«Amar es dar algo que no se tiene a alguien que no es».

(Jacques Lacan)

El libro HITCHCOCK Y LYNCH. Una extraña fascinación (2026), escrito por Almudena López Molina y editado por Editorial Berenice, comienza con una breve descripción autobiográfica acerca del descubrimiento del cine. Dicha circunstancia debe ser tenida en cuenta: es la época del VHS, de los clásicos de La 2. Una cinefilia nacida en los hogares, no ubicada exclusivamente en las salas oscuras, tal y como sucedía en los años 60. Existe cierto paralelismo entre esa cinefilia de los 90 con las décadas anteriores, y es ahí donde debemos ubicar la obra de Almudena López Molina. Como si se reconociese —aunque puede que sea sin saberlo— en la escritura de Jean Louis Schefer y su inspirador El hombre ordinario del cine (1), obra que nace del fragmento de la película, de la emoción provocada y de lo que esa emoción puede decir del cine.

Así cuenta Almudena su encuentro con Mulholland Drive (David Lynch, 2002):

«El recuerdo de aquel evento es bastante vago: no sé si estaba programada en alguna cadena de televisión, si tenía ya en mi poder el DVD que he manejado para este proceso de escritura; no sé si me la encontré sin más mientras cambiaba de canal o si tomé la decisión consciente de verla. Todo eso es irrelevante. Lo cierto es que el impacto fue igualmente rotundo: como Diane, me sumergí en un sueño hermoso que terminó cuando, noqueada, desperté en una pesadilla». (2)

¿Por qué aunar a Hitchcock y Lynch? Quizás porque nos encontramos con directores que transgreden el uso nominativo y ya hoy banal de «cineasta», en la medida en que son autores que dominan la forma artística en sus múltiples vertientes, lo que en cierto modo les supuso ciertas controversias y licencias en la industria que les tocó vivir. Por lo tanto, esta impronta del fragmento no es tenida en cuenta únicamente desde la huella emocional del espectador; se percibe además en cómo la materia cinematográfica no está puesta en la película con el único fin de contar, sino que comienza a vibrar y a resonar, amalgamando diálogo, sonido ambiental, color, vestuario… ¿Qué supone, entonces, subir una escalera en una escena?, ¿qué tipo de narración implica el uso de un telón? Analizar la puesta en forma de una película supone pensar que nunca nada es la misma cosa. Y en esa variación de los elementos está la creación de una narración donde nada es lo que aparenta ser. En el cine de Hitchcock y Lynch, «las lechuzas no son lo que parecen», tal y como se nos cuenta en Twin Peaks (David Lynch, 1990-2015).

Se trata de construir un libro que desde las formas muestre cómo ambos autores exponen espacios y protagonistas en pleno desdoblamiento; una suerte de double bind donde personajes y espectadores asisten a una contradicción casi irresoluble y que es resuelta bajo una pulsión de muerte: Scottie en Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958) buscando a Madeleine para, al encontrarla, perderla para siempre; o Betty y Rita, los dobles benévolos de Diane y Camilla, fundidos en una figura común a través de una película en Mulholland Drive. Una consumación lynchiana de lo onírico y la culpa, temas hitchcockianos radicalizados y convertidos, nos cuenta la autora, en abstracciones según la palabra de Lynch al referirse al sueño.

La contradicción irresoluble de los personajes que toma al espectador como voyeur atrapado en la narración es a su vez la marca que señala la progresiva claudicación del cine clásico, ya que ambos cineastas parten del género noir, donde la estructura de la historia se adapta al estado mental de su protagonista, cuya psique está fragmentada. Si Hitchcock comienza a deconstruir la narrativa clásica a través del flashback, Lynch terminará por ajustar la forma narrativa a la deriva caótica de la psique, asumiendo «una estructura fragmentaria, que no parece ordenada según patrones racionales, sino emocionales, con notables elipsis», nos cuenta Almudena López Molina.

En Vértigo aún quedan referencias a lo real, a través de la apelación a la naturaleza como signo de lo salvaje. Sin embargo, en Mulholland Drive todo se describe como ilusorio, el sueño dentro de un sueño —los anhelos ilusorios dentro de la fantasía del durmiente—, que solo puede dar paso a la ficción fatal que es la pesadilla cotidiana, alimentada por los propios miedos.

La estructura dual de la realidad y el sueño desplegada en la narrativa y en la puesta en escena adquiere a su vez en el libro una lectura lacaniana. Dicha invocación a Jacques Lacan es refrendada por una elaborada genealogía acerca del término doppelgänger, que es razonado desde una perspectiva órfica en la medida en que Maurice Blanchot se la otorga: el canto que nace de lo que destruye, el fracaso en la articulación de la distancia y el acto de mirar demasiado hasta perder al ser amado.

«Ese mismo amor que lo había llevado hasta el infierno, lo empujó a mirarla una vez más, una última vez, incumpliendo el mandato divino para asegurar su regreso: habría debido confiar, mirar solo hacia delante. El cuerpo de su amada se desvaneció entonces en el umbral de la muerte. En contra de lo prometido, en lugar de quitarse la vida, Orfeo regresó solo». (3)

Entre medias del amante y del amado, surge una mirada hacia el propio cine; implícita en Vértigo y explícita en Mulholland Drive. Cuerpos femeninos que se desdoblan en la actuación y el sueño del otro. Un simple cambio en el peinado es alusión a cierto hermanamiento circular que remite de lo rubio e ingenuo, al cabello oscuro de la mujer fatal; un cine clásico que habla desde ultratumba, como cuenta Sergi Sánchez en Hacia una imagen no-tiempo. Deleuze y el cine contemporáneo (4).

Como escribíamos anteriormente, Almudena López Molina reconoce en ambas películas una pulsión de muerte que puede considerarse freudiana y que encuentra su culminación en localizaciones de puertas que son la antesala del final. En los meandros de las carreteras que los protagonistas recorren antes de llegar a su destino, se encuentra a su vez la metáfora mediante la cual la escritora ha recorrido a ambos cineastas; el camino que recorre el cine clásico que aún habla de ultratumba solo puede ser emprendido desde el rizoma que ambos autores crearon; predicados que declinan en otros predicados y que van de la ropa, la sobreimpresión de imágenes y el color, hasta el encuadre y la textualidad que de todo ello surge. Una textualidad siempre a la fuga, porque Hitchcock y Lynch construyen historias dislocadas que, como en El jardín de los senderos que se bifurcan (1941) de Jorge Luis Borges, parecen converger pero a su vez divergir. En cada visionado de sus obras surge otra película paralela en la que sus protagonistas todavía siguen tratando de ubicarse. El libro de López Molina es la huella de ese revisionado inagotable.

Más información

HITCHCOCK Y LYNCH. Una extraña fascinación.

Córdoba: Editorial Berenice. Almudena López Molina

Bibliografía del artículo

(1) Schefer, Jean Louis. (2021). El hombre ordinario del cine. Valparaiso: Catálogo Libros.

(2) López Molina, Almudena. (2026). HITCHCOCK Y LYNCH. Una extraña fascinación. Córdoba: Editorial Berenice.

(3) Véase cita 2.

(4) Sánchez, Sergi. (2022). Hacia una imagen no-tiempo. Deleuze y el cine contemporáneo. Oviedo: Universidad de Oviedo.

Ángel Alonso de la Fuente

Es Docente en la Universidad de Nebrija, Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense, evaluador revistas científicas y realizador proyectos audiovisuales. Es autor de la tesis Manierismo en la obra de José Luis Guerin: la imagen asediada (2015). Ha publicado numerosos artículos sobre cine en revistas especializadas y ha sido jurado del Festival Audiovisual Internacional Territorio Sacromonte.

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«Me gusta estar atenta a lo que me puede ofrecer la realidad»

Carlota Nelson es guionista y directora de cine con una trayectoria de más de 18 años en la que se ha especializado en cine documental. Lleva recorriendo el mundo toda su vida tanto por razones familiares como profesionales, conociendo e interesándose por personas con realidades muy diferentes.

Ha realizado documentales de temas sociales sobre la situación de los artistas aborígenes en Australia, el apartheid en Sudáfrica, la censura en Kuala Lumpur, la reinserción de madres prisioneras en Estados Unidos o los marineros abandonados en un buque soviético en Las Palmas de Gran Canaria con la caída de la URSS y también sobre temas científicos sobre el aprendizaje de los niños desde el punto de vista neurocientífico y educativo.

Recientemente ha estrenado el documental Cristina García Rodero – La mirada oculta en el que ha seguido el trabajo de la fotógrafa durante 4 intensos años. En este momento prepara un documental sobre su padre en el que recorre Estados Unidos, Japón, España y Argentina para averiguar, a través de su archivo fotográfico y testimonios de quienes le conocieron, el trabajo que realizó durante su vida para la CIA y que sigue siendo un misterio para su propia familia.

– Naciste en Japón pero has viajado durante toda tu infancia a distintos países ¿qué supuso para ti tantos traslados en un momento tan sensible en tu formación como este? 

Hace poco, hice el cálculo y solo hasta los 10 años, vivimos en cinco países y en ocho casas distintas.  A diferencia de otras familias «ex-pat», mis padres huyeron de las micro burbujas que se crean entre extranjeros. En cada lugar, aprendían el idioma, iban a comprar a mercados locales, participaban de las fiestas y ritos y tenían todo tipo de amigos. Además, eran viajeros natos así que aprovechaban para recorrer cada país, siendo nosotros muy pequeños.
Creo que por el estilo de vida en el que fuimos criados, me ayudó a adaptarme bien a los cambios, a sentir curiosidad por los otros, y a celebrar las diferencias. Curiosamente todo esto me es muy útil para mi trabajo como documentalista.      

– Te formaste en Escritura Creativa, Literatura, Poesía y Cine en el Columbia College Chicago ¿cómo fue esta experiencia para ti? 

En España en esos años estudiabas ciencias o letras, como si no hubiera más cosas en este mundo. Así que al llegar a la universidad en Estados Unidos se me abrió un mundo de posibilidades y de ilusión. Me puse a estudiar escritura creativa, literatura, poesía y cine. En ese momento no lo sabía pero tienen un denominador común, el contar historias. 
Y el transmitir tiene que tener algo de poesía, de escritura, de las infinitas y variadas estructuras narrativas de la literatura y el cine. Sin duda, todas estas herramientas me han ayudado a lo largo de mi carrera. Para mí, los años de universidad fueron maravillosos. Muy distinto a los años del colegio que no me gustaron nada. Al volver a España, mis amigos que sí habían estudiado carreras «de verdad» ya empezaban a trabajar. En cambio yo no sabía dónde ni cómo aplicar mis conocimientos. Decir que había estudiado escritura creativa era equivalente a decir que habías estudiado para ser paracaidista o repartidor de publicidad.

«al llegar a la universidad en Estados Unidos se me abrió un mundo de posibilidades y de ilusión»

«transmitir tiene que tener algo de poesía, de escritura, de las infinitas y variadas estructuras narrativas de la literatura y el cine»

– Eres guionista y directora de documentales ¿por qué, entre todos los géneros cinematográficos, te decantaste por este?

Me fascina la realidad con su infinita variedad de grises. No hay ficción que lo supere. Nada me puede hacer más feliz que sentarme a escuchar y «tirarle de la lengua» a personas distintas y en especial a los mayores que tienen un sinfín de experiencias y sabiduría.

En el documental normalmente, los equipos son más pequeños, se trabaja de manera horizontal y resulta dinámico y cercano. Allí es donde me siento más cómoda.

– ¿Cuáles son tus criterios tanto estéticos como éticos a la hora de desarrollar un proyecto documental?  

