agitar conciencias no me lo puedo callar. Algunos lo consideran un defecto, esta entrega mía tan brutal, sin embargo no sé trabajar de otro modo y al final suele surtir efecto, lo que escribes llega a quienes necesitan leerlo. Se genera comunidad.

«Escribo para dar a conocer lo que hacen otros profesionales, para señalar injusticias en mi sector e impulsar el talento creativo»

– Tienes la única cuenta de crítica de arte independiente española dentro de TikTok, compartes las exposiciones que visitas en Instagram y tus artículos de opinión en Twitter ¿cómo llevas esta sobreexposición?

Soy consciente de los peligros de la sobreexposición en redes sociales, he tenido buenas y malas experiencias con eso. Desde recibir insultos online a que te aborden por la calle sin conocerte de cualquier manera, te increpen, se obsesionen contigo, incluso que te plagien o suplanten tu identidad. Pero mis ejercicios de divulgación y de cercanía para crear sinergias, fomentando el espíritu crítico y la igualdad de oportunidades dentro de la cultura valen la pena. Hemos sabido lo que es vivir confinados con la pandemia, las redes sociales son una herramienta de comunicación muy poderosa cuando no puedes salir a la calle, son otra calle. Veo las redes sociales como un espacio público al que las voces críticas no debemos renunciar porque si no se apropian de ellas la intolerancia y el odio.

«Veo las redes sociales como un espacio público al que las voces críticas no debemos renunciar porque si no se apropian de ellas la intolerancia y el odio»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

He desarrollado un par de proyectos sobre animalismo en el pasado, pero como persona concienciada con el medioambiente, animalista y vegetariana, me interesa mucho trabajar las relaciones entre alimentación, salud, sostenibilidad e industria alimentaria. Así que en un futuro próximo espero realizar un proyecto relacionado que aporte a la sociedad. Conozco artistas cuyo trabajo versa sobre estos temas y que voy siguiendo de cerca.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Que todas las personas tratemos a los demás seres vivos como querríamos ser tratadas en sus circunstancias.

«Deseo que todas las personas tratemos a los demás seres vivos como querríamos ser tratadas en sus circunstancias»

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Marisol Salanova – LinkedIn – Twitter – Instagram – Facebook – TikTok

Innovación desde el museo. Ensayos sobre Emergencia Cultural

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La entrada Marisol Salanova – Crítica de Arte y Comisaria de Exposiciones se publicó primero en YANMAG.

«La filosofía da alas y contexto»

Nerea Blanco Marañón es filósofa, escritora, divulgadora y fundadora de Filosofers, una plataforma bajo la que ofrece cursos, conferencias y debates, además de una cuidada selección de libros y productos diseñados por ella entorno a la filosofía y las humanidades.

Enfocada en recuperar el pensamiento crítico como forma de vida, transmite a sus seguidores y alumnos las herramientas que aporta la filosofía para afrontar los diferentes problemas que se nos plantean a diario.

Con rigor y profesionalidad, Nerea Blanco comunica de manera cercana, accesible y también con sentido del humor en diferentes redes sociales, donde se ha convertido en referencia para miles de seguidores. Conversamos en YANMAG con ella para descubrir su trabajo y su vinculación con la filosofía.

– ¿Cuándo comenzó tu interés por la filosofía y cómo influye en tu vida?

Lo que recuerdo es cuando comenzó mi pasión por las preguntas extrañas, esas que sentía que no podía hacerle a nadie sin que me sintiera un bicho raro. Fue a los 10 años. Empecé por aquel entonces a pensar en el valor de las decisiones, de la belleza, el miedo al futuro e incluso, el miedo a la muerte. Desde ese momento creo que ya estaba destinada a buscar respuestas. Al final, gracias al impulso de mis padres, entré en la carrera. Y aunque no pensé que fuera a dedicarme profesionalmente a ella, al final he llegado hasta aquí. La filosofía ha marcado mi manera de mirar el mundo. Algo que puede verse en mi libro Filosofía entre Líneas.

«La filosofía ha marcado mi manera de mirar el mundo»

– ¿Por qué las personas necesitan la filosofía y cómo acaban acercándose a ella?

Cuando uno se siente perdido, trata de buscar caminos. Ante determinadas preguntas, se buscan determinadas respuestas. Y la vida nos llena de problemas, de preguntas, de misterios que vamos solventando. Algunas de esos problemas acerca de lo que llamamos “crisis existenciales”, que son algo así como «¿Qué estoy haciendo con mi vida?» pueden llevarnos hacia la filosofía. De hecho, hasta hace poco era donde buscábamos algo así como consuelo. Pero es cierto que ahora existe una especie de “filosofía rápida” como existe la “comida rápida” que no alimenta, que solo rellena un hueco. Nadie querría comer siempre comida rápida, pero últimamente con los libros de autoayuda, que no es más que filosofía rápida, parece que todos están cada vez más dispuestos a alimentarse de ese modo. Mi labor es intentar ofrecer un camino hacia la filosofía de verdad, la que alimenta, la que realmente nos da pilares para seguir construyendo nuestra vida.

«existe una especie de “filosofía rápida” como existe la “comida rápida” que no alimenta»

«Mi labor es intentar ofrecer un camino hacia la filosofía de verdad, la que alimenta, la que realmente nos da pilares para seguir construyendo nuestra vida»

– ¿En qué momento y por qué razón fundaste Filosofers?

Siempre he sentido que igual que yo tuve la suerte de llegar a encontrarme con la filosofía, había que intentar que mucha más gente tuviera ese interés. No porque la filosofía lo necesite, sino porque creo que la sociedad la necesita. Creo que la filosofía no es ese mundo oscuro, complicado y lúgubre que muchos piensan e incluso transmiten. Creo que la filosofía da alas y contexto. Da espacios de belleza para crear vidas más ricas, más humanas, e incluso diría que hasta puede hacerlas más felices. Estaba harta de las tazas de Mr.Wonderful y ese mundo de coaches que solo buscan recetas fáciles para problemas difíciles. También me hartaba el cinismo y la crítica constante. Así que decidí crear un espacio para intentar llevar la filosofía a su lugar: a las calles y sacarla de las aulas; un lugar desde el que pensar con más calma, con más humor, con cierto aire canalla. Un espacio para disfrutar de la filosofía en comunidad.

«Estaba harta de las tazas de Mr.Wonderful y ese mundo de coaches que solo buscan recetas fáciles para problemas difíciles. También me hartaba el cinismo y la crítica constante»

«decidí crear un espacio para intentar llevar la filosofía a su lugar: a las calles y sacarla de las aulas»

– ¿Cómo es tu trabajo diario al frente del proyecto y cómo consigues abarcar tantos frentes diferentes?

Filosofers es un proyecto que tiene varias patas: la tienda, la divulgación y mi labor como escritora. Todo ello conlleva tareas que van desde diseñar estrategias, llevar las cuentas para pensar dónde y cuándo invertir, mantener la web y la tienda online, realizar envíos, llevar las redes, participar y crear eventos…. No ha sido fácil compaginar tantas tareas tan diferentes. Cambiar el chip de “empresaria” a “filósofa”, o de “diseñadora” a “community manager”. Hay que ser muy estricta con los tiempos que se dedica a cada labor, hay que estructurarse para no hacerse un lío con todos los cables, con todos los frentes. Y hay que conseguir sacar tiempo para estar también al día y también tener la mente alerta para no perder el foco. No ha sido tarea fácil, pero poco a poco he conseguido (con ayuda de PunkElisabeth y sus lecciones de estrategia y productividad) organizar todo y poder realizar todas las tareas sin que me terminen comiendo.

– En los cursos que impartes ¿qué es lo que más te ha sorprendido en el diálogo que estableces con tus alumnos?

Cuando he dado cursos presenciales el feedback ha sido alucinante. Se crean unos vínculos preciosos porque nos descubrimos haciéndonos preguntas los unos a los otros que a veces no nos habíamos hecho nunca o que incluso no hemos sabido ni cómo formularlas. Nos sentimos unidos ante una causa común: comprender y aprender. Algo que parece de raros, algo que de repente podemos hacer sin ser juzgados. El diálogo se vuelve real, no hay necesidad de “tener razón” sino que buscamos “usar la razón”. Y es increíble lo que puede aprenderse si uno está dispuesto a escuchar a otros.

«Se crean unos vínculos preciosos porque nos descubrimos haciéndonos preguntas los unos a los otros»

«Nos sentimos unidos ante una causa común: comprender y aprender»

– ¿Por qué te decidiste a escribir tu libro Filosofía entre líneas y cómo has desarrollado tu pensamiento filosófico?

El libro fue en realidad una propuesta editorial. Siempre lo digo porque hay algo que he tenido claro: no quiero generar ruido innecesario. Si algo se hace, tiene que tener un valor propio y tiene que estar bien hecho. En este sentido vi que tenía algo que aportar: mi visión y mi manera de vivir la filosofía. Creo que la filosofía está en todas partes y ligada a todo lo que nos rodea (música, cine. literatura, viajes, paseos…) y tiene mucho que ofrecernos para vivir mejor.

El libro está escrito en un formato diferente al habitual. Tiene algo así como tres voces: la narrativa (doy contexto, acción, situación vital en la que traigo los filósofos de nuevo a la vida), la ensayística (doy mi punto de vista sobre la actualidad) y la explicativa (intento contar las ideas de los grandes filósofos para el gran público).

Es un ensayo escrito para quien normalmente no lee ensayos. Es un libro pensado para acercar a la filosofía desde una perspectiva más vital, más actual, más ligada al día a día de cada uno de nosotros. No me centro en un solo tema, pero sí que hablo de todo desde una perspectiva actual y con un aire rebelde al tiempo que esperanzador. Tiene 9 capítulos y cada uno de ellos hace referencia a un aspecto de la realidad. Está escrito para que sea un libro para tratar de desentrañar las emociones y razones que nos guían en nuestra vida, una vida llena de incertidumbres y frustración pero también de belleza, palabras y relaciones que pueden llegar a dotarnos de esperanza.

«hay algo que he tenido claro: no quiero generar ruido innecesario»

«Si algo se hace tiene que tener un valor propio y tiene que estar bien hecho»

– ¿Cuáles son los problemas éticos que más te han interesado en este periodo de pandemia y cómo podrían resolverse?

Este periodo de confinamientos y nueva normalidad, este momento concreto parece un fin de época. Estamos atravesando un tiempo en el que vemos sin demasiada dificultad qué eslabones de nuestra sociedad están fallando. Y uno de ellos es claramente que nos falta en occidente una ética más comunitaria.

Nos han ido enseñando que no hace falta pensar en la comunidad, que la clave es el éxito, el que uno solo sea su propio jefe, que hacer las cosas en soledad es posible. Pero es necesario recordar que no somos individuos aislados y que a eso que llamamos libertad y que nos permite tener nuestro espacio de actuación y desarrollo, es algo que se genera en comunidad. Somos animales políticos, de polis, de vivir en ciudades, de necesitar regular mediante leyes la convivencia. Somos seres que nos movemos en una cultura, en unos espacios con otros.

Olvidar al otro es olvidarse de uno mismo. Y la pandemia ha puesto de relieve esa necesidad de cuidar al otro para cuidarse uno mismo. Pero ya no sabemos. Seguimos creyendo que ser libre es hacer lo que se quiera. Es olvidarse de que somos sujetos, que estamos sujetos por otros, que hay una relación de intercambio, de crecimiento, de desarrollo gracias a esos otros sujetos. Vivimos en una época en la que la idea de identidad y de individualidad ha ido ganando terreno a la idea de comunidad. Que tiene mucho de hermoso, pero también su lado peligroso. Porque ahora lo estamos pagando.

«la pandemia ha puesto de relieve esa necesidad de cuidar al otro para cuidarse uno mismo. Pero ya no sabemos. Seguimos creyendo que ser libre es hacer lo que se quiera»

«Vivimos en una época en la que la idea de identidad y de individualidad ha ido ganando terreno a la idea de comunidad»

Somos seres políticos y somos seres éticos. Tomamos decisiones pensando en la idea de bien y mal, y cada vez somos más reticentes a creer en grandes valores, en grandes ideas, pensamos que todo es relativo y que las ideas de bien y de mal ya no tienen sentido. La ética se nos va desmoronando al tiempo que nos creemos seres aislados.

Eso sí, la pandemia ha provocado que tengamos que recuperar la idea de comunidad y la necesidad de pensar en los otros y en lo que es bueno y malo. Nos ha puesto de cara contra un espejo de lo que significa ser seres humanos libres. Somos seres frágiles y que necesitamos de los otros. Somos-seres-con-los-otros. Y ahora nos tocará pensar si queremos seguir relativizando o retomar posturas que nos permitan navegar más seguros. Nos toca repensar lo que significa ser persona, ser sujeto, ser individuo. Nos toca mirar hacia donde queremos caminar como seres humanos.

«la pandemia ha provocado que tengamos que recuperar la idea de comunidad»

– ¿De qué manera la estética afecta a la ética y viceversa?