El contenido y el acceso a la historia me marca la estética. Cada proyecto es distinto. En el caso de Anclados, por ejemplo, que cuenta una historia de desarraigo y de limbo, opté junto a Pablo Pro, director de fotografía y poeta visual del documental, reflejar eso visualmente con planos largos, poéticos, nostálgicos, con un ritmo pausado… Las circunstancias del rodaje nos permitió tiempo para planificar, para buscar una estética. Sin embargo, en el último documental – Cristina García Rodero – La Mirada Oculta – no nos quedó otra que filmar en plan guerrilla para poder seguir a Cristina. No había tiempo para diseñar una estética ni ir a rodar con una lista de planos. Tampoco era posible dirigirla. Cristina es rock n roll, como diría Clara Martínez Malagelada, la montadora. Se mueve a una velocidad asombrosa y al estar ella trabajando, no podíamos hacer otra cosa que seguirla, cámara en mano sin saber nunca a dónde íbamos ni con qué nos encontraríamos. Fue una aventura y eso fue lo que acabó informando y moldeando la estética. Por eso digo que cada proyecto es distinto y la estética a mi me la da la historia y el contexto.  
En cuanto a la ética, en general, es necesario a la hora de trabajar, de resolver conflictos y atraer talento. La ética ligada al documental, es imprescindible para generar confianza y credibilidad. Dicho eso,  me falta un poco de picardía. No puedo hacer aquello de mejor pedir perdón que permiso. No lo juzgo. De hecho, a veces me gustaría aplicarlo. Hablando con alguien de esto el otro día – alguien parecido a mí en este aspecto – nos preguntamos qué haría cada una si estuviera conduciendo en mitad del desierto y llegáramos a una señal de STOP.  Nos reíamos porque las dos hubiéramos parado, aun sabiendo perfectamente que eso no iba a registrarse jamás por nadie. Soy responsable, buena gente, y muy trabajadora y está bien pero tanta rectitud, me impide la picaresca, una habilidad que a veces viene muy bien. 

«El contenido y el acceso a la historia me marca la estética. Cada proyecto es distinto»

«Soy responsable, buena gente, y muy trabajadora y está bien pero tanta rectitud, me impide la picaresca, una habilidad que a veces viene muy bien.» 

– Has abordado temas sociales como la situación de los artistas aborígenes en Australia, el apartheid en Sudáfrica, la censura en Kuala Lumpur, la reinserción de madres prisioneras en Estados Unidos. ¿Cuándo comienza a interesarte un tema para querer hacer un documental sobre él?

Para que me enganche una historia, me tiene que emocionar. Y si me emociona y tengo acceso a la historia y al «personaje» me meto.

Siempre me han gustado las historias que tienen que ver con lo social por ser olvidadas o invisibles. Por querer de algún modo hacer justicia o denunciar una situación. Vengo de una familia muy activista. Nuestras casas familiares siempre han estado abiertas no solo a amigos sino a todo tipo de personas.
Desde que éramos pequeños, mis hermanos y yo, hemos jugado con niños de todas las edades, razas y estatus socioeconómicos. Además de jugar, íbamos a sus casas o venían a la nuestra. Nos criamos muy conscientes de los mundos paralelos que existen. Historias fascinantes, brutales, mágicas y trágicas, de mucha injusticia, de belleza y de mucha verdad también. Los 24 de diciembre, en casa no se celebra la nochebuena. Se celebra la cena de huérfanos, la mejor fiesta del año. Invitamos a personas conocidas o amigos de amigos que no tienen hogar, o familia o están muy lejos de casa y se arman unas noches maravillosas con gente variada, distinta, que hablan en otros idiomas, que tienen costumbres distintas.. Desde una mujer de limpieza hasta un guardia de seguridad de discoteca, una violinista en paro, un sacerdote y un recolector de fresas. Cuando compartes con otras personas, escuchas, conoces otras realidades y las conversaciones, muchas veces, son mucho más entretenidas que las tertulias entre amigos. Es gracioso pero la cena de huérfanos se ha popularizado tanto entre nuestros amigos, que muchos se vienen a casa después de sus cenas familiares porque se lo pasan tan bien…

«Siempre me han gustado las historias que tienen que ver con lo social por ser olvidadas o invisibles.  Por querer de algún modo hacer justicia o denunciar una situación»

«Cuando compartes con otras personas, aprendes a aceptar, a conocer otras realidades»

– Rodaste el documental Anclados, sobre los marineros abandonados por la URSS en el Puerto de la Luz de Gran Canaria ¿qué descubriste en este documental y qué sensaciones te provocó?

Siempre me he sentido atraída por las historias de desarraigo, por aquello que se dice de cuando uno se marcha, nunca más podrá volver porque ya no es el mismo. Y mientras eso es cierto, lo que aprendí de ellos fue lo importante que es la actitud frente a lo que nos sucede. Victor Frankl dejó escrito que «al hombre se le puede arrebatar todo salvo una cosa: la última de las libertades humanas, la elección de la actitud personal.”

– Brain Matters es un documental que dirigiste sobre el aprendizaje de los niños desde el punto de vista neurocientífico y educativo ¿cómo surgió el proyecto y qué aprendiste? 

Cuando me lo propusieron los productores, enseguida les dije que se habían equivocado de persona. No tenía ni idea de la neurociencia ni era madre, ni experta en educación. Pero eso es lo que buscaban, una cineasta libre de conocimientos que pudiera contar la historia de manera que cualquiera lo pudiera entender. Fue uno de los mejores encargos que me han hecho. No solo en lo profesional ya que me dieron 6 meses para investigar y hablar en persona con neurocientíficos, visitar distintos programas y laboratorios alrededor del mundo sino que el propósito del documental fue el de concienciar y ayudar a reducir la brecha social y económica. Por eso lo tradujimos a 7 idiomas y ha sido utilizado por UNICEF, por la OMS, por universidades, ONGs, hospitales, profesores, maestros y en especial por niños y familias de bajos recursos. Aparte del documental, se crearon piezas cortas didácticas y una variedad de recursos gratuitos que hoy siguen siendo utilizadas. El otro día vimos que solo en YouTube tiene mas de 2 millones de visualizaciones. Creo que es un regalo hermoso e importante para el mundo.

«No tenía ni idea de la neurociencia ni era madre, ni experta en educación»

«Pero eso es lo que buscaban, una cineasta libre de conocimientos que pudiera contar la historia de manera que cualquiera lo pudiera entender»

– Recientemente has presentado el documental Cristina García Rodero: la mirada oculta donde has seguido a la fotógrafa durante cuatro años ¿cómo surgió la idea, de qué manera se desarrolló el rodaje y cómo lo recibió la propia García Rodero?

Nos conocimos por casualidad en un desierto en Estados Unidos en el 2001. Desde entonces, somos amigas. En el 2010, cenando con ella me preguntó cual iba a ser mi próximo proyecto y le dije que me gustaría hacer un documental sobre ella. Que era necesario que el mundo entero conociera su obra y a la mujer detrás de la cámara por lo que cuenta, por como vive su pasión y determinación por la fotografía. Que había mucho que aprender de ella. Me llevé una bronca descomunal. No entendía cómo le proponía semejante hazaña. A ella no le gusta nada ser la protagonista. Y a pesar de haber ganado los premios mas prestigiosos del planeta, huye de la fama y lo que rodea el éxito como la peste. Un minuto delante de mi cámara era un minuto menos detrás de la suya. Al final, creo que me vio tan triste que dijo que sí, pero muy a regañadientes. Desde ese momento hasta que arranco el rodaje, pasaron 9 años. Increíble siendo la artista que es, pero es el tiempo que nos costó conseguir la financiación. Y entre la pandemia y la agenda de Cristina, nos llevó 4 años terminar. Ella no esta acostumbrada a que la filmen.

Trabaja y viaja sola y el rodaje es un trabajo en equipo. Así que tuvimos que aprender a trabajar juntas, encontrar la manera de seguirla por el mundo y no estorbarle. Siempre cuento que a pesar de doblar la edad media del equipo, nos dejaba con la boca abierta y la lengua fuera. Trabaja a gran velocidad y es incansable. Cristina estuvo involucrada en la selección y orden de fotos y vio cada versión de montaje.

Algunas cosas no le gustaban y a veces las quitamos o las cambiamos. Era muy importante para mí hacer algo con lo que ella estuviera contenta, orgullosa. ¿Cómo lo recibió? La promoción y las entrevistas le han quitado tiempo de trabajo. A ella no le gusta verse ni escucharse en pantalla grande pero es feliz cuando ve sus fotos en formato gigante. Al final me quedo con lo que me dijo hace poco, que esta muy contenta porque he conseguido plasmar lo que para ella es importante.

«Era muy importante para mí hacer algo con lo que ella estuviera de acuerdo»

«Al final me quedo con lo que me dijo hace poco, que esta muy contenta porque he conseguido plasmar lo que para ella es importante»

– ¿Cómo haces para seleccionar lo más importante de cada proyecto después de cientos de horas de grabación? 

Resulta abrumador todo el material que se genera cuando haces un documental. Sobre todo cuando llevas varios años filmando. Pero es lógico también. En mi caso, a la hora de rodar, voy con algunos conceptos macro de lo que busco o deseo pero procuro mantenerme abierta y flexible a lo que pueda suceder. En la mayoría de los casos, la realidad me da muchísimo más juego que unas ideas preconcebidas. Me gusta estar atenta a lo que me puede ofrecer la realidad. Con todo esto, vengo a decir que acabo siempre con mucho material. Por eso procuro hacer un trabajo minucioso de transcripción y pre-selección de material antes de ir a sala de montaje. Además, soy de las que les gusta estar en sala y trabajar junto al montador o la montadora. A diferencia de la ficción, el guion final se escribe allí y resulta fascinante todo el proceso. Ese trabajo de critica constructiva, de reflexión, de darle otra vuelta, probar cosas, corregir, afinar, buscar músicas, encontrar un ritmo, tejer la narrativa….

«En la mayoría de los casos, la realidad me da muchísimo más juego que unas ideas preconcebidas»

«soy de las que les gusta estar en sala y trabajar junto al montador o la montadora. A diferencia de la ficción, el guion final se escribe allí y resulta fascinante todo el proceso»

– En estos momentos estás trabajando en un documental sobre tu padre ¿qué motivó que él fuera el protagonista de tu próximo proyecto? 

Es que el personaje da para dos y tres películas. Todo comenzó cuando mi padre muere y heredo su archivo fotográfico. Ahí, emprendo una investigación profundamente personal sobre un hombre que trabajaba en el corazón de las decisiones estratégicas globales: un operativo de alto rango que se ocultaba detrás de una cámara tanto en el trabajo como en casa.

Al tiempo que voy examinando ese tesoro visual de bobinas de Súper 8, diapositivas y fotografías, comienzo a ver el mundo a través de su lente, descubriendo no solo lo que él eligió capturar, sino también lo que dejó fuera. La idea era recopilar y ordenarlo todo para compartir con mi madre y
hermanos. Pero al descubrir un detalle me hizo plantearme algo más grande: la cámara que usaba en el trabajo era tan poderosa que podía detectar una pelota de golf desde 100 millas de distancia, todo mientras pilotaba un avión espía estratosférico a 85,000 pies, vestido con un traje presurizado volando a Mach 3, tres veces la velocidad del sonido.

A medida que voy tirando del hilo y consultando con expertos y mi propia familia, resulta fascinante descubrir las complejas conexiones entre la carrera de mi padre, la historia de mi familia y los grandes eventos geopolíticos. Desde misiones de reconocimiento encubiertas sobre Sudamérica en la década de 1960, la guerra de Vietnam y las pruebas atómicas hasta la sombra de la inteligencia norteamericana en Japón y la transición española a la democracia. Existen además conexiones con la militarización del espacio en los últimos años de la Guerra Fría. Es una especie de rompecabezas en proceso.

– Después de llevar tantos proyectos de rodajes a la práctica en situaciones muy diferentes y sobre personas tan distintas ¿qué has aprendido en cuestiones de producción y organización? 

Sin duda, la experiencia te va informando y en cada proyecto aprendes una barbaridad. Pero de los que más aprendo es de mi propio equipo. Quizás yo sea la persona más visible pero a mi lado y detrás de la cámara hay cientos de personas con muchísimo talento y cada una aporta una infinidad de lecciones. Al final, es un trabajo de equipo.

– ¿Qué es Colectivo Berde?

Con una amiga, hace 4 años fundamos el colectivo BERDE (BERDE.org). Principalmente, creamos e impartimos talleres artísticos – incluyendo cine – para personas con diversidad funcional y con problemas de salud mental. Las piezas que salen cada año son brutales, maravillosas, contadas en primera persona y luego proyectadas en el FICX. Nuestra base está en Laboral Centro de Arte – Gijón – donde también programamos los ciclos de Cine y Salud Mental para el Servicio de Salud del Principado de Asturias.

– ¿Qué consejo darías a alguien que quiera ser guionista y directora documental? 

Con el documental no se gana dinero y requiere muchísimo esfuerzo, tiempo, trabajo, convicción y determinación. El consejo que ofrezco es: no lo hagas si no tienes vocación. Y si te decides, diversifica, ten varios trabajos que puedas compaginar y puedan nutrirte.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro? 

Tengo una carpeta llena de proyectos acumulados de hace años y va en aumento. Pero tardo tanto con cada uno que no se si me dará tiempo a hacerlos todos. Si tuviera que elegir uno sería un documental aspiracional sobre las distintas maneras de enfocar la vejez. No es una cuestión de edad, es una cuestión de actitud. Siempre que te acompañe la mente y el cuerpo, el ser humano puede seguir viviendo aventuras, aprendiendo, enamorándose…Me da pena ver cómo la gente joven trata o mira a la gente mayor. Se creen que detrás de esos rostros, no hay nada cuando en realidad son personas con mucho que aportar. Es la sabiduría de tantos años y de la que podemos aprender.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad.

Siempre he soñado con vivir en un hotel, de aquellos bellamente decadentes con piano incluido. Así por las tardes o a la hora del aperitivo, tocaría el piano para ambientar. Me fascinan los pianistas de hotel. Personas que pasan desapercibidas pero aportan un bienestar colectivo. El poder de la música es transformadora. También sueño con tener una mesa de comedor lo suficientemente grande para reunir a mi familia y amigos. Poder cocinar para ellos. Y por supuesto, sueño con seguir haciendo documentales y contando historias.

«Sueño con seguir haciendo documentales y contando historias»

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Anclados en Filmin

Brain matters en YouTube

ColectivoBerde.org

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YANMAG PARA JORGE RIVERA

«La dirección es gestionar un equipo de egos hacia un fin común”

Jorge Rivera es director de teatro y cine y gestor cultural con más de 15 años de experiencia en España y Dinamarca. Licenciado en Dirección Escénica y Dramaturgia, Investigador titulado en Creatividad y Máster en Economía de la experiencia por la Universidad de Roskilde. En 2022 crea JRivera Producciones, produce Osario Norte, de José Manuel Serrano Cueto y Sacrilegio (2023), debut en la dirección de Pedro Casablanc. Además de otros proyectos, como director y autor teatral, una nueva faceta, presenta en Dinamarca Gyserlabyrint, un espectáculo inmersivo de terror y en España Bécquer y Quevedo, Amor y Muerte, un recital con música en directo compuesta por Rivera e interpretado por Pedro Casablanc, al que también acompaña en escena. Rivera también es miembro de la junta directiva de la Cámara de Comercio Hispano Danesa y socio de Agencia CDI, donde trabaja en comunicación con empresas.

Conversamos con Jorge Rivera para conocer a un profesional multidisciplinar y creativo con ideas claras, infinidad de recursos y experiencia.

– Estudiaste dirección de escena y dramaturgia en la ESAD de Málaga. ¿Cómo fue este periodo para ti y por qué te decidiste por estos estudios?

Pues casi que por casualidad aterricé en la entrevista previa a las pruebas de acceso, y por seguir los consejos de quien me recomendó ir a la ESAD, casi me meto en Interpretación. No sabía realmente dónde me metía, no hubiera durado dos meses… Pero por fortuna, en la entrevista para las pruebas de acceso, Leo Vilar, catedrático, me miró y me dijo: “tú vas para Dirección”. Rompió mi solicitud… y hasta hoy. No se me ocurre pensar en otra cosa a la que quisiera dedicarme (si tuviera que elegir una) que dirigir teatro. La dirección, como yo la veo, va más allá de mover a actores por el escenario o crear una visión artística. Es gestionar un equipo de egos hacia un fin común, y convencer a todo el equipo (y a mí mismo) de que lo que yo quiero es lo más adecuado para el proyecto. Me encanta cuestionar cada paso del proceso, para estar lo más seguro posible del resultado. Pero no veo esto como inseguridad, sino todo lo contrario: la humildad de aceptar que cualquier miembro del equipo pueda tener más experiencia que yo, o al menos una experiencia diferente que le haga tomar decisiones diferentes a las mías, de las que yo pueda aprender. Esta filosofía la he trasladado a otros trabajos también, en otros campos tanto artísticos como meramente empresariales.

«La dirección, como yo la veo, va más allá de mover a actores por el escenario o crear una visión artística. Es gestionar un equipo de egos hacia un fin común, y convencer a todo el equipo (y a mí mismo) de que lo que yo quiero es lo más adecuado para el proyecto.»

«Me encanta cuestionar cada paso del proceso, para estar lo más seguro posible del resultado.»

– Has vivido y trabajado muchos años como gestor cultural en Dinamarca. ¿Qué te aportó tu estancia allí y qué vínculo actual conservas con el país?

Actualmente sólo vuelvo para trabajar. Tras quince años allí siento que ya no es el lugar donde quiero vivir, pero le estoy muy agradecido al país por las oportunidades que me brindó. Aprendí mucho sobre considerar la cultura como una empresa, además de como algo que puede utilizarse para hacer un bien social, y tuve la oportunidad de trabajar con cientos de artistas, que me han hecho replantearme cómo me relaciono con mis equipos, mi creación artística, y la industria. También me quedan buenas amistades allí, con las que hablo muy a menudo, y con las que comparto proyectos de todo tipo.

– Realizaste en Málaga el doctorado en Creatividad Aplicada (Psicología y Educación) y en Dinamarca un Máster en Liderazgo de la Economía de la Experiencia. ¿Cómo aplicas estos conocimientos en tu trabajo creativo actual?

Realicé los estudios de Doctorado, pero sólo hasta alcanzar el grado de Suficiencia Investigadora. Así que soy “investigador titulado” (risas), porque tenía claro que no quería ser Doctor. No he seguido investigación formalmente, y no creo que acabe la tesis doctoral nunca. Aunque me encanta dar clases, no me veo en una escuela o universidad con un plan de estudios que forme al alumnado por igual, ni tampoco encerrado escribiendo libros y lejos de la práctica. Quería aprender técnicas de investigación, y estudié mecanismos de comunicación y percepción. Esto me sirvió para impartir clases en academias privadas, entre ellas la del famoso Teatro del Arte de Moscú. Me interesa la formación no reglada, multidisciplinar, con libertad de cátedra y a medida para el alumnado, que forme en valores más que adoctrinar con grandes cantidades de teoría sin aplicación. Pienso que lo técnico y lo formal es muy necesario, pero cualquiera lo puede aprender con tiempo y ganas; especialmente hoy en día, con más medios que nunca. Pero los aspectos éticos y lo que hace a un o una artista diferente… eso no se aprende en los libros ni en una clase académica.

En mi opinión, tener una formación de disciplinas muy diferentes me da una visión amplia de lo que hago, y de cómo hablar con quienes colaboran conmigo, ya sea mi contable, técnico de luces o diseñadora gráfica. No sólo comparto sus idiomas, sino que conozco su trabajo (aunque no lo sepa hacer) lo suficiente como para respetar sus procesos, sus tiempos y sus ideas.

El Máster Liderazgo de la Economía de la Experiencia lo comencé (aunque fuese un grado inferior al que ya tenía) para aprender sobre el paradigma de la “economía de la experiencia”, aplicarlo a la gestión cultural, y aprender nuevas cosas sobre organización de empresas, marketing y liderazgo. Y además estaba empeñado en hacer la tesina en danés… así que no paré hasta conseguirlo.

«Tener una formación de disciplinas muy diferentes me da una visión amplia de lo que hago, y de cómo hablar con quienes colaboran conmigo, ya sea mi contable, técnico de luces o diseñadora gráfica»

«No sólo comparto sus idiomas, sino que conozco su trabajo (aunque no lo sepa hacer) lo suficiente como para respetar sus procesos, sus tiempos y sus ideas.»

– En Dinamarca estás presentando Gyserlabyrint, un espectáculo inmersivo de terror. ¿Qué acogida está teniendo por parte del público?

Cada octubre subo para hacer un espectáculo del estilo de los Pasajes del Terror, en los que he trabajado muchos años. Lo especial de este proyecto es que se combina el trabajo de profesionales con alumnos y alumnas de una escuela. Lo que los modernos llaman “futuros talentos”. Este año teníamos en el equipo 43 jóvenes de 8 a 15 años, que tienen que aprender la disciplina tras un espectáculo que tienen que repetir cada 10 minutos. Texto, maquillaje, interpretación… se trabaja desde la seriedad que hay en el juego, y desde la idea de dar al público una buena experiencia cada vez. Este año fue genial, hicimos casi 50 representaciones en 4 días, con lleno absoluto, y muy buenas críticas por parte del público, que rellenaba una encuesta tras el espectáculo. Así que el año que viene espero volver de nuevo.

– ¿Has notado muchas diferencias en la manera de trabajar en Dinamarca y en España?

Muchísimas. He coordinado equipos de 4 a 50 personas bajo mi mando directo, y mi conclusión es que hay muchas diferencias, sí, pero ninguna que sea categóricamente mejor o peor. Todo tiene su razón de ser, y su parte buena y mala, y gran parte de mi trabajo con organizaciones ha sido identificar estas diferencias, relativizarlas, compararlas y utilizarlas hacia un objetivo común. Es cierto que, generalizando, los españoles, nos consideramos peores de lo que somos, y los daneses mejores de lo que son. Pero hay de todo en ambas culturas laborales. Es un hecho que allí tienen más tradición de derechos laborales, conciliación, teletrabajo y cosas que van llegando aquí, pero hay menos capacidad de gestión de conflictos, otros tipos de estructuras, y otros tipos de problemas. Todo va unido a aspectos sociológicos e históricos… y esto me daría para horas de charla, pero no quiero ponerme plasta (risas).

«Es cierto que, generalizando, los españoles, nos consideramos peores de lo que somos, y los daneses mejores de lo que son. Pero hay de todo en ambas culturas laborales.»

«Es un hecho que allí tienen más tradición de derechos laborales, conciliación, teletrabajo y cosas que van llegando aquí, pero hay menos capacidad de gestión de conflictos, otros tipos de estructuras, y otros tipos de problemas.»

– Te gusta trabajar con personas y equipos. ¿De qué manera lo haces y cómo consigues que -con personalidades tan diferentes- todos se sientan bien y vinculados con el proyecto?

Pienso que el secreto de un buen equipo está en que todo el equipo sienta el proyecto como suyo, y en el respeto. El respeto a las diferentes formas de ser, a los diferentes trabajos, las diferentes capacidades, etc. Y especialmente, en saber hasta dónde llegan las responsabilidades y el poder de decisión de cada persona.
Pero que no suene a que soy una persona de decisiones colectivas: adoro las jerarquías. En mi opinión, llevadas con claridad y respeto, son necesarias para que los proyectos avancen y cada persona brille en su departamento y su trabajo. Y como equipo, creo que si todo el equipo va a una, finalmente cada integrante estará orgulloso u orgullosa de su trabajo, independientemente de que sus ideas sean una mayor o menor parte del resultado, que finalmente es lo que importa.

«Pienso que el secreto de un buen equipo está en que todo el equipo sienta el proyecto como suyo, y en el respeto. El respeto a las diferentes formas de ser, a los diferentes trabajos, las diferentes capacidades, etc.»

«Pero que no suene a que soy una persona de decisiones colectivas: adoro las jerarquías. En mi opinión, llevadas con claridad y respeto, son necesarias para que los proyectos avancen y cada persona brille en su departamento y su trabajo.»

– ¿Cómo se gestiona la montaña rusa emocional de los proyectos que no llegan a realizarse y los que sí llegan a ver la luz?  

Pues creo que con los años se te acaba formando un callo en el alma, o acabas dejándolo. Siempre digo que lo normal es fracasar. Y no es ser negativo, es pura estadística. Por ejemplo, este año se han presentado más de doscientas películas a los Goya, y sólo ganará una. Que te toque a ti no depende ni de que la tuya sea la mejor película, ni la más vista, ni nada. Hay una infinidad tremenda de factores, en los que tienen que ver fechas, dinero, amiguismos, lobbies, modas y mil cosas más.
Obviamente, aunque me gustaría ganar todos los premios, millones y reconocimientos como a cualquiera. Pero aunque suene cursi, me conformo con hacer lo que quiero, con quien quiero y cuando puedo, y compartirlo con el mayor número de personas posible. La idea de la fama y el glamour nunca me han atraído, y hace años que tengo claro que no me interesaba luchar por el “éxito” como algo basado en lo económico o el reconocimiento. No creo en “el éxito”, como no creo en “la felicidad”. Creo que la vida son una serie de momentos, y aquí retomo tu metáfora de la montaña rusa. No todas las montañas rusas tienen la misma forma, pero al final todas suben y bajan más tarde o más temprano. Y cuando llegan las victorias, las disfruto, con o sin reconocimiento.