Hasta hace poco se ha creído que hay una relación entre la verdad, la bondad y la belleza. Ya desde Platón ese trío de conceptos parecían ir unidos. Hoy en día no queremos verlos así. Algo que sea bueno no tiene por qué ser bello y viceversa. Nos hemos desencantado respecto a la belleza como algo a buscar por ser algo bueno, de hecho con tanta búsqueda de belleza, con tantos cánones que nos han estado marcando tendencias, hay de hecho una lucha por desenlazarlos.

La belleza actualmente oculta lo verdadero, la belleza nos miente. Lo bello parece incluso que ya no es bueno. Pensemos en las redes sociales, en Photoshop, en los filtros de Instagram. Hay exceso de belleza que oculta lo real. Sentimos que todo es mentira en el mundo virtual, es como una nueva caverna de Platón.

Pero aun así creo que no podemos dejar de buscar ni lo bello ni lo bueno. Así que en ese sentido tienen mucho en común. Tenemos amor por el placer estético y también por el placer de sentir que hacemos el bien. Somos seres amantes de la ética y la estética. Lo que sucede es que a lo mejor toca desintoxicarnos un poco de tanta belleza y recuperar de nuevo la búsqueda ética. Una ética que nos permita construir un mundo más justo y no solo un mundo que se está reduciendo cada vez más al infantilismo, que se simplifica en dos bandos: el de los buenos y el de los malos. Un mundo que no permiten construir, sino destruir.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

La paz en el mundo. #MesientounaMiss

(risas)

«Somos seres amantes de la ética y la estética»

 «Lo que sucede es que a lo mejor toca desintoxicarnos un poco de tanta belleza y recuperar de nuevo la búsqueda ética»

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Nerea Blanco – Filosofers – Twitter – Instagram – Twitch

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Fotografías y entrevista por Berta Delgado

«La filosofía es mi linterna en la oscuridad»

Carlos Javier González Serrano es director editorial, filósofo, profesor y asesor de comunicación. Con una amplia y sólida formación que abarca desde la Filosofía y la Literatura pasando por la Psicología, el Derecho, los Recursos Humanos y las Ciencias Políticas, es conocido como divulgador cultural en redes sociales, donde miles de seguidores descubren cada día a través de él autores/as como Arthur Schopenhauer, Rosalía de Castro, Miguel de Unamuno, María Zambrano, Sylvia Plath o Hannah Arendt entre muchos otros. Su agenda siempre está repleta con conferencias en España y en el extranjero, clases, investigaciones y ponencias, además de constantes colaboraciones en medios de comunicación de televisión y radio.

Su secreto: la pasión y generosidad con la que comunica que van más allá de la divulgación, son su compromiso con el conocimiento.

– ¿Cómo era tu vida antes de que comenzaras a interesarte por la filosofía?

Lo cierto es que me cuesta mucho imaginar, en mi vida, un “antes” de la filosofía. De alguna manera, y sin yo saberlo, siempre me acompañó. Aunque extrovertido en el trato social más cotidiano y superficial, siempre fui un chaval muy introspectivo y, desde jovencito, comencé a preguntarme algunas cosas para las que, sin más, no tenía respuesta. Cosas que tenían que ver, sobre todo, con la finalidad de lo que hacía: para qué jugaba al fútbol, para qué me enamoraba de esta o aquella chica, para qué escribía este poema (que a su vez me había inspirado esta o aquella chica o este o aquel sentimiento), para qué tenía mis amigos, para qué obedecía a mis padres o para qué hacía tal o cual gamberrada. Y, tras todos esos para qué, la falta de un porqué. De un porqué absoluto, unificador.
Esa incapacidad para responder a tales cuestiones me descorazonaba e incluso me ponía de mal humor (siempre he tenido bastante carácter y, sobre todo, he sido, y soy, muy autoexigente), pero también, por otro lado, me empujaba a tener un conocimiento de “algo” que se me escapaba: no sabía a qué respondía ese “algo” que buscaba, y esto, aunque punzaba, también me fascinaba. Un hecho que, por cierto, no ha cambiado hasta hoy. Sigo declarándome –y asumiendo que soy– un buscador de lo imposible, de lo inabordable. Y esto hay que entrenarlo, hacer callo para saber vivir en (y convivir con) esa brecha, en la grieta de sentido que abren las constantes y persistentes preguntas. Me parece que tampoco sabría ni podría vivir de otra manera. Eso intento transmitir a las personas con las que trabajo, a mis alumnos y personas más cercanas, aunque también en redes sociales. El constante asombro que, siempre, abre nuevas perspectivas de sentido.

«Sigo declarándome –y asumiendo que soy– un buscador de lo imposible, de lo inabordable»

«hay que entrenarlo, hacer callo para saber vivir en (y convivir con) esa brecha, en la grieta de sentido que abren las constantes y persistentes preguntas»

– Entonces, ¿en qué momento y cómo cambió tu vida la filosofía?

“Formalmente” descubrí la filosofía con catorce o quince años, en el colegio San Gabriel de Madrid (donde me crié desde los cuatro hasta los diecisiete años), cuando mi profesor de Ética, el inolvidable Antonio, nos invitó a ojear la Historia de la filosofía de Julián Marías, aventajado discípulo de Ortega y Gasset. Y así, entonces, descubrí que ese “algo” al que no sabía poner nombre había sido la meta, también inacabable y a veces frustrante, pero llena de sentido, de muy numerosos individuos a lo largo de la historia. Un “algo” que no tenía tanto que ver con un conocimiento como con un camino. También la literatura me dispuso para recorrer ese camino.
Y ese fue tal vez mi gran descubrimiento: saber que la filosofía no es ciencia, al contrario de lo que muchos piensan o pretenden, sino método. Un método de encantar la realidad que hace que el asombro ante lo existente (y lo no existente, o lo que no sabemos si existe) nunca desfallezca.

– Además de tu Licenciatura en Filosofía, tu formación es interdisciplinar y muy amplia (Máster en Psicología del Trabajo y de las Organizaciones y Gestión de Recursos Humanos, estudios de Derecho y Ciencias Políticas y de Psicología, Máster en Estudios Avanzados en Filosofía, psicopedagogía, idiomas… ¿Qué te han aportado estos estudios y cómo los relacionas habitualmente en tu trabajo?

La filosofía abre camino, como decía antes. Y un camino tiene ante sí, siempre, diferentes y múltiples bifurcaciones. Pero no creo que haya que decantarse por una o por otra vía en exclusiva (ciencias o humanidades, números o letras, ciencias sociales o ciencias exactas, etc.). Eso resulta reduccionista y hasta diría que poco inteligente, sino que, a veces, resulta necesario hacer un alto en ese sendero que seguimos (¡en ocasiones por pura inercia!), mirar alrededor y darse cuenta de lo multifacético que resulta el mundo, que no puede ser visto desde una sola perspectiva. Quien estudia filosofía desemboca necesariamente en preguntas para las que necesita el auxilio de otras disciplinas; sólo hay que echar un ojo a la historia para darse cuenta de que las grandes figuras del pensamiento también destacaron en matemáticas, física, medicina, química, cosmología, literatura, etc.
La filosofía es mi linterna en la oscuridad, la que me permite orientarme hacia un lado u otro en una habitación, que es la vida, en la que todo o casi todo está a oscuras; cuando encuentro un problema particular, es entonces cuando echo mano de esas otras disciplinas que he estudiado (y que sigo estudiando, y otras que tengo por estudiar): los problemas legales necesitan un conocimiento de la ley, los problemas personales precisan de dotes interpersonales y de experiencia (que no otorga precisamente los estudios), los retos educativos requieren destrezas pedagógicas, los desafíos cosmológicos exigen conocimientos físicos, matemáticos y bioquímicos, etc. Digamos que sin filosofía es difícil orientarse, pero sin el resto de saberes resulta muy complicado vivir una vez que hemos conseguido orientarnos.
Creo, más que nunca, en la necesidad de una educación multidisciplinar desde la más temprana infancia, que abogue por integrar saberes de todo tipo, presididos por una clara meta: ayudar a cada individuo a desarrollarse plena y libremente hacia su objetivo vital. Sin (una buena) educación, sin esa pluralidad de saberes a su disposición, es imposible crear no ya seres libres, sino libertad. La libertad para saber quién se quiere ser y para desear al otro esa misma libertad.

«sin filosofía es difícil orientarse, pero sin el resto de saberes resulta muy complicado vivir una vez que hemos conseguido orientarnos»

«sin esa pluralidad de saberes a su disposición, es imposible crear no ya seres libres, sino libertad. La libertad para saber quién se quiere ser y para desear al otro esa misma libertad.»

– Ahora diriges desde Madrid la editorial Taugenit, en el Grupo Herder. ¿Con qué propósito nació y qué obras seleccionáis?

Empecé muy joven en el mundo de la edición de libros, cuando aún cursaba estudios universitarios. Tras algunos años erráticos en empresa privada mientras seguía estudiando, con contratos cortos –y muchos de ellos precarios–, y después de mi paso por varias editoriales como corrector, editor de mesa, lector, coordinador de colecciones o asesor, acabé trabajando en la prestigiosa Alianza Editorial (Grupo Anaya), donde estuve cerca de tres años como editor de no ficción. Fue un sueño cumplido. Ha sido una de las experiencias más gratificantes de mi vida laboral; una etapa de la que conservo grandes amistades y en la que aprendí muchísimo gracias a mis compañeros y, sobre todo, gracias a la muy atinada mano de su directora (siempre elegante y cercana en el trato y mesuradamente arriesgada en la elección de criterios), Valeria Ciompi, una referencia en lo laboral y en lo personal. Nunca se deja de ser parte de Alianza, por su tradición, por su bagaje y su puesto en el panorama editorial mundial, y de hecho sigo colaborando con ellos con prólogos, traducciones, etc. ¡Quién sabe, la vida da muchas vueltas!
Fue a mediados de 2019 cuando comencé a hablar con el responsable del Grupo Herder, Raimund Herder; nos reencontramos después de verano y, de aquellas conversaciones estivales acompañadas de cerveza fresca, nació un incipiente proyecto editorial, respaldado por la dilatada experiencia de nuestras trayectorias editoriales, que correría en paralelo a Herder Editorial pero que sería absolutamente independiente en su funcionamiento y gestión. Aquella ilusionante idea que ahora dirijo ya tiene nombre (y un corto pero del todo prometedor recorrido), Taugenit Editorial. El nombre hace alusión a la novela del romántico Eichendorff Das Leben eines Taugenichst, Andanzas de un inútil, que hemos publicado con un estupendo prólogo de Espido Freire. Publicamos, sobre todo, no ficción: ensayos y discursos relevantes para comprender estos tiempos tan turbulentos; también traducimos autores olvidados por la tradición (un ejemplo es la filósofa Helene von Druskowitz, quien no dudó en vituperar al mismísimo Nietzsche sin tapujos); pero también publicamos ficción de clásicos y la editorial se abrirá a nuevas y prometedoras colecciones en 2021, año para el que tenemos pensado un exigente plan editorial.

– También eres asesor cultural y de comunicación y colaboras con diferentes medios de prensa escrita, radio y televisión (Radio Nacional, Televisión Española, Radio Caracol en Colombia, Onda Cero, Mediaset…). ¿De qué manera te gusta hacer llegar la cultura a la audiencia?

No considero en absoluto que esta faceta mía esté en segundo plano. Mi trabajo principal es el de editor, por supuesto, pero lo compagino con la asesoría a distintas empresas e instituciones que buscan lograr un mayor alcance en sus fines culturales, educacionales, pedagógicos o, sin más y en genérico, empresariales o institucionales. Una buena comunicación es el inicio de un buen modo de trabajar: ayuda internamente, a colocar bien los objetivos, y externamente, a mostrar qué, para qué y por qué se hace lo que se está haciendo.
Por otro lado, difundir el estudio e interés por la filosofía, la literatura y, en general, las humanidades es otro de mis objetivos vitales principales. Cuando hablo con mis amigos pedagogos (con los que, reconozco, discuto mucho y enriquecedoramente), les explico que sólo hay una herramienta fundamental para comunicar el conocimiento: la pasión. Por supuesto, tiene que estar apoyada en un bagaje teórico hondo y bien fundado de la materia de que se trate y, si además se cuenta con destrezas organizativas y pedagógicas, mejor: la comunicación será más eficaz. Pero existe un elemento en la pasión que no puede ser sustituido por ninguna capacidad, competencia o destreza: la pasión por mostrar lo que sabes es fundamental en educación, sobre todo en la enseñanza media y superior. Y es eso lo que intento hacer y transmitir tanto en mis clases en universidad como en las conferencias que imparto e incluso en los artículos de prensa que escribo o cuando hago radio o televisión.
Últimamente, por ejemplo, colaboro como asesor externo con la prestigiosa revista National Geographic. Mientras, imparto numerosas conferencias como invitado en universidades nacionales e internacionales sobre filosofía, literatura, dirección de equipos de trabajo, gestión cultural y todas aquellas disciplinas que recorren el espectro que aglutina mi trayectoria laboral y teórica.
La solidaridad, acompañada de generosidad, es fundamental para contribuir a la cultura. Y nuestra cultura, hoy por hoy, es (y debe ser) global, multiforme y plurilingüística.