– En este momento estás de gira con Bécquer y Quevedo, Amor y Muerte, un recital con música en directo en el que el actor Pedro Casablanc es el protagonista mientras le acompañas como músico en escena. ¿Cómo surgió el proyecto y cómo es trabajar con Pedro Casablanc?

La relación con Pedro empezó cuando produje Osario Norte, un documental muy bonito que escribe y dirige mi amigo José Manuel Serrano Cueto y que va a tener un largo recorrido. Es un documental muy humilde, en el que un actor de la talla de Pedro se subió por cariño a la historia y a José Manuel. Fue un rodaje muy tranquilo y lo pasamos muy bien, y poco tiempo después, Pedro me pidió que le produjera Sacrilegio, su debut en la dirección. Este rodaje también fue muy bien, y el corto salió estupendo.

Unos meses más tarde me propuso este recital, en el que él leería a Bécquer y Quevedo para el festival Voces de la Lengua en La Rioja, y me invitó a que le hiciera la música y que le acompañara en directo. Yo soy músico de rock, me daba mucho vértigo pensar en que nos apedrearan tras cualquier recital… (risas) …pero ya hemos actuado en el Festival de Almagro, el de Alcalá… ¡y hasta en la RAE!… y no sólo no nos han linchado, sino que seguimos de gira. Lo que montamos para un evento de dos días, lleva ya 30 funciones vendidas, y sigue en 2025…
Pedro es, además de un gran actor, un gran profesional. Tiene una actitud muy disciplinada hacia el trabajo, pero siempre hay espacio para el juego, para probar cosas nuevas. Siempre busca la excelencia, pero no se amarga ante el error. Veinte funciones después, seguimos cambiando cosas, añadiendo, quitando, discutiendo… y al final sabe, sé, sabemos, qué es lo mejor para el espectáculo. Y cuando él fue director del corto y yo productor, igual… Pedro es una persona de gran cultura, inteligencia, sensibilidad e instinto. Creo que hasta el día de hoy no hemos tenido una sola bronca. Lo que es mejor para el proyecto se impone al ego que cada uno pueda tener.

– Has escrito y dirigido el microdrama La herencia, sobre el reencuentro de dos hermanos después de diez años y una pandemia. Al ser un tema tan común en tantas familias ¿qué debates se han originado con el público al terminar la función?

Sí, yo siempre he dicho que no sé escribir guiones o teatro, que soy más de analizarlos. Pero durante la pandemia surgió la posibilidad de trabajar con dos actores, Mariano García Espada y Daniel Mateos Chatín, y buscábamos un texto corto para conocernos trabajando. Como no encontrábamos ninguno que se adaptara a lo que buscábamos, les propuse escribir algo a medida para ellos, para experimentar, y así salió esta obra. A mí me gusta mucho ensayar, pero lo que más me gusta de lo que hago es escuchar al público y que me frían a preguntas, aprender de quienes han visto lo que hemos presentado. Y con La herencia hemos hecho más de 20 funciones, y hemos tenido muchas charlas interesantes, que por la temática de la obra a veces han sido acaloradas, sobre los conflictos familiares, la eutanasia, y muchas cosas más. Lo mejor, que nos han hecho replantearnos algunas cosas y estar aún más seguros de otras. Lo de los encuentros con el público es para mí algo indispensable, que hago siempre que puedo.

«A mí me gusta mucho ensayar, pero lo que más me gusta de lo que hago es escuchar al público y que me frían a preguntas, aprender de quienes han visto lo que hemos presentado.»

«Y con La herencia hemos hecho más de 20 funciones, y hemos tenido muchas charlas interesantes, que por la temática de la obra a veces han sido acaloradas, sobre los conflictos familiares, la eutanasia, y muchas cosas más.»

– También has escrito y dirigido El sobre, otro microdrama que es la segunda obra de una trilogía de la que forma parte La herencia ¿cómo está siendo el proceso creativo de estas tres obras?

El sobre nació como una continuación natural del trabajo, mientras buscábamos una obra larga que montar juntos tras la buena experiencia de La herencia. Yo quería experimentar con ciertos recursos de mezclar comedia, drama y suspense, experimentar con ritmos y silencios… y este experimento funcionó muy bien con el público de El sobre. Igual o mejor que con La herencia. Así que al final les propuse convertir estas dos obras, y una más, en un espectáculo de algo más de una hora. Escribí la tercera obra con una actriz en la cabeza, Montse Peidro, y tuve la suerte de que le gustó y se ha sumado al proyecto. Ella hace también el papel de maestra de ceremonias de la obra, una alegoría de La Muerte, y nos presenta las obras en un nuevo experimento que estrenamos en Málaga, Madrid y Valladolid en primavera, Una tarde con La Muerte. La muerte va a ser el tema que engloba muchos mensajes de la obra, pero presentado con drama, humor negro, suspense y mucho más, así que imagino que las charlas con el público van a ser de lo más interesante.

– ¿De qué proyectos te sientes más orgulloso hasta el momento y cuáles te gustaría realizar en el futuro?

La verdad es que de cada proyecto he sacado cosas buenas… las malas las llamo “un master muy caro”. Yo aprendo de todo, y no me arrepiento de nada. En muchos casos aprendes con quién no volver a trabajar, a qué sitio no volver a ir… y sobre todo intento aprender sobre mis propios mecanismos, qué proyectos me sientan bien, y cuáles no.
Cada proyecto tiene sus retos: Amor y Muerte me obliga a subirme al escenario, cosa que nunca había hecho de esta manera, o Una tarde con la Muerte me expone como dramaturgo. Todo es un reto, y el fracaso, aunque no me guste, no me tira abajo. A veces me da pena, como con La Musa y el Lobo, un proyecto precioso de teatro, que por la pandemia y otras cosas no despegó como debiera.
Pero yo soy muy obsesivo… y volverá. En el futuro inmediato quiero hacer más teatro y música, y estoy fraguando dos documentales pequeños. En esta época estoy investigando sobre la mezcla de lenguajes, y sobre (y con) algunas mujeres muy interesantes.
También quiero retomar la enseñanza más pronto que tarde. Estoy intentándolo por varias vías, pero no consigo sacar el tiempo para terminar de perfilar unos cursos que llevo un tiempo desarrollando.

«De cada proyecto he sacado cosas buenas… las malas las llamo “un máster muy caro”.»

«Yo aprendo de todo, y no me arrepiento de nada»

– ¿Que consejo darías a una persona que quiera seguir tus pasos?

Lo primero, que no siga mis pasos, sino que busque los suyos. Que escuche más que hable. Que sea crítica, pero con respeto a la diferencia, y que sea una persona generosa. Que se pregunte qué es el éxito para él o ella, porque de eso depende todo. Que se pregunte si busca el arte puro, comunicar con el público, ganar dinero, la fama o cualquier otra cosa, pero con honestidad absoluta. Y que se prepare para un día bueno y cien malos. Creo que me he venido arriba, pero no podía elegir uno.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Tener un espacio propio, donde pudiera combinar lo empresarial con lo artístico. He mirado varias veces, y he estado a punto de encontrarlo, pero por diferentes momentos, aún no ha llegado el momento de liarme la manta a la cabeza. Y por supuesto, que algún mecenas loco me descubra. Por pedir…

«Me gustaría tener un espacio propio, donde pudiera combinar lo empresarial con lo artístico»

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«Busco generar conexiones más profundas entre el arte, la tierra y las personas»

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Tzu-Hui Peng es directora de cine y artista taiwanesa. Se graduó en Bellas Artes en la Universidad Nacional de Artes de Taiwán y está finalizando el Máster de Producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Ha codirigido su primera película, Un viaje en primavera (distribuida por Moira Pictures), junto a Ping-Wen Wang, una bella historia rodada en Super 16mm sobre el matrimonio, el amor, la vejez y la ausencia, que ganó el Premio Concha de Plata del Festival de San Sebastián además de importantes galardones en Taiwan y Hong Kong.

Conversamos con esta artista multidisciplinar, sensible e inteligente, que ha asombrado a crítica y público con su primera película.

– Eres Licenciada en Bellas Artes en Taiwán. ¿Qué te llevó a estudiar esta carrera?

Mis padres eran amantes del arte desde que eran jóvenes. Mi padre tenía un gran interés por la música, el budismo zen y la literatura clásica, mientras que mi madre disfrutaba de la literatura moderna y estudiaba el arte. Cuando tenía tres o cuatro años y no podía dormir por la noche, mis padres me daban lápices y papel para que dibujara. Al día siguiente, cuando veían mis dibujos, siempre se sorprendían y los elogiaban mucho. Quizás ese fue un comienzo hermoso en mi interés por el arte.

Desde los cuatro años, mi hermano y yo estudiábamos música clásica juntos. Sin embargo, cuando fui más mayor, me di cuenta de que prefería una forma de creación que me permitiera expresar mis pensamientos de manera más libre. Entonces comencé a estudiar bellas artes en estudio privado, y desde la escuela secundaria hasta la preparatoria, siempre estuve en clases especializadas de arte. Después, estudié en la Universidad Nacional de las Artes y luego cursé un máster en producción Artística en la Universidad Politécnica de Valencia.

«Cuando fui más mayor, me di cuenta de que prefería una forma de creación que me permitiera expresar mis pensamientos de manera más libre»

– Parte de tu formación fue en Valencia. ¿Cómo fue esta experiencia para ti y qué te aportó?

Considero que el ambiente de máster en producción artística en UPV era muy abierto y equitativo, lo que me brindó un gran espacio para desarrollarme. Los profesores respetaban mucho los diferentes enfoques de creación de cada persona, lo cual fue muy importante para mí.

Por otro lado, la comunidad artística de Valencia y los compañeros me inspiraron profundamente. En Valencia, el arte se integra en la vida cotidiana y en la comunidad. Esa forma de vivir la cultura y el arte me marcaron y me motivaron. Cuando regresé a Taiwán en 2018, comencé a compartir clases sobre arte conceptual, arte de acción y pintura abstracta en universidades comunitarias y con personas mayores. A través de esas experiencias, he buscado generar conexiones más profundas entre el arte, la tierra y las personas de Taiwán.

«En Valencia, el arte se integra en la vida cotidiana y en la comunidad. Esa forma de vivir la cultura y el arte me marcaron y me motivaron»

– Has co-dirigido la película Un viaje en Primavera con Ping-Wen Wang. ¿Cómo fue trabajar juntas en el proyecto y cómo os habéis complementado?

Tenemos personalidades muy diferentes. A veces siento que, tanto en el trabajo como en nuestros viajes a festivales de cine, Ping-Wen tiene una energía impulsiva que la lleva a avanzar sin miedo. Por otro lado, yo tiendo a dar un paso atrás para observar y analizar todo el plan antes de tomar decisiones. Tal vez esas dos energías aportaron un equilibrio importante al proyecto.

Antes de nuestra amistad, Ping-Wen estudió Periodismo en la Universidad en Taiwán y luego hizo su máster en Los Ángeles, donde recibió formación en la industria cinematográfica de Hollywood. Por mi parte, estudié Bellas Artes, centrándome en la reflexión sobre lo que es el arte, y al mismo tiempo también buscaba entender la sociedad y la política. Trabajé en varias ONG que apoyaban la participación de los jóvenes en movimientos sociales.

Cuando nos conocimos en 2019, Ping-Wen ya había dirigido algunos cortometrajes y anuncios publicitarios, pero quería experimentar con un enfoque más artístico en sus obras. En mi caso, deseaba crear algo que tuviera eco no solo con los públicos de galerías, museos o entornos académicos, sino también en personas comunes. Por eso, decidimos empezar a colaborar rápidamente. Esta también fue mi primera experiencia en la dirección de cine.

«Ping-Wen tiene una energía impulsiva que la lleva a avanzar sin miedo. Por otro lado, yo tiendo a dar un paso atrás para observar y analizar todo el plan antes de tomar decisiones.»

Un viaje en Primavera es una película totalmente independiente. En el proceso creativo, tomamos conscientemente un enfoque flexible, pero con un rumbo claro. Este es nuestro primer largometraje para ambas. Ping-Wen fue productora ejecutiva, productora y directora de la película. Yo fui directora, productora ejecutiva, directora artística, editora y colorista.

Ping-Wen tiene más experiencia comunicándose con los actores y recibió una formación sólida en actuación mientras estaba en Estados Unidos. Por otro lado, mi especialidad es el uso de la imagen y los símbolos. En el set, tratamos de fomentar un diálogo abierto y equitativo entre nosotras, e incluso con los actores. Durante la postproducción, yo asumí la mayoría de las decisiones creativas, y Ping-Wen hizo todo lo posible por apoyarme y ayudarme a terminar el proyecto.

Aunque discutimos muchas veces, trabajar juntas, aprender, crecer y viajar durante cinco años ha sido una experiencia incalculable para nosotras. Consideramos que hemos tenido una oportunidad muy especial y difícil de encontrar.

«En mi caso, deseaba crear algo que tuvieran eco no solo con los públicos de galerías, museos o entornos académicos, sino también en personas comunes»

– Decidisteis rodar la película en Super 16 mm porque la calidad de la imagen estaba en sintonía con la historia. ¿Qué ventajas e inconvenientes tiene frente al digital?

Decidimos utilizar película de Super 16 mm por razones conceptuales y también porque la textura visual que ofrece era justo lo que buscábamos para esta historia. Para mí, las características materiales de la película resaltan la naturaleza ilusoria de la imagen. Al final, una película no es más que una huella de la luz sobre una capa de celuloide. Esa cualidad imperfecta y menos brillante de la imagen también refleja la inevitable sensación de desgaste y del paso del tiempo en la vida.

El mayor inconveniente de usar película es que resulta bastante costoso. Sin embargo, precisamente por su alto costo, todos los miembros del equipo debían ser muy cuidadosos durante el rodaje. Esto también nos obligó a adoptar una actitud creativa más controlada y mesurada. Estéticamente me gustan mucho estas calidades que aporta el celuloide a la imagen.

«Esa cualidad imperfecta y menos brillante de la imagen también refleja la inevitable sensación de desgaste y del paso del tiempo en la vida.»

– Con esta película habéis ganado la prestigiosa Concha de Plata del Festival de San Sebastián. ¿Qué sensación te transmite que vuestra película haya sido recibida tan bien fuera de Taiwan?

San Sebastián es un lugar que me trae muchos recuerdos hermosos y, sin duda, es una de mis ciudades favoritas. España es un país en el que viví durante cinco años, y esa experiencia fue fundamental para moldear una parte importante de quién soy hoy.

Poder regresar a esa tierra y recibir reconocimiento por nuestro trabajo es algo muy significativo para mí. Estoy muy agradecida.

– ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Estoy preparando un guion relacionado con mis recuerdos y con mi vida en España y Europa. Es un proyecto que probablemente dirigiré nuevamente junto con Ping-Wen.

También estoy trabajando en mi próxima exposición de cerámica. Además, tengo muchas ganas de seguir desarrollando mi propia creación artística de una manera más personal.

«Tengo muchas ganas de seguir desarrollando mi propia creación artística de una manera más personal»

– Te consideras una persona introvertida. ¿Cómo te sientes teniendo que trabajar con tantas personas diferentes y también teniendo que conocer a tantas personas nuevas constantemente?

Creo que, aunque ha sido un proceso desafiante, estos cinco años en el mundo del cine me han ayudado a sentirme más cómoda relacionándome con otras personas y con la sociedad en general.

En particular, durante el último año y medio, al participar en festivales y proyecciones en diferentes países y ciudades, siento que me he vuelto menos tímida y más abierta a conocer gente nueva.

«Creo que, aunque ha sido un proceso desafiante, estos cinco años en el mundo del cine me han ayudado a sentirme más cómoda relacionándome con otras personas y con la sociedad en general»

– ¿Qué consejo darías a una persona que quiera dedicarse profesionalmente a la creación?

Me gustaría compartir mis reflexiones desde la perspectiva de una compañera : «quizá, de vez en cuando, sería bueno alejarse de la pantalla, observar lo que hay alrededor, mirar a las personas que están cerca y sentir nuestros propios cuerpos. Utiliza los ojos, los oídos, la nariz, la lengua, el cuerpo y la mente para experimentar el mundo que te rodea».

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Deseo profundamente que todas las guerras y el sufrimiento de las personas lleguen a su fin. Aunque suene un poco cliché, creo que este es un deseo fundamental que todos compartimos como seres humanos.

«Deseo profundamente que todas las guerras y el sufrimiento de las personas lleguen a su fin»

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Un viaje en primavera (distribuida por Moira Pictures) – Instagram

Tzu-Hui Peng – Instagram

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«Deseo que el arte nos haga más libres»

Vicente Monroy es escritor y programador en Cineteca Madrid. Es autor del ensayo Contra la cinefilia, una visión lúcida y crítica sobre el mundo excesivamente autorreferencial del cine. Junto al director artístico Luis E. Parés, Vicente Monroy ha alcanzado un gran éxito de asistencia en la Cineteca, conectando con un público diverso.

En esta entrevista conocemos a este profesional inteligente y amable que, con una perspectiva amplia y valiente, está renovando el panorama del cine en Madrid.

– ¿De dónde viene tu pasión por el cine?

De mis padres. Cuando era pequeño, todos los fines de semana, nos ponían a mis hermanos y a mí películas de los hermanos Marx, Billy Wilder, Buster Keaton… Todavía me siento como un niño cuando se apagan las luces de la sala de cine y empieza una película.

– ¿Te consideras un verdadero cinéfilo?

Mi visión del cine ha cambiado mucho con el paso del tiempo. En algún momento, sobre todo de adolescente, fue una vía de escape de una realidad que no me gustaba. Era un muchacho taciturno y solitario. En el cine me olvidaba temporalmente de mi soledad. Hoy, en cambio, creo que el cine no debe ser una vía de escape, sino todo lo contrario, una forma de hacernos más conscientes del mundo que nos rodea. El cine debe servir para acercarnos a los demás y hacernos más humanos.
Creo que lo mejor del cine ocurre a la salida de la sala: no son las películas, sino las conversaciones que estimulan.

«el cine no debe ser una vía de escape, sino todo lo contrario, una forma de hacernos más conscientes del mundo que nos rodea»

«lo mejor del cine ocurre a la salida de la sala: no son las películas, sino las conversaciones que estimulan»

– Eres autor de un ensayo titulado Contra la cinefilia, donde desarrollas la idea de que la obsesión por el cine puede llegar a enfermar a sus amantes. ¿Qué respuesta has tenido por parte de los cinéfilos?

De todo tipo. La cinefilia no es muy receptiva cuando se cuestiona sus fundamentos. Es una cultura en cierta medida endogámica, obsesionada con ciertos mantras y con pocas conexiones con otros ámbitos del pensamiento y el arte contemporáneo. Esto ha provocado que el cine actual se vuelva autorreferencial y melancólico, un arte encerrado en sus propias obsesiones. En el ensayo planteo que el cine debe desligarse de la industria y los festivales, salir de las salas, reescribir su historia, empaparse menos de la luz de la pantalla y más de la luz del sol, volver a sus orígenes, cuando todavía todo era posible, aprender de las otras artes y dialogar con la realidad. No hay nada peor que el cine hecho por y para cinéfilos.

«La cinefilia no es muy receptiva cuando se cuestiona sus fundamentos»

«En el ensayo planteo que el cine debe desligarse de la industria y los festivales, salir de las salas, reescribir su historia, empaparse menos de la luz de la pantalla y más de la luz del sol»

– ¿Cómo te convertiste en programador de cine?

Luis E. Parés, el actual director artístico de Cineteca Madrid, leyó Contra la cinefilia y quiso trabajar conmigo. Él también tenía el convencimiento de que el cine debe servir para tender puentes entre los espectadores y el mundo. Su proyecto era estupendo, ponía mucho énfasis en el deseo de abrir las puertas de la institución, convertirla en un espacio para el encuentro y el diálogo, mucho más que un simple espacio para la proyección de películas. Así que me sumé al equipo. Estoy muy agradecido por esta oportunidad. También colaboro con otras instituciones como la Academia de Cine Español, donde me permito hacer programas puntuales muy ambiciosos.

– Después de dos años como programador de Cineteca Madrid, ¿cómo valoras el momento en el que se encuentra la institución y cómo ha cambiado en este tiempo?

Cuando llegué en enero de 2022 la situación era desoladora. Las salas estaban prácticamente vacías. Todavía había muchas restricciones por el Covid y la industria y el público buscaban alternativas. El principal reto ha sido traer al público de vuelta, recordarle que la experiencia de la sala es incomparable con la del cine en casa. No era fácil, pero el esfuerzo ha merecido la pena. Es una suerte trabajar con un equipo de gente como el de la Cineteca. El mes pasado tuvimos casi 6200 espectadores, es una cifra extraordinaria.

«El principal reto ha sido traer al público de vuelta, recordarle que la experiencia de la sala es incomparable con la del cine en casa»

«El mes pasado tuvimos casi 6200 espectadores, es una cifra extraordinaria»

– ¿Con qué criterios realizáis la programación de la Cineteca?

Tenemos tres líneas fundamentales de programación. En primer lugar, Matadero Madrid es una institución dedicada a la creación española contemporánea. Todas las semanas tenemos entre uno y tres estrenos que no encuentran su espacio en las salas comerciales. En segundo lugar, queremos que Cineteca Madrid sea un espacio para redescubrir y animar a reescribir la historia del cine. Dedicamos programas a distintos temas y autores que incluyen películas de culto, clásicos, documentales,
cine de vanguardia y serie B. En tercer lugar, nos gusta expandir los usos de la sala de cine, romper su aura, abrirla a otras actividades.
Todos los meses nuestra programación incluye conferencias, performances, programas de música de vanguardia (en la sala a oscuras, una experiencia fantástica) y proyecciones de videoarte.
Recientemente hemos recuperado las sesiones en formato analógico de 16mm y Super 8mm.

– Dedicáis muchos programas al cine por mujeres. ¿La historia del cine se está replanteando a sí misma igual que otros ámbitos de la historia del arte?

Por desgracia, la visión dominante de la historia del cine sigue siendo muy parecida a la de hace medio siglo, con Hollywood como núcleo irradiador y el cine de autor de corte europeo como única alternativa
sofisticada. Hollywood representa el sometimiento a la industria y el cine de autor representa el culto a la personalidad. Dos corrientes dominadas por figuras y visiones masculinas. Pero existen otras muchas historias del cine, solo hay que ir a buscarlas más allá de las modas y los festivales. El cine ha querido ser también una herramienta al servicio de la idea de un mundo mejor. Nuestro objetivo es contar también esas otras historias. Reivindicar el cine hecho por mujeres es reivindicar una historia del cine distinta, más justa.

«existen otras muchas historias del cine, solo hay que ir a buscarlas más allá de las modas y los festivales»

«Reivindicar el cine hecho por mujeres es reivindicar una historia del cine distinta, más justa»

– ¿Qué tipo de público tenéis?

Creo que la prueba de que estamos en el buen camino es que estamos conectando con públicos muy diversos e imprevisibles. No solo en términos de edad, también de carácter. Cinéfilos muy exigentes y
amantes del cine popular, personas interesadas en el arte o en la música… incluso freaks del cine de terror o el anime. Este es un gran reto para el programador y una de nuestras grandes preocupaciones: queremos que en nuestras salas haya sitio para todos.

«la prueba de que estamos en el buen camino es que estamos conectando con públicos muy diversos e imprevisibles»

«queremos que en nuestras salas haya sitio para todos»

– ¿Tenéis mucho público joven?

¡Sí! Lejos del lugar común, la experiencia me dice que los jóvenes son muy curiosos y tienen ganas de descubrir cosas nuevas. Conectar con el público joven es otra de las grandes preocupaciones del equipo. No solo como espectadores, sino también como cineastas y programadores. Dos de los proyectos más importantes de Cineteca son Dentro Cine, una escuela de cine para jóvenes en riesgo de exclusión social, y Cinezeta, un equipo de jóvenes programadores.

– ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo?

Los encuentros con el público. La sensación de estar frente a cien o doscientos espectadores, presentando una película, y sentir que conecto con ellos, que puedo hacer que vean una película de otra manera, que se liberen de ciertos complejos… Creo que el valor de un programador se mide en el momento del contacto con el público. Se puede cambiar completamente la experiencia de una película con solo cinco minutos de presentación, eso es muy importante. Es el poder de los relatos.

«el valor de un programador se mide en el momento del contacto con el público»

– Hablando de relatos, tu carrera profesional oscila entre la programación de cine y la creación literaria. ¿Cómo compaginas estos dos mundos?

Para mí son indisociables. Escribo relatos y poemas desde que tengo memoria. El trabajo literario es mi verdadera vocación, pero a veces puede ser un poco solitario, y a mí me gusta mucho la gente, la fiesta, la conversación. Soy muy curioso, la cultura me interesa en un sentido muy expansivo. Detesto a los escritores que viven demasiado encerrados en su burbuja literaria. La programación de cine me mantiene en contacto con la gente y es muy estimulante.