«sólo hay una herramienta fundamental para comunicar el conocimiento: la pasión»

«La solidaridad, acompañada de generosidad, es fundamental para contribuir a la cultura»

– ¿Qué buscas fomentar en los alumnos y qué respuesta recibes de ellos en las conferencias que impartes en diferentes universidades del mundo? 

Este 2020 tenía que haber estado en Brasil, en un congreso internacional sobre Schopenhauer al que fui invitado, así como en México, EE.UU. y Canadá. Todo se ha pospuesto para 2021, esperando que la situación sanitaria comience a solucionarse. Así lo esperamos todos. En 2019 estuve dos veces en Colombia: primero como invitado para impartir un curso monográfico sobre Schopenhauer en la Universidad del Atlántico y la Universidad del Norte (ambas en la bella Barranquilla), y después, en Navidad, como embajador de la Internationale-Philipp Mainländer Gesellschaft alemana, para fundar la Sección Colombiana de tal sociedad, que dirige mi amigo y filósofo costeño José Cruzado de la Vega.
Tengo más viajes programados (Europa, América y Asia), pero todo dependerá de la situación sanitaria. Por ahora, no paro de dar conferencias por todo el mundo… pero a través de internet. Aunque el contacto cercano, cara a cara, cálido, es insustituible, mi objetivo no es tanto ser yo el protagonista como que lo sean mis palabras: aquello que cuento sobre lo que lo cuento. Me considero un vehículo de lo que sé y considero que el conocimiento queda muerto, y de alguna manera resulta inútil, si no acaba siendo compartido. Eso busco: compartir mi pasión y hacerla extensiva a alumnos y colegas. Por parte de los alumnos, la respuesta es siempre emocionante, comprometida, vivaz. Cuando termino los cursos o las conferencias quieren más: eso es filosofía. Querer siempre más. Querer saber, sin descanso. Más. Y mejor.

«Me considero un vehículo de lo que sé y considero que el conocimiento queda muerto, y de alguna manera resulta inútil, si no acaba siendo compartido»

– ¿Por qué te defines como un “alma del XIX perdida en un tiempo extraño”?

Condición para encontrar(se) es la de estar perdido, diría yo. Es una sensación que muchos compartimos por nuestro modo de vida, por nuestros gustos y aficiones. Me identifico mucho con las reflexiones de Baudelaire, cuando se sentía invadido y acosado por el monstruo en el que París se estaba convirtiendo: coches, ruido, gentío… Pasa un poco lo mismo con la actual Madrid; y con Barcelona, aunque afortunadamente se salva por su salida marítima. Los lugares donde vivimos también confeccionan nuestras estructuras mentales: cómo nos movemos, cómo sentimos, qué hacemos y qué podemos (o no podemos) hacer, etc. En este sentido, soy madrileño de corazón, pero, al igual que otras grandes capitales del mundo, se está convirtiendo en un lugar inhabitable al servicio de intereses ajenos al individuo, que, a fin de cuentas, es quien tiene que vivir y poblar las ciudades.
Perdón por el exabrupto… Vuelvo al asunto de la pregunta. Y seré breve: en el XIX se dan cita mis autores favoritos. ¿Visitar el Padrón de Rosalía de Castro, peregrinar a Yásnaia Poliana a ver a Tolstói, charlar con Poe… Jane Austen, Pushkin, Elizabeth Gaskell, Schopenhauer, Nietzsche, Wagner, Charles Darwin, Leopardi, Mary Shelley, Brahms, ¡las hermanas Brontë!…! En fin, no pararía. Pero siempre vuelvo a ellos, a ellas: son mi refugio cuando todo parece ir mal.

«Condición para encontrar(se) es la de estar perdido»

«Los lugares donde vivimos también confeccionan nuestras estructuras mentales: cómo nos movemos, cómo sentimos, qué hacemos y qué podemos (o no podemos) hacer»

– ¿Cuándo y por qué comenzaste a interesarte por el movimiento romántico?

Desde muy jovencito, en la más temprana adolescencia, y más por pose que por convicción. La lectura de La dama de las camelias, con doce o trece años, hizo estragos en el chaval que un día fui… Después supe que el Romanticismo, como movimiento literario y artístico, era otra cosa. Y bueno, aún hoy sigo perdido en las obras de Novalis o Hölderlin, buscando esa (imposible) flor azul…

– Eres especialista en Schopenhauer, presides la Sociedad de Estudios en Español sobre Schopenhauer y diriges Schopenhaueriana. Revista española de estudios sobre Schopenhauer. ¿Cuál es la actualidad de este pensador?

Aunque he de reconocer que, en lo teórico (y sobre todo en lo social), cada vez estoy más alejado de las tesis schopenhauerianas, sí es verdad que vivimos tiempos que pueden ser analizados muy bien por su doctrina pesimista. Esa voluntad de la que él habló como motor insaciable del mundo, que nos devora al tiempo que se devora a sí misma, está más viva que nunca: superproducción, desigualdades crecientes, narcisismo enfermizo, etc. Pero Schopenhauer no plantea vías sociales de redención, sino sólo individuales, para escapar de ese atolladero. En esto me encuentro más cercano a las tesis “socialistas” de Philipp Mainländer, que, a pesar de su descarnado pesimismo (terminó suicidándose), fue un gran baluarte de la defensa de los derechos de los trabajadores y en la creación de uniones humanas y sociales para hacer frente al “despiadado y frío poder del capital”, como él mismo lo llamó. He traducido y trabajado mucho su pensamiento junto a uno de mis maestros, el profesor Manuel Pérez Cornejo, referencia internacional en los estudios sobre pesimismo filosófico y estética, además de amigo y excelente persona.

– También has escrito, hablado y desarrollado estudios sobre Rosalía de Castro, Miguel de Unamuno, María Zambrano, Hermann Hesse… y otros muchos autores, y en concreto sobre el suicidio desde una perspectiva pluridisciplinar. ¿Cómo abordas este tema que casi siempre es un tabú?

Estamos acostumbrados a acercarnos al suicidio desde un punto de vista meramente sociológico o psicológico, y olvidamos muchas veces la panorámica filosófica. Existen problemas, más allá de la estructura económico-geográfico-social en la que habitemos, que resultan irresolubles. Problemas que, sobre todo, tienen que ver con el sentido, y que encierran una gran carga emocional: por qué y para qué vivir, cómo afrontar la soledad a la que todos estamos sujetos, etc. Existe una corriente, que cada vez tolero menos (por el enorme daño que causa), de psicología positiva, difundida y apoyada por la industria de la autoayuda, el coaching más dulzón y embaucador y el optimismo más ingenuo. En ocasiones, la única vía para salvarnos es la de reconocer (sí, con dolor, pero también con lucidez) que estamos perdidos.
Y en esto debemos ser claros: la vida es un problema insoluble y, por tanto, inagotable, tanto en lo teórico como en lo práctico. Cada día debemos tomar decisiones que nos comprometen como individuos y como componentes de una sociedad o miembros de un grupo. Esas decisiones necesitan de un aparataje y de un horizonte crítico que sólo nos puede proporcionar la filosofía. La filosofía (ya lo he comentado antes) como método, y no como solución o respuesta. Detrás de cada pregunta hay más preguntas que esperan no tanto ser resueltas como ser vividas, experimentadas. Y en ese vivir cada una de nuestras problemáticas, literalmente, nos va la vida. La existencia se convierte en una dolorosa y a veces impracticable imposición, en un angustioso callejón sin salida, cuando no la dotamos de herramientas con la que poder pensarla.
También existe una franca y terrible insolidaridad que debemos denunciar. En esta sociedad del narcisismo y las poses, se condena la tristeza como algo despreciable que debe ser repudiado y relegado al ostracismo. Tremendo. La tristeza no se cura: la tristeza se acompaña. Y debemos acompañarnos los unos a los otros en un tránsito nada sencillo, el de la propia vida.

«debemos ser claros: la vida es un problema insoluble y, por tanto, inagotable, tanto en lo teórico como en lo práctico»

«La tristeza no se cura: la tristeza se acompaña. Y debemos acompañarnos los unos a los otros en un tránsito nada sencillo, el de la propia vida.»

– Actualmente diriges El vuelo de la lechuza, una revista cultural con decenas de miles de seguidores en redes. Además de participar en radios nacionales (RNE, Onda Cero, Cadena Ser…), también diriges un programa de radio en el Círculo de Bellas Artes de Madrid que cada semana escuchan miles de personas. ¿Cómo conviven y se relacionan estas colaboraciones?

El vuelo de la lechuza comenzó hace ya muchos años y fue una idea que surgió para dar visibilidad a lo aprendido en mis estudios de Filosofía. Al principio escribía sólo yo, cuando tenía más tiempo, pero a lo largo de los años se ha convertido en una web de referencia y tiene autores de una talla intelectual brutal: profesores universitarios de todo el mundo, especialistas de numerosas disciplinas… Esa es su vocación: la de ser una revista dedicada a las humanidades con vocación de divulgación sin perder, nunca, el rigor al que me debo como estudioso e investigador.
Mi colaboración con el Círculo de Bellas Artes se la debo a la mano amiga de Valerio Rocco Lozano, actual director de la institución, que está apostando mucho por la filosofía, la juventud, la internacionalización y, también y sobre todo, por la importancia de la interdisciplinariedad. Los saberes, aún en su divergencia de perspectivas, pueden converger en objetivos comunes. De estas convicciones, que ambos compartimos, surgió la idea (y la necesidad) de hacer un programa de radio en el Círculo dedicado en exclusiva a las humanidades, entendidas en sentido amplio: cada semana entrevisto a artistas consagrados, científicos de renombre, humanistas de largo recorrido… Pero también doy cabida a nuevas voces que están empezando, desde la medicina o la química hasta la literatura y la traducción. El objetivo es difundir no tanto el saber como el gusto y la pasión por saber.

– ¿Cuáles son los autores que más te han marcado personalmente?

Aunque la nómina sería muy larga, seré breve. Por supuesto, mi gran descubrimiento de la adolescencia, en o filosófico, fue Arthur Schopenhauer. Pero mis grandes maestras son mujeres: María Zambrano, Sylvia Plath, Hannah Arendt, Alfonsina Storni, Emily Dickinson, Virginia Woolf, Simone Weil, Alejandra Pizarnik, Idea Vilariño, Lou Andreas-Salomé, Teresa Wilms Montt y, sobre todo, mi querida y admirada Rosalía de Castro. Y ¡me dejo muchas!

«mis grandes maestras son mujeres»

– ¿Son iguales todos los días de trabajo para ti?

En absoluto. Mi trabajo, afortunadamente, me permite tener reuniones con gente de muy distintas procedencias y diferente formación a distintas horas de la jornada, dirigir varios proyectos a la vez que precisan de cadencias y tiempos distintos, etc. Tengo la suerte de tener una gran diversidad laboral que me permite desarrollar muchos planos de mi personalidad: intelectual, interpersonal, cultural, de gestión humana, investigadora… La gestión directiva requiere de una gran capacidad para economizar y administrar el tiempo, atendiendo además a las necesidades de cada uno de esos proyectos y de la gente implicada en ellos; pero no se trata sólo de eso. No cuento los días por lo que hago, sino por lo que soy capaz de hacer bien. En este sentido, intento que no haya días “perdidos”. Nuestras únicas y más reales posesiones son conquistas personales.

«Nuestras únicas y más reales posesiones son conquistas personales»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

En términos profesionales, soy muy meticuloso y me gusta que las cosas salgan bien, que los procesos lleguen a las metas que me he propuesto. Trabajo por objetivos, no creo en las sillas llenas –o en el tiempo vacío por llenar de cualquier forma–, pero sí creo a pies juntillas en la realización de (sanos y comedidos) propósitos. Además de mi labor como responsable editorial, que es absolutamente vocacional y es a lo que más tiempo dedico en mi día a día, me gustaría ampliar mi participación (¡aún más!) en la difusión de la filosofía, la literatura y las humanidades en general como ingredientes necesarios, imprescindibles, de una educación integral. Ya lo hago, e intento estirar el tiempo, pero éste siempre pasa, ya lo decía Sylvia Plath en sus diarios, cortándonos a cada paso con su imperturbable “tic-tac-tic-tac”…

– Hablando de tiempo: ¿cómo es tu tiempo libre?

La verdad es que tengo poquísimo tiempo libre. Pero, cuando me obligo a tenerlo (obligarse a tener tiempo libre parece una broma), lo dedico, sobre todo, a pasear con música bien alta (siempre que haga sol, soy de sangre mediterránea), lectura, deporte (aunque hago todos los días, sin excepción) y, cada vez más, a pensar en (y estar con) la gente a la que quiero, y recordar con cariño a la que ya se ha marchado.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

¿Puedo alguno más? Un deseo coyuntural: el fin de esta pandemia y la vuelta al acercamiento, a la calidez. Un deseo utópico: que la maldad humana ablande su mano, siempre rígida y al acecho, y acabe por despertar la solidaridad mutua. Un deseo plausible: fundar una institución de enseñanza en la que poder becar y ayudar a quienes quieren estudiar e investigar y no pueden por falta de medios o de financiación.