– También tienes formación como arquitecto y eres traductor. Acabas de traducir y prologar un libro sobre François Villon y otros poetas medievales. ¿Por dónde te gustaría seguir en el futuro?

Me consuela pensar que esa diversidad de intereses es fundamental en lo que hago. De todas formas, no podría prescindir de ella, soy de naturaleza expansiva y un poco dispersa. Lo compenso con mucho
esfuerzo y capacidad de trabajo en equipo. En el futuro me gustaría poder seguir compaginando mis proyectos personales con mi trabajo como gestor cultural.

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Me cuesta mucho dibujar la barrera entre el trabajo y el ocio. Leer, escribir, ver películas, visitar edificios o exposiciones… Ahora todo eso forma parte de mi trabajo. En mi tiempo libre me gusta mucho cocinar.
Empiezo a sospechar que es mi verdadera vocación.

– ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Estoy trabajando en dos proyectos literarios. Un libro de relatos y un ensayo sobre cine. También tengo un libro pendiente sobre una de mis mayores obsesiones: el proyecto irrealizado de Sergéi Eisenstein de
adaptar al cine El capital de Marx.

– Un deseo que te gustaría que se hiciera realidad.

Que el arte nos haga más libres.

«Deseo que el arte nos haga más libres»

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Contra la cinefilia

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«Las artes son la única oportunidad de transformar nuestra vida en algo extraordinario»

Cinzia Newoman es actriz y fotógrafa de moda. Directora de documentales y cortometrajes, ha trabajado como DJ y VJ. De origen italiano y residente en Madrid desde hace seis años, se ha formado en Italia, Argentina, México y España. Como ella misma se define, dentro de esta artista hay mil mujeres diferentes a la vez, profesionales y camaleónicas que se adaptan y aprenden para cada proyecto, dando el máximo en cada uno de ellos.

Cinzia Newoman trabaja desde el interés en el otro, ya sea a través de su cámara o desde la creación de un personaje. Y también con los otros, porque trabaja desde la colectividad y la colaboración, aportando y aprendiendo, tomando y dando.

Es una artista interdisciplinar, inteligente, brillante y sensible que por su profesionalidad, capacidad de aprendizaje, adaptación y resistencia es el V Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG.

– ¿Qué historia hay detrás del nombre Newoman?

Newoman es mi nombre artístico inspirado en Paul Newman. El hombre New-man, y yo mujer New-woman. En principio lo utilicé sólo para las redes sociales, no quería en mi realidad virtual conocer la misma gente que en la vida real, pero poco a poco fue tomando forma y profundidad, hasta el día que me tatué en el brazo izquierdo un corazón alado que en el centro lleva el nombre de Newoman.
Newoman es una nueva mujer capaz de empezar desde cero, de reinventarse y transformarse cada vez, en búsqueda de algo que la haga sentir viva cada día.

«Newoman es una nueva mujer capaz de empezar desde cero, de reinventarse y transformarse cada vez»

«en búsqueda de algo que la haga sentir viva cada día»

– Eres fotógrafa, actriz y te formaste en dirección de cine.

Sí, siempre me he formado y he trabajado en diferentes disciplinas. He realizado un documental sobre experiencias con psicólogos titulado Hechos Reales, y también cortometrajes. He trabajado como Vj para eventos artísticos y de ocio. Soy fotógrafa y actriz -trabajo habitualmente en series, películas y cortometrajes- Dj y quien sabe cuántas cosas más quedan por descubrir. Hay una canción con la que me siento identificada que es muy linda, es de Belén López, una actriz que tuve el placer de conocer personalmente, y que dice:

«Porque soy más de mil mujeres a la vez
Vete dando cuenta de lo que es eso»

– ¿Cuándo comenzaste a interesarte por las artes y qué significado tienen para ti? 

Mi relación con las artes es un camino que he desarrollado a través de las personas que he conocido, de las que he aprendido, con las que he trabajado y que me han abierto la mente en muchos sentidos y en muchas disciplinas.

Empecé a interesarme por las artes con la pintura, recuerdo que tuve un momento de mi vida en que pintaba todo de blanco. La madre de mi ex nos regaló un marco para cuadros muy antiguo de madera oscura que pertenecía a su familia y yo lo pinté completamente de blanco, para darle una nueva vida. A mi suegra casi le da un infarto cuando lo vio.
Después, conocí a un pintor mexicano, Luis Romo, que daba un curso de pintura: El Color que te llama. Él tenía un concepto de arte libre y colectivo, creando murales de forma colaborativa con muchas personas y llenando la ciudad de colores.
En grupo creaban El Papalote (llaman así a las cometas en México), son obras realizadas en un soporte de cartón y arcilla, para liberar la obra de la forma del rectángulo y del marco. Para su creación debe participar toda la comunidad. Esta forma de trabajo colectivo fue una revelación total para mí, acostumbrada a vivir en un mundo tan individualista y egoísta.
Las artes para mí son la única oportunidad que tenemos de transformar nuestra vida rutinaria en algo extraordinario.
Como actriz, por ejemplo, tengo la posibilidad de interpretar diferentes personajes, totalmente distintos entre ellos y vivir muchas historias en una sola vida. Eso para mí supone una gran riqueza personal y como artista. Una manera de entender el mundo.

«Mi relación con las artes es un camino que he desarrollado a través de las personas que he conocido»

«Las artes para mí son la única oportunidad que tenemos de transformar nuestra vida rutinaria en algo extraordinario»

– Naciste en Italia, en Milán y te formaste en Bolonia en Arte, Música, Cine y Espectáculo en el DAMS ¿cómo fue esta época para ti?

Mi carrera como artista empezó tarde. Mi familia es de origen humilde y yo tenía que trabajar, mis padres me dijeron: «Irás a la universidad cuando tengas dinero», y así fue.
Tenía 33 años, los años de la resurrección, estaba trabajando en una oficina de recursos humanos, vestía trajes elegantes y tacones y ganaba mucho dinero, cuando decidí dejarlo todo, cortarme el pelo muy corto ponerme unas mechas color rojo para ir a Bolonia, la principal ciudad universitaria en Italia, a estudiar Dirección de Cine al DAMS (Discipline delle Arti, della Musica e dello Spettacolo).
Para mí estar allí era como vivir en un sueño, todo a mi alrededor eran ideas, proyectos, amigos, creatividad.
Todas las asignaturas eran súper interesantes. Me enamoré totalmente de la Antropología, una asignatura que había dejado para el final porque la consideraba aburrida y acabó siendo un verdadero descubrimiento. Estudiar Historia y Tecnología fue una fuente infinita de información e inspiración. Empecé un estudio experimental de arte visual con música electrónica y descubrí muchas técnicas, un millón de maneras de hacer arte.

«Para mí estar allí era como vivir en un sueño, todo a mi alrededor eran ideas, proyectos, amigos, creatividad.»

«descubrí muchas técnicas, un millón de maneras de hacer arte»

– En Roma y Milán realizaste estudios de Dirección de Cine ¿cuáles eran tus referentes cinematográficos y por qué elegiste esta especialidad?

Heredé el amor por el cine a través de mi madre, en mi casa se veía el cine del neorrealismo italiano de los años 50 como Pane, amore e fantasia y también los spaghetti western de Sergio Leone.
Una de mis películas favoritas es Nuovo Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore. Sería un sueño para mi dirigir algún día una película tan bella, que transmita tanta poesía y tanto amor como ésta.
Monica Vitti, es mi referente de actriz italiana, porque es capaz de interpretar todos tipos de personajes, desde la mujer más vulgar e histriónica a la más elegante y sofisticada del planeta.

Toda esta cultura está en mí y en mi manera de crear, directa o indirectamente.

«Heredé el amor por el cine a través de mi madre»

«Toda esta cultura está en mí y en mi manera de crear, directa o indirectamente»

– Has vivido en Buenos Aires, lugar donde comenzó tu carrera como fotógrafa ¿cómo fue tu vida allí y qué motivó que comenzaras a hacer fotografías?

Mi vida en Buenos Aires fue pura fantasía. La ciudad es un vivero de artistas. Allí realicé unos cortometrajes, pero tenía mucha dificultad a la hora de dirigir a los actores, así que decidí hacer un curso de teatro. Me gustó tanto que me quedé atrapada al otro lado y empecé mi camino como actriz.

Cuando llegué en Argentina no sabía hablar muy bien español. Como extranjera he tenido muchas veces la imposibilidad de expresarme porque no sabía cómo decir algo y fue interesante descubrir que el tango nace justo de la dificultad y la necesidad de comunicarse de alguna manera con el otro.
Empecé a tomar clases de tango y sentir/vivir el poder del abrazo, esta conexión mágica que se genera entre dos personas que no se conocen y comparten el tiempo de una canción unidos en un abrazo. Y mi trabajo como fotógrafa empezó así, sentía la necesidad de retratar abrazos.

En esta etapa me gustaba definirme como fotógrafa de danza, me fascinaba la expresividad e infinita cantidad de emociones que transmite un bailarín. Conecté en seguida con muchos artistas de diferentes estilos y disciplinas y comencé algunas colaboraciones. Realicé unos videos con una artista que estudia el poder del abrazo trabajando con maniquíes y pintura y con unos bailarines de tango estuve filmando, fotografiando y recogiendo mucho material precioso.

Como siempre ha sido en mi trayectoria, conocer a diferentes artistas fue un canal para descubrir y desarrollar otras facetas como la fotografía, la danza y el teatro.

– También has vivido en México ¿qué te atrajo del país y qué proyectos desarrollaste allí?

En México he vivido un año y he colaborado con un grupo de danzantes aztecas que viven según tradiciones muy antiguas y visten atuendos y coronas de plumas. Ellos realizan sus propias vestimentas, de manera artesanal, para evocar a un animal sagrado.
La danza mexica en un acto espiritual. Los movimientos del cuerpo, el canto y la música de los tambores crean un ritual lleno de simbologías que abre las puertas entre los seres humanos y las divinidades.
Los elementos de la naturaleza: el fuego, el viento, el agua y por supuesto la tierra son divinidad y las plumas son antenas de trasmisión entre los dos mundos.
A través de mis fotos he intentado captar la energía, la fuerza y la espiritualidad de los MEXICA, que es el título de la obra. El resultado, gracias a la variedad infinita de colores y la belleza de los rasgos indígenas, es impactante.

– ¿Cómo es tu proceso creativo al trabajar en fotografía y qué te interesa? 

Cuando trabajo con modelos fundamentalmente observo cómo son y encuentro en ellos lo que más me interesa.

Actualmente estoy realizando fotografía de moda, que me fascina y considero un arte en sí misma. El proceso creativo siempre nace de una idea que va asociada a todo mi background y mi formación en cine. En mi primera sesión de fotos realizada para una editorial quise inspirarme por ejemplo en Ghost in the Shell y las reinas de un universo postapocalíptico.

– Como actriz trabajas para producciones de TVE (Servir y proteger), Movistar Plus (La Unidad), Netflix (Warrior Nun) o Amazon Prime Video (Madres, amor y vida) además de participar en películas y cortometrajes ¿cómo han sido estas experiencias para ti y de cuáles te sientes más orgullosa?

Todas las experiencias que he tenido han sido muy enriquecedoras. He tenido la suerte de trabajar siempre con gente que ama el oficio y transmite tanto entusiasmo y pasión.
Sin duda la experiencia donde me he sentido más orgullosa ha sido en Servir y Proteger, porque se trabajaba a diario en un plató y he aprendido muchas cosas prácticas con respecto a los tiempos de producción, la tensión y otras miles emociones que hay que tener en cuenta, y he descubierto mi capacidad de concentrarme y enfocarme cuando la claqueta suena y el director dice «¡Acción!«.

«He tenido la suerte de trabajar siempre con gente que ama el oficio y transmite tanto entusiasmo y pasión»

«He descubierto mi capacidad de concentrarme e enfocarme cuando la claqueta suena y el director dice «¡Acción!»

– ¿Cómo es tu tiempo cuando no lo dedicas a trabajar?

En mi tiempo libre me gusta leer y mirar películas, series y documentales. Soy bastante friki, veo una media diaria de dos películas o una temporada de una serie en un fin de semana. Muchas veces eso me sirve como material para inspirarme y trabajar a la hora de crear un personaje, sobre todo me interesan los documentales porque tratan de la vida de personas reales.
El último documental que vi de Giuseppe Tornatore, sobre la vida y la obra de Ennio Morricone, me fascinó la manera en la que él movía las manos a la hora de pensar, como si estuviera componiendo una melodía o dirigiendo una orquesta.
Hoy en día reconozco inmediatamente si algún actor es músico o no.