«Un deseo coyuntural: el fin de esta pandemia y la vuelta al acercamiento, a la calidez»

«Un deseo utópico: que la maldad humana ablande su mano, siempre rígida y al acecho, y acabe por despertar la solidaridad mutua»

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La entrada Carlos Javier González Serrano – Director editorial, filósofo, profesor y asesor de comunicación se publicó primero en YANMAG.

«Pocas cosas nos transforman e impactan más, como individuos y como sociedad, que una experiencia cultural»

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Valerio Rocco Lozano es Doctor en Filosofía y Profesor en la Universidad Autónoma de Madrid. Su paso por diferentes puestos de gestión en la universidad le proporcionó una amplia experiencia que le impulsó a presentarse para la dirección de El Círculo de Bellas Artes.

Su origen italoespañol y su formación internacional le han dado una profunda visión sobre Europa, y es este enfoque el que ha primado en su programa para El Círculo de Bellas Artes, que en este momento realiza alianzas con diferentes instituciones educativas y culturales europeas.

En esta entrevista descubrimos su interesante e intensa trayectoria.

– Eres italoespañol, ¿cómo influyeron en tu educación las dos culturas?

Creo que de manera determinante. No sólo haber tenido un padre italiano y una madre española, sino también haber recibido una formación en ambos países y contextos educativos me ha permitido desarrollar una cierta capacidad de establecer conexiones (lingüísticas, culturales, sociales) entre dos ámbitos en parte semejantes, pero al mismo tiempo muy diferentes. En Italia viví hasta los tres años, y luego pasé seis entre Luxemburgo y Francia, lo que me permitió sumergirme en la lengua y la cultura francesas. Desde los nueve años mi formación fue en Madrid: haber estudiado en el Liceo Italiano de esta ciudad (una escuela excelente, no sólo en el ámbito humanístico, sino en el teórico en general) ha sido crucial para desarrollar mi pasión por la filosofía, el arte, la literatura y las humanidades en general. Todo ello siempre estableciendo puentes entre Italia y España: todavía hoy, mi mujer (española) y yo, al volver de un viaje a Italia, nos pasamos varios días hablando una suerte de “itañol”, lenguaje híbrido construido desde el sentimiento, el juego y la ironía.



- Hablas cinco idiomas y has residido y realizado estudios e investigaciones en diferentes países de Europa. ¿Cómo te ha enriquecido esta formación internacional?

Haber aprendido relativamente pronto inglés y luego alemán (indispensable para que la que ya notaba que iba a ser mi vocación: la filosofía) me ha permitido, en efecto, realizar estancias de investigación -durante el doctorado- y vivir largas temporadas en Alemania y Reino Unido. Gracias a ello he tenido la inmensa suerte de poder realizar de algún modo, en mi propia persona, un proyecto de hibridación y contaminación cultural que considero indispensable para Europa. Especialmente en este tiempo de rearmes identitarios y de cierres fronterizos, de tentaciones centrífugas (como el Brexit) y rebrotes ultra-nacionalistas, creo firmemente en la importancia de “hacer Europa” desde los ciudadanos. Una generación -en muchos casos- híbrida y transnacional, como la mía, la “generación Erasmus”, puede ser el mejor antídoto frente a las pulsiones antieuropeístas, por una parte, y a una Europa meramente burocrática y formal, por otra.

«he tenido la inmensa suerte de poder realizar de algún modo, en mi propia persona, un proyecto de hibridación y contaminación cultural que considero indispensable para Europa»

– Eres doctor en Filosofía y profesor en la Universidad Autónoma de Madrid. ¿Cómo comenzó tu interés por esta disciplina y en especial por el filósofo Hegel?

Mi amor por la filosofía empezó como un desafío, justamente en los años del Liceo Italiano. Al contrario de lo que ocurre en el sistema educativo español, en esa escuela la filosofía era una de las asignatura más difíciles, temidas y respetadas. Y de los tres intensos años que se dedicaban a estudiar historia de la filosofía, Hegel era el filósofo considerado unánimemente como más complejo (o más incomprensible, según las versiones). Creo que el reto de la complejidad de la filosofía en general -y de Hegel en particular- fue lo que me llevó a esta maravillosa profesión.

«Mi amor por la filosofía empezó como un desafío»

– Has pasado por diferentes puestos de gestión dentro de la Universidad Autónoma de Madrid, como la coordinación del Máster en Filosofía de la Historia: Democracia y Orden Mundial o el Vicedecanato de Investigación, Transferencia del Conocimiento y Biblioteca de la Facultad de Filosofía y Letras. ¿Qué capacidades has tenido que desarrollar para estos puestos?

Las tareas de gestión de cualquier profesor universitario, en los últimos años, se han multiplicado exponencialmente. Esto es percibido por muchos -no sin razón- como un grave problema, porque merma las misiones fundamentales de todo profesor: la docencia y la investigación. Sin embargo, creo que la gestión también tiene un importante componente formativo, con una gran utilidad en otros campos de la vida. Pongamos el caso de organizar un congreso: hoy en día un profesor universitario debe encargarse de todo: desde montar el programa, elaborar el presupuesto, solicitar subvenciones, traducir textos, organizar presentaciones, reservar hoteles y desplazamientos e incluso pegar carteles… Si esto es así de complejo para un simple congreso, dirigir un proyecto de investigación (y más si es europeo) es aún más exigente, cada vez más parecido a gestionar una empresa. Por añadidura, a los que por diferentes razones nos hemos embarcado en la gestión universitaria propiamente dicha, nos ha permitido desarrollar muchas habilidades de control presupuestario, de manejo de equipos, de relaciones internacionales e institucionales, y sobre todo dotes de negociación “política” con ámbitos muy diferentes (como las facultades científicas o las empresas). En mi caso, el reto de coordinar desde el Vicedecanato, durante cuatro años, la investigación y la transferencia del conocimiento en una Facultad con 450 profesores y 70 grupos de investigación, ha constituido un aprendizaje realmente polifacético y enriquecedor.

– Todos tus proyectos han tenido vocación internacional. También trabajando en la Autónoma, desarrollaste una investigación con un importante apoyo de fondos europeos sobre el concepto de «Fracaso» en la Modernidad. ¿Cómo se llevó a cabo este proyecto?

La petición del proyecto Failure. Reversing the Genalogies of Unsuccess, que nos fue concedido (¡a la primera!) por parte de la Comisión Europea en el marco de Horizonte 2020, fue una aventura extraordinaria, nacida de dos elementos “tan difíciles como raros”, como diría Spinoza: en primer lugar, una auténtica mentalidad transdisciplinar, esto es, la puesta en común de aproximaciones historiográficas, filosóficas, literarias y artísticas para investigar un concepto tan complejo como el fracaso a lo largo de la Edad Moderna. Esto nos permitió, alrededor del Madrid Institut of Advanced Studies (MIAS) de la UAM, y de su director, Antonio Álvarez-Ossorio, conformar un equipo muy joven, dinámico y con ganas de romper las barreras entre departamentos y ámbitos de conocimiento. El segundo elemento determinante, en mi opinión, fue un equilibrio entre la atención por el pasado (la gestación del concepto a partir del siglo XVI) y las posibles aplicaciones actuales: nuestra idea era y sigue siendo que sólo comprendiendo profundamente los mecanismos de adscripción de la “etiqueta” de fracaso a individuos, grupos y comunidades es posible desarrollar políticas públicas y estrategias intelectuales para revertir los procesos de marginación, estigmatización o exclusión que siempre acompañan a “lo(s) fracasado(s)”. Gracias a estos dos elementos (enfoque híbrido y compromiso social) hemos podido desarrollar un proyecto muy ambicioso, financiado con un presupuesto de 1.4 millones de euros, que agrupa a 11 prestigiosas instituciones académicas europeas y americanas y a un centenar de participantes de todos los ámbitos. Si todo va bien, pronto el Círculo de Bellas Artes también se unirá al Proyecto como un miembro más, lo que -por razones personales- me hace una especial ilusión.

«nuestra idea era y sigue siendo que sólo comprendiendo profundamente los mecanismos de adscripción de la “etiqueta” de fracaso a individuos, grupos y comunidades es posible desarrollar políticas públicas y estrategias intelectuales para revertir los procesos de marginación, estigmatización o exclusión»

– ¿De qué manera comenzó tu relación con el Círculo de Bellas Artes?


Mi relación personal con el Círculo se remonta a mis años de estudiante universitario: en esa época era un referente para mí y para muchos compañeros de Filosofía. No sólo asistíamos a conferencias, debates o a las proyecciones del Cine Estudio, sino que muchas veces simplemente nos pasábamos por la Calle Alcalá 42 para ver qué iba a ocurrir esa tarde o para tomar algo en la cafetería. Más adelante, durante el Doctorado organicé en el Círculo diferentes congresos y eventos: en particular recuerdo una presentación del libro “Pensar Europa”, editado por mí junto con Diego S. Garrocho, en la que intervinieron Gianni Vattimo, Ángel Gabilondo, Teresa Oñáte, Félix Duque y otras personalidades, lo que para mí fue muy emocionante. Mi relación con el Círculo se intensificó a partir de 2014: en ese año recibí la llamada de mi antecesor en el cargo, Juan Barja, para intervenir en la puesta en marcha de “SUR. Escuela de Profesiones Artísticas”, un proyecto docente fascinante (y que todavía hoy goza de una salud inmejorable) que el Círculo emprendió junto a La Fábrica. Poder concebir e impartir (junto con otros compañeros, grandes amigos) asignaturas teóricas de filosofía y arte tan novedosas y estimulantes como “Secuencias”, “Analogías” y “Recursos” fue una de las muchísimas cosas que le agradezco a Juan Barja, que siempre ha sido un referente para mí en lo intelectual y lo personal. Cuando la Junta Directiva me identificó como un posible candidato para la Dirección del Círculo, ante la inminente marcha de Juan, evidentemente sentí vértigo, pero también muchas ganas, justamente en virtud de esa relación personal tan intensa que siempre me ha ligado a esta institución. Resultar elegido, tras un largo proceso de selección, fue un auténtico honor: obtuve una excedencia en la Universidad Autónoma (donde sigo dando clase en el Máster de Filosofía de la Historia) y aquí estoy, un año después, tan ilusionado como el primer día, a pesar de que ha sido un año muy complejo.

«Resultar elegido, tras un largo proceso de selección, fue un auténtico honor»

«aquí estoy, un año después, tan ilusionado como el primer día, a pesar de que ha sido un año muy complejo»


- ¿Cuál era tu proyecto para el Círculo y qué rumbo estás dando a la institución?


El proyecto que presenté podría resumirse en tres conceptos: internacionalización, juventud e innovación. En primer lugar, considero muy importante fortalecer la presencia internacional, sobre todo en otros países de nuestro continente, del Círculo de Bellas Artes, que por cierto ostenta la condición de Casa Europa. Para ello estamos trabajando en diferentes líneas: creación de alianzas internacionales, comunicación más allá de nuestras fronteras y sobre todo petición de proyectos europeos. En segundo lugar, consideraba fundamental fortalecer el vínculo de las generaciones más jóvenes con el Círculo: por diferentes razones, hoy en día nuestra institución no ha conseguido llegar del todo a unas franjas de edad inferiores a los 35 años. Mediante una apuesta por actividades online, contenidos más ajustados a los intereses de los más jóvenes y una nueva política de comunicación, creemos estar logrando el resultado. Por último, está la apuesta por la innovación, entendida como transferencia (y no mera divulgación) de la investigación. Este eje del proyecto implica una serie de relaciones con Universidades españolas y extranjeras que ya estamos desarrollando a través de varias iniciativas. A estos tres ejes se añaden otros elementos muy importantes, de carácter transversal, como una mayor presencia de las mujeres en nuestra programación y una atención especial hacia los grandes retos de nuestro tiempo: ecologismo, feminismo, transformación digital, crisis migratoria y radicalismos de distinto tipo.

«considero muy importante fortalecer la presencia internacional, sobre todo en otros países de nuestro continente, del Círculo de Bellas Artes, que por cierto ostenta la condición de Casa Europa»


- Has participado en la gestación de CIVIS, una red de universidades europeas ¿en qué consiste y qué vínculo tiene con el Círculo?

CIVIS. A European Civic University es una de las grandes “Universidades Europeas” reconocidas por las instituciones comunitarias en los últimos años: una alianza de ocho centros de educación superior que comparten proyectos de docencia, investigación e implicación social. Creo que este tipo de alianzas, que permiten generar ámbitos de aprendizaje e investigación multilingüísticos y plurinacionales, constituyen el futuro de la Universidad y tienen mucha importancia para la construcción europea: por eso me considero afortunado por haber podido contribuir a este proyecto, liderando uno de los grupos de trabajo del consorcio desde la UAM. Por cierto, creo que iniciativas semejantes son importantísimas en el ámbito de la cultura. En pocas semanas -si la pandemia lo permite- acudiré a Berlín, a una reunión en la Akademie der Künste, para impulsar uno de estos proyectos: el Círculo se convertirá en uno de los miembros fundadores de la Alliance of Academies, red de centros culturales europeos con vocación de transformación social. Para este tipo de redes, creo que la experiencia de las “Universidades Europeas” como CIVIS será muy valiosa.

«el Círculo se convertirá en uno de los miembros fundadores de la Alliance of Academies, red de centros culturales europeos con vocación de transformación social»



- En tus tiempos de estudiante fuiste crítico con la entrada de las empresas en la universidad. Desde tu experiencia en la gestión en la Universidad Autónoma y en el Círculo ¿cómo entiendes ahora que debe ser la relación entre instituciones públicas y empresas privadas?

Ya en mi época de Vicedecano en la UAM me di cuenta de que no tiene sentido demonizar las relaciones entre investigación pública y sector privado: normalmente, en mi experiencia, los acuerdos que surgen de los acuerdos entre ambos sectores son muy provechosas para ambos. Ahora, desde el Círculo de Bellas Artes, sigo con esta convicción: de hecho, hemos impulsado diferentes acuerdos de colaboración con varias universidades, entre ellos un proyecto de Doctorado industrial con la Universidad Autónoma de Madrid: entre el CBA (en este caso, entidad privada) y la UAM (universidad pública) formaremos a una doctoranda para que investigue el concepto de “innovación crítica”, una noción crucial, hoy en día, para el ámbito artístico y humanístico. Por cierto, el Círculo en sí mismo es una extraña y exitosa mezcla de lo público y lo privado: somos una entidad privada, sin ánimo de lucro, declarada de interés público. Sólo un 7% del presupuesto procede de instituciones públicas, pero al mismo tiempo tenemos un Patronato (Ministerio de Cultura, Comunidad de Madrid y Ayuntamiento) que es fundamental para nosotros.

«el Círculo en sí mismo es una extraña y exitosa mezcla de lo público y lo privado: somos una entidad privada, sin ánimo de lucro, declarada de interés público»


- Te interesa desarrollar los conceptos de Innovación y Transferencia en relación a la Cultura y las Humanidades. ¿Crees que son términos que de los que se han apropiado la Ciencia y la Tecnología?

Desde luego. En el ámbito humanístico y cultural se tiene cierto reparo a usar conceptos como “innovación”: pero el resultado de esa resistencia (que puede tener buenas razones teóricas, no lo niego) es que ahora cuando pensamos en “innovación” solemos identificarla meramente con elementos tecnológicos o digitales. Creo que hay que “reconquistar” desde la cultura este término (así como otros: por ejemplo “creatividad” o “impacto”). Pocas cosas nos transforman e impactan más, como individuos y como sociedad, que una experiencia cultural (un libro, una película, una exposición, una conferencia). Desde la filosofía y las artes, por ejemplo, se puede no sólo contestar a una pregunta, o aplicar una teoría, sino transformar las preguntas o refutar la teoría. No hay nada más innovador que este punto de vista.

«Desde la filosofía y las artes, por ejemplo, se puede no sólo contestar a una pregunta, o aplicar una teoría, sino transformar las preguntas o refutar la teoría»



- ¿Qué adaptación está teniendo la institución a las limitaciones de la pandemia por el Covid-19?


Además de la adaptación a los nuevos aforos y demás disposiciones para lograr un disfrute de la cultura con total seguridad, algo para lo que estamos plenamente preparados de cara a la temporada 20/21, estoy especialmente orgulloso de la actividad que hemos realzado durante el confinamiento: durante esos meses hemos trasladado a un formato online nuestros ciclos de conferencias (Los Lunes Al Círculo), nuestras actividades para socios (con talleres online de diferentes disciplinas) y nuestras exposiciones (una de ellas, la de Alfonso Berridi, contó incluso con una “inauguración virtual”). En nuestra web hemos desarrollado proyectos específicos para pensar el tiempo que estamos atravesando, como el Glosario de la Pandemia. Hemos puesto a disposición de los usuarios gran cantidad de publicaciones, conciertos y eventos. Las estadísticas muestran que durante el confinamiento hemos triplicado el número de visitas a la web; además, la edad media de usuarios de la web ha disminuido en 23 años. Ambos datos sugieren que hemos conseguido captar el interés de las generaciones más jóvenes, sin perder el de las más experimentadas. Ahora, tras la reapertura, esperamos poder acoger físicamente a este público variado (con todas las medidas de seguridad) en nuestro edificio de la Calle Alcalá.

«En nuestra web hemos desarrollado proyectos específicos para pensar el tiempo que estamos atravesando, como el Glosario de la Pandemia»

«tras la reapertura, esperamos poder acoger físicamente a este público variado (con todas las medidas de seguridad) en nuestro edificio de la Calle Alcalá»


- ¿Cómo es tu tiempo libre?

Además de mi afición por los viajes, mi tiempo libre siempre ha estado ligado al disfrute de la increíble oferta cultural de Madrid: teatro, cine, exposiciones, conciertos… Desde que he asumido la dirección del Círculo, gran parte de mi ocio también se desarrolla en ese lugar: no sólo por obligación, sino también por pasión paso varias tardes a la semana disfrutando de las actividades que programamos. Estar con mi mujer y con mi hija de dos años, en todo caso, es mi forma favorita de disfrutar mi tiempo libre.


- Un deseo que te gustaría se hiciera realidad 

Puede parecer un poco “fáustico”, pero sería este: “nunca dejar de desear”.

«Puede parecer un poco “fáustico”, pero sería este: “nunca dejar de desear”

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La entrada Valerio Rocco Lozano – Director de El Círculo de Bellas Artes, Doctor y Profesor de Filosofía se publicó primero en YANMAG.

«Lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias» David Díaz Soto – Doctor en Filosofía

David Díaz Soto es Doctor en Filosofía, historiador del arte, investigador y profesor universitario. En su formación, como bien dice «se dejo la piel» y constancia de ello son los tres galardones que recibió por su carrera otorgados por el Ministerio de Educación y la Universidad Complutense. Sus estudios de posgrado le llevaron a Baltimore (EEUU) y Berlín, ciudad a la que se siente muy ligado por su impresionante actividad cultural y a la que regresa siempre que encuentra la oportunidad.

Impartir clases en tres universidades españolas le ha hecho conocedor de defectos y virtudes de los diferentes programas educativos públicos y privados. En esta entrevista nos desgrana de su trayectoria profesional, su opinión sobre la situación actual de las humanidades y de la escena cultural en Europa y Estados Unidos.

Hablar con él siempre es un placer por la precisión y rigurosidad en la que se acerca a cada tema, pero también por la calidez y cercanía que transmite a su interlocutor.

– Eres Doctor en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y también Licenciado en Geografía e Historia -rama Historia del Arte- ¿qué son para ti el Arte y la Estética y qué hizo que te decantaras por estos estudios?
Si me tomo literalmente tu pregunta, debería proponer ahora toda una definición, tanto del Arte como de la Estética. Pero hacerlo implicaría ofrecer toda una justificación teórica; y no sé si será ésta la ocasión apropiada para ello… En un plano más personal y menos pedante, diré que siempre, desde mi infancia, me fascinó el arte, o para ser más exactos, la expresión gráfica. Recuerdo, por ejemplo, que siempre que me cambiaban de colegio, o de grupo de clase, y tenía que entrar en contacto con gente nueva, inmediatamente me fijaba en la persona del grupo que destacaba por su habilidad para el dibujo, y trataba de hacerme amigo suyo. Y también intentaba emularle; pero generalmente eso era más bien para mi frustración, pues, a día de hoy, no creo haber sido agraciado por ninguna facilidad de ese tipo. Luego me llegó el interés por el cómic (en parte debido a la época: eran los inicios de los 80, y con la apertura cultural post-transición, aparecieron entonces muchas revistas especializadas, algún salón o feria dedicado al cómic, y se hacían esfuerzos mediáticos por difundir el gusto por el cómic y la historieta entre el gran público adulto, y por reivindicar su valor cultural ante las instituciones); aunque luego ese interés disminuyó por mi parte. El interés por la pintura, escultura y demás «Bellas Artes», se me despertó sólo después, ya de adolescente. Sin embargo, como ya dije, nunca estuve dotado para ninguna de ellas (muchos años después, asistí unos pocos años a una academia de dibujo y pintura bastante singular; aunque no pude sacar gran cosa, porque el planteamiento pedagógico allí era muy lento y exigente, y también muy caro para costeárselo). Para ser honestos quizá por eso llegué a plantearme cursar Historia del Arte como carrera universitaria; contra toda sensatez, pues en principio, en entorno familiar se suponía que yo estudiaría Derecho o Económicas para asegurarme un futuro estable y una vejez tranquila… En realidad, los estudios que cursé eran de Geografía e Historia, según un antiguo plan en el que sólo el cuarto y quinto año tenían una rama especializada de Historia del Arte (los tres primeros cursos se orientaban principalmente a la Historia político-diplomática generalista). Así llegué incluso a iniciar un doctorado en Historia del Arte, que luego no terminé.

«siempre, desde mi infancia, me fascinó el arte, o para ser más exactos, la expresión gráfica»

  Lo cierto es que ese primer periplo universitario me dejó insatisfecho; el interés por las artes que esos estudios promovían era de carácter «anticuario», como diría Konrad Fiedler. Cierto que pasé entonces por profesores, muy distintos entre sí, que considero que me han dejado huella; como Valeriano Bozal, Ángel González… Pero en general, aquello difícilmente respondía al tipo de inquietudes que yo tenía por las artes, a las preguntas que yo me hacía sobre ellas. Recuerdo también con desazón la desorientación que teníamos los de mi promoción de estudiantes al iniciar luego los estudios de Doctorado (era en un Departamento de Historia del Arte Contemporáneo, que entonces era el que ostentaba mayor ambición teórica entre los departamentos de Historia del Arte de la Facultad) para abordar la lectura de cualquier texto de incluso un mínimo grado de complejidad: ¡no dábamos una a derechas! (Dicho sea de paso, mi experiencia posterior como docente universitario no me indica que la presunta «revolución docente» de las pedagogías activistas implantadas por el EEES haya mejorado esto ni un ápice; lamento contrariar a los militantes del activismo pedagógico). Mi decisión de embarcarme en una segunda licenciatura en Filosofía fue en parte «reactiva»: fue por reacción a mi insatisfacción con mis estudios precedentes. Lo que yo buscaba, tenía que ir a encontrarlo en otro sitio.

«Mi decisión de embarcarme en una segunda licenciatura en Filosofía fue en parte «reactiva»:  fue por reacción a mi insatisfacción con mis estudios precedentes. Lo que yo buscaba, tenía que ir a encontrarlo en otro sitio»

  Fue así como inicié mi segunda andadura  universitaria de los estudios en Filosofía, ya con algo más de madurez y conocimiento de causa (y haciendo las cosas mejor, creo yo…). En principio, pensaba que de ese modo tendría ocasión de profundizar en la Estética. Pero luego no resultó así; al menos no durante el período de licenciatura, pues en la Facultad de Filosofía de la Complutense la orientación principal no es hacia ese área científica, sino que son otras las que predominan, digamos, más «clásicas»: Metafísica, Epistemología, Lógica (a diferencia, por ejemplo, del Departamento de Filosofía de la Autónoma de Madrid, donde precisamente hacia fines de los años 90 se decidió expandir el área de Estética…). Pero no importa; porque eso me dio, en cambio, la ocasión de descubrir muchas otras cosas, incluso ciertos intereses míos que yo mismo no sospechaba que pudiera tener. Así que, pese a todo, aquello fue para mí una experiencia intelectualmente apasionante. Y también algo agotadora, pues por entonces ya había comenzado el baile de San Vito de los cambios en los planes de estudios que hoy seguimos padeciendo, y éstos tenían ya una considerable hipertrofia de carga lectiva (aunque haya quien afirma taxativamente que los estudios en la Universidad española anterior al EEES eran una especie de paraíso de pasividad para vagos; de ningún modo era así, doy fe de ello). Luego, en los estudios de Doctorado que nuevamente inicié, sí tuve ya vía libre para dirigir mi atención a la Estética, aunque muy por mi cuenta y riesgo. En particular, me centré en cuestiones relativas a los fundamentos metodológicos de la Historia del Arte, vinculadas a los orígenes de una corriente en Teoría del Arte llamada «Formalismo»; pero también ligadas a la proto-historia de la Fenomenología austríaca y alemana, del Gestaltismo, y a otras cuestiones en las que no creo oportuno entrar ahora.