– ¿De qué manera preparas cada personaje?

Hay muchas maneras de prepararse un personaje, y lo más importante es que resulte real, creíble. Hay que hacer primero un análisis del texto, saber qué mueve el personaje, cuáles son sus deseos, sus miedos, cuál es el conflicto, entender las circunstancias de su presente y de su pasado, pensar en que Eneatipo podría ser, que carácter tiene, si es un tipo de persona tranquila o agresiva y analizar porqué y el para qué de cada decisión que toma.
Hay que hacerse muchas preguntas e intentar encontrar las respuestas.
La creación de un personaje es parecida a la creación de una obra de arte, al principio hay una idea y no sabes cómo realizarla, pero poco a poco va tomando forma.

«Hay que hacerse muchas preguntas e intentar encontrar las respuestas»

«La creación de un personaje es parecida a la creación de una obra de arte»

Tengo un cariño especial a esta escena que grabé para mi videobook en italiano con Richard Holmes de Realidad Producciones.

Siempre he tenido muchas dificultad para llorar en público, siempre sale una coraza para proteger mis emociones, pero Richard, el director, en un tiempo muy breve supo llevarme y tocar unos puntos clave de mi sensibilidad, me dijo:
«Piensa en una persona a la que quisiste mucho y que ahora ya no está«.

Empecé a llorar sin parar, sin vergüenza, sin miedo a que me vieran de verdad. Fue una experiencia muy intensa y
muy bonita.

– ¿Qué proyectos te gustaría realizar en el futuro?

Como artista visual y fotógrafa me llama mucho la atención todo el universo digital de NFT y Metaverso.
Tengo unas ideas que empecé a trabajar hace unos años de arte glitch y fluidificación (o modificación digital de imágenes) en las que ahora quiero profundizar y experimentar.

También me gustaría unir más mis dos pasiones, la fotografía y el cine, y trabajar como Foto Fija.

– Eres el V Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG ¿cómo te sientes al haber sido elegida?

Me siento súper feliz y honrada de haber sido elegida para este premio que representa para mí una preciosa oportunidad de conocer extraordinarios artistas.
Quiero agradecer la revista YANMAG y su creadora Berta Delgado es una excelente profesional y una persona maravillosa, con ella todo se convierte en puro Arte.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

Realizar una obra de arte que pueda sensibilizar el mundo acerca de problemas colectivos.

«Me gustaría realizar una obra de arte que pueda sensibilizar el mundo acerca de problemas colectivos»

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«Una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya»

Marta Salvador Tato es especialista en distribución cinematográfica y fundadora de Distribution with Glasses, marca con la que lleva más de un año dando a conocer cortos, largos y documentales nacionales e internacionales en distintos festivales de todo el mundo.

Posee una sólida formación y experiencia que abarcan diferentes ámbitos de la gestión cultural que le han permitido adaptarse a cada sector. En su día a día realiza un minucioso trabajo de comisariado, analizando las posibilidades de cada obra cinematográfica y estableciendo rutas para darlo a conocer en los festivales a los que mejor se adaptan.

Sus principales objetivos son buscar un trato cercano con directores/as y productores y presentar un catálogo que se ajuste a los valores de la marca: la defensa del medio ambiente, los derechos humanos y el feminismo. Y con esta apuesta personal por difundir trabajos éticos, está consiguiendo que varias de las obras de su catálogo estén en la carrera a los premios Goya y a los Óscar.

Por este sorprendente recorrido, ella es el  III Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG  y lo celebramos con esta entrevista en profundidad para conocer su trabajo.

– Eres Licenciada en Historia del Arte y en Historia y Ciencias de la Música, además de Máster de Enseñanza de Español. ¿Cómo te decidiste por estos estudios?

Desde siempre me apasiona la Historia del Arte y tuve la suerte de que (casi) nadie me dijo eso de «no lo estudies, no tiene salidas», así que la decisión fue sencilla y disfruté muchísimo la carrera. La doble licenciatura de Hª y Ciencias de la Música vino después, porque he estudiado música desde pequeña y tenía ganas de profundizar por ahí. Pude compaginar esta segunda carrera con un trabajo de profesora de arte y español para un programa de intercambio de la Universidad de Salamanca con la universidad de Wake Forest, de Carolina del Norte. Precisamente este trabajo fue lo que me motivó a estudiar el Máster de Enseñanza de Español como Lengua Extranjera, también en la USAL, que me vino genial para el trabajo que estaba desempeñando en ese momento. La formación en sí es un poco ecléctica y en ese momento no estaba pensando en ninguna trayectoria concreta, sino más bien en estudiar cosas que me gustaban, pero no me arrepiento de ninguna de las decisiones.

– Te trasladaste de Salamanca a Madrid ¿cómo fue para ti este cambio?

Estuve unos años trabajando para la Wake Forest University (a la que estoy tremendamente agradecida por haber confiado en mí nada más licenciarme y gracias a la que aprendí muchísimo), pero me di cuenta de que aquel trabajo no era exactamente lo que quería hacer. Supe que necesitaba más formación específica en gestión cultural, así que me mudé a Madrid para estudiar el Máster en Gestión Cultural de la UC3M. Dejar un trabajo que ya era estable siempre es una decisión difícil, pero la tomé convencida y el cambio estuvo lleno de ilusión: tenía muchas ganas de hacer el máster y de vivir en Madrid, que es uno de los centros culturales más potentes de España. Pensé que sería más fácil encontrar un espacio que me apasionara aquí y además me encanta la ciudad.

«Dejar un trabajo que ya era estable siempre es una decisión difícil, pero la tomé convencida y el cambio estuvo lleno de ilusión»

– Has trabajado en diferentes áreas de la organización, comunicación y gestión cultural, desde artes escénicas, arte contemporáneo a festivales de literatura y cine ¿qué te han enseñado estas experiencias y cómo aplicas lo aprendido en tu día a día?

Yo diría que lo mejor de todas esas experiencias ha sido el trabajo en equipo del día a día, ese salto de la teoría a la práctica que hace que las cosas realmente funcionen. La experiencia más allá del papel es lo que te prepara para afrontar imprevistos y ser resolutiva cuando es necesario. Y, por supuesto, el haber estado con gente que lleva años trabajando por y para la cultura es un aprendizaje constante. Hay tanta gente incansable que lleva años en esto que me ha enseñado mucho… la lista de agradecimientos se me haría interminable.

«La experiencia más allá del papel es lo que te prepara para afrontar imprevistos y ser resolutiva cuando es necesario»

– ¿Cuándo comenzó tu interés en la distribución de cine y cómo empezaste a trabajar en el sector?

Esta es una pregunta graciosa, porque hasta hace unos años yo ni siquiera sabía qué era la distribución cinematográfica y, claro, no entraba en mis planes dedicarme a ella. Es divertido, porque la mitad de mis familiares y amistades no saben explicar exactamente a qué me dedico (risas), es algo muy desconocido. Mientras hacía al Máster de Gestión Cultural en Madrid, estuve haciendo prácticas en la Academia de Cine. Las solicité sin mucha esperanza en que me las dieran, dando por sentado que les interesaría más alguien licenciado en Comunicación Audiovisual. Resulta que me equivoqué y, como fue en el Departamento de Actividades Culturales, mi formación les cuadró para el perfil que buscaban. Ahí aprendí muchísimo no solo sobre cine, sino sobre gestión de copias, comunicación, procesos oficiales relacionados con diferentes campos de la cinematografía, festivales… Para mí, el paso por la Academia de Cine fue una apertura de mente y entender que en el cine no solo trabajan cineastas, productoras, intérpretes, etc., sino que existe todo un tejido de profesionales necesarios para que las cosas funcionen y que quizá yo podía encajar ahí. A los pocos meses de terminar mis prácticas y después de haber colaborado con un par de festivales de cine para entender mejor cómo funcionaban desde dentro, se publicó una vacante en una distribuidora de cine en festivales y, de nuevo sin mucha esperanza, presenté mi candidatura. En aquel momento, yo tampoco entendía muy bien a qué estaba postulando y tuve que aprender sobre la marcha (que al final es como mejor se aprenden las cosas). De nuevo, tuve suerte y me aceptaron, y ahí fue cuando aprendí que existían compañías dedicadas únicamente a la distribución de cine en festivales y lo importante que era este circuito para el sector.

«Para mí, el paso por la Academia de Cine fue una apertura de mente»

– ¿Por qué decidiste fundar Distribution with Glasses y que está suponiendo para ti?

Hay varias distribuidoras de cine en festivales en España y la decisión de crear una nueva, yo sola y en un mundo con nombres muy consolidados, daba un poco de vértigo. Sin embargo, llevaba años hablando con directoras y directores de sus inquietudes y me di cuenta de que muchas personas demandaban un trato más cercano por parte de la figura de la distribuidora. Yo soy intermediaria entre las películas y los festivales, pero detrás de las películas hay personas que quieren entender qué estás haciendo con sus obras y por qué. Algunas agencias similares trabajan con catálogos muy difíciles de asumir (por la cantidad de obras y lo reducido de los equipos) y de forma automática, y al final la desconexión con el creador es inevitable, porque el tiempo no te da para todo. Yo tenía ganas de trabajar a pequeña escala y de conocer realmente a las personas con las que trabajo, de poder guiarlas si lo necesitan y explicarles mis decisiones como distribuidora. Es algo así como unirme al equipo de cada película, más que ser una profesional externa y alejada de él. Esto a veces funciona mejor y a veces peor, claro (hay gente que prefiere dejarte el trabajo y desentenderse, y ahí hay menos trato), pero en general mi experiencia está siendo fantástica.

Además de la cercanía con los equipos, se me hacía necesario tener control sobre las películas que distribuyo, porque no todas las producciones me resultan interesantes. Creo firmemente que una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya y ayuda a difundir, así que en el catálogo hay trabajo de curaduría para crear algo coherente que se identifique con ciertos valores.

«tenía ganas de trabajar a pequeña escala y de conocer realmente a las personas con las que trabajo, de poder guiarlas si lo necesitan y explicarles mis decisiones como distribuidora»

«Creo firmemente que una distribuidora debe elegir qué mensajes apoya y ayuda a difundir»

– ¿Quiénes son tus clientes y cómo trabajas con ellos?

Mis clientes son los/as directores/as o productores/as de las películas, que me contratan para valorar qué recorrido puede tener su obra y encargarme de los envíos y su representación en festivales. Como te comentaba antes, lo que más valoro es la cercanía con ellos, así que intento que hablemos bastante (suele ser por correo electrónico, por estos ritmos locos que llevamos todos) y que, cada cierto tiempo, podamos evaluar juntos cómo va el trabajo. Siempre comparto mi trabajo con ellos en tiempo real para que vayan viendo los progresos, así que les insisto mucho en que me pregunten si tienen dudas, para que el contacto no se pierda. Con algunas personas el trato y la relación son más constantes que con otras, pero no hay director/a en el catálogo al que no conozca de forma más o menos cercana y eso es realmente lo que buscaba con la distribuidora. No me interesa ser una máquina ni trabajar con gente a la que no puedo poner cara.

«Siempre comparto mi trabajo con ellos en tiempo real para que vayan viendo los progresos»

«no hay director/a en el catálogo al que no conozca de forma más o menos cercana»

Por definir un poco mejor lo que hago, mi trabajo es evaluar qué tipo de recorrido puede tener una película en festivales y, escuchando también las expectativas e intenciones de directores y productores, diseñar la estrategia en festivales. No todas las películas son iguales ni tampoco todas persiguen lo mismo: hay producciones que nacen con el objetivo de ganar un gran premio (un Goya, por ejemplo) y otras que solo quieren conocer el circuito de festivales y servir como carta de presentación para futuros proyectos de un/a cineasta. Primero veo la obra, luego escucho a los equipos y, a partir de ahí, toca ponerse a trabajar y diseñar el mejor camino en festivales. Una vez este camino está creado, hay que evaluarlo periódicamente y reconducirlo si no funciona, siempre de la mano de su director/a.

– ¿Cuál es tu criterio a la hora de elegir trabajos cinematográficos para distribuir?