«eso me dio, en cambio, la ocasión de descubrir muchas otras cosas, incluso ciertos intereses míos que yo mismo no sospechaba que pudiera tener. Así que, pese a todo, para mí una experiencia intelectualmente apasionante»

  Ahora bien, por intentar responder propiamente a tu pregunta (no vaya nadie a pensar que pretendo escurrir el bulto), aunque sea a título provisional y de modo algo precario, propondría lo siguiente. De la Estética, diría que se ha entendido de tres maneras principales: 1) como reflexión filosófica sobre la Belleza (más tarde, cuando pasa a concebirse la belleza en términos subjetivos, como categoría estética, esa reflexión se extiende a las demás categorías estéticas, sean de valencia positiva o negativa: lo sublime, lo feo, lo abyecto…); 2) como Filosofía del Arte, es decir, como reflexión teórica sobre ciertos productos culturales que tienen rasgos (siempre objeto de debate) que permiten caracterizarlos como «artísticos»; 3) como reflexión sobre la experiencia sensible, o más exactamente, sensorial (la que acontece a través de los sentidos; ya que respecto a la componente de reacción afectiva o emotiva, sería la primera acepción de la disciplina, en una concepción «subjetivizada» y típicamente moderna, la que tendería a tematizarla), lo cual respondería a la etimología del término aisthesis. A mí me interesan sobre todo las dos últimas concepciones. Pero estas tres maneras de entenderla no son las únicas, pues «Estética», como presunto nombre de una disciplina, es un término cargado de ambigüedad. Y sobre el Arte, tomado así en términos tan genéricos… sería realmente difícil pretender entrar ahora a definir el concepto: esa es nada menos que la pregunta fundamental de la Estética entendida como una Filosofía del Arte. Digamos que «arte» son una serie de productos culturales humanos, que tienen rasgos considerados «artísticos» y/o se presentan en contextos institucionales artísticos (con esto último no pretendo para nada suscribir la llamada «teoría institucional del arte, que prácticamente viene a identificar el arte con las instituciones sociales de carácter artístico; pero sí creo imprescindible recoger este aspecto en la caracterización). Los rasgos que se cuentan como «artísticos» son muy diversos, y no todos se encuentran siempre reunidos en todo objeto artístico: por ejemplo, el suscitar en el sujeto que lo contempla cierto tipo de placer (o más bien, varios tipos de placeres, vinculados a las «categorías estéticas» arriba aludidas, empezando por el «placer estético» que suscita lo bello); o el expresar los sentimientos del autor, la forma de pensar de su época, etc; o el transmitir contenidos de valor ético universales (esto sería difícilmente aplicable al arte moderno) o ideas (esto sería muy típico de cierta neo-vanguardia contemporánea); o el carecer de una funcionalidad práctica o social clara (aquello de la «finalidad sin fin» kantiana, que difícilmente puede aplicarse, por ejemplo, al arte medieval, o al arte del diseño industrial funcionalista); o el resultar original, innovador, o romper expectativas previas (esto es específico del arte moderno); o el elevar el grado de conciencia del sujeto e instarle a la crítica de la realidad dada; o simplemente, el proponer una experiencia sensorial que construye y explora un mundo de cualidades sensibles. Y tal vez estos no sean todos los rasgos posibles…

– También tienes formación profesional en música, tanto en clásica como en jazz. ¿qué te ha aportado esta formación a tus estudios de estética?
Pues como periplo académico de formación reglada, en ese preciso sentido me aportó poca cosa: fue decepcionante… (Como ves, la historia de mis estudios académicos, tanto universitarios como no-universitarios, en general, es más bien la de un desencuentro con la Estética). Mis clases de Estética y de Historia de la Música en los estudios de música se redujeron a que un simpático profesor de Percusión se sentaba en una silla, abría (según el caso) los manuales de Fubini o de Jay Grout, y nos leía la parte del texto que tenía ahí subrayada. Luego los alumnos entregábamos semanalmente nuestros propios resúmenes de esos mismos libros (¿»métodos de pedagogía activa…»?), y así se nos evaluaba y calificaba. No parece que el intento de aplicar los postulados del EEES a la educación musical en España ha mejorado esto posteriormente: por lo que sé, ahora, en ciertos conservatorios, las clases de Estética Musical consisten en la proyección de vídeos, sobre los cuales luego los estudiantes y el profesor debaten ad libitum. lo cual no creo que les lleve a ninguna parte. Colmaría todas mis aspiraciones el poder intervenir yo mismo en esta situación, ejerciendo como docente de esa asignatura en conservatorios. Pero por desgracia, eso es imposible: terminé el Grado Medio de música y obtuve este título, pero nunca llegué a obtener el título de Grado Superior; con lo cual, según la normativa actual, tengo entendido que no se me consideraría apto para presentarme a concursos de plazas de ese tipo. Después de haber practicado cuatro, cinco, seis y hasta ocho horas diarias de instrumento durante varios años de mi vida… Oficialmente, por lo que se ve, yo «no sé música». O, lo que me resulta casi más ofensivo, soy un mero «bachiller musical» (esta designación considero que es malintencionada por parte de las autoridades educativas, o de quien sea que, en su momento, la puso en circulación).

Cosa muy distinta es lo que me han aportado mis estudios de música, y en general, mi relación con la música, para mi comprensión de las artes y de la Estética. La experiencia directa de la práctica de un instrumento; la práctica de la escritura musical en diversos formatos, armónico-melódica, o a varias voces; la mera experiencia de escuchar acordes, identificarlos y probar a combinarlos; o el análisis auditivo de piezas musicales: todo ello me ha traído a conciencia que las artes, ya sea en la creación o en la recepción, implican siempre profundamente la dimensión sensorial. También me ha hecho consciente de la importancia de los procesos creativos específicos de cada disciplina artística, que son distintos en cada una de ellas. Todo eso puede parecer obvio, pero no siempre nos percatamos de ello (también hay quienes lo niegan, o lo toman como objetivo crítico-polémico; me refiero a los artistas conceptuales). Es una experiencia que difícilmente pueden reemplazar quienes se acercan a la Estética desde una perspectiva, digamos, libresca e intelectual, o quienes sí llegan a ella desde un interés cultural por las artes, pero sin haber practicado nunca ninguna de éstas (como suele ser el caso de quienes han cursado estudios de Historia del Arte: en general, en los planes de estudio que han realizado no suele haber nada que disponga la experiencia de una relación práctica semejante con ninguna disciplina artística concreta; es más, tampoco parece que a nadie le llame la demasiado la atención esta ausencia…). Y la relación que uno tiene con la disciplina de la Estética cuando hay de por medio alguna experiencia de ese tipo, obviamente, no pude ser la misma. Creo que lo ideal sería tener uno mismo experiencia propia en la práctica de aquellas artes de las que uno se ocupa desde la perspectiva teórica; yo, personalmente, sin eso, me siento un poco diletante. Hubiera querido procurarme una formación en dibujo, y también una en cine y vídeo, y de hecho, intenté hacerlo con ambas; pero circunstancias personales me lo impidieron. Por eso, de todas las artes, es la música la que me resulta más cercana.

«me ha hecho consciente de la importancia de los procesos creativos específicos de cada disciplina artística, que son distintos en cada una de ellas. Todo eso puede parecer obvio, pero no siempre nos percatamos de ello (…) Es una experiencia que difícilmente pueden reemplazar quienes se acercan a la Estética desde una perspectiva, digamos, libresca e intelectual, o quienes sí llegan a ella desde un interés cultural por las artes, pero sin haber practicado nunca ninguna de éstas»

– Durante tu carrera te han otorgado tres importantes premios: el Primer Premio Nacional de Licenciatura del Ministerio de Educación (especialidad de Filosofía), el Premio Especial de Licenciatura de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense (2003) y el Premio Especial de Doctorado en Filosofía de la Universidad Complutense (2008-2009) ¿qué han supuesto para ti estos reconocimientos?
Bien, pues en honor a la verdad, fue bastante gratificante. No sé si yo habré sido el más inteligente, el más brillante o el más creativo de mi promoción, ni de mi generación. No puedo atreverme a afirmar ninguna cosa semejante. Antes bien, recuerdo a compañeros  míos de estudios muy brillantes, pero que por las circunstancias que fueran (ya sea porque en su familia había problemas, o atravesaban ellos mismos problemas personales; o porque no tenían dinero y se tenían que costear sus estudios  trabajando en un horario laboral inhumano; o porque compartían piso con un montón de gente o vivían en una residencia muy ruidosa y no tenían dónde poder concentrarse tranquilamente…) hicieron sus estudios malamente como pudieron; y algunos, incluso, ni siquiera los terminaron, sino que abandonaron por el camino. Pero el hecho es que, como estudiante, me dejé la piel en mis estudios de Filosofía; y a todos nos gusta que nos reconozcan nuestro esfuerzo. Luego, además, a veces haber recibido esas distinciones me ha ayudado para mi vida profesional. Aunque tal vez menos que lo que se podría imaginar; y a la hora de abrirse camino en el mundo universitario, son otro tipo de cosas las que más cuentan…

«el hecho es que, como estudiante, me dejé la piel en mis estudios de Filosofía; y a todos nos gusta que nos reconozcan nuestro esfuerzo»

– Has sido profesor en diferentes universidades españolas, como la Universidad Europea de Madrid, la Universidad de Extremadura o la Universidad de La Rioja, ¿cómo es la relación con tus alumnos y qué buscas transmitir en cada clase?
Son tres universidades muy diferentes, sobre todo la Europea de Madrid (ya que ésta es un centro privado, mientras que las otras dos son públicas); además, inicié mi andadura profesional en ellas en una época en que la institución universitaria experimentaba fuertes y rápidos cambios, en España y en toda Europa; así que, como es lógico, la experiencia y la relación con los alumnos fue muy distinta en cada caso. En Extremadura, trabajé en un Departamento de Historia del Arte y Geografía; los nuevos Grados del EEES todavía estaban empezando, y aún quedaban licenciaturas antiguas en marcha. Todos, profesores y alumnos, teníamos muchas incógnitas respecto a cómo las novedades se iban a poner en práctica, había un poco de desconcierto… En general, encontré allí una audiencia receptiva y también comprensiva y tolerante hacia mi poca experiencia (además de ser mi primera docencia, impartí allí asignaturas que yo mismo jamás había cursado en mi itinerario universitario, pues no existían entonces como tales). La Europea de Madrid es muy distinta; allí la relación alumnos-profesor tiene algo de… cómo decirlo, de «colegial»; no hay más que ver el Plan de Acción Tutorial en que involucran a sus docentes, donde éstos tienen que rendir cuentas ante los padres de los alumnos. Cuando empecé a trabajar allí, el centro había cambiado de propietarios no hacía mucho tiempo; a las (pocas) asignaturas de filosofía que allí se impartían, se le había dado una orientación distinta (a modo de barniz humanístico para un centro ya totalmente orientado a producir titulados en carreras de las denominadas «profesionalizantes»); y en el momento en que yo llegué, se notaba que tenían muy poco claro qué querían hacer con esas asignaturas, lo cual no facilitaba nada mi tarea. Mi materia tenía poco peso en la Facultad donde la impartí, que no era de carácter humanístico para nada, y mi audiencia era muy poco receptiva. Les interesaba poco el contenido de mi asignatura (la veían como un cuerpo extraño a su plan de estudios), y en general, todo lo que tuviera que ver con las Humanidades, o que no tuviese una relación obvia y directa con su carrera, su profesionalización, su empleabilidad. Además, estaban acostumbrados a obtener notas altas con cierta facilidad, y se irritaban mucho si eso no sucedía. Posteriormente, en la Universidad de la Rioja (me refiero a la pública; no he trabajado nunca en la UNIR, que es privada), mi área científica se incluía en un departamento de carácter muy interdisciplinar. Un departamento donde, respondiendo a las dimensiones modestas de la Universidad, se había concentrado a muchas áreas de disciplinas humanísticas, pero en realidad muy diversas entre sí; y eso en cierto sentido tenía ventajas. Pero también me planteó dificultades, pues tenía que impartir clase a cuatro o cinco titulaciones distintas y, según el credo de los ideólogos del EEES en España, supuestamente debía adaptar mi asignatura a los intereses profesionales e intelectuales propios de mis estudiantes. Lo cual es bien difícil con titulaciones tan dispares, más aún si encima los alumnos están concentrados en grupos masivos donde se entremezclan estudiantes de todas esas titulaciones; y no digamos ya si a los estudiantes se les adoctrina en la idea falsamente «profesionalista» de que lo que no sirva claramente para el futuro profesional correspondiente a su titulación está de sobra (con independencia de que, a la hora de la verdad, se diseñen los planes de estudio conforme a ello o no se haga así; y sin entrar en la cuestión de si es deseable o siquiera posible mantener esa idea). Con lo cual, los estudiantes a veces traen expectativas previas que no les hacen nada receptivos.

«a los estudiantes se les adoctrina en la idea falsamente «profesionalista» de que lo que no sirva claramente para el futuro profesional correspondiente a su titulación está de sobra (…) Con lo cual, los estudiantes a veces traen expectativas previas que no les hacen nada receptivos»

  Yo por mi parte, y con independencia de la situación, lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; la aventura intelectual que implican incluso los desarrollos conceptuales aparentemente más abstractos y abstrusos; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias. Y lo he intentado transmitir siempre en y a través de los propios contenidos de mi asignatura; porque de éstos es de lo que se trata (es decir, que soy lo que los pedagogos actuales llaman, con desdén, un «esencialista pedagógico»). Y no a pesar, en contra de, o indiferentemente a dichos contenidos, como parecen estar empeñados en pensar los teóricos de la «revolución pedagógica» del EEES, que parecen creer que los contenidos y su transmisión son lo de menos, dado que, según ellos, supuestamente andan flotando por ahí en alguna nube del espacio virtual, fácilmente accesibles ya de antemano para cualquiera en el ciberespacio. Ellos presuponen que esos contenidos, tomados en sí mismos, carecen de capacidad para suscitar ningún interés, y que, por tanto, la tarea de la enseñanza consiste en utilizar alguna artimaña metodológica, sazonada con ingredientes tecnológicos, para intentar atraer a los alumnos, a su pesar, hacia esos supuestamente antipáticos contenidos (y por ello, afirman que todo aquél docente que no emplee tales tácticas anda repitiendo lo mismo que ya hacían los copistas de los monasterios medievales o los Dozenten de las universidades alemanas de inicios del XIX en sus Vorlesungen, leídas literalmente de un papel de cabo a rabo; con lo que su docencia resultaría superflua, además ser él mismo un mal profesional, carente de ética).

«lo que he intentado siempre transmitir a los alumnos es lo apasionante que puede ser mi materia; la aventura intelectual que implican incluso los desarrollos conceptuales aparentemente más abstractos y abstrusos; el hallazgo que se oculta tras nociones aparentemente obvias»

– ¿Qué consecuencias crees que tiene para la sociedad la sucesiva eliminación de las humanidades en el sistema de educación pública?
Pues ¡qué quieres que te diga!; evidentemente, creo que tiene consecuencias nefastas. Creo que el tópico de que un pueblo más ignorante es también un pueblo más manipulable, no por ser tópico es menos verdadero (aunque por otra parte, también soy escéptico hacia la presunción de que el conocimiento sea suficiente para hacernos libres, o de que el saber histórico vacune contra los errores cometidos en el pasado: baste mirar los movimientos neonazis en Alemania y Austria, donde, más que menos, llevan desde la post-guerra machacados por el peso de su propio pasado, intentando rumiarlo). Esta eliminación de las disciplinas de Humanidades es un corolario del modo de pensar que se ha hecho dominante hace tiempo, y que algunos vinculan con el neo-liberalismo económico: lo que no rinda dividendos, es perjudicial para la sociedad y no tiene razón de ser, de modo que es un lujo costoso o una veleidad perjudicial, y debe desaparecer. En el caso particular de la Filosofía, este modo de pensar se ha convertido en una verdadera campaña de descrédito a nivel social, político e institucional («¿Pero a qué es a lo se dedican esos señores, los profesores de Filosofía, y para qué sirven?»), que me temo ha arraigado en amplios sectores de la opinión pública. Y esto no se arregla con buscarle a la Filosofía una especie de justificación a tono con las exigencias del momento. Es precisamente así como se ha «patrimonializado» la Historia del Arte, llevándola a los terrenos propios de los estudios de Turismo y Gestión Cultural. Y así se ha querido también justificar la persistencia residual de la Filosofía a nivel institucional y educativo, sosteniendo que su importancia consiste en que «inculca valores» o en que «sirve para fomentar el pensamiento crítico» (lo cual implica una preconcepción muy particular, más bien chata y bastante interesada, de qué son los «valores» y en qué consiste el «pensamiento crítico»). Todo eso no son más que cuentos de caminos: la Filosofía no consiste en ninguna de esas dos cosas. Cuestión distinta es que ahora interese reciclar a unos señores que parecen haber quedado sin función útil, para que desempeñen estos roles. También es cierto que la Filosofía (si uno no entiende por tal cualquier cosa; a diferencia de cuando se usa «filosofía» como sinónimo de la noción más vaga de «pensamiento», por ejemplo, al hablar de «pensamiento oriental», «pensamiento maya», etc., donde se está hablando de algo distinto…) es una formación cultural y discursiva muy particular, que no siempre ha existido, ni necesariamente continuará existiendo siempre. La filosofía es algo que surgió y se desarrolló en unas condiciones materiales y culturales peculiares, que la hicieron posible; esas condiciones podrían estar desapareciendo ahora, y con ellas, bien podría desaparecer la Filosofía.

«Esta eliminación de las disciplinas de Humanidades es un corolario del modo de pensar que se ha hecho dominante hace tiempo, y que algunos vinculan con el neo-liberalismo económico: lo que no rinda dividendos, es perjudicial para la sociedad y no tiene razón de ser, de modo que es un lujo costoso o una veleidad perjudicial, y debe desaparecer. En el caso particular de la Filosofía, este modo de pensar se ha convertido en una verdadera campaña de descrédito a nivel social, político e institucional»

– Perteneces al comité editorial de la Revista de Filosofía Bajo Palabra desde 2009, ¿cómo se orienta la revista y a qué público va dirigida? ¿falta difusión de la filosofía para público no especializado?
La Revista Bajo Palabra surgió como iniciativa de un grupo de estudiantes, mayormente de la Universidad Autónoma de Madrid, que eventualmente se constituyeron en la Asociación a la que está vinculada la Revista. Ésta tomo así un carácter más formal, en su Segunda Época, y se convirtió en una revista propiamente académica, que cumple todos los requisitos formales de rigor que hoy se exigen a este tipo de publicaciones, y que poco a poco está consiguiendo establecerse en los índices internacionales de calidad de revistas científicas; en buena parte gracias al esfuerzo de Delia Manzanero, que hoy continúa dirigiéndola, y de los colaboradores del equipo editorial, entre los que me cuento. Su  temática es principalmente filosófica, con alcance general, por lo que acoge aportaciones de todas las disciplinas de la Filosofía, y de todas las corrientes (tanto las «analíticas» como las «continentales», si se quiere usar esta distinción); y así, el índice de contenidos cambia mucho de un número a otro. Pero además, desde el comienzo ha tenido una vocación interdisciplinar, de modo que ha acogido también trabajos sobre diversos campos de Ciencias Sociales y Humanidades; la única condición es que tengan un enfoque de cierto calado teórico, y que cumplan unos estándares de calidad exigidos. Cierto es que también refleja las diversas inquietudes de los que estamos vinculados a su equipo editorial: Delia Manzanero, por ejemplo, es especialista en Filosofía Jurídica, y otros miembros trabajan temas de Pensamiento Español; de modo que tienen muchos contactos en esas áreas científicas, por lo que recibimos muchas propuestas de publicaciones sobre esos temas. Yo, por mi parte, a veces he elaborado y publicado ahí traducciones de trabajos de temática estética de autores que, por su calidad, creí que merecía la pena acercar a los lectores de lengua española. En cuanto al lector al que nos dirigimos, es un lector de intereses amplios y diversos; aunque hay que decir que se dirige a un público académico o universitario, más bien que al gran público general, ya que no es una revista de divulgación, ni una revista cultural de tipo general, «de quiosco», sino una revista científica, ligada al medio universitario.

En cuanto a las publicaciones divulgativas sobre filosofía para el público general, como haberlas, sí que las hay, pero lo poco que conozco de ellas no es muy esperanzador. En general, parecen traslucir una especie de confusión entre filosofía y temas paranormales, o misticismos orientales mal asimilados por un público occidental, o una indebida identificación de la filosofía con cierto tipo de idearios «humanistas» de implicaciones ideológicas muy particulares.

«La Revista Bajo Palabra (…) desde el comienzo ha tenido una vocación interdisciplinar, de modo que ha acogido también trabajos sobre diversos campos de Ciencias Sociales y Humanidades»

– Obtuviste una beca para estudiar en la Johns Hopkins University de Baltimore (Maryland, U.S.A) durante 9 meses, ¿cómo fue para ti esta experiencia?
Fue una experiencia muy peculiar: difícil al principio, pues Baltimore es una ciudad «dura», oscura, de fuertes contrastes sociales, conflictos raciales y cierta peligrosidad (en tiempos, encabezó el ranking de las ciudades más peligrosas de EE.UU., hasta que otras le arrebataron el dudoso privilegio). Y eso se notaba: había una cierta hostilidad ambiental… También me chocó la ritualidad del medio académico anglosajón en las relaciones con los profesores, las diferencias jerárquicas entre los alumnos de diversos niveles (donde sería difícil ver a un graduate student conversando de tú a tú con un undegrad, o a un sophomore perdiendo el tiempo con un novato; cada cual a lo que aspira, en todo caso, es a intentar relacionarse con el nivel jerárquico superior, con vistas a entrar en él…). Son cosas que entonces en la universidad española no había (me temo que también aquí el EEES ha contribuido a introducir algo parecido). Pero tenía que ir allí: mi tesis la escribí sobre un historiador y crítico que es uno de los más egregios profesores de la Johns Hopkins University de Baltimore; así que estando allá, pude conocerle en persona y verle en acción, y eso me vino muy bien. También en el lado positivo, las bibliotecas de allá tienen un equipamiento que está a años luz de avanzado; era realmente confortable trabajar en ellas, y yo pasaba mis días ahí metido. Al ladito del campus de Hopkins estaba el Museo de Bellas Artes de Baltimore, con la impresionante colección de Matisse de las hermanas Cone. También encontré interesante la escena musical de la ciudad (donde está el Peabody Conservatory, uno de los mejores del país, además de varias universidades públicas y privadas con sus programas de estudios de música, y eso se nota…). Había un sitio llamado An die Musik, con un programa de conciertos de jazz a la altura de muchos festivales europeos, incluyendo propuestas arriesgadas y de vanguardia; un auditorio con una orquesta sinfónica excelente, y conciertos a precios asequibles para estudiantes; un teatro de ópera… Hay allí una escena importante de música experimental y de libre improvisación, en torno a una asociación que tiene un local (la «Red Room») en la trastienda de una librería, y que organiza un importantísimo festival internacional anual. Y los legendarios estudios de grabación Orion, que ofrecen conciertos de rock progresivo y de vanguardia internacional, con la presencia del sello Cuneiform Records, que tiene su sede cerca, así que se veía al director del sello por ahí a menudo. En cambio, me llamó la atención el desconocimiento que reina allí de la música clásica de vanguardia europea: pocos saben quién es Helmut Lachenmann, y a Pierre Boulez sólo lo conocen como director de orquesta; te hablo de gente universitaria, con inquietudes, que en cambio, suelen tener gran familiaridad con el cine de vanguardia, la performance, el arte europeo reciente, o el jazz de vanguardia americano; así que no es por mera falta de interés personal por lo que desconocen otras cosas. Allí esa música hoy día apenas se interpreta; no es extraño que la gente no la conozca.

«me chocó la ritualidad del medio académico anglosajón en las relaciones con los profesores, las diferencias jerárquicas entre los alumnos de diversos niveles»

– Viajas con frecuencia a Berlín, ciudad en la que también has vivido por una estancia post-doctoral en el Kunsthistorisches Institut de la Freie Universität ¿qué significa para ti esta ciudad y qué te aporta?
Berlín es una ciudad muy importante para mí. Académicamente, para cuando obtuve la beca que me hizo posible la estancia, ya era un poco tarde: la gente que había estado allí investigando sobre el tema de mi interés (mayormente vinculados a un grupo de investigación francés, con un proyecto internacional financiado) habían terminado ya su período de trabajo y se habían ido. No obstante, yo me dediqué a lo mío: aproveché los fondos de la biblioteca de la Universidad Humboldt, que por su antigüedad posee colecciones completas de fondo antiguo de los autores y temas que yo trabajo. También aproveché para frecuentar algunos seminarios que me interesaron y les saqué partido. Más allá de lo académico, la importancia de Berlín para el mercado internacional de las artes plásticas es conocida desde los años 90; pero quizá no todo el mundo sea consciente del enorme centro para las artes escénicas que es esa ciudad: cuatro teatros de ópera, varios teatros dedicados a ofrecer un programa internacional de avanzada (además del teatro contemporáneo típico que se hace allí, que a mí me decepciona un poco, pues me parece algo narcisista, chillón y presa de ciertos manierismos), diversos festivales… Sobre todo, tuve la oportunidad única de descubrir la impresionante escena de música experimental berlinesa, que algunos llaman Echtzeitmusik (aunque muchos de sus miembros negarán que exista una tal «escena», por temor a que les encasillen; pues en efecto, no se trata de ninguna corriente estilística en particular, sino que es una comunidad de artistas vinculados por intereses compartidos, dentro de la cual reina la mayor pluralidad). Que nadie se confunda: no se trata de la conocida escena del Techno berlinés, que nada tiene que ver; aunque algunos artistas muy conocidos de esa otra escena sí tienen vínculos con la comunidad de la Echtzeitmusik, como también lo tienen algunas conocidas figuras del Free-Jazz berlinés, que, de nuevo, es otra cosa muy distinta. Un aspecto muy señalado de esa escena es el liderazgo femenino; muchas de las figuras más renombradas son mujeres; a diferencia, por ejemplo, de la escena del jazz de vanguardia, que sigue dominada en general por figuras masculinas. Yo creo que he conocido esa escena quizá en uno de sus últimos momentos de expansión y esplendor, porque las condiciones de vida en Berlín están cambiando, y es posible que en poco tiempo esa escena desaparezca, o que tenga que trasladarse a otro lugar.