Como decía, para mí es importante qué mensajes se apoyan desde una distribuidora. A veces llegan cosas que técnicamente son fantásticas y de pronto tienen tono homófobo, racista, machista… Es increíble cuántos trabajos se producen todavía en los que «se cuelan» cosas así. En esos casos, sabes que probablemente la película (sea corta o larga) tendrá cierto éxito en festivales, pero tomas la decisión de que no sea contigo. Establecer estos filtros permite construir un catálogo del que me siento realmente orgullosa y que puedo defender sin «peros», y para mí es crucial a la hora de trabajar. Si tu distribuidora no confía en ti honestamente, ¿quién va a hacerlo?

Además de estos filtros, también hay que recordar que este proyecto es joven y que tiene una filosofía «más pequeña», así que muchas veces hay que dejar fuera trabajos por otras razones. En ocasiones llegan algunos que me encantan, pero a los que no veo mucho futuro en festivales (no porque sean malos, sino porque este circuito tiene sus propias normas), y en ese caso prefiero ser honesta y no cobrar dinero por un trabajo que no creo que vaya a rentabilizar su inversión la distribuidora.

«Establecer estos filtros permite construir un catálogo del que me siento realmente orgullosa y que puedo defender sin «peros», y para mí es crucial a la hora de trabajar»

– ¿Cómo es tu relación con los festivales de cine nacionales e internacionales?

Intento que sea buena y cercana, aunque hay que recordar que hay miles y miles de festivales en el mundo y que no hay una respuesta única para todos ellos. Cuando llevas años en contacto con las competiciones, al final se establecen relaciones de complicidad y a veces escribes a los programadores como a viejos conocidos; en otros casos, los equipos son más cambiantes y les suena el nombre de Distribution with Glasses porque ya ha estado presente en su festival en el pasado, pero conoces a gente nueva de un año para otro. Siempre que se puede está bien viajar para conocer los festivales de primera mano: los equipos, el ambiente, los eventos… No siempre es posible, claro, y en el caso internacional es aún más difícil por lejanía geográfica (¡y que no da el tiempo para todo!). A nivel internacional tengo buena relación con muchos de ellos y a nivel nacional tengo la suerte de poder decir que muchos organizadores de festivales se han convertido en compañeros cercanos. Algunos de ellos han apoyado y ayudado a mi marca desde sus inicios y eso es algo que les agradeceré siempre.

– ¿Cuál ha sido tu mayor caso de éxito hasta el momento?

¡Esa sí que es una pregunta difícil! Este proyecto solo lleva año y medio en activo, pero tengo la suerte de poder dar muchos casos de éxito. Por no tener que elegir e ir a la raíz, te podría hablar de Un día en el parque, el primer cortometraje que me puse a distribuir de forma independiente, un corto de estudiante y sin presupuesto. Yo quería apostar por él desde mi anterior puesto de trabajo y en la empresa en la que estaba no me lo permitieron, así que decidí distribuirlo por mi cuenta con su director, Diego Porral, que es un verdadero genio de la animación. Ahí es cuando comenzó este proyecto, en realidad. Meses después, el corto estaba nominado al Goya y a día de hoy, más de tres años después de su estreno, sigue dándonos alegrías y recibiendo premios y selecciones en festivales de todo el mundo, es una pasada. Ha pasado por más de 300 festivales y viajado por todas partes, e incluso forma parte de programas educativos y materiales de enseñanza de español para extranjeros.

Además, ahora mismo tenemos cortos en la carrera de los Goya, uno en la carrera de los Óscar, películas (cortas y largas) seleccionadas y premiadas en los principales festivales del mundo, largometrajes con estreno en sala próximo… Son logros increíbles, y más aún para una distribuidora de reciente fundación. ¡Es un catálogo estupendo, de verdad! Estoy muy orgullosa.

Siempre hay que señalar que todo esto lo consiguen las películas por su calidad, y el mérito viene de los creadores y creadoras, porque hay muchas mentes increíbles trabajando en cine. Lo que hacemos desde las distribuidoras es acompañar y facilitar ese recorrido que se ganan por derecho propio, y personalmente estoy muy agradecida a Diego y a todas las personas que han confiado sus obras a esta distribuidora. Es un proyecto joven y podrían haberse decantado por otros nombres con más trayectoria, pero decidieron apostar por esto y con su generosidad me han ayudado a crecer.

«el mérito viene de los creadores y creadoras, porque hay muchas mentes increíbles trabajando en cine»

«Lo que hacemos desde las distribuidoras es acompañar y facilitar ese recorrido que se ganan por derecho propio»

– ¿Cómo ves el sector cinematográfico en España? ¿es más fácil distribuir cortos, largos o documentales nacional e internacionalmente?

Es importante señalar que, cuando hablamos de este tipo de cosas, nos referimos sobre todo a la distribución comercial relativa a las ventas: salas de cine, plataformas VOD, etc. Yo no toco ese tema, así que desconozco cómo es exactamente ese mercado. En el circuito de los festivales no hay mucha diferencia entre trabajar nacional o internacionalmente, ya que la mayoría de certámenes funcionan de un modo similar (cada uno con sus particularidades) y no tenemos problemas añadidos como la venta de derechos con los que sí tiene que lidiar esa otra rama de la distribución.

– Recientemente has sido jurado en el Festival ESNE Feelmotion ¿qué tienes en cuenta a la hora de valorar cada película?

En Feelmotion llevo unos años siendo jurado y este ha sido el primer año en el que, además, Distribution with Glasses ha sido patrocinadora oficial, para dar apoyo en distribución a cortometrajes realizados por estudiantes. Es un festival al que tengo muchísimo cariño y, además, el certamen en el que conocí a mi primer corto distribuido, Un día en el parque, así que para mí es un placer que cuenten conmigo. En este caso se premia el talento joven, es una cantera estupenda para ver qué hacen las nuevas generaciones de creadores/as, así que se valora mucho el ingenio y las nuevas miradas. Es un festival que conecta mucho con la filosofía que tiene este proyecto de búsqueda y apoyo a los nuevos talentos. Quien desprecia la etiqueta de «trabajo de estudiante» en cine no sabe lo que se está perdiendo, hay obras que no tienen nada que envidiar a las de profesionales con más trayectoria.

«Quien desprecia la etiqueta de «trabajo de estudiante» en cine no sabe lo que se está perdiendo, hay obras que no tienen nada que envidiar a las de profesionales con más trayectoria»

Unas semanas antes fui jurado del Festival Internacional de Cine Luz del Desierto, en Argentina, y también fue una experiencia estupenda. En esta ocasión, el jurado era más reducido y tuvimos una tarde entera de videollamada internacional hablando sobre las obras que teníamos que valorar y otorgar los premios. Como es habitual, además de la calidad técnica y artística de las películas se suele hacer mucho hincapié en qué cosas nuevas aporta cada una y el impacto que provoca.

– Has sido profesora invitada en el curso de Gestión de proyectos culturales en la Universidad Complutense de Madrid ¿cómo fue tu relación con los alumnos y qué trataste de inculcarles?

La verdad es que mi principal labor en ese tipo de sesiones es explicar qué es la distribución en festivales, cuáles son las dinámicas de trabajo y por qué es importante. Como te decía antes, ¡nuestro trabajo es muy desconocido! Parece que en el ámbito del cine conocemos mucho algunos puestos de trabajo (dirección, guion, producción, interpretación, etc.), pero cuando las películas están terminadas hay mucha gente trabajando para que se vean: distribuidoras en festivales, distribuidoras en salas, agencias de ventas, prensa,… son menos visibles, pero están ahí y hacen mucha falta. La mayoría del alumnado se acerca a mí después de las sesiones y me dice «no tenía ni idea de que esto existía», que es exactamente lo que habría dicho yo hace unos años. Con que sepan que estamos ahí, me doy por satisfecha, para empezar.

Como las sesiones a las que me invitan suelen ser jornadas informativas, siempre intento que sean informales y que puedan preguntar lo que quieran en todo momento. Aquí a veces pasan cosas muy locas; una vez me preguntaron cuántas pelis de Nolan había distribuido y me dio la risa…

– ¿Qué consejo darías a los recién llegados al mundo profesional de la gestión cultural?

Qué difícil es dar consejos en un sector tan complicado como es el de la cultura… Creo que les diría que investiguen a fondo los campos que les gustan y encuentren su hueco y dónde poner un granito de arena. Hay muchos trabajos que no conocemos por ser menos mediáticos, como es el mío, pero eso no hace que sean menos necesarios. Y también que se animen a sacar proyectos adelante por su cuenta y a enfrentarse a la posibilidad del fracaso. Suena a consejo motivacional barato, pero es lo que me ha pasado a mí: yo no soy emprendedora por vocación, en su momento estuve buscando huecos en otros sitios ya existentes para trabajar como yo quería. Como no existían (o existían, pero no tenían espacio para mí), me creé el mío propio y trabajo desde él. Da miedo y es cansado, y por supuesto que hay mucho que depende de la suerte y de la situación (nunca diré eso de «si puedes soñarlo, puedes hacerlo», porque por desgracia no siempre funciona así), pero hay que partir del «al menos, lo intenté». Yo estoy en ello y no siempre es fácil, pero no me arrepiento.

– ¿Cómo te gustaría ver Distribution with Glasses en el futuro y qué proyectos te gustaría llevar a cabo?

A medio plazo, me encantaría ampliar el equipo de la distribuidora. Siempre se trabaja mejor en equipo y, una vez que el proyecto esté más consolidado (parece que va por buen camino), lo ideal sería poder contar con más gente de forma estable. Ahora hay mucha gente que me ayuda en múltiples tareas, pero será genial dar el paso de poder crecer un poquito, en cuanto sea posible.

Aparte de esto y de acceder a ayudas que nos ayuden a mejorar tecnológicamente de modo interno, la verdad es que mi mayor aspiración es que todo se mantenga como está: contando con la confianza de personas a las que valoro mucho a nivel profesional, creativo y humano, y trabajando en lo que nos apasiona.

«mi mayor aspiración es que todo se mantenga como está: contando con la confianza de personas a las que valoro mucho a nivel profesional, creativo y humano»

– Eres III Premio Impulso a la Trayectoria Profesional YANMAG ¿cómo te sientes con este reconocimiento?

No sabría por dónde empezar, porque se me hace raro haber ganado este premio, ¡hay tanta gente trabajando de un modo increíble en tantas cosas! Solo puedo dar las gracias a YANMAG por haberse fijado en lo que estoy haciendo y decidir que era digno de este reconocimiento. Me hace muchísima ilusión, podría dedicarme a decir solo GRACIAS diez minutos seguidos. El último año y medio ha tenido momentos difíciles (sé que todos los hemos tenido, y más en este 2020 de locos que llevamos), así que para qué vamos a mentir: que te den un premio por eso a lo que tanto tiempo y esfuerzo estás dedicando da mucho gustito. ¿He dicho ya gracias? ¡Gracias!

– ¿Cómo es tu tiempo libre?

Desde que soy autónoma tengo menos del que me gustaría, pero tengo la suerte de trabajar en algo que me permite asomarme a una de mis principales aficiones y decir que estoy trabajando, como es el cine. Además, tengo en el cajón proyectos de festivales, de divulgación sobre distribución, de cortometrajes en colaboración con otra gente… Poco a poco me marco ratos en mi tiempo libre para desempolvar esas ideas y ver cómo y cuándo podrían hacerse realidad. También tengo algo abandonada la música, así que entra dentro de mis planes retomar el violín y el piano, que hace años tocaba de forma más intensa. Obviamente, por esta maldita pandemia tampoco puede haber ratos con amigos, que es lo que más estoy echando de menos estos meses.

Aparte de esto, de lo que más disfruto es de la lectura y de los viajes, cuando se puede. ¡Ah! Y de dos gatos preciosos con los que vivo y con los que me encanta hacer la croqueta por el suelo.

– Un deseo que te gustaría se hiciera realidad

En 2020 parece inevitable desear, antes que ninguna otra cosa, que esta situación pase y que podamos volver a la normalidad cuanto antes. Conectado con esto, me encantaría que se diera a la cultura (en todas sus formas) el reconocimiento y la protección que merece. Sé que es tirar de tópico, pero si algo nos ha demostrado este año es que todos necesitamos la cultura y que esta nos acompaña siempre, así que ojalá hubiera un reflejo real de esto en el apoyo y reconocimiento que recibe. ¡Y que Distribution with Glasses siga formando parte de ese universo, desde el pequeño rinconcito que le hemos creado!

«si algo nos ha demostrado este año es que todos necesitamos la cultura y que esta nos acompaña siempre»

«me encantaría que se diera a la cultura (en todas sus formas) el reconocimiento y la protección que merece»

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