«tuve la oportunidad única de descubrir la impresionante escena de música experimental berlinesa. (…) Yo creo que he conocido esa escena quizá en uno de sus últimos momentos de expansión y esplendor, porque las condiciones de vida en Berlín están cambiando, y es posible que en poco tiempo esa escena desaparezca, o que tenga que trasladarse a otro lugar.»

– Habiendo asistiendo a la vida cultural en todas sus manifestaciones -arte contemporáneo, música, artes escénicas- de cada país en el que has estado, ¿cómo es tu visión de la escena internacional en las artes?
Pues eso depende. Depende, sobre todo, de qué disciplina o práctica artística hablemos. Es un panorama muy complejo y también muy variado; aunque, dentro de esa variedad, es casi obvio que hay dos niveles: un nivel de lo mainstream, de las tendencias predominantes, que a través de una fuerte presencia en la escena y un acaparamiento de los medios de difusión y de los canales comerciales y oficiales, ocupan casi totalmente los gustos y preferencias del público mayoritario. Dentro de esto, hay ámbitos (como el de la música o el del cine) donde el mainstream se compone mayormente de producciones industriales, de carácter y finalidad claramente comercial, realizadas siguiendo unas claras líneas de marketing.; mientras que en otras prácticas artísticas, incluso en el mainstream,  este carácter comercial de masas, sin que por ello deje de existir en cierto modo, no es tan obvio. Y junto al anterior nivel del mainstream, hay otro nivel de lo independiente, underground o como se lo prefiera llamar, que se desarrolla de forma mucho menos visible, con poco o casi ningún apoyo mediático e institucional, escaso impacto comercial, y que es prácticamente desconocido para los grandes públicos (téngase en cuenta, para evitar equívocos, que esta contraposición mainstream/underground no coincide con la ya trasnochada contraposición entre popular culture (o midbrow) y high culture, aunque pueda parecerse a ella). Creo que, a grandes rasgos, las cosas vienen a funcionar de este modo para el conjunto del arte actual desde hace ya muchas décadas. Pero sería necesario matizar y distinguir, porque en cada práctica o disciplina artística las cosas funcionan de un modo algo distinto.

– Y en particular ¿cuál es en tu opinión sobre el estado del arte contemporáneo actual?
En las llamadas artes visuales o plásticas, en general veo una escena muy sometida a las presiones del mercado internacional del arte, al mandato de las grandes bienales y de los comisarios de exposición estrella y de las instituciones artísticas, y a ciertos discursos teóricos imperantes, muy oficiales y oficiosos, por más que a veces se pretendan «críticos» (no es de extrañar que una variante de arte conceptual, el de «crítica institucional», sea tan preponderante: es el tipo de arte que puede entusiasmar a comisarios y conservadores de museos). Es una escena muy intelectualizada, pero al mismo tiempo bastante comercializada, porque aquí el mercado del arte es un factor determinante; una escena donde hay mucha pose y mucho divismo, en parte porque es imprescindible para los artistas nuevos desarrollar esas habilidades para llamar la atención en el mercado artístico internacional. Pero, como decía antes, junto a la escena mainstream hay también otra escena menos domesticada, donde puede haber más honestidad artística, con independencia de que la calidad mayor o menor de lo que en cada artista y caso particular se presenta.

«veo una escena muy sometida a las presiones del mercado internacional del arte, al mandato de las grandes bienales y de los comisarios de exposición estrella y de las instituciones artísticas, y a ciertos discursos teóricos imperantes, muy oficiales y oficiosos, por más que a veces se pretendan «críticos» (no es de extrañar que una variante de arte conceptual, el de «crítica institucional», sea tan preponderante: es el tipo de arte que puede entusiasmar a comisarios y conservadores de museos).»

«junto a la escena mainstream hay también otra escena menos domesticada, donde puede haber más honestidad artística, con independencia de que la calidad mayor o menor de lo que en cada artista y caso particular se presenta.»

– Hablas y escribes con fluidez en cuatro idiomas: inglés, francés, alemán e italiano ¿se transforma el pensamiento con cada lengua?
Bueno… hablo y escribo con mayor fluidez en unos idiomas que en otros, dependiendo de si he estado recientemente en el país en cuestión, o si estoy realizando algún curso de mantenimiento, etc. El caso es que sí: hay ideas que son muy sencillas de formular en un idioma y para decir eso mismo en otro hace falta dar muchos más rodeos, o no existe una expresión que corresponda exactamente, y es necesario tirar de paráfrasis. Y desde luego, salvo para quienes son bilingües de nacimiento o desde la infancia, o casi, pensar en la lengua nativa se hace con mayor fluidez y naturalidad. Con las lenguas aprendidas, hay que lidiar y luchar con/contra ellas; y cuando deja de ocurrir así, supongo que es señal de que uno se ha vuelto bilingüe. Al menos esta es la impresión que yo tengo, aunque no es algo que a mí me haya sucedido todavía (es decir, que no soy bilingüe en ninguna de las lenguas extranjeras que he aprendido).

– Has realizado servicios de traducción alemán-español para el Goethe Institut Madrid, la Fundación Oteiza de la Universidad Pública de Navarra, y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid ¿se siente un peso extra de responsabilidad al trabajar con estas instituciones?
Pues sí; pero no ya solamente por el hecho de que sean las instituciones que son, sino porque es un trabajo que, si luego se va a publicar y muchos lo van a ver, leer, consultar, o van a tener que usarlo para desempeñar su propio trabajo (como sucede, por ejemplo, con el texto de un catálogo de exposición o con un artículo de revista científica que uno ha traducido), va a ponerse en juego tu capacidad, va a estar a la vista de todos para ser juzgada (inclusive a la vista de lectores muy exigentes), y hay quien va a depender de que sepas hacer bien tu trabajo para poder hacer bien el suyo. Esto lo he tenido también presente cuando he traducido textos por iniciativa personal para la propia revista que yo codirijo, que no tiene quizá la envergadura institucional del Museo Thyssen ni del Goethe Institut, y que yo mismo tuve la iniciativa de traducir sin que nadie me remunerase por ello (ya que, al igual que la labor de realizar la propia revista, se trata de ofrecer un servicio a la comunidad académica, por el que no cobra un duro ninguno de los implicados).

«hay quien va a depender de que sepas hacer bien tu trabajo para poder hacer bien el suyo»

– Los conciertos, las artes escénicas, el cine y las exposiciones copan todo tu tiempo libre, ¿cómo eliges qué ver en cada momento? ¿cuáles son los artistas de referencia para ti en este momento?
Bueno, tengo prioridades, naturalmente. Puesto que, por diversas razones, me siento especialmente comprometido con la música, y dentro de ella, con la música de vanguardia (si aceptamos ese término), pues eso es lo que va en primer lugar. Ya te hablé antes de mi experiencia berlinesa; no es extraño que algunos de los artistas que más aprecio ahora sean de allá, como Andrea Neumann, Christian Kesten, Thomas Ankersmith, Brian Eubanks o Lucio Capece (estos dos últimos vienen de fuera, pero están establecidos allí); también en Berlín hay otra serie de proyectos interesantes, con músicos como Kalle Kalima, Tony Buck, Markus Pessonen, etc. Peter Ablinger es un compositor austríaco, que a veces me resulta muy interesante. Un grupo de rock que he visto repetidas veces y me ha causado impresión es Secret Chiefs III; también me impresionaron Zu, Meshuggah y Dillinger Escape Plan, así como varios grupos franceses como Poil o Ni, algunos de los cuales están vinculados al sello Dur et Doux. He solido seguir las coreografías que han ido estrenando Sasha Waltz o Toula Limnaios, por ejemplo. En teatro, Krystian Lupa, que murió hace poco, era uno de los directores de escena más interesantes de la actualidad; también me sorprendió lo que he visto del Natural Theatre of Oklahoma, del Vivarium Theatre de Philippe Quesne, o de Teatr Zar, tres compañías muy actuales, aunque no podrían estar estéticamente más en las antípodas unas de otras. Recientemente vi un montaje de Blick Theatre (una compañía francesa, de Toulouse) y me pareció formidable. Esto, sólo por mencionar unos pocos nombres que me vienen ahora un poco al acaso; porque tu pregunta es un poco enorme; no me siento capaz de sintetizar el liderazgo creativo actual en las escenas de todas las prácticas artísticas con una lista de unos pocos nombres. Quizá me falte perspectiva; o quizá sea hoy más difícil que en otras épocas lograr tenerla, porque hay mucho de todo, tanto cosas relevantes como irrelevantes, y es casi imposible asimilarlo todo.

«me siento especialmente comprometido con la música, y dentro de ella, con la música de vanguardia»

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?
No sé; últimamente hay gente intentando persuadirme de que me meta a organizador de algún ciclo de conciertos de música de vanguardia en la ciudad en que vivo actualmente. Tal vez lo hiciera si se dieran la ocasión y las circunstancias. Pero hoy por hoy no termino de verlo claro; y además, me falta experiencia como organizador, tarea que imagino bastante compleja. Tengo cierta experiencia de tipo algo similar, participando como organizador de algún congreso académico; por eso, sé que es una labor difícil, que es necesario hacer en equipo, contando con otras personas que tengan un saber hacer o habilidades en los otros aspectos más «técnicos» (de coordinación, de gestión económica, etc.), que a mí me son totalmente ajenos. He conocido a muchos que se han metido a organizadores vocacionalmente, y han terminado frustrados, estropeando su relación con sus colaboradores, o con los artistas a quienes involucraban, porque a veces las cosas no salían del modo esperado; o incluso, llegando a perder mucho dinero que ellos pusieron de su propio bolsillo para que pudieran salir adelante sus proyectos. También hay quienes reciben una formación académica y profesionalizante en gestión cultural, y gracias a ello conocen bien esos otros aspectos que yo antes he llamado «técnicos» (organizativos, económicos…); pero a veces ese tipo de gente con formación especializada, el aspecto en el que andan luego más flojos es, precisamente, el más propiamente «cultural» o «artístico» del asunto, porque la formación que reciben es casi puramente gestocrático-empresarial… y a veces, por desgracia, también sus intereses e inquietudes personales se limitan a ese aspecto: son «gestores culturales sin cultura». Por no hablar de las muchísimas veces que los organizadores (ya tengan o no tengan formación especializada) se ven involucrados en proyectos donde se espera de ellos, bajo el pretexto de que la actividad que realizan es «vocacional» y de que se les ofrece una ocasión supuestamente extraordinaria de ejercerla, que trabajen casi de gratis, en precarias condiciones, y sin contar con el necesario apoyo organizativo o de medios: es decir, que se les explota flagrantemente. Yo, por mi parte, estaría en condiciones de aportar a un proyecto de gestión cultural u organización de eventos mis contactos con artistas y mi conocimiento de primera mano de un cierto número de escenas y de tendencias; pero eso sí, lo mío no es la gestión económica, ni la logística. Y en todo caso, de involucrarme en ese tipo de labor, tendría que ser en un área que me sea afín y que conozca, sobre un tema o asunto que me estimule. No me metería a «gestor» de eventos de cualquier tipo, así en plan genérico y técnico, salvo que se diera una ocasión y circunstancias bien apropiadas; es decir, si alguien me hiciera una propuesta laboral sólida para trabajar con una cierta remuneración e integrado en un equipo: entonces sí lo consideraría seriamente. En fin, ya se verá si surge algo de eso…

«los organizadores (ya tengan o no tengan formación especializada) se ven involucrados en proyectos donde se espera de ellos, bajo el pretexto de que la actividad que realizan es «vocacional» y de que se les ofrece una ocasión supuestamente extraordinaria de ejercerla, que trabajen casi de gratis, en precarias condiciones, y sin contar con el necesario apoyo organizativo o de medios: es decir, que se les explota flagrantemente.»

«estaría en condiciones de aportar a un proyecto de gestión cultural u organización de eventos mis contactos con artistas y mi conocimiento de primera mano de un cierto número de escenas y de tendencias. (…) si alguien me hiciera una propuesta laboral sólida para trabajar con una cierta remuneración e integrado en un equipo: entonces sí lo consideraría seriamente.»

– Un sueño que te gustaría se hiciera realidad
Conseguir trabajo estable en algo que me guste y para lo que me sienta capacitado, en un lugar donde me sienta bien, y de modo que pueda ganarme la vida y asentar un poco mis reales. Creo que, hoy por hoy, esto es un sueño muy difícil de alcanzar para muchísima gente. Por desgracia.

Más información

David Díaz Soto

Revista Bajo Palabra

